Análisis de Sailor Moon, personaje por personaje: Sailor Jupiter

A principios de este año, se anuncio una probable nueva adaptación del universo de Sailor Moon al anime.
La creadora, Naoko Takeuchi, ya ha tenido problemas con el viejo anime, creado en 1992, por razones de copyright. Esto provoco que por unos años, Sailor Moon no viese la luz en ningun lugar fuera de Japón.
Fue hasta el 2008, cuando la cosa se normalizo. Esto aunado a la salida de la serie Live Action en el 2003, que le dio un nuevo realce a la serie.

Sin embargo, como ha pasado actualmente con Dragon Ball Z, los fans de Sailor Moon siguen más vivos que nunca (entre los que yo me encuentro) y aunque tecnicamente el anime del 92 abarco todo lo del manga, ver una nueva serie, era el sueño de muchos.

Por suerte, hace dos meses, se confirmo que saldría un nuevo anime de la serie para el próximo año (aunque aun no se tiene en que temporada saldrá).

Por tal motivo, me dedicare a hablar de la serie, pero de pedazo en pedazos. Navegar por todo el universo que creo Naoko Takeuchi, en una sola entrada se antoja imposible, por lo cual me ire centrando en personajes y en situaciones o capítulos que hay que verse o recordar.

Según lo informado en el segundo evento en línea por el 20° aniversario de la franquicia, la nueva serie de Sailor Moon será estrenada en formato simulcast para todo el mundo el próximo verano sudamericano.
Específicamente, la web elegida será Nico Nico (donde ya había sido estrenada mundialmente en simulcast la serie Fate/Zero, entre otras), la que además ha emitido los dos eventos hechos por las celebraciones de aniversario de la creación original de Naoko Takeuchi.
Por su parte, el grupo idol Momoiro Clover Z, anunció que interpretará tanto el opening como el ending de la nueva producción, además de participar con una canción en el nuevo musical en vivo de la serie, que lleva como título "La Reconquista".
Si bien en el evento el editor original del manga, Fumio "Osa-P" Osano, no entregó grandes detalles, sí mencionó que aún no puede revelar el casting de actores y que, a pesar de que la serie noventera de Toei Animation sigue cosechando mucho éxito, "sería bueno hacer algo cercano al manga original".


Mi..ejem, gusto por Sailor Moon, inicio desde casi que aparecio el anime en México.

Durante la emisión de la Copa Mundial USA 94, parece que las cadenas de TV abierta se pusieron locas y comenzaron a dar ciertos puñados de anime al aire. Entre las series a destacar, estaban Dragon Ball, Captain Tsubasa y Saint Seiya.

Sin embargo, Saint Seiya estaba viviendo sus últimos coletazos, con la emisión de la saga de Poseidón, mientras Captain Tsubasa ya estaba teniendo su segunda repetición. Todo esto, durante 1995.

Ya para el siguiente año, justamente en febrero, las cosas se pusieron peliagudas. Saint Seiya había terminado, Dragon Ball estaba teniendo su segunda repetición y repentinamente quitaron a Captain Tsubasa de la TV.

Cuando parecía que entraríamos a una debacle, fue cuando Tv Azteca anunció "Sailor Moon", que me trajo reminiscencias de series ochenteras que había visto, como Gigi, Sandybell, etc. etc.

Y es que mientras Saint Seiya era presentada como la serie que había revolucionado el mercado europeo, Sailor Moon era la que había marcado un hito en Japón. A tal nivel, fue presentada a mediados de marzo de 1996.

Tecnicamente, la serie, pese a sus repeticiones, se emitió en el lapso de dos años y medio. Todo un hito, para ser una saga de 200 capítulos y bastante relleno.

Pero es que Sailor Moon, pese a ser una serie para niñas, tenía elementos que atraía al público masculino (aparte del diseño de los charas femeninos), sino también a adultos.

Aun hoy en día, el gusto por esta serie continua bastante vigente, al grado que los packs emitidos por Capital 8, al menos en México, han tenido cierto empuje, reclutando a las voces originales para que doblen escenas extras y las voces off en las mismas cajas metálicas.

Por mi parte, empece con bastantes reticencias a la serie. Era un anime enteramente para niñas, con tramas bastante simplonas. Pero la cosa comenzó a prender a partir de que aparecen el resto de las Seishi (Sailor Scouts como fueron conocidas aquí), ya que la relación de amistad y compañerismo entre las chicas (diferentes unas de otras), le dio gran juego a la saga. Tecnicamente, el capítulo cuando todas mueren contra Beryl, me hizo ponerme todo chipil.

Fuera de la trama simplona y los villanos estilo Sendai, lo que realmente le da punch a esta saga, son los personajes. Digo, algunas de las chicas fueron mi sueño guajiro cuando era un puberto achamacado. Y aunque el tiempo ha pasado y han ido perdiendo ese enganche, sigo teniendo cierta debilidad por uno que otro.

Makoto Kino (木野 まこと Kino Makoto?, conocida como "Lita" en Latinoamérica y como "Patricia" en España), alias Sailor Jupiter (セーラージュピター Sērā Jupitā?, traducido en España como "Guerrero Júpiter"), es un personaje ficticio de la serie de manga y anime Sailor Moon. Sailor Jupiter posee el poder de la manipulación de relámpagos, y cierto control sobre los árboles. Es miembro del grupo de Sailor Senshi del Sistema Solar Interno que protegen a Sailor Moon desde los tiempos del Reino de la Luna hasta el presente.

Mako-chan, Lita o Patricia, apareció en el episodio 25 de la primera temporada. En este capítulo, Serena por estar distraída, choca con unos pandilleros que tratan de sacarle dinero (y otras cosas). Makoto interviene y lejos de verse como una chica, solo de aspecto rudo, les da una soberana paliza, no solo en base a técnicas marciales, sino en fuerza.

Y es que uno al verla, destaca por su altura (1.70, cuando la estatura promedio de una japo es de 1.40 a 1.60), ni se diga por la mirada que lanza cuando esta molesta. Sin embargo, Serena se dio cuenta de que tenía un lado tierno, por el anillo de rosa que tiende a usar como pendientes.

Posteriormente, Serena la encuentra en su escuela y se da cuenta de que es una estudiante transferida. Debido a su físico, se dice que tiene cierta reputación, donde dicen que golpeo a unas compañeras (al estilo yankee), aparte de que usa el uniforme de donde viene. Pero a Serena, como siempre, le vale cuello esto y al platicar con ella, se ve que los chismes son solamente eso y que Lita no puede utilizar el uniforme de la escuela porque no le queda.

En fin, las dos van donde al Crown´s, donde Lita conoce a un chico que puede manipular la máquina de pinzas gracias al poder de un cristal arcoiris que tiene en su interior. Aquí vemos otra cualidad de la joven, que al ver a un chico atractivo, se enamora instantaneamente de él, diciendo que se parece a su superior (se dice que Lita se enamoro de un sempai y que esta la rechazo o quien sabe, nunca se sabe).

En la refriega, Serena ya como Sailor Moon, lucha con el chico convertido en demonio por el cristal, pero es salvada por Makoto que haciendo uso de su fuerza, lanza al tipo lejos. Allí Luna le dice que es una Sailor Seishi y la convierte en la poderosa Sailor Jupiter, ama de los relámpagos, con el cual paraliza a su oponente y Moon lo vuelve un humano nuevamente.

Tecnicamente, toda la forma de ser de la chica se resumió en este episodio. Makoto vive sola en un departamento, debido a que sus padres fallecieron en un accidente de avión (por lo cual tiene fobia a volar). Por lo cual, es habil para limpiar, hacer la colada (lavar ropa) y cocinar. En este último rubro, se destaca de manera formidable, al grado que su comida es la mejor de todo el grupo.

Sin embargo, parte de aprender esto, fue para impresionar a su superior. Un chico de otra escuela del cual se enamoro. Realmente no se aclara si salieron juntos o solamente tuvo un enamoramiento fugaz.  El detalle es que todas las relaciones posteriores que Lita llega a tener en la serie, son siempre relacionadas con este suceso...claro, salvo las lesbicas, donde se ve cierta intimidad más con Ami o con Haruka.

Por suerte, este último evento, solamente era un intento de Makoto de emular a Haruka, ya que la considera un modelo a seguir, por la mezcla de femenidad y de fortaleza que ella quisiera tener.

Y es que Mako esta bien consciente que su aspecto la hace ver un tanto atemorizante, pero en la serie de anime se ve con atuendos bastante femeninos, a la par que combina moda de un chico (vistiendo pantalones y gorra, con el cabello recogido).

Con relación a las otras chicas, Makoto tiene una excelencia amistad con Serena, ya que ella la acepto sin miramientos, así igual con Ami, que igual llego a simpatizar. En el caso de Minako y de Rei, la cosa era un tanto rispida al principio, porque el carácter de Rei es parecido al de ella y tuvieron fricciones. En el caso de Minako, le llego a envidiar por su físico y manera de ser (aunque claro, esto se termino borrando, cuando hicieron a Mina, la payasa del grupo...salvo por ese episodio de Super S. Ejem, divago...).

Ya como Sailor Jupiter, la fuerza de Makoto es increíble, al grado de poder cargar cosas sumamente pesadas, así mantener una adecuada velocidad. Es una experta en artes marciales de primer nivel y es la que tiene el mejor nivel de combate de todas las "Inner", aunque apenas su fuerza es suficiente contra las Outers Seishi.

En el caso de sus poderes, tiene la capacidad de invocar los relámpagos, de allí que sus ataques sean meramente eléctricos (Trueno de Jupiter, Centella Relampagueante). Salvo por el último ataque, que es más de energía natural (Hojas de Roble).

En el rubro de voz, su seiyuu fue Emi Shinohara, que es conocida por su versatilidad para hacer voces dulces o rudas. Tal vez por esto, Araceli de Leon fue escogida para darle su voz en Latinoamérica. Esto la hizo ser sumamente emblemática, al grado que se apela a que su hija, Mariana Ortiz (y que de repente tiene un tono de voz parecido al de su madre), repita su papel a futuro.

A título personal, es mi Sailor Seishi favorita :3. Literalmente me enamore de Lita cuando la ví por primera vez y me quito algo del embrutecimiento que sentía por Ami.

Tal vez sea mi lado masoquista, pero el contraste entre sus dos personalidades es de lo más atrayente, ya que por un lado tiene un carácter fuerte, pero también es sumamente dulce y calida. Claro, en su momento me pareció genial que fuese tan leal a su sempai, pero ya pasado un rato de psicoterapia, te das cuenta de que la chica tiene problemas (pero bueee...es adolescente, se entiende).

Aparte de sus otras habilidades, que van desde las artes marciales hasta la cocina. Eso la hacía sumamente completa. Aunque tenía las rarezas, eran mucho menos que las del resto de las chicas.

Y por supuesto, su físico la hacía muy atractiva. Esto inclusive lo demostró en un episodio donde audicionaba para una obra de teatro (al fin al cabo, soy hombre, ¿Eh?), y su transformación era de las más sexys, al grado que fue censurada una parte de la misma en la emisión gringa.

En fin, Sailor Jupiter sigue siendo de mis amores platónicos del anime. Me quejaría, pero puedo decir que mi esposa tiene muchas de sus características (salvo del sempai, gracias a Dios).

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Saludos a mi Jupiter ;), así a quienes gustan de Sailor Moon.

Rolas de los ochentas: ¿Por que no había hecho esto antes?

Hace un par de días, estaba con mi esposa, entre viendo la TV con ella y checando cosas en el internet (seh, no me puedo estar quieto mucho tiempo).
Al estar revisando videos del "tubo", me di cuenta de que había una buena recopilación de las mejores canciones de los años ochentas y noventas, pero año por año.

El autor de tales videos, solo mostraba fragmentos de 5 a 10 segundos y realizaba un conteo muy personal. En mi caso, me ayudo de manera significativa, no solo a buscar más canciones de aquellas épocas, sino también a darme cuenta de lo excelente que era la música. Claro, esto lo digo a nivel personal, porque luego escuche en un podcast, que la producción musical de los ochentas fue realmente mala. Y si somos estrictos, tecnicamente lo fue, porque el ritmo siempre fue el mismo, así las letras eran de lo más cursilonas posible.

Comparar estos años con la década de los sesentas y setentas, no tiene caso, porque no hubo otro grupo como Los Beatles, The Who o los Rolling Stones. Todos fueron artistas de la onda "plastica", prefabricados, para verse y sonar bonitos.

Por eso, mi gusto por estos años, siempre será más de nostalgia, que de calidad. Y por tal motivo, esta entrada va dedicada a unas cuantas canciones que marcaron aquellas bonitas épocas.


-Nothing's Gonna Stop Us Now - Jefferson Starship

El grupo Jefferson Starship tiene una historia bastante extraña. Eran originalmente conocidos como Jefferson Airplane, una banda de rock tipo psicodelico, que fue muy popular en los años sesentas. A finales de los años setentas, algunos ex-miembros decidieron escindirse y formar la Starship, que cambio el ritmo rockero a meramente popero, ajustandose a lo que iba a marcar los ochentas.
Una de las rolas emblemáticas de este grupo, fue esta, que fue incluida en la película "Me enamore de un maniquí", que fue muy popular en 1987 y genero al menos dos secuelas, de mediocre calidad.
Debo decir a título personal, que la rola es estupenda, gracias en parte a la voz de Grace Slick.


-Together Forever - Rick Astley

Rick Astley fue muy conocido a finales de la década pasada, no por haber sido una leyenda de los años ochentas, sino porque sus canciones en forma de parodia "Rick and Roll", que consistía en poner trozos de sus canciones en situaciones extremas, en forma de videos virales, fueron todo un hitazo (y una mera forma de fastidiar a todos). Fuera de esto, no se le puede negar el talento a Astley, que con su vocerron, pese a su corta estatura y su aspecto de niño bueno, le dio gran realce a sus rolas, así combinando con un estilo bastante soso de moverse mientras canturreaba en los videos (eso y que aparte vestía bien, lo cual le daba cache entre las jovenes). Personalmente, prefiero esta, porque es más ritmica que "Never Gonna Give Up".


-Tarzan Boy - Baltimora

El genéro italo-disco de los años setenta se considera el padre de la música electrónica de baile que impero entre los noventas y la década pasada (como Daft Punk). Una de las rolas emblemáticas fue "Tarzan-Boy", que fue un exitazo en Europa a finales de los ochentas. Pero fue hasta que apareció en varios comerciales y en la pelicula de las Tortugas Ninja, cuando se hizo bastante popular.
Creada por el grupo Baltimora, siendo la cabeza Jimmy McSnane, siempre se especulo si la letra de la misma no era un himno a la homosexualidad oculta de McSnane, que lamentablemente fallecio de SIDA a mediados de los noventa. Personalmente, la rola la encontre a principios de los noventa, en una feliz coincidencia y sigue siendo de mis favoritas de aquí a la fecha.


-Glory of Love - Peter Cetera

La saga de Karate Kid fue un hitazo en los años ochentas. Aunque la primera ha sido la mejor de todas, y la tercera la peor, la segunda destaco no solo por tener una historia más original, sino por una banda sonora de buen nivel. Sin embargo, la rola emblema de la peli, interpretada por Peter Cetera, ex-vocalista del grupo Chicago, es realmente quien levanto la publicidad con respecto al film.
Hace 10 años, logre conseguir el video original cuando en Tv Azteca les dio por poner especiales románticos, con razón del lanzamiento de antologías de ese tipo. Una de las rolas escogidas, fue justamente esta, que se ha vuelto una de mis favoritas, a nivel romántico. Digo, la letra es fantástica ("Soy un hombre que luchara por tu honor").


-Neverending Story - Limahl

Es de las canciones que pase 10 años buscando, hasta que logre ubicarla en un cassete de música ochentera a finales de los noventas. Aunque ya había escuchado la canción en la peli "Historia sin fin", tener la melodía a cargo de Limahl, que la interpretó por alla de 1984, fue uno de mis grandes triunfos, ya que no paraba de ponerla una y otra vez.
No niego que la peli me gusta más o menos, pero esta canción esta en otro nivel. No solo tiene una letra y una musicalización única, sino también el ritmo de la misma. Es de esas canciones de los ochentas, que marcaron una época. Lastimosamente, con tanto remix de la misma, se ha ido perdiendo parte de la esencia de "la historia sin fin".


-Never - Heart

Heart fue una banda rockera, la primera con contar a puras damas, por alla de principios de los años ochentas. Aunque ya tenía ciertos admiradores y varios discos en las primeras posiciones, fue hasta que el grupo decidió redefinir su imagen y el tipo de sus rolas, para orientarse más a un rock-pop más conocido. De allí que saltaran a la fama con varias rolas que combinaban un ritmo fuerte, pero con letras de lo más rosas. Una de ellas es esta. Aunque Alone es buena, Never la supera con mucho, no solo por la letra, sino por los crescendos que se dan de la misma. Igual se pueden conseguir varias versiones de la misma, pero me gusta más una que salió recientemente, donde se moderan más al cantar algunas notas.


-Living on the Prayer - Bon Jovi

Lamentablemente, las generaciones actuales solo conocieron cierta etapa del buen Jon Bon Jovi, de allí que digan que la rola "It´s my life", sea de las mejores del grupo-cantautor. No obstante, antes de esta, hubo una temporada donde Bon Jovi era melenudo y cantaba al estilo de Aerosmith. Y fue donde tuvo sus mejores éxitos, en especial con una de las rolas emblemas de los ochentas, que es justamente esta.
Digo, esta canción tiene lo que me gusta: una buena letra, un buen crescendo, una buena instrumentación, donde se resalta en el coro del minuto 1:30 en adelante. Esto sí era música y no lo que escuchamos ahora.


-Like a Prayer - Madonna

 No voy a entrar en polémica con el video de la canción, que inclusive fue criticado por varias asociaciones religiosas. Madonna siempre ha sido polémica y eso es parte de su punch en sus canciones. Aun cuando esta rola casi estuvo a finales de los años ochentas (1989), marca ese estilo de la época para crear no solo revolución, a nivel social, sino también a nivel musical. Madonna hace una estupenda rola donde mezcla el gospel, con su estupenda voz y los ritmos de aquella época, para crear una rola que es harto emblemática. Digo, los coros, como la instrumentación es de primer nivel, reservando siempre el crescendo hasta los últimos dos minutos de la rola.


-Time after Time - Cyndi Lauper

De las canciones emblema de los años ochenta, es casi un himno a aquella desenfadada época. Hay que destacar que Cyndi Lauper, fue una de las artistas que más duro durante esos años, teniendo rolas desde principios de los ochentas, hasta finales de los mismos. Es curioso que la bajara un par de años, antes de que los promos de la Coca-Cola de la cadena Cinemas Lumiere la estuviesen utilizando de manera frecuente.
Aparte, destaco la voz de Lauper, que logra darle un sentimiento realmente profundo a la rola. Generalmente la pongo cuando ando algo depre o para ponerme nostálgico (como dato curioso, me pongo chipil cuando la oígo. Supongo en algun momento la escuche cuando era morrillo).


 -Africa - Toto

Rola de rolas, canción de canciones. Es una de las mejores que he escuchado en mi vida, con eso lo digo todo. Mi historia con esta melodía salió a principios de mi carrera. Ya había escuchado de ella antes, pero fue cuando pasaron un ciclo de videos en el canal local de cierta ciudad de provincia, pude grabarla y así repetirla como unas 500 veces al menos.
Creada por el legendario grupo Toto, que ya había destacado a finales de los setentas, fue con su album Toto IV, cuando lograron dispararse hasta la cima y lo confirmaron con esta canción, que fue al menos hit 2 en muchos países de habla inglesa.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades ^^, así a quienes gustan de este tipo de música.

Chavez: el primer videojuego dedicado a un mexicano

Hace unos días, volví a ver la segunda temporada de Hajime no Ippo, a raíz de los eventos que han sucedido en el larguísimo manga de George Morikawa. Aunque la pelea entre Takamura y Hawk es espectacular, la de Eiji Date contra Ricardo Martínez, el invicto campéon mexicano, fue aun más épica, por el grado de dramatismo de la misma.

Fue cuando me puse a leer más sobre el "antagonista" principal del manga. Martínez es conocido como el Supercampeón, el más grande que existe en el mundo que creo el maestro Morikawa.

Se dice que la principal inspiración de este superboxeador, fue Ricardo "El Finito" López, campeón mosca y minimosca de los distintos organismos, que aparte se retiro invicto hace unos cuantos años.

Sin embargo, si somos más objetivos, la verdadera inspiración sería Julio César Chávez, el llamado "César del Boxeo", ya que es considerado uno de los mejores boxeadores mexicanos de todos los tiempos, llegando a tener más de 100 peleas en su record y ostentando más de 90 victorias.
Fue tal la fama que logro Chávez a principios de los noventas, que inclusive Nintendo se intereso por su carrera y lograron, mediante Itochu, que entonces tenía una fuerte presencia mexicana, sacar un videojuego basado en este éxitoso peleador.

En 1994, el fabricante American Softworks realizó el juego titulado ‘Chávez’ y fue una modificación o adaptación mexicana del título ‘Riddick Bowe Boxing’, en honor al ex campeón mundial de los pesados Riddick Bowe, aunque cabe mencionar que esta última fue también similar al juego sacado ‘Evander Holyfield’s Real Deal Boxing’.


Tal como dice la reseña, en realidad el juego de Chávez fue un derivado del juego de "Riddick Bowe Boxing", que saco la productora gringa llamada American Softworks, esto en 1992.
Fue tal el revuelo que causo la promoción de este juego, que inclusive la revista Club Nintendo le hizo una portada al juego, así dedico varias hojas a entrevistar al campeón, así hablar con el fabricante, sobre lo que tendría el juego.

Y aunque el juego resultaba ser una derivación, en realidad tenía un altísimo nivel, lease, su movilidad y modo de juego eran bastante divertidos.
Al iniciar el juego, tenías la opción de elegir una de las carreras ya iniciadas, o crear un nuevo peleador.
De allí podías elegir el color de calzon, guantes, así inclusive el de piel, como el nombre, para luego "pulir" sus habilidades, de acuerdo al gusto: resistencia, velocidad o poder. Claro, no podías tenerlo todo al máximo, había que sacrificar uno de los rubros por el otro (aunque hay un truco que se salta todo eso, pero lo diremos más adelante jeje).

Miren los patrocinadores (Sabritas y Pepsi) ¿Curioso, no?

Ya con tu peleador, iniciabas en el ranking 25 y nuestra meta es ir peleando contra los boxeadores que estan arriba de tí. Claro, comienzas del más débil al más fuerte, que es el invencible Chávez.
Durante los encuentros, de acuerdo a tus parametros ya establecidos, eras lento o veloz, poderoso para bajar la barra de energía del oponente o al contrario, resistir tu los embates del enemigo, ya que este tenía habilidades diferentes.

Para esto, contabas con diferentes tipos de golpes, desde los rectos que son rápidos, pero débiles, hasta los "volados", que son más poderosos pero lentos, así inclusive combinar botones con el pad, para lanzar ganchos. Con estos golpes, no solo bajabas la energía del oponente, sino también le ibas creando una contrabarra "gris" que le impedía llenar su energía del todo (ya que sino lo golpeabas, la barra no se quedaba allí, sino de acuerdo a la resistencia, volvía a llenarse).

Esto lógico, le daba un aire más realista y fatigosa a la pelea. Particularmente, cuando comence a jugarlo, los dedos de la mano se me cansaba horrible, porque si parabas de golpear, el rival te atacaba o inclusive contratacaba aun pese a tirar golpes. Claro, tu podías elegir o él, para pegarte en la cara y en el abdomen. Mientras él primero te bajaba mucha energía, solo un golpe a la cara podía tumbarte.

También aplicaba las reglas del boxeo, ya que si lograbas tirar a tu oponente en 3 ocasiones en un roud, la pelea terminaba.
Ante tal esfuerzo, si le ganabas a tu rival (o perdías), te recompensaban con diferentes ítems que aumentaban tus parámetros, desde la pera que podía darte velocidad, hasta el megagimansio, que podía subir todas tus habilidades de golpe.

Y aunque sonaba sencillo pelear para llegar con Chávez, así pulir tus habilidades, tampoco podías tardarte tanto, ya que después de cierto número de peleas, tu peleador comenzaba a encanecer y eso significaba que tus habilidades comenzaban a disminuir más rápido o que los ítems de recuperación ya no te ayudaban tanto, lo cual te forzaba a retirar a tu peleador.

 Yo particularmente me divertí como enano con este juego. Claro, se requiere de una cierta habilidad con los botones para no cansarte. Tampoco niego que podías hacer cierta trampa, con lo cual podías golpear a tu oponente de manera continua, gracias a cierto error del juego. Sin embargo, esto le quitaba mucha diversión y lo hacía muy repetitivo.
En cambio, si te enfocabas en crear una técnica de golpeo, más realista, cierto que te pegaban, pero tú también y eso hacía mucho más divertida la partida.

Otros datos curiosos del juego, era la escasa música del mismo. Durante la pelea, solo escuchabas los gritos de los boxeadores, así los programadores tuvieron la peculiaridad de incluir frases en español, por lo cual podíamos escuchar "pegame", "te voy a ganar", con ese tono tan chicano característico xD.

Tal vez de las cosas que si podían causar alguna ambivalencia, eran los peleadores a los cuales te enfrentabas. Como el juego no era avalado por ninguna organización de boxeo, los peleadores eran inventados e inclusive, tenían el nombre de algunos directivos de Nintendo y de gente de la revista Club Nintendo (que en cierta manera, ayudo en la traducción, ya que los textos de comando venían en español). Lo cual podía resultar simpático y por otro, algo fastidioso.

En fin, "Chavez", fue de esos juegos atípicos de la SNES, que no tuvieron tanto éxito, y solo fueron enfocados en un mercado muy local. Sin embargo, fuera del ficticio e hiperrealista Super Punch Out, fue uno de los mejores juegos de box de la consola y que pese a tener una secuela, no tuvo el mismo impacto que este. Bastante recomendable para tenerlo en la consola, como un juego de recuerdo, o en el emulador del mismo.

Por cierto, como dato final, hagan la prueba de poner "Axy" o "Spot", como el nombre de su boxeador. Les traera una agradable sorpresa :3.

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Saludos a mi Kikyo :3 (guiño, guiño), así a quienes gustan del boxeo.

Slender Man: una reciente leyenda urbana.

Hace un par de semanas, estaba supervisando a varios de mis "Kohai", con respecto a ciertas historias clínicas que se deben entregar (seh, cuestiones de enseñanza y de trabajo, según el reglamento).
Fue cuando me comentaron un caso sobre un chico que tenía bastante ansiedad, y que había desarrollado ciertos miedos, en especial a algunas cosas que había leído en internet (oh, bendita comunicación).

Una de ellas, fue del dichoso Slender Man, que el pobre muchacho había relacionado con el "viejo del costal", una leyenda de miedo bastante difundida en nuestro medio.

Ya había igual escuchado de esta cosa en uno de los podcasts del Engel, donde era un sujeto bastante delgado y que aparecía de improviso en ciertas fotos. Estaba relacionado con el terror y el miedo hacia los niños, a los cuales termina secuestrando (de allí su relación con el viejo del costal).

Por tal motivo, esta entrada se va a enfocar en lo relativo al "Slender Man", pero aparte un estudio psicoanálitico corto sobre porque figuras como estas, aun pese a la tecnología actual, siguen perdurando hasta la fecha.


The Slender Man (En español El Hombre Delgado, también conocido como Slender Man o Slenderman) es un personaje ficticio que se originó como un meme de Internet creado por el usuario Victor Surge en los foros Something Awful en 2009. Es representado como lo que parece un hombre delgado, anormalmente alto con un rostro blanco y sin rasgos faciales, y que lleva un traje negro. 


¿Cual es su historia?

Según la leyenda urbana, fue creado por un usuario, Victor Surge, de los foros de Something Awful a mediados del 2009.
Como es normal en tales foros, siempre hay concursos, dependiendo de la naturaleza del mismo. En este caso, fue hacer un reto donde se editaban fotos para que tuvieran cosas sobrenaturales o de espanto.
El usuario aporto dos fotos, donde mostraba al famoso Slenderman, pero aparte de esto, también añadio relatos para darle más contexto.

Fue tal el impacto del Slenderman, que otros usuarios en el foro, también comenzaron a crear sus propias imagenes modificadas, metiendo al bichajarro, siempre rodeado de niños o en situaciones donde parecía vigilarlos. Rapidamente, se volvió un "meme" del internet, lease, un rumor que se esparcio tan rápido, que para el 2011, las imagenes donde se mostraba al Slenderman, eran muchísimas, por lo cual inclusive varios canales en el "tubo", como Marble Hornets, Everyman Hybrid y Tribe Twelve, se encargaban de poner videos donde se veía al Slenderman.

Esto a la larga, genero aun más expectación al respecto, al grado que salió un juego donde tenías que juntar cierto número de premios, evitando encontrarme con el Slenderman o morirías. Inclusive, se ha rumorado que saldrá una pelicula basada en este mito.

¿Pero como es físicamente?

Consiste en un sujeto alto, palido, con un rostro blanco, sin ojos o boca, que aparece en el fondo de las fotografías. Viste como un hombre de negro, y a veces se le retrata con tentáculos, sea que salen de las manos o de la espalda.
Siempre aparece en el fondo de las fotos y de los videos, con una actitud vigilante. Se dice que se puede hacer invisible y que solo los niños (los cuales acecha o secuestra o mata) pueden verlo, no los adultos.
Inclusive, cuando tratan de filmarlo más de cerca, una distorsión aparece, mostrando que tiene ciertos poderes que puede manipular las cosas electrónicas.
Se dice también que puede inducir a la locura, ya que quienes lo ven, se quedan trastornados o mueren de la impresión.
También se le atribuyo propiedades de magia negra, como el mal de ojo, porque se dice que personas que son acosadas por este ente, llegan a sufrir desgracias, tanto emocionales como físicas.

¿Que era lo que agrego el autor a las fotos?

Se supone que la foto fue rescatada de una vieja biblioteca que existía en Stirling, California, pero que fue devorada por el fuego en un incendio que asolo a la región. Según las historias, la foto fue tomada en los años ochentas, por una señora que pasaba por allí. Lo que extraño fue ver a un sujeto alto, vestido con traje, sin expresión en la cara, que parecía observar a los niños. No se pudo averiguar más al respecto, porque posteriormente, todos los niños de la imagen, así quien la tomo, desaparecieron misteriosamente.

Aunque este ha sido considerado un meme del internet, es decir, una historia reciente, en realidad el mito del Slenderman tiene muchas reminiscencias a criaturas que acechan a los infantes. Ya había comentado lo del "Viejo del Costal" que vemos aquí en México, pero en otros países hay leyendas similares.

-The Grossman: Éste (“hombre alto”) era un humanoide altísimo y aterrador que vivía en los bosques y se llevaba a los niños que se portaban mal. La leyenda es de origen alemán y, o bien es falsa, o bien no se puede encontrar información fiable sobre ella en la web, ni siquiera en alemán. Su relación con Slenderman implica a unos grabados hechos en 1540 por Hans Freckenberg: en uno se ve a un caballero medieval luchando con un esqueleto de extremidades anormalmente largas, en otro se ve a un esqueleto semejante llevándose a unos niños. Se cree que el esqueleto es una representación de The Grossman. Supuestamente, Hans desapareció (creen que se lo llevó The Grossman) sin razón aparente en 1543, y los grabados fueron hallados en el Halstberg Castle a la fecha de 1883.

-El Clutchbone: En la versión inglesa (la más importante), esta criatura tiene figura humana, es muy alta, tiene la piel negra y la cabeza omite una especie de fuego, a manera de antorcha. Al Clutchbone se le atribuían desapariciones, muertes por incineración y desmembramiento. Su origen se remonta a comienzos del siglo XIX y está ligado a la aparición de rayos globulares (este fenómeno natural efectivamente puede ocasionar muertes e incendios).

.El Wendigo: La leyenda del Wendigo es real y su origen se remonta a las antiguas tribus de Canadá y Estados Unidos.

-El Hupia: En la mitología taína el hupia era el espíritu de una persona muerta. A los hupias se les atribuía la capacidad de cambiar de forma y se creía que algunos solían secuestrar gente de noche.

-El Noppera-bō: Es un tipo de fantasma de la mitología japonesa. Generalmente aparece con forma humana, sobre todo de bella mujer. Es inofensivo, pero asusta porque sus facciones se van borrando hasta que sus caras quedan blancas, como la de Slenderman.

-Mikoshi-nyudo: Al igual que Slenderman, este ser de la mitología japonesa es un ente individual, presentando además importantes semejanzas. En efecto, el Mikoshi-nyudo es alto y flaco, y crece más y más si lo miras, pudiendo volverse más alto que los árboles y ocasionando tu muerte si lo miras demasiado tiempo.

-El alû: No tiene rostro, es mitad-humano y mitad-demonio, y su origen se remonta a las antiquísimas creencias acadias, sumerias y babilonias. Además, atormenta a los seres humanos mientras duermen, y puede paralizarlos si los mira, quitándoles el habla y hasta la conciencia.

Inclusive, el mito del Slenderman se la ha llegado a identificar con el "Tulpa", una suerte de teoría del misticismo donde niños o personas que tienen un gran poder psíquico, pueden generar un ente, resultado del miedo o de emociones negativas.

Si lo vemos así, tiene muchísima relación con la explicación psicodinámica sobre las fobias o miedos a los monstruos en los niños (y algunos adultos).

Según Freud, el miedo es el resultado de dos factores que estudio. El primero era el temor a la castración. Lease, los miedos estan relacionados con la ansiedad que siente el niño durante el complejo de Edipo (que ya sabemos es el amor desmedido que siente el niño por la madre, o la hija por el padre). Sin embargo, al darse este amor, el padre o madre interviene para romper este amor y darse un contexto de realidad.

Es decir, todos tenemos la fantasía de tener el mundo perfecto que nos ofrece nuestra madre o padre. Sin embargo, en cierto momento de nuestra vida, no podemos seguir siempre en ese mundo utópico, tenemos que salir de ello y enfrentarnos a la cruel realidad. Si lo comparamos con la religión, sería como la expulsión de Adan y Eva del paraíso. Si lo vemos con el camino del héroe, es cuando este tiene que abandonar la seguridad del hogar para vivir la aventura.

Quien se encarga de esto, es como se dijo, el padre contralateral. Pero lo que se usa como "herramienta" para ello, siempre es la amenaza de la castración. Es decir, que perdamos el falo que nos da seguridad y poder (en el caso de la mujer, la amenaza se dio desde un principio, haciendo ver a la mujer como ejemplo).

Sonará extraño, pero el niño expresa esta ansiedad como una fobia o un miedo hacia una cosa en específico. No puede decirle directamente al padre "no me cortes mi pene", porque también lo quiere, así que lo expresa de otra manera y es con una fobia o un miedo.

De allí que los niños de 6 años en adelante, le tengan pánico a alguna cosa. En otras palabras, el Slenderman, así las otras figuras vistas, son simbolos de la castración, de que estos seres nos visitarán porque hemos sido niños malos. De allí que estas figuras sean objeto de estudio y de cierto respeto en muchos contextos. Digo, quien no recuerda de niño, cuando al portarnos mal, papá o mamá nos decían "va a venir el viejo del costal por ti".

Esto aparte, tiene un contexto aparte porque Freud luego reestructuro el miedo hacia la simple ansiedad de perder la vida. En todo el caso, es lo mismo, porque el niño aprende a simbolizar y expresar la ansiedad o el miedo hacia otra cosa, para evitar enfrentar el mismo terror.

Como sea, el Slenderman es una buena fuga para una ansiedad no expresada y que es la actualización de los mitos vividos, no solo por nuestros padres o abuelos, sino por nuestros mismos antepasados.

Creepy.

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Saludos a la dueña de mis quincenas, así quienes gustan de las leyendas urbanas.
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El llanero solitario: ¡Jayo Silver!

Llevo un mes tratando de reseñar "The Lone Ranger", pero por "X" o "Y" motivo, siempre la he tenido que dejar atrás. Pero últimamente ha sido más por flojera que por otra cosa.

¿La razón? Es que no niego que el Llanero Solitario formo parte de mi infancia, pero de esos momentos que casi no recuerdo. Así que todo esta entrada, se queda reducida a solo a comentar la pelicula y ya, no puedo dar más contexto, que el notar que la Opertura de Guillermo Tell de Gioacchino Rossini, es de los pocos datos culturales que puedo aportar al respecto.

En fin, vamos a la reseña y luego hare un pequeño comentario sobre sus coincidencias con John Carter (y no solo como fracaso económico).





The Lone Ranger (titulada en países hispanohablantes como El llanero solitario) es una película western de acción dirigida por Gore Verbinski que fue estrenada en los Estados Unidos el 3 de julio de 2013. Distribuida por Walt Disney Pictures, está basada en la serie televisiva del mismo nombre ambientada en el Viejo Oeste americano. Armie Hammer es el protagonista y Johnny Depp es quien interpreta a Toro.

Disney siempre se ha caracterizado por "crear" o revitalizar personajes emblemáticos, pero con una estructura moral bien definida. Lease, crear los tipicos héroes que siempre luchan por la justicia.

De allí que hallamos vistos desfilar a personajes como David Crockett en las pantallas y en los cines en los años sesenta. Claro, nadie ha cuestionado que este sujeto, pese a su característico sombrero de mapache, en realidad era un mercenario y que se ajusticio a varios mexicanos en la batalla del Alamo, solamente para tener más tierras (tal como le había prometido el gobierno gringo).

En fin, que como ocurre en la historia mexicana, Disney en un momento trato de exhaltar a ciertos personajes, para no solo tener valores para la juventud, sino generar ganancia. Claro, la posición extremo-derechista del estudio (para empezar con Walt Disney, que dicen simpatizo con los nazis), se ha mantenido a la fecha, aun pese a que se ha dicho que el estudio ha tenido ciertas modernizaciones. Pero no olvidemos los comentarios recientes de Milley R. Cyrus, sobre el trato que recibio de Disney cuando le crecieron las bubbies. Claro, no hay a quien creerle, pero senta un precedente.

¿Y por que hablar de esto con el Llanero Solitario? Bueno, porque este personaje forma parte de ese imaginario de la radio y TV gringa de los años treinta. Comenzó siendo un programa radial, donde los niños se pegaban al radio a escuchar las aventuras del susodicho justiciero enmascarado y de su fiel amigo "Toro" (sí, Toro, como se llamo aquí en Latinoamérica, no Tonto como en EUA). Claro, esto nos recuerda igual a los radiales que se emitieron en los sesentas en México, sobre las aventuras de Kaliman, jeje.

Como sea, no hay que negar que el Llanero Solitario inspiro a la chaviza entre los treinta, hasta los cincuenta, cuando el lanzamiento del Sputnik, cambio los vaqueros por astronautas y viajes al espacio. Cualquier similitud con Toy Story, es mera coincidencia (aja, aja).

Por suerte, el genero de vaqueros, pero más adulto, se revitalizo con la llegada de Sergio Leone, Clint Eastwood y mucho espaguetti.
Por eso, tal vez a Disney le parecio buena idea revitalizar el cine de vaqueros, con una pelicula que no cayera en las mismas loqueras que Wild Wild West (exceso de steam punk, aunque a mi me encanta la peli hasta la fecha).

Y lo mejor, es que teníamos a Johny Depp, que es el encanto de muchas damas y que es sinónimo de buenas actuaciones.

Pero antes de analizar sus fortalezas y debilidades, ¿Que onda con la historia?

John Reid es un prominente abogado que va en un tren especial, donde un peligroso forajido, Butch Cavendish, es llevado a Texas para ser ajusticiado. A él, lo acompaña otro proscrito, un comanche llamado Toro. 
Los hombres de Cavendish asaltan el tren y logran rescatar a su jefe, y es donde Reid y Toro se conocen. El primero, con ayuda de su hermano, un Ranger de Texas, van en la busqueda de Cavendish, no sin antes despedirse de la atractiva esposa de su hermano. Lastimosamente, los dos hermanos son traicionados y el grupo de Rangers son muertos por Cavendish. 
Sin embargo, John sobrevive, gracias a los cuidados de Toro. Este le promete venganza, aunque Reid tarda en entenderlo, ya que por su moral, no liquida a los hombres de Cavendish. 
Durante el seguimiento, Reid y Toro se pierden, llegando con una tribu comanche, que cuenta el pasado de Toro y porque se volvió "loco". Ambos finalmente llegan a una mina de plata, que esta en pleno territorio comanche y donde Cavendish tiene tratos con el hombre rico del pueblo, provocando una guerra entre comanches y el ejército gringo.
Toro y Reid, ahora llamado "Lone Ranger", unen fuerzas pese a sus diferencias, para detener el tren con la plata que encontraron en la mina, mientras rescatan a la damisela en apuros (la cuñada).

Aunque la historia puede ser sencilla, de antemano vemos el primer problema para la peli y es la duración de la misma, que fue de dos horas y media.
A mi no me parecio larga, pero no niego que el ritmo de algunas escenas es sumamente lento y en otras, tan acelerado y poco explicado, que la pelicula queda rabona y peluda por momentos. Esto vino a sentir que la peli era mucho más larga (en especial lo noto mi esposa).
Lamentablemente, muchos momentos que podían haber tenido continuidad, se perdieron posteriormente y yo especialmente me quede con ganas de ver ciertas cosas que mostraban y luego se quedaban allí, sin más.

Curiosamente, no puedo decir lo mismo de los personajes. Todos me parecio bastante bien construidos, con sus propias motivaciones y convicciones. Desde John Reid (El llanero solitario), hasta el mismo pasado de Toro, me parecio apropiado. Inclusive, el fugaz personaje de Helena Boham Carter, también me parecio bueno, con su pierna de marfil (vaya con los fetiches de los hombres en aquella época).
Sin embargo, darle tanto realce a los personajes, también contribuyo a que la pelicula se tornara pesada por momentos y no tuviera el ritmo ya comentado.
El problema más importante con los personajes, es el del mismo Toro. Definitivamente, el papel emblema de Depp fue Jack Sparrow. Pero ha sido tanta la quemazón que ha tenido con él, que sus posteriores actuaciones, al menos con maquillaje, han sido meras copias del mismo, con los mismos ademanes y formas de ser. Solo falta ver su chara en "Sombras Tenebrosas", que pese a ser un vampiro, tenía actitudes de Sparrow, ni se diga Toro, que es solo un Sparrow maquillado y con ciertas estereotipias, como el de alimentar a su cuervo muerto.
El que destaco por su caracterización, tanto física como mental, fue William Fichtner. Su papel de Butch Cavendish fue estupenda. Era un villanazo de primera y me gustaba bastante su presencia.

En cuanto a la acción y los efectos especiales, me parecieron buenos. El problema es que la acción no estuvo bien distribuida. Había muchísima al principio, muy poca enmedio y demasiada en lo último. Claro, no puedo quejarme del último tercio de la peli, que me parecio emocionante, ya que la música de Guillermo Tell, con las propias acrobacias de los protagonistas en el tren, me parecio genial. Y lo mejor, es que tenía esos momentos propios del serial televisivo, donde el Llanero solitario rescataba a la chica en apuros, mientras Toro hacía de las suyas por su propio lado, poniendo dinamita o atacando a los rivales de turno.

Hablando de esto, los guños a la serie clásica son bastantes y bien acertados, creando una especie de mitología propia, sin ser una vulgar copia y ya.
Inclusive, como el mismo Toro toma los elementos que van a conformar al Llanero Solitario, me parecieron adecuados. Lo de la máscara tiene reminiscencias durante toda la pelicula, ya que no solo es una forma de preservar la identidad, sino también de asumir una posición de Vigilante, más que de un héroe (que me recordo más que nada a la posición del Zorro de Johnston McCullen: un forajido puede hacer más que un hombre de ley).
Como dato curioso, la aparición de "Plata", el fiel caballo del Llanero Solitario, así como sus posteriores intervenciones, me parecieron de lo mejor de la peli. Ya que aparte de usarlo como elemento cómico, también lo mostraban casi como un personaje más, con una inteligencia muy particular.

La música de Hans Zimmer me parecio adecuada. Sencillamente se puso adaptar los temas del Llanero Solitario (la famosa abertura de Rossini), aunque también reciclo temas de "Sherlock Holmes", en especial cuando van a la cantina de la Helena Boham Carter.

En sí, la pelicula es entretenida, divertida, tiene esos gags cómicos necesarios, los personajes estan bien y salvo por las inconsistencias del guion, así la longitud del film, la cosa funciono, al menos para un servidor.

Entonces ¿Por que no pego? Muy sencillo: el efecto John Carter.

El año pasado, se estreno, igual por parte de Disney, la pelicula de John Carter, basada en los libros escritos por el autor de Tarzán. Aunque la pelicula, tal como dijo mi esposa, era buena, tecnicamente todo lo que vimos en John Carter, lo hemos ya observado en otras peliculas: un héroe, una civilización perdida, la princesa a rescatar, etc. etc.
Lease, si John Carter se hubiese estrenado hace unos diez años al menos, habría sido un hitazo.
Pero a estas temporadas, todo lo que vimos en esta peli, ya esta muy usado, anticuado, podría decirse. 
Por eso, John Carter no era aburrida, era entretenida, pero no tuvo la suficiente fuerza para llamar más público, porque el publico se ha vuelto más exigente.
Para colmo, la susodicha tiene ciertos errores de ritmo, que la hacia por momentos lenta. Tal vez en otros tiempos la hubiesen perdonado, pero no como son el público de ahora.

Y es que luego de The Dark Knight o The Avengers, las audiencias piden proyectos más audaces, más fuertes.
No podemos negar que esta peli, es realmente una versión "vaquera" de Piratas del Caribe. Tenemos a Johnny Depp haciendo a un personaje extraño pero carismático. Hay explosiones, situaciones hiperrealistas, así mucho contexto de aquella época...nuevamente, como vimos en Piratas del Caribe.
Para colmo, a diferencia de su "saga predecesora", los errores de argumento, como de ritmo son peores, lo cual hacía a la pelicula mucho más lenta y predecible que los Piratas del Caribe. Es lógico que la cosa se torciera y mal.

Esto es lo que ha pasado con las últimas dos producciones de Disney, que han resultado fracasos pero de los buenos. La casa del ratoncito Miguelito se la ha visto difícil ante una audiencia que va a exigirle no solo explosiones, balazos y otras cosas, sino también que las cosas esten bien y hechas, así para colmo, sean originales.

En conclusión, El Llanero Solitario es una pelicula buena, pero a secas. No aporta nada nuevo, solo recicla elementos ya usados anteriormente y los vuelve a conjuntar, ahora en el viejo Oeste, con vaqueros, indios, así un poco de moralina (que en este caso, hubiese sido mucho mejor. Se hace una cierta crítica a los blancos por haberse apropiado de las tierras de los aborígenes, pero muuuy por encimita. Luego del ataque comanche, la cosa vuelve a morirse).

En fin, la peli quiere ir para todos lados, pero no encaja. Realmente no termina de pegar por ningun rubro y se queda muy chata. Sin embargo, es el nivel de exigencia actual, que ya queremos algo para pensar como tipo Nolan o algo divertídisimo como Avengers. Si la ponemos en otro año y en otro contexto, la pelicula hubiese sido un hitazo. Yo mismo me divertí como enano con la misma y me parecio mucho más completa que la segunda y tercera de los Piratas del Caribe (recordemos que es el "mesmo" productor de ambas sagas). Lastima por la taquilla, porque si me hubiese gustado ver una segunda parte, ya que la combinación entre Hammer y Depp fue bastante acertada, aparte de crear su propia versión de la amistad entre los dos (la escena final, cuando dice "Jayo Silver", fue sublime).

¿Recomendable? Sip, pero hay que bajarse un tanto el estandar. Por suerte, las críticas lo hicieron por mi y fui mucho más receptivo a verla y disfrutarla.

Lo mejor: la combinación de Toro y el Llanero
Lo malo: el ritmo de la pelicula
Lo original: el cuervo x3.

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Saludos a mi damisela, que luego me salva a mi xD, así a quienes gustan de este tipo de peliculas.

Top Opening: vamos por 10 más.

Nuevamente andamos aquí con una recopilación de las mejores canciones del anime que he escuchado, pero que corresponden a los openings de distintas series.

En esta ocasión, quise ampliarme más y tomar series ya viejitas, pero que sus openings, pese a lo viejo y anticuados que pueden sonar, son una verdadera, pero verdadera joya.

Se dice que recordar ya no es ser viejo, sino retro. Bueno, vamos a ponernos un poquitin retros.









-Asterik - Orange Range

La forma de conocer Bleach fue harto curiosa. Fue de las varias series que consegui cuando me fui al servicio social. Tecnicamente, esta serie junto con Hajime no Ippo, me ayudaron a mantenerme cuerdo, luego del cambio tan brusco de ambiente y de otros cambios que hubiero en mi vida personal.
Pero si algo ayudo y bastante, fue la musica de la misma serie, que era estupenda (era, porque ya acabo el anime, aunque el manga alli va rengueando como viejito). Y si algo me dio una idea de como iba a ser la serie, fue a través de este opening, que rebosaba en originalidad y ritmo. Bastante recomendable, en especial una versión donde se escucha sonido ambiental y después de la rola.


-My pace daiou -  Manzo

Genshiken fue de los animes de temporada de mediados de la decada pasada. La serie trata de una bola de otakus que deciden fundar un club de anime que pueda abarcar de todo, desde cosplay hasta manga. Tecnicamente, la serie se toma bastante en serio en algunos aspectos, mientras en otros es una payasada completa. Ha tenido tres temporadas, donde la primera ha sido más memorable (la actual, puees...demasiado yaoi para mi gusto). Como sea, una de las cosas que destacaba, era su opening, que era una pasada, ya que entre el tipo de rola y las escenas de fondo, no podía pararme de carcajear. Es una canción estupenda, en especial en su versión larga.


-ZORRO - Masaaki Endouh

El anime del Zorro hizo su aparición en la TV mexicana en mayo del 2008. En un curioso maraton del primero de mayo, a los de canal 5 se les ocurrio la loca idea de sacar un montón de series y anime para la mañana de ese día. Claro, yo estaba atento y logre grabar al menos el opening, que me pareció estupendo...por supuesto, no estaba con su voz original, sino solo la versión instrumental (y doblaje colombiano). Aun así, me convenció lo suficiente para disfrutar ese primer episodio. El opening, a cargo del gran Endou-sama, me gusta y bastante. Tiene ese solo de guitarra clásica que gusta y bastante.


-Ready Steady Go! - L'Arc~en~Ciel

Si el primer opening de Full Metal Alchemist, la serie revelación del 2005 era bueno, este segundo, es el remate de la genialidad. Lamentablemente, con este opening, los primeros 26 episodios de la serie fueron lo mejor de la misma. De allí, el relleno fue regular, así como sus canciones.
Como sea, esta rola cortesía del gran grupo Laraku, marco lo mejor de la serie, así también le dio un aire épico a la misma. Digo, aun hoy en día, cuando pongo esta rola, no puedo evitar querer brincar. Puro rock y del bueno. De las mejores canciones que nos ha traído el J-Rock! (eso y que el opening con imagenes es estupendo).


-Smile Bomb - Mawatari Matsuko 

Yu Yu Hakusho marco un poco el renacimiento de Cartoon Network, a principios de la década pasada. Por un par de años, fue el estandarte del canal, junto con otras series como Gundam Wing.
Pese a tener un doblaje novel (Cuernavaca), la serie era divertida, con acción y aparte con personajes bastante carismáticos. Si algo aparte destaco, fueron las melodías de entrada y salida. El opening fue el mismo en toda la serie, solo cambiando la animación del mismo. No obstante, me parece una de las canciones más emblemáticas del anime y de una de las mejores series que me ha tocado ver. Como con Inuyasha, la serie tuvo un doblaje en inglés, a cargo de Sara White.


-Under Star - Shocking Lemmon

Con el anuncio de una tercera temporada de Hajime no Ippo, no pude evitar emocionarme. Es que esta es de esos animes deportivos, que rayan en la perfección: buena historia, buena acción, buenos personajes, buenos chistes, buen romance, inclusive la música es buena, en especial de la primera temporada.
Shocking Lemmon ya la había roto con el segundo opening, pero el primero tampoco desmerece y aparte es bastante ritmico, acorde a los primeros capitulos de la historia y como se va alzando con un gran crescendo.


-Motorod - Nanase Aikawa

Ya la gran Aikawa-san se había lucido con el opening de Samurai Seven. Sin embargo, con el tercer opening de Inuyasha, saca una rola más clásica, más popera. Sinceramente, no me gusta mucho la interpretación japonesa, en parte por la voz de Aikawa, que no queda mucho con la rola (prefiero el doblaje latino de la misma). Aun así, la parte instrumental recupera mucho de la esencia de la canción, en especial en los coros de la misma, donde capta todo el espíritu de la serie que la utiliza como estandarte. Aparte, queda bastante bien con las imagenes del mismo opening.



-Gekko Kamen - ¿?

¿Quien es Centella? Era el lema de esa serie de los años setentas, que apareció en México a finales de los años ochentas. Junto con mi hermano, veíamos todas las tardes, como a las 4, esta serie que tenía un aire mucho más adulto que las demás. Aquí los charas sin morían y aparte veíamos escenas de drama que superan con mucho a las caricaturas de aquella barra. No obstante, fue tan popular, que inclusive en mi escuela jugabamos a ser Centella, lanzando estrellas o la Luna de su turbante.
Curioso que el opening no fuese omitido o doblado, ya que inclusive se escuchaba como música de fondo en las escenas emotivas o cuando aparecia Centella!


-Hero Come Back - Nobodyknows+

Durante la primera parte del 2007, esta fue una de mis canciones favoritas. Es curioso como cuando comence a trabajar, Naruto acabo y dio paso a la saga "Shippuden" (Crónicas Huracan), que solo era como darle el "Z" a Dragon Ball. Como sea, Naruto perdió algo de su esencia en esta transición, desde el esfuerzo para el diseño de los personajes, así cierta calidad de música que tenía la serie. Aunque no niego que Shippuden tiene de las mejores rolas de Naruto, también tiene las peores. Por suerte, el primer opening, relata a la perfección el regreso de Naruto a Konoha. Ni se diga la animación que le acompaña, que es genial y como va cambiando conforme avanza la historia.

 
-Our relation - Eriko Imai

Me costo un tanto de trabajo agarrarle gusto a Dragon Screamer, el primer opening de CT 2002. No obstante, cuando comence a ver la serie, mediante descargas del episodio en japonés, me fui bajando del episodio 26 en adelante, por lo cual el primer opening que conocí de la serie fue este.
Aparte de tener un ritmo totalmente distinto al de su predecesor, es más ritmico y más popero, ni se diga las imagenes del mismo, son épicas, ya que relata el partido entre Japón e Inglaterra, donde Tsubasa se enfrenta a varios jugadores "conocidos" de la selección de la Rosa. En cuanto a la música, Imai le da justicia a una serie que se ha caracterizado por su buena banda sonora.

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Saludos a mi Yayoi :3, así a quienes gustan de la buena música...japonesa.

Erase una vez la vida: mil razones para ser médico

Las influencias para mi actual carrera son muchísimas. No voy a enumerar las psicológicas, porque esas estan de más, pero en cuanto a las ambientales, fueron de todo tipo.

Para empezar, a mi padre siempre le interesó que estudiase las artes de Asclepio. Siempre me estuvo metiendo esa idea en la cabeza desde pequeño. Otro en su lugar le hubiera rehuido o atribuido su pasión a las ideas familiares.

Sin embargo, curiosamente, si me gustaba estudiar todo lo relacionado con el cuerpo humano. De mis primeras lecturas, fue esa tipica "biblioteca" de medicina familiar que había en mi casa y que constaba de dos tomos. Era un diccionario de ayuda para urgencias o conceptos, donde se explicaba de manera sencilla, no solo el funcionamiento del corazón, sino también el tipo de fracturas que podía haber, hasta inclusive, había un glosario que se enfocaba en la historia de la medicina.

Allí comencé a escuchar nombres como Hipócrates, Galeno, Vesalio, Servet, etc. etc.
Posteriormente, quise aumentar más mis escasos conocimientos con un libro de urgencias que mi padre me compró en una librería.

Sin embargo, hubo algo más que me animo a seguir el camino de Asclepio y fue cierta serie de origen franco-español.

Érase una vez... el cuerpo humano (en francés: Il était une fois... la Vie, titulada en España Érase una vez... la Vida) es una serie francesa de dibujos animados infantiles con vocación didáctica y divulgativa. Pertenece al conjunto de series para la televisión "Érase una vez...". Fue creada por Albert Barillé en los estudios Procidis y estrenada por Canal+ Francia a partir de enero de 1987. En su producción colaboraron France 3, Canal+, la Société de radio-Canada y Radiotelevisión Española entre otras.

En ella se explican, de forma simple y amena, diferentes aspectos sobre anatomía, enfermedades o, por ejemplo, cómo se oxigena la sangre o cómo cicatriza una herida. De la misma forma, se explica la importancia de determinados hábitos relacionados con la salud como cepillarse los dientes, hacer deporte u otros. La explicación se realiza a través de las aventuras de distintos personajes que representan los distintos órganos, células, etc.

Así, cuando aborda el sistema inmunitario, los linfocitos B aparecen viajando en naves, desde las que sueltan los anticuerpos.


La programación en el canal 5 en los años ochentas, y más en provincia, era sumamente escueta. Parecía que todas las buenas series animadas las pasaban en la mañana y era cuando, sea uno estaba en la escuela o cuando las repetidoras del canal, se clavaban con poner su propia programación, con noticieros locales o con programas de cultura sumamente aburridos.

En fin, que para cuando llegaba a la casa, me tocaba ver series muy aburridas, tanto live action como caricaturas.

Sin embargo, hubo una que marco una diferencia importante, y fue "Erase vez una vez la vida".

Erase una vez...forma parte de una serie de caricaturas de corte cultural, muy características, que aparecieron en nuestro país por alla de los ochentas. La primera había sido una llamada "Erase una vez el hombre", donde narraban la historia del hombre desde los momentos de su aparición en la Tierra, hasta los tiempos más remotos.

Cabe decir que esta primera serie, me gustaba a secas, ya que algunos capitulos me parecían muy interesantes (como el de la historia de los primeros cavernícolas. Fue emotivo en especial el rito funebre que se hacía en aquel entonces), mientras otros eran bastante aburridos.

Pero algo que caracterizaba a esta serie, era primero la seriedad como se tomaban las cosas. Aquí si mostraban cuando alguien moría o era muerto por alguien más, en especial por dos personajes, que eran los tipicos villanos de cada episodio, pero repitiendo el diseño de los mismos para los siguientes capítulos. Y esto forma parte de esa segunda característica, y es que los personajes siempre eran los mismos: el chico normal, la chica, el amigo fortachon, el viejo que era más barba que nada, como los villanos, uno alto y el otro chaparro.
La serie solamente cambiaba las ropas, el peinado o algunos detalles, manteniendo el arquetipo base. Solamente cuando era un personaje importante, es que hacían un diseño en especial, dandole su valor a tal chara.

En fin, que esta primera serie, creada a finales de los setentas, tenía una buena animación (característico de las series francesas) y fue de las primeras que me toco ver y que inclusive su emisión se prolongo en México hasta principios de los años noventas, cuando "Erase una vez las Americas", tomo su lugar. Inclusive, el canal Once del Poli, volvió a transmitir esta serie, a finales de los años noventas.

Sin embargo, volviendo a "Erase una vez la vida", que fue la tercera serie en producirse por el estudio Procidis, propiedad del francés Albert Barillé, la veía en Canal 5 los fines de semana y por momentos, llegaron a pasar la temporada completa a las 4 pm entre semana. Aun recuerdo como en algunas ocasiones lme peleaba con mi madre porque a esa hora pretendía que hiciera la tarea XD ( y para que vean, que la caja idiota no siempre eran tan idiota. Algo bueno se sacaba al respecto).

¿Pero de que trataba este serial? Sencillo. Se enfocaba en utilizar los personajes arquetipos, en situaciones del cuerpo humano. Lease, los globulos rojos eran como personas pintadas de colorado que llevaban en la espalda, bolsitas de oxígeno a las células del cuerpo, mientras otras personas iban a bordo de navecillas, que eran las cedulas CD4, lanzando anticuerpos con forma de mosqueteros, contra los villanos que encarnaban a bacterias, virus y otras cosas.

En sí, era todo un relato del cuerpo humano, como si fuese una ciudad completa. Y lo mejor es que a veces se alejaban de esta estética, al estilo Ozzy y Drix (que curiosamente, cuando vi esta pelicula y luego la serie, me trajo muy buenos recuerdos), para narrar directamente las mutaciones celulares, los cambios de cadena en el ADN, el funcionamiento de células como los huesos o de tejidos como la conjuntiva o la piel.

El que se encargaba de comentar estas cosas, era el "Maestro", que como ya dijimos, parecía un tío Cosa, pero con patas, que como decía su nombre, tenía una gran sabiduría y nos narraba las funciones del cuerpo cuando pasaba por allí, siendo globulo rojo.
Lo curioso eran los globulos blancos, ya que como decía su nombre, eran unos tragones (macrofagos) de primera que podían abrir su boca enormemente para tragarse una bacteria. Claro, si les indigestaba, terminan muriendo. Todo bien diseñado, pues.

Para un servidor, estas cosas, eran de lo más fantásticas, al grado que me ponía a hacer dibujos o historias sobre como los bicharrajos atacaban el cuerpo con una herida, mientras se desarrollaba una gran batalla entre globulos blancos, así las plaquetas tratando de cerrar la herida. Era lógico que viese al cuerpo humano como una sala de juegos enorme, llena de detalles, que eran de lo más real.

Fue tal su impacto que para los 11 años, ya tecnicamente me había decidido a ser médico, para seguir viendo el cuerpo humano de tal manera. Aun hoy en día, uso estas referencias imaginativas para acordarme de nombres de parásitos, las funciones del ARN o de las distintas capas que formaban el ojo humano.

Lo que aun no recuerdo, es que si vi la serie con el doblaje que tuvo "Erase una vez el Hombre", ya que ahora he tratado de hallarla con el doblaje latino, pero solo encuentro el doblaje gallego (que es como vi "Erase una vez las Americas").

Como sea, esta serie se convirtió en una de mis principales motivaciones para estudiar la carrera que ahora llevo. Pero como termine viendo infantes, eso, ya es otra historia, como diría la Tía Chona.

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Saludos a mi princesa ^^, así a quienes gustan de este tipo de series.

El juego de Ender: las novelas SCI-FI contratacan

El juego de Ender...¿Que demonios es el Juego de Ender?

Eso me pregunte cuando anunciaron el trailer de una peli que se va a estrenar a finales de este año. Se decía que era un film largamente esperado, debido a la obra en que esta basada.
Sin embargo, cuando comence a investigar, como es mi costumbre, sobre que trataba esta cosa, me lleve una grata sorpresa. Tecnicamente, es sobre niños y sobre tacticas militares. Campos que desde luego he estado metido en mis últmos años.

Así que para romper mi tradición de ver la peli y luego leer el libro, esta vez decidí alternar las cosas e irme directamente a la obra de Orson Scott Card. Sin embargo, cuando estaba buscando mis opciones en las librerias de gusto, me di cuenta de que la versión barata estaba agotada y solo se tenía las ediciones algo cariñosas...salvo claro, el libro de la sombra de Ender, que fue parte de una edición de nuevos libros relacionados con este universo, que saco el autor a mediados de los noventas.

Y fue gracias a mi comadre, que logre salvarme de un error garrafal, ya que pese a la primicia de este libro que iba a comprar, en realidad es un spin-off de un personaje que me pareció interesante...pero a medias.
Justamente, mi comadre me presto el libro (bueno, más bien su padre xD) y en cuestión de 3 días, me eche una de las mejores novelas que me ha tocado leer en lo que va del año.


El juego de Ender (título original Ender's Game, 1985) es la novela más conocida de Orson Scott Card. Obtuvo los dos premios más prestigiosos de la ciencia ficción: el Premio Nébula a la mejor novela en 1985 y el Premio Hugo a la mejor novela en 1986. La novela se originó como un cuento de ciencia ficción en la revista Analog (1977), cuento que recibió el Premio Ignotus de 1994, así como sendas nominaciones al Hugo y Locus de 1978. Está ambientada en un futuro donde la humanidad se enfrenta al exterminio a manos de una agresiva sociedad extraterrestre conocida como los "insectores" (buggers en el original). Andrew 'Ender' Wiggin es reclutado a la edad de seis años para ser adiestrado en la Escuela de Batalla, una estación espacial donde niños superdotados son preparados desde su infancia para dirigir la próxima guerra. El juego de Ender es el primero de un grupo de cuatro libros conocidos como la Saga de Ender. En 1999 Card comenzó una serie de novelas paralela a la acción descrita en la Saga de Ender, la Saga de las Sombras, que se compone de otros cuatro libros. La primera de estas novelas fue La Sombra de Ender.


Para empezar, que es ¿Que es el Juego de Ender? Bueno, vamos a la sección de argumento, que contiene bastantes SPOILERS, así que con cuidado.

Ender, como es apodado Andrew Wiggin, es el tercer hijo de un matrimonio que vive en una región del norte de los antiguos EUA, en el año 2070. A primeras cuentas, Ender no parece nada extraordinario, salvo por el bullying que sufre en la escuela por parte de sus compañeros, así de su propio hermano mayor, Peter.
Ender se ve defendido de estas cuestiones por un monitor que tiene incrustado en todo el cráneo, por el cual es vigilado por la Federación, una suerte de gobierno mundial.
Pero los problemas empiezan cuando le retiran el monitor a Ender y se ve sometido al abuso directo de sus compañeros, en especial de un chico. Ender tiene que defenderse, lo cual hace de manera brutal, dejando al chico malherido.

De allí se disparan todas las circunstancias que rodean a Ender. Resulta que en el año 2070, la población mundial esta bajo una estricta politica de natalidad, lo cual nos dice que solo las familais pueden tener dos hijos. Uno más, equivale no solo a prisión, sino también al repudio social. Ender resulta ser el tercero, pero todo auspiciado por el gobierno, ya que la familia de Ender esta poblada de genios. Sus dos hermanos resultan ser brillantes, pero no tienen la fuerza para entrar a la Escuela de Batallas, que resulta ser una Academia para niños superdotados. 

La razón, es que la Humanidad lleva años en guerra con los Insectoides, una suerte de extraterrestres con forma de bicho, que tuvieron en jaque a la humanidad, hasta la aparición formidable de Mazer Rackham, que en con sus maniobras, logro salvar a la humanidad.

Sin embargo, la vejez de Rackham es evidente y la Federación esta en busca de un nuevo genio, un niño, que pueda guiarlos a la victoria.

De allí que la novela se centre en como Ender va progresando, no solo desde su entrada accidentada a la Academia, con solo 6 años de edad; su paso por este lugar, donde se va ganando el respeto de sus compañeros, así superando las dificultades, no solo por su feroz inteligencia, sino por sus sentimientos, su mentalidad y su forma de ser, pero que también resguardan a un psicopata en potencia.

No niego que al empezar a leer la novela, los primeros dos capítulos, resultan ser de lo más sencillo. Sin embargo, cuando Ender se "zurra" al bulleador que lo tenía en jaque, de allí la cosa se dispara de manera grandiosa y formidable.

De antemano, no niego que la novela me tenía estresado todo el tiempo. En mi trabajo, es rutina estar checando la mentalidad y las emociones de un chamaco, así que cuando leí como la Federación trataba y ponía a prueba a Ender, no pude evitar pasar uno que otro mal trago. Scott Card hizo un magnifico estudio de como un niño responde ante las expectativas, no solo de los adultos que lo rodean, sino también de sus propios pares. Para colmo, más cuando Ender estaba solo, sin el apoyo de sus padres o de sus dos hermanos, en especial Valentine, la cual añora con cariño.

Y es que aunado a este realismo, Ender es de los personajes más complejos que halla podido ver. No se comporta como el tipico protagonista, que a base de esfuerzo, va superandolo todo. Para nada, Ender es demasiado humano, demasiado complejo, demasiado chamaco. Por momentos le tienes tanta ternura y simpatía, que sientes el dolor que tiene. Por momentos es tan fastidioso, tan idiota, que te dan ganas de aporrearlo.
Scott Card describe a la perfección lo que sufre un niño genio de las características de Ender.

Lamentablemente, parece que el autor se quemo tanto con este personaje, que el resto de los charas resultan demasiado prototipicos, demasiado predecibles. Inclusive, el gran Rackham, tiene ese aire de maestro, mitad señor Miyagi, mitad el maestro de Ikki en Saint Seiya. 

Para quien lea esta parte de la novela, podría sentirse afectado y hasta podría atachar esta parte del argumento a una suerte de ciencia ficción. En otros tiempos, hubiera pensado lo mismo, pero lo poco que llevo tratando niños con problemas psiquiátricos, me ha hecho ver que estas situaciones son de lo más normal. Solamente el autor traspola las situaciones a otro tipo de ambiente o tipo de personaje, pero lo que sucede Ender, como reacciona ante la hostilidad de la Academia, es genuinamente realista.
Por momentos no podía dejar de leer la novela, ya que ver a Ender batallar, no solo con las disposiciones y reglamento, sino con el asqueroso juego donde se ve obligado a matar al Ciclope, es algo sumamente onírico.

Aquí el autor hace uso del juego para mostrar mucha de la fantasía que tiene un niño con respecto a su propia percepción, no solo de su vida, sino de los demás.
Nuevamente, se podrá argumentar que la edad de Ender, entre los 6 y 12 años, es un tanto díficil que uno pueda llegar a conclusiones como las que sacaba el prota, pero en realidad los niños son mucho más complejos de lo que el lego promedio cree.
Por momentos, llegue a pensar si el autor, sea sufrió traumas parecidos cuando era niño (que podría cuadrar, por lo que leí de su biografía), o de plano estudio hasta el fondo la caracterología de un chamaco de tal edad (o quizas ambas cosas, quien sabe).

Pero este es el aspecto más destacable de la novela: su increíble realismo. Podrá resultar exagerado, podrá resultar crudo, pero repito, lo que vive un niño a esa edad, es increíblemente parecido a lo que paso con Ender.

Luego, otra genialidad del libro, son las tacticas militares, no solo en el aspecto de las batallas, sino en la forma que Ender va modificando su entorno, pese a las dificultades que hay entre los cadetes. Es genial como el prota va congeniando con sus compañeros, no en base a una simpatía natural, sino en planear cosas a su alrededor para irse ganando la confianza y cariño de sus camaradas.

También el autor critica de manera fiel las famosas jerarquias. Mediante Ender, hace un análisis de como las jerarquías son buenas, pero también establecen un límite para el trato, pero a la vez, como puede ser un puente de comunicación entre dos personas.

El arco de la Escuela de Batalla es el mejor de la novela, siendo estupendo, genial, realista y enganchante. El problema, es que cuando acaba este "arc", la cosa se tuerce mal y caemos en un bache donde vemos los problemas de Ender cuando ingresa formalmente a la Federación.

Sin embargo, cuando Ender comienza a entrenar con el gran Rackham, la cosa mejora nuevamente. No niego que el desenlace final me pareció bastante bueno, alucinante. No obstante, las criticas constantes hacia la Federación parecen desvanecerse con la eminente victoria de Ender.

Una cosa que me pareció interesante, es como el autor hace un estudio de la psicopatía, en especial en niños. Tecnicamente, Ender, Peter y Valentine, pese a ser tan inteligentes, son todos unos psicopatas. Sin embargo, la evolución de cada uno es diametralmente distinta.
Ender vemos como las circunstancias lo van tornando en un sociopata, mientras Valentine es casi el psicopata que veía en Peter, mientras este, pese a la tortura que le hace los animales, termina por enfocar sus energías de otra manera y hasta llega a caer simpático al mero final del libro.

En conclusión, el libro es una genialidad y aunque tiene momentos de ciencia ficción bastante buenos, como la descripción de la sociedad insectoide y los detalles de la Escuela de Batalla, la predominancia viene sobre la psicologia de Ender, dandole un aire hiperrrealista al libro. Particularmente, me dejo una mezcla de emociones, en especial de satisfacción, cuando leí la última hoja. Es bastante recomendable, divertida. Sin embargo, para quienes no toleren ver a un niño sufrir, no les gustará en demasia.

Como dato curioso, este libro forma parte de una saga que continua con otros 3 libros al menos. Solo el siguiente, tuvo los mismos merecimientos que esta novela, al ganar un premio Hugo y un premio Nebula. Los dos siguientes, se fueron sin nada.
Y aunque los autores argumentan que todo podría estar planeado, sabemos de antemano, que siempre las secuelas obedecen más a un éxito comercial, que meramente narrativo (inclusive al famoso R.R. Martin, que por más que argumente que su historia estaba planeada, no hay que olvidar que tenía 3 libros planeados originalmente. Que halla expandido a 7, ya sabemos que manda poderoso caballero Don dinero $_$).

Ahora a esperar como esta la peli. Lamentablemente, no se si verla, porque ya ire con cierta expectativa al cine...o mejor me espero a comprarla en formato casero. Decisiones, decisiones.

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Saludos a mi capitana =3, así a mi comadre por prestarme el libro, como quienes gustan de este tipo de libros.