Captain Tsubasa: su historia a través de sus openings

Captain Tsubasa o los Supercampeones, ha tenido una historia bastante rica en nuestro continente. Ya he comentado como la serie tuvo un "preestreno" a nivel nacional, mediante la cadena Telemundo, a finales de 1993. Claro, el canal solo se emitía en cable y por lo tanto no todos podían ver esta serie, que aparte, la pasaban a horas tan extrañas, como a las 7 de la mañana. Fue gracias a mi hermano, que pude disfrutarla como Dios manda (y también que me hizo el favor enorme de grabarla en la VHS que teníamos por aquellos años).

Felizmente, Televisa decidió transmitirla por Canal 5 en horario estelar (7 de la noche), durante el año de 1994, justo en pleno Mundial. La serie duraría al aire por espacio de casi 2 años, cuando en febrero de 1996, decidieron reemplazarla. Por suerte, Captain Tsubasa volvería a la carga, pero ahora en manos de Tv Azteca en 1997, pero siendo la versión "J", la emblema de los Aztecos, por al menos los siguientes dos años, cuando para mediados de 1999 la volvieron a retirar del mercado. Claro, la televisora del Ajusco volvió a pasarla una o dos veces y de manera incompleta.

Pero Televisa no se dejo y para el 2005/2006, emitieron "Captain Tsubasa 2002", otro remake de la serie y que en Japón se emitión entre el 2001 y 2002, con motivo de la Copa Mundial que albergaron junto con Corea. Curiosamente, este serial tuvo gran éxito, ya que no solo se encargo de animar el campeonato de primaria y secundaria, sino también el Mundial Sub-15.

Desde entonces, no ha habido otra animación que haga justicia al manga de Yoichi Takahashi. Los rumores en su momento han hablado de la adaptación del laureado Mundial Sub-20 o de la selección sub-23, pero todo ha quedado en puros chismes.
Como con Saint Seiya, la animación se encargo de revitalizar un manga un tanto recortado y con dibujos extraños por parte del autor. Sin embargo, tampoco podemos negar que la animación también era bastante aberrante y un antecedente muy temprano de lo que serían los fillers con Naruto y Bleach.

No obstante, si algo hay que premiarla a todas estas animaciones, es su música. Todas, absolutamente TODAS, tienen una música de primer nivel, no solo en el aspecto de BGM, sino también en sus intros y cierres. Por algo, la siguiente entrada hará un pequeño homenaje a los "Openings" que marcaron la infancia de muchos, incluyendo a un servidor.


-Moete Hero (Captain Tsubasa 1983 opening)

Curiosamente, fue hasta hace unos 15 años, cuando el mundo pudo conocer este opening, cortesía de Hiroyuki Okita. La razón es que fuera de Japón, el opening fue modificado a tal manera que cada país donde se emitió la serie, tuvo sus propias versiones. Latinoamérica estuvo a punto de tener la versión "original" doblada, pero por alguna razón, la canción de Ricardo Silva fue hecha a un lado y en su lugar escuchamos la rola interpretado por Eduardo Tejedo y compañía (la cual no me molesta en absoluto). Así que cuando escuche esta rola, me saque un tanto de onda, ya que solo se escuchaba en la serie, pero de manera instrumental. Aun así, me parece una rola mucho más actual de lo que se escucha. La razón es que en aquella época, los japos les daba por hacer canciones mucho más lentas, casi baladas.


-So Long Dear Friend (Shin Captain Tsubasa)

La primera vez que escuche de esta rola, fue en un video que incluía el especial de la revista Dokan sobre Captain Tsubasa e interpretada por el grupo JETZ. Debo decir, que fue amor a primera escucha, ya que la melodía combina una melodía cadenciosa, muy ochentera, con un cambio de ritmo abrumador, que hace que emocione. Y es que era una revolución de la serie en muchos sentidos, pasando del drama puro a la acción (como debía ser pues). Fue una suerte que pudiera escucharla en ese momento clave de mi vida (por allá de 1998) y más en la forma, ya que los OVAS (Shin) no se han emitido de manera comercial en nuestro continente. Por suerte, Europa si tuvo ese chance y por eso hemos podido saber de esta serie, que cubría el famoso Mundial Sub-15.

-Fighting (Captain Tsubasa J)

Una de las canciones más emblemáticas de todas la series. Compuesta y cantada por el grupo Face Free, que había cosechado buenos dividendos con una rola para el OVA "Holland vs Japan", Nippon Animation decidió traerlos para continuar con una canción bastante rítmica y con unos "solos" de guitarra formidables. Por pura suerte, pudimos disfrutarla en México desde el inicio, ya que el opening llego a estar en su versión japonesa. Sin embargo, como con Ranma, pronto se dejo la versión doblada (interpretada por Ricardo Silva), la cual es una gran adaptación. Curiosamente, conseguir la versión de esta rola fue algo bastante díficil y hasta a mediados de la década pasada, cuando al fin pude disfrutarla (cortesía en parte a mi "hija" Andrea).


-Dragon Screamer (Captain Tsubasa 2002 Opening 1)

Esta rola tampoco la hubiese conocido hasta el 2004, cuando la serie se emitió en Canal 5, sino hubiese sido por una novia que tenía en aquel entonces. Como era una gran fan de Captain Tsubasa, me puse a buscarle en la red (en el antiquísimo Ares), episodios originales de la serie. Allí fue cuando conocí el anime 2002 en todo su esplendor. Curiosamente, este no fue el primer opening en verlo y escucharlo, sino el que sigue. No niego que esta rola me causo ambivalencias al principio, ya que estaba muy adoc a las canciones que se escuchaban en aquellos tiempos. Pero bueno, al fin al cabo, tenía calidad (todo gracias al grupo Da Pump) y me fue ganando con el paso del tiempo, al grado de convertirse en un opening bastante emblemático, en especial en el "solo" que se escucha a media rola.


-Our Relation (Captain Tsubasa 2002 Opening 2)

Eriko Imai se convierte en la primera chica en interpretar una apertura de la serie de Captain Tsubasa. Siendo una serie shonen, era lógico que los caballeros fuesen quien dieran vocal a las aperturas. Sin embargo, la melodía no demerita en absoluto y al contrario, me parece bastante épica por momentos, combinando por instantes, la era de los años ochentas con lo que era el inicio de este siglo. Curiosamente, la melodía no ha logrado sobrepasar muy bien el paso del tiempo y es que aunque es muy rítmica, la ausencia de cambios notables o de "solos" instrumentales, hace que decaiga conforme la estes escuchando. Sin embargo, cuando la rola se combina con las imagenes del opening, vuelve a tomar vitalidad (un partido entre Inglaterra y Japón, donde vemos a Beckham de manera indirecta).


-Los Supercampeones (intro Latino)

Y claro, no podía dejar de lado el "bonus", que corresponde a este carismático, extraño, aberrante, pero excelente tema que tuvo la serie de 1983 cuando se emitió en Telemundo y Canal 5, a mediados de la década de los noventas. Muchos fans actuales lo odian, pero para los añejos, es como la melodía de los "Guardianes del Universo" de Saint Seiya: nostalgia pura. En lo personal, me encanta.


--------------------------------------------------------

Saludos a la dueña de mis quincenas ^^, así a quienes gustan de este tipo de canciones.

El Código Enigma: Oscar al mejor guion adaptado (y se nota porque).

Los Oscars fueron apenas hace unos días y en su momento todo mundo gritaba que el premio ya era mexicano, debido al triunfo de Cuarón y ahora de Iñarritu, gracias a su última obra, "Birdman". Sin embargo, a opinión propia (proooopia), esto solo es un embuste y una forma de aligerar las tensiones que hay ahora en México, donde las cosas están más torcidas que nunca. Pero bueno, el pueblo quiere pan y circo. Allí va su circo.

Aun así, no demerito el trabajo de Iñarritu y pese a tener apoyo mexicano en varios rubros, ni se diga del gran Emmanuel Lubezki, al fin al cabo, es un producto norteamericano y quien gano, fue él, no nosotros. Le aplaudo como espectador y por gusto, ya que los mexicanos tenemos talento. Solo falta demostrarlo en otras esferas.

Durante la ceremonia, la cual departí con mi esposa, estuvimos hablando de una película que vimos ya hace 3 semanas y es por la cual Benedict Cumberbatch gano su primera nominación a estos premios: El Código Enigma. Por lo tanto, la reseña de esta entrada, va dedicada a dicho filme, que narra uno de los más pasajes más turbios pero recien descubiertos de la Segunda Guerra Mundial.


Antecedentes: Andrew Hodges saco una biografía de Turing en 1992 y tuvo un relativo éxito. A principios de esta década, la Warner Bros decidió adquirir los derechos del libro para convertirlo en película, en especial porque Leonardo Di Caprio estaba interesado en interpretar a Turing. Mientras Graham Moore adaptaba el libro (lo cual le valió el Oscar por este trabajo y que demuestra que a los de la Academia le gusta lo pretencioso y dramático. Para más detalles, seguir leyendo), Di Caprio ya no siguió y en su lugar se llamo a Benedict Cumberbatch. Se bajararon directos como Yates o Ron Howard, pero el elegido fue el laureado director noruego, Morten Tyldum. La película se rodo en el último trimestre del 2013 mayormente en Bletchey Park (donde supuestamente estaba estacionado el grupo Ultra) y finalmente, en el 2014, luego de una transacción millonaria, The Weinstein Company adquirió sus derechos luego de sus presentaciones en varios certamenes europeos. En EUA se estreno finalmente en noviembre del 2014 y en México, a principios de febrero (luego de varios retrasos en las fechas). 
Argumento: la película narra de manera intercalada, la creación del grupo "Ultra" y la vida de Alan Turing, matemático que se considero responsable de la creación de una máquina que era capaz de descifrar el código Enigma, una suerte de contraseña que utilizaron los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial y que servía para encriptar sus mensajes y ordenes más secretas. Durante el mismo, vamos conociendo las peculiaridades del carácter de Turing, encarnado por Cumberbatch y como se fue haciendo la creación de Ultra, la organización que logro acortar en al menos dos años el conflicto.
Historia: Había leído críticas sobre esta película, en especial en el rubro de la historia y debo decir que les doy bastante razón a dichs comentarios. Estamos ante un biopic, una película que narra la vida de alguien famoso y estos se han hecho mucho más populares en los últimos años, a raíz del gran éxito que tuvo "El Discurso del Rey". No niego que la película tiene un gran ritmo, es dramática, entretenida e intercala escenas graciosas, teniendo buenas actuaciones (el momento donde se rompe el código es formidable, te llena de emoción). Sin embargo, a diferencia de otras, el director no quiso profundizar demasiado en algunas áreas y eso le resto bastante punch. Digo, solo hay que compararla con "Una mente brillante". Ron Howard se enfoco meramente en la vida de John Nash y nada más. Sí, vemos sus aportaciones, pero como efectos colaterales. En otra, la mencionada Discurso del Rey, de Tom Hooper, sí vemos el marco de la Guerra, pero muy debajo y nos centramos más en las cuestiones psicológicas de Jorge VI. En cambio, esta película es por momentos pretenciosa y nos quiere meter en un mismo cajón, que Turing era un genio consumado y a la par, relatarnos de la importancia que tuvo su máquina para ganar la Guerra. En cierta manera es cierto, pero la forma en que lo plasma el director, ni se diga el guion, hace que la película sea grandilocuente, inexacta (lo cual veremos al rato) y para colmo, no explora de manera profunda algunos detalles, como la infancia de Turing (la evolución que tiene luego del evento traumático que tuvo en la escuela) o que sucedió con él después, aunque se trate de refilón en el fime. Digo, para alguien nada exigente, la película sera amena, entretenida, pero si uno es más exigente, notará fallos, no solo en la narrativa, sino también en la profundidad. La prueba de esto, es que cuando mi esposa me comienza a soltar preguntas al salir de la función, es que la película no se las contesto o peor, las quiso responder de manera taaan ambigua, que terminas medio extrañado.

Personajes: la parte más potente de la película y con mucho. Para empezar, Cumberbatch hace una estupenda actuación, que le valio una nominación al premio de la Academia. Y aunque la Keira Knightley también tiene sus momentos, me pareció medio exagerada su promoción. El resto de los secundarios son geniales, pasando desde el interpretado por Mark Strong hasta Matthew Goode, que te saben ganar con sus comentarios e interpretaciones. El gran "pero" viene con la escritura de los personajes (otra vez parte del dichoso guion): Turing es retratado como un sujeto con Asperger, mientras el personaje de Joan Carter (Knightley) también está hecho con las patas, ya que oscila entre ser una jovencita conservadora inglesa de mediados del siglo XX hasta ser una especie de feminista de juego colorado. Nuevamente lo confirmé cuando no solo mi mujer, sino hasta Sam me preguntaron al respecto. Y es el problema cuando la película se toma demasiadas licencias, con el objetivo de impactar, más que contar una historia como Dios manda.
Diseño gráfico, vestuario: Una parte que me encanto en todos sentidos. La película nos transporta a la Inglaterra de la Segunda Guerra Mundial, no solo por los vestuarios, trajes y peinados, si no también por las inclusiones de deliciosas referencias, como los soldados ingleses con sus característicos cascos o el uso de una tecnología muy adoc a los años cuarenta. Cuando vi a "Christopher", estaba flipando de la emoción. Entonces no había transistores, sino bobinas y el hecho de verlas funcionando, de manera mecánica, me hizo emocionarme más de una vez. Digo, siempre he sido un gran defensor del contexto y cuando una película quiere recrearlo lo más posible, no puedo solo que levantarme y aplaudir al respecto.
Música: Alexander Desplat se ha venido convirtiendo en uno de mis compositores favoritos en los últimos años. Si ya vi sus genialidades con Godzilla, aquí saca otra genialidad y crea un OST muy intimista. Casi me recordó a ese bello leitmotiv que Horner hizo para "Una mente brillante", pero siendo muy propio y hasta encajando con la personalidad de Turing. 
Doblaje: No me toco verla en español latino, sino subtitulada (y por suerte no había tal versión en los cines. A mi mujer le encanta la voz del protagonista). Pero checando Doblaje Wiki, noto que sus dobladores de siempre, Luis Daniel Ramírez y Xóchitl Ugarte están a cargo, lo cual me da cierta tranquilidad.
Controversia: Ya quería llegar a esta parte. Lo que no permitió disfrutar del todo esta película, es la cantidad de inexactitudes históricas que hay (y que inclusive generaron problemas con descendientes y conocidos de aquella época). Antes de ir al cine, me puse a leer de la vida de Alan Turing y cuando comencé a ver la película, me llegue varios chascos. Empezando, el personaje principal me lo deformaron para hacerlo más dramático: le dieron ciertos rasgos de Asperger, lo hicieron retraído, que era objeto de bullying y que inclusive llego a tener a conexiones emocionales fuertes con Joan. Todo esto nunca fue probado y otras eran al revés. Turing era sociable y tenía muchos amigos, era popular en la escuela y aunque si hubo algo con Carter e inclusive se hablo de casarse (con compromiso y todo), la misma matemática dijo que no llego al nivel de la película. Pero para rematar, sino lo deje en claro, Turing jamás se comprobo que fuese Asperger y que para colmo, pese a la actuación de Cumberbatch, fue mal llevado en la película. eso (pese a que tenía ciertas excentricidades) y el tema de la homosexualidad fue muy velado respecto a la historia original. Digo, la película se ve bien, pero se tomaron tantas licencias dramáticas que si me frikeo por momentos. Para rematar, lo sucedido con Ultra, también fue muy acomodado para que tuviese más carga dramática: Ultra no solo fueron unos científicos, sino miles. La máquina no se llamo Christopher, sino "Victory" y aunque si hubo un cierto control para que los alemanes no descubrieran Ultra, no llego a ser tan dramático como expone la película (aunque no se niega que sin esa cosa, la Guerra habría continuado por varios años más).
Tal vez lo más polémico es el tema de la homosexualidad. Acá se da por contado que el suicidio fue por la castración química, cuando está, ya había acabado al momento del suicidio de Turing y está se dio por el maltrato que recibió a raíz de las penalidades que existían en Inglaterra en aquel entonces. Claro, no quieres criticar a un país, pero a mi parecer, le resto importancia y potencia a este dato que hubiese beneficiado mucho a la película en drama.
Aportes: lejos de la crítica a la pretensión, Turing es un genio que había sido olvidado por su pasado homosexual. Destacado matemático, publico varios artículos durante su vida, donde defendía el uso y avance de las calculadoras personales que eran capaces de resolver problemas complejos y que en su momento se llamaron "Turing" (y que hoy en día se conocen como computadoras). Aparte, su papel como descifrador en Ultra fue vital para que los Aliados ganaran la guerra. Lamentablemente, el escandalo en que se vio envuelto (la homosexualidad era penada por ley en Inglaterra en aquellos años), termino por darle una mancha exagerada a su labor y fue hasta el 2013, cuando la Reina Isabel II le concedió el perdón, tanto político como penal. 
A título personal: Apenas escuche hablar del filme a principios de enero. Sin embargo, le tenía cierto pánico, ya que la película de Assenge, con Cumberbatch, había resultado bastante pobre. Pero cuando las primeras críticas dijeron que la película era excelente, no dude en arrastrar a mi esposa al cine, aunque en esta ocasión, sin tantos peros, ya que ella le encanta el protagonista. Por ciertos retrasos, llegamos al cine cuando apenas estaban los títulos iniciales, aunque eso no perjudicó gran cosa lo que vi después. Como película, me gusto y mucho. Me la pase muy bien y aparte en ningún momento me parecio aburrida. Sin embargo, lo que si me choco, es que el filme se toma demasiadas libertades y eso haga que sea poco creíble por momentos y caiga en dramatizaciones solo para despertar cierto sentimiento en los demás. Demasiado pretenciosa pues y eso hizo que se quedará muy corta en el momento que la vi como nominada a los Premios Oscar. Bien actuada, bien dirigida, pero con poco punch al fin al cabo.

En conclusión, "El código Enigma" es una buena película. Llena de drama, con puntualizaciones matemáticas muy instructivas y con unas grandes actuaciones. El gran problema, es que su guion es demasiado sencillo y muy pretencioso, por lo cual, es un buen biopic, pero jamás la utilizaría para escribir una biografía de Alan Turing. Recomendable para cualquiera y de manera encomiable.

----------------------------------------------------

Saludos a mi mujer ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Los Muppets Babies: una serie inolvidable de los años ochentas

Luego de un laaargo rato, al fin vuelvo con una entrada más o menos decente para el blog. Esta semana la había tenido bastante ocupadilla con otros menesteres, que me impedían actualizar como era debido. Aunque la próxima semana, vuelvo a la carga, trate de enfocarme en subir lo posible en este tiempo.

Y aunque no lo parezca, tengo de muchos temas de que hablar. El problema es que todos son películas que he visto recientemente. Como no quiero saturar el blog de estos temas, trato de diversificarlos y enfocarme en otros tópics que casi no he aprovechado. Entre ellos, los seriales de TV y los años ochentas.

Como ya he dicho hasta el hartazgo, esa década me marco de muchas maneras. Pero no solo a mi, sino a muchas personas más que vieron el nacimiento y el desarrollo de una industria que rompió paradigmas, en especial en el ámbito televisivo y mucho más, en el aspecto de caricaturas. Parece que los productores de aquellos años les dio un ataque de inspiración y vaya que supieron aprovecharlo. Como prueba de eso, está la serie o caricatura de los Muppets Babies, de la cual hablaremos a continuación.


Los pequeños Muppets (Muppet Babies) fue una serie animada estadounidense de los años 80-90 creada por Jim Henson, producida por Marvel Productions y The Jim Henson Company y transmitida por la cadena estadounidense CBS entre los años 1984 y 1990. Consta de 107 episodios y siete temporadas. Basada en una secuencia de la película del mismo año "Los Muppets toman Manhattan", en donde se imaginaba a los Muppets cuando bebés, inmediatamente, conllevó a crear esta exitosa serie de los años 80.


La ideal original para esta serie de animación nació en 1984, cuando se estreno la tercera película de la franquicia: Los Muppets toman Manhattan. En la susodicha, había una escena, bastante divertida, donde Piggy recuerda su infancia a lado de René, Fozzy, Kiko, Rufo y Animal. El momento le gusto tanto a Jim Henson, que junto con sus colaboradores, comenzaron a planear una serie de animación que recreara este momento de los Muppets, durante su más tierna infancia.

Para tal propósito, la compañía de Henson se alio con la productora Marvel (a través de su división de animación, la Sunbow Productions) de aquellos años y se dieron a la tarea de hacer 107 episodios, que se distribuyesen en 7 temporadas. Para la animación, las primeras 4 temporadas, se contó con el apoyo de Toei Animation y para las restantes, el estudio coreano AKOM. Como cada episodio, contaba mínimo con una melodía, Alan O´Day y un grupo de colaboradores, se encargo de realizar tales canciones. Por cierto, en la adaptación del doblaje latino, Ricardo Silva (cantante de intros como Chip y Dale o los Caballeros del Zodiaco), se encargo de la dirección musical en español latino.

Finalmente, la serie se estreno en el canal CBS, el 15 de septiembre de 1984 y duro hasta el 2 de noviembre de 1991. Desde el principio fue un éxito rotundo y ya para su cuarta temporada, había ganado 2 Emmys por mejor serie animada, al tiempo que logró la famosa "sindicación".
Aquí me detengo para explicar este concepto. En EUA, una serie se emite con cierta regularidad en determinado canal. Aunque lo importante es la cantidad de espectadores que la ven (que un buen rating se consideraría una media de 5 a 10 millones por episodio), el objetivo de tooda serie, sea live action o animación, es que entre en la sindicación. Esto significa que las cadenas de televisión más pequeñas compran la serie y comienzan a emitirla en sus propios horarios.

Hay que hacer notar que las señales de TV en EUA no son como en los países latinoaméricanos. Por ejemplo, en México tenemos al menos 5 a 6 canales de TV abierta y un montón de paga. Si una telenovela o un programa como Ninja Warrior se emite en uno de esos canales, este alcanzará cobertura nacional. El éxito de tal programa lo determinan los ratings. En cambio, en EUA, debido al tamaño del país y su privatización, cada estado o ciudad tiene su propio canal y por lo tanto, su propia programación. Si una serie alcanza la dicha sindicación, puede ser vista no solo a nivel nacional, sino regional, lo cual multiplica su popularidad e ingresos.

Los Muppets Babies alcanzaron dicha sindicación en 1988 y fue tan fructífera que inclusive, el Disney Channel americano siguió transmitiendo la serie de manera ininterrumpida desde 1989 hasta el 2007. En cuanto a la transmisión original, Henson aprovecho el impacto que tuvo la serie, ya que hasta llegaron a emitir dos episodios (uno nuevo y otro repetido), aparte de un tercer programa que tenía casi la misma duración que los episodios de animación, donde era una especie de continuación del "Muppets Show", el cual había terminado por esas fechas.

Ahora, ¿De qué demonios trataba la serie para que fuese popular?

La trama es bastante sencilla y gira alrededor de la convivencia de los muppets más populares (Rene - Kermit hoy en día, Piggy, Fozzy, Rufo, Kiko, Kika, Gonzo, Animal y en ocasiones, otros personajes como Beto y Basilio) durante su más tierna infancia, todos metidos en una guardería bastante peculiar, regenciada por la inolvidable "Nanny". Los chamacos muppets resolveran misterios, arreglaran problemas, echaran a andar proyectos, todo en base a utilizar la "imaginación", es decir, recrear el ambiente de manera casi onírica, y todo en base a películas, programas o situaciones ya vistas previamente por el espectador (como aquel episodio donde Gonzo consigue una cámara de mano y comienza a filmar una película al estilo Starwars).

Aunque las historias eran sencillas, los personajes eran muy carismáticos. Rene era el líder del grupo, sobrio y tranquilo. Piggy era temperamental y vanidosa, Gonzo era excéntrico pero comiquísimo, Fozzy era el payaso del grupo, mientras Kiko era el cerebro y Kika la enérgica y deportista. Tal vez Rufo de repente desentonaba, pero era el personaje más sobrio y equilibrado, mientras Animal...bueno, era Animal, jeje.
Como es lógico, los episodios son muy diferentes unos de otros y manejan a distintos personajes, lo cual hacía cada capítulo bastante divertido, teniendo una enseñanza moral pero muy subjetiva, lo cual hacía mucho más ameno el programa (por ejemplo, hay un episodio donde Gonzo se queda con las galletas que Nanny le había dado a todos y conforme los demás tratan de distraerse usando su imaginación, vemos como Gonzo va sintiéndose más culpable y como sus acciones orillan a todos a una multitud de problemas).

Por supuesto, cada episodio tenía una canción que sin negarlo, era bastante pegajosa (por ejemplo, hay una que decía "músculo, músculo, puro músculo" y que aun canturreo por ratos). Como extra, la serie, aparte de la animación, llegaba a intercalar fragmentos de películas clásicas de los años treinta o de películas famosas.

En México, se llego a emitir por el canal 5, en las tardes por el año de 1987-1988, llegando inclusive a tener un ciclo de 1 hora, emulando un poco la emisión gringa de la CBS.  Llego a ser demasiado popular en aquellos años, al grado que la mercadotecnia le ayudo bastante a la promoción de la misma serie. Por ejemplo, helados Holanda sacó un album conmemorativo de estampitas y también paletas que eran para dos personas (se partían a la mitad) y eran de hielo (había una de Rene, que era de limón, deliciosa). También, la dichosa heladería aprovechó para sacar envases de hasta un cuarto de litro con la figura de los dichosos Muppets.

La razón del éxito de esta franquicia, no solo se baso en las historias, las canciones y los personajes, sino en el diseño tan cute y tierno, no solo en base a que los personajes eran técnicamente unos nenes, si no también al tipo de color, casi pastel, que tenían los fondos. Esto atrajo a mucho público que no conocía a los Muppets adultos y que pese a su popularidad en aquellos años, llego a ser mucho más grande cuando se emitió esta serie.

A título personal: Los Muppets Babies fueron de mis series favoritas cuando era niño. Como pasaba a media tarde, era una excelente recompensa para cuando terminaba la tarea. Inclusive en ocasiones, mi madre me castigaba con no verla cuando me portaba mal o no hacía los deberes a tiempo. Para colmo, el serial era muy popular en aquellos años y con varios compañeros pasábamos comentando los episodios o las canciones que habían pasado en el episodio anterior.

Lamentablemente, la serie le perdí la pista en el momento que hubo una mudanza en casa y como en aquel entonces, el Canal 5 tenía escasa cobertura en el interior del país, hasta que volví a tener cable, no pude disfrutar el final de la serie. Pero aquí es donde hubo algo curioso: la serie se emitió en sus primeras cinco temporadas y media de manera initerrumpida, pero cuando llegaban a cierto episodio, a mediados de la sexta temporada, volvían a reiniciarla. Sin embargo, años después, cuando la serie la pasaban por Boomerang, el canal filial de Cartoon Network, noté que había más episodios de la serie y que abarcaban otros personajes emblemáticos de los Muppets originales (como los viejitos cascarrabias). Sin embargo, debido a que entonces había cambiado mi forma de ver las cosas, ya no pude disfrutar los episodios como Dios manda. Eso y que aparte, las historias eran un tanto más mediocres, la animación (que ahora corría a cargo de AKOM) era más deficiente y el doblaje, había tenido modificaciones, en especial en la voz de Gonzo.

Aquí es donde tengo que hacer otro apartado muy importante: si algo impulso a la popularidad de la serie, fue el estupendo doblaje que tuvo en México. Desde la voz de Rene hasta la de Rufo, todas encajaban de manera perfecta y claro, la más emblemática fue la voz de Nanny, Nancy McKenzie, actriz de doblaje peruana, pero radicada en México desde hace años y voz también de Marge Simpson. Por cierto, una de las cosas más recordables del doblaje, no solo eran las canciones incidentales, sino el famoso intro que más de uno que otro viejuno se sabe al derecho y al revés.

Claro, si hablamos de Nanny, sería hacer otra entrada de la misma. Para muchos, se convirtió en uno de los personajes más emblemáticos y memorables de la serie, Las anécdotas al respecto son interminables, pero más de uno, quería saber como era la verdadera cara de Nanny (misterio que nunca develaron).

Como dato curioso, hubo un episodio que coincidió con mi gusto con la serie española, "Erase una vez la Vida", donde Kiko sufre una infección y los demás, con su imaginación, se meten en el cuerpo del susodicho, para ayudar a sus defensas a combatir a las bacterias que lo están enfermando. Aunque el tiempo le ha pasado factura, sigue siendo épico en todos niveles.

En conclusión, "Los Muppets Babies", fue de las mejores series de aquellos bellos ochentas. Llego a fascinar por igual, tanto a niños como niñas. La serie no solo fue un fenómeno en su país de origen, sino en todo mundo, en especial en Latinoamerica. En ciertos canales privados, aun se siguió emitiendo, con gran éxito, a finales de la década pasada. Hoy en día, se pueden conseguir algunos episodios, pero de manera un tanto más pirata, mientras en EUA, se venden en VHS por Amazon y que aparte han tenido una gran demanda.

Tal vez si haya sufrido un tanto el paso del tiempo, pero a más de uno, despertará un gran sentimiento de nostalgia, en especial quienes la vimos cuando eramos pequeños.

-----------------------------------------------

Saludos a mi esposa ^^ (que igual le encantaba la serie), así a mi comadre, como a quienes gustaban de los Muppets Babies.

Leyenda urbana: Herobrine (por Minecraft)

En estos momentos es cuando caigo en cuenta que me estoy haciendo viejo. Lejos de que ya no puedo hacer el despliegue físico de antes o que mis ideas se están quedando anticuadas con respecto a la mayoría, hay un detalle que lo hace ver mucho más patente y es el gusto por los videojuegos actuales.

Sinceramente, prefiero los viejitos, donde destacaba más tu control sobre el personaje, que ver una cantidad de imagenes que casi se salen de la pantalla. Por ello, cuando los actuales gamers comienzan a hablar, me desconecto, ya que no tengo ni la mínima peregrina idea de lo que hablan. Seh, me hago obsoleto, pero bueno, es el pasar del tiempo y cuando comienzas a enfocarte en otras cosas.

Ojo, no significa que me hayan dejado de gustar los videojuegos. Me encantan, pero ya no siento que sea como antes. ¿Y a que viene todo esto? La razón es que muchas leyendas urbanas actuales de los videojuegos he tenido que dejarlas de lado, debido a que no conozco el juego. Sin embargo, hay algunas que si merecen la pena mencionarlas, tanto por lo espeluznantes, como lo bien hechas que están (o que sean ciertas, ñaca ñaca).

Por lo tanto, el objetivo de la siguiente entrada, es hablar de una de las más recientes, la de un juego que en su momento (y a la fecha) sigue causando sensación como Minecraft. Seh, hablamos de Herobrine.

Minecraft es un videojuego independiente de construcción, de tipo «mundo abierto» o sandbox creado originalmente por el sueco Markus «Notch» Persson,9 y posteriormente desarrollado por su empresa, Mojang AB. Fue lanzado públicamente el 17 de mayo de 2009 en su versión alfa, después de diversos cambios fue lanzada su versión completa el 18 de noviembre de 2011.


En Minecraft los jugadores pueden realizar construcciones libres mediante cubos con texturas tridimensionales, igualmente pueden explorar el entorno, recolectar recursos y crear objetos con distintas utilidades, combatir criaturas (llamadas mobs en inglés) u otros jugadores, etc. En su lanzamiento comercial el juego tenía dos modos principales: supervivencia, en el que los jugadores deben adquirir recursos para mantener su salud y hambre; y creativo, donde los jugadores tienen acceso ilimitado a los recursos del juego, la habilidad de volar y no requieren mantener su salud y hambre. Independientemente de estos modos de juego también se puede definir la dificultad del juego, siendo el modo más tranquilo el pacífico, que a diferencia de las demás dificultades, no permite que aparezcan monstruos en el juego que puedan interactuar con el jugador. También existe un tercer modo de juego, el extremo (hardcore en inglés), que es similar al modo supervivencia, con la diferencia de que este solo puede ser jugado en la dificultad difícil y que el jugador posee solo una vida, por lo que cuando muere termina la partida y el mundo debe ser borrado.


Minecraft ha sido de esa suerte de juegos, creado por alguien inovador y que ha tenido un gran éxito, pero que lamentablemente, Microsoft ha terminado por comprar. Como sea, en su momento, Minecraft gozo de alta popularidad entre los gamers. Y por lo tanto, no era de extrañar que tuviese alguna leyenda urbana.

A continuación, hago la transcripción literal de un usuario que reporto la presencia de Herobrine.

"...Recientemente he nacido en un mundo nuevo en el modo de un jugador de minecraft. Todo parecía normal al principio cuando comenzaba a cortar árboles y hacer mi mesa de trabajo. Empecé a notar algo extraño moviéndose dentro de la densa niebla, Como tenía una computadora muy lenta, me veía forzado a jugar en la distancia mínima de visión. Al principio pensé que era una vaca, por lo que comencé a perseguirla, esperando obtener algo de cuero para hacerme una armadura. ‘‘

Mas no era una vaca. Mirándome, frente a mí estaba un personaje con la skin original de minecraft, pero sus ojos estaban en blanco. No vi ningún nombre arriba de su cabeza como si estuviera jugando en multiplayer . Por lo que revise dos veces para asegurarme de que no estaba jugando en ese modo. El misterioso personaje no se quedo ahí mucho tiempo, el me miró fijamente por unos instantes y rápidamente corrió dentro de la densa niebla. Me comía la curiosidad, pero el se había marchado. ‘‘

Continúe jugando normalmente, sin estar seguro de qué pensar. Al ir expandiendo mi mundo empecé a ver algunas cosas que parecían estar fuera de lugar para ser generado por el motor de mapa del juego era algo bastante extraño: túneles de 2x2 dentro de algunas montañas, pequeñas pirámides de proporciones perfectas hechas de arena en mar adentro, troncos de árboles sin ninguna hoja... Constantemente me torturaba la curiosidad de poder ver aquel tan misterioso jugador que había aparecido ese día en aquella densa niebla, lastimosamente jamás pude verlo de nuevo, algunas veces intentaba cambiar la distancia de visión en un intento de poder encontrar aquel extraño personaje todas aquellas veces sin ninguna suerte. 

Hice clic en guardar y entre a los foros de minecraft para buscar algún tema sobre si alguien mas había tenido esta extraña experiencia de haber visto aquel extraño personaje. Como no vi ningún tema decidí crear el mío en el cual preguntaba si alguien más había presenciado tal aparición o había tenido alguna experiencia similar en el juego. Mi tema fue borrado 5 minutos después. Intenté de nuevo, y de nuevo mi tema fue borrado esta vez más rápidamente. Recibí un Mensaje Personal de un usuario llamado "Herobrine" y el mensaje contenía una sola palabra: "Detente". Después de ver esto inmediatamente quise revisar el perfil de este usuario, pero me salió el típico error 404 (página no encontrada). ‘‘

Tiempo después recibí un e-mail de otro usuario del foro. El decía que los moderadores podrían leer todos los mensajes de los usuarios del foro por lo que estábamos más seguros usando e-mails este usuario juraba que también había visto este extraño personaje y que tenía un pequeño directorio de otros usuarios con experiencias similares. El describía al extraño personaje que había visto en la densa niebla como un personaje de minecraft normal, pero con los ojos en blanco. ‘‘

Paso todo un mes para que volviera a escuchar de este usuario, menciono que algunos otros jugadores que el tenia en su directorio habían pasado por experiencias similares a la mía, pero ellos habían empezado una investigación acerca del nombre "Herobrine" y encontraron que era un nombre de usuario usado frecuentemente por un jugador sueco, después de juntar algo más de información llegamos a la conclusión que era el hermano de Notch el creador de minecraft. Personalmente le envié un mail a Notch, preguntándole si tenía un hermano. Le tomo algún tiempo pero me respondió con un corto mensaje: ‘‘

--Hola. Mira, sí tenía un hermano menor, pero por desgracia ya no está con nosotros. -- Notch

No he vuelto a ver aquel personaje misterioso que salió de la niebla en aquel primer contacto, tampoco he notado ningún cambio en mi mundo aparte de mis propias construcciones. Pude tomar una captura de imagen la primera vez que lo vi, y esta es mi evidencia de que él es real...."

Esta leyenda es bastante popular, al grado que se encuentra en las wikias dedicadas al juego. Inclusive, se ha rumorado que hay una versión "minera" de Herobrine, el cual consiste en robar objetos o construcciones que hace el jugador. Lo destacable, es la nula presencia de ojos en el mismo, solo es visible el blanco de los mismos (la conjuntiva). Claro, hoy en día se hace hincapié en que este bicho es una mentira y las imagenes posteadas, solo estan truqueadas. Supuestamente fueron colocadas por jugadores europeos, que buscaban fastidiar a los más novatos.

Y aunque se ha comprobado el timo, mucha gente aun esta dentro del mismo Minecraft, tratando de hallarse a este peculiar sujeto en algún momento.

--------------------------------------------

Saludos a mi mujer, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.

En el bosque: Una película musical un tanto extraña

Estas dos últimas semanas la situación económica ha mejorado un tanto y eso ha permitido a mi esposa y un servidor, disfrutar uno de los placeres que hemos tenido desde que éramos novios y es ir al cine. Aunque en parte, tampoco es que en taquilla hubiese algo interesante, hasta ahora, que las películas de los “Óscares”, ya están en puerta.

Justamente, hace una semana, mi mujer vio la reseña de una película que a mí no me había pasado por la cabeza y como le gusto la primicia, dijo que quería verla. Luego de algunos trajines, logramos llegar al cine y así disfrutamos nuestra primera película del año.

Debo decir que “En el Bosque”, es un buen musical de Disney. Sin embargo, también me hizo reafirmar que este género no es el mío y aunque mi mujer me ha logrado acostumbrar a ellos, sigue sin convencerme demasiado.

Into the Woods es una película estadounidense, musical producida por Walt Disney Pictures, dirigida por Rob Marshall, escrita por James Lapine (escritor del libreto del musical original) y protagonizada en los papeles protagonistas por, Meryl Streep, Emily Blunt, James Corden, Anna Kendrick, Chris Pine y Johnny Depp como el lobo; En los secundarios, Mackenzie Mauzy, Lilla Crawford, Billy Magnussen y Daniel Huttlestone. Basado en el aclamado epónimo musical de Broadway con música y letra de Stephen Sondheim y libreto de James Lapine, se centra en un matrimonio de panaderos que no pueden tener hijos, quienes se proponen acabar con esta maldición colocada sobre ellos por una bruja vengativa. Into the Woods será estrenada el 25 de diciembre de 2014 en Estados Unidos, y es la primera adaptación teatral de Disney de un musical de Broadway.La película esta nominada 3 Premios Óscar, en donde destaca la nominación a Meryl Streep en la categoría de actriz de reparto.

Antecedentes: Es curioso. Esta película no tenía ni la más peregrina idea de lo que trataba, pero ahora que estoy reseñándola, me doy cuenta de que era un proyecto largamente ambicionado desde hace tiempo. Primeramente, es una adaptación del musical del mismo nombre, creado por Stephen Sondheim (autor de otros musicales como Sweeney Todd). El primer intento para llevarlo al cine, fue teniendo a actores de calibre como GoldieHawn, Robin Williams, Steve Martin o Cher. Sin embargo, el proyecto se echó para atrás y llego otra propuesta, en 1997, donde saldrían MegRyan, Billy Crystal y SusanSarandon, con RobMinkoff en los controles. Pero nuevamente, la propuesta se detuvo y estuvo enlatado por 15 años. Finalmente, en el 2012, Rob Marshall fue contactado por Disney, que comenzó a trabajar en una actualización del guión ya revisado varias veces por el propio Sondheim. Marshall aceptó de buen agrado y se comenzaron a hacer propuestas en el cast, las cuales tuvieron varias modificaciones (la inclusión de Johnny Depp como el Lobo, Emily Blunt como la esposa del panadero y la aparición de Chris Pine como el príncipe de la Cenicienta). Curiosamente, Anna Kendrick (Cenicienta) y James Corden (El panadero) estuvieron siempre en las apuestas del director para interpretar el musical. La gran apuesta vino con MerylStreep que aceptó ser la bruja, esto en enero del 2013. El rodaje se realizó en varias partes de Inglaterra, como Dover, entre septiembre y noviembre de aquel año. Curiosamente, hubo una guerra de rumores, donde algunos aseguraban que la película tendría que tener un rodaje extra, luego de que la proyección preliminar fue presentada a los ejecutivos del estudio. Marshall en su momento desmintió esto, pero sí tuvieron que volver al set unos tres días, para ajustar algunas escenas y agregar material que no aparecía en la versión preliminar. El tráiler se proyectó en julio del 2014 y tuvo estreno en los EUA a finales del año pasado, donde tuvo críticas positivas por parte de los expertos, pero siendo un tanto golpeada por el espectador promedio. El estreno en Latinoamérica se dio a principios de febrero de este año. Lo destacable es que las canciones NO se doblaron, sino solo se agregó subtitulaje, pese a que los diálogos sin melodía, tenían el doblaje correspondiente. La película fue nominada a tres premios Óscar, aunque destaca el de “mejor actriz” a MerylStreep.

Historia:La película es el curioso entrelazamiento de diferentes cuentos de hadas: Cenicienta, la Caperucita Roja, Rapunzel y Jack y las habichuelas mágicas. Las historias inician en paralelo y de manera tradicional, pero todo se enreda cuando aparecen un panadero y su esposa, que desean tener un chilpayate, pero una malvada bruja (Streep) los ha embrujado para que no puedan concebir, hasta que ellos le consigan varios objetos para hacer una poción que revierta la maldición que tiene sobre ella. Aunque todo parece complicarse y luego va hacia un final feliz, las cosas no jalan como tal y da lugar a un desenlace mucho más profundo y dramático.

Guion:Cuando comencé a ver la película y vi que era un musical “peso” pesado, casi estuve a punto de bloquearme. Digo, si tolero que los personajes canten, pero el inicio es tanta cantada que casi me termino bloqueando. Para colmo, la primera hora y media de la película es altamente predecible, aburrida y por momentos sosa, ya que como comenté, se tratan todos los cuentos de hadas mencionados y de manera tradicional. Por momentos la historia agrega algunos momentos muy adultos, espontáneos, pero que hacían pensar “¿y esto para dónde va?”. El problema, aunque no lo crean, es el último tercio de la historia. Allí es donde la cosa mejora y de manera brutal como exponencial. Vemos que los deseos de los personajes han tenido por fregarles su vida de algún modo y hacer que asuman sus responsabilidades, aunque no quieran. Aquí es cuando las canciones siento que tienen algún sentido. Y digo que es un problema, porque tuvieron que pasar 90 minutos antes de llegar a este punto. Cierto que era imposible ponerlo de otra forma, pero pudieron recortar un poco más de ese metraje, ya que el ritmo es bastante inestable, al grado que mi esposa también estaba muy fastidiada (“¿Cuánto falta? Ya me cansé”, me llego a preguntar). Cierto que vemos a Depp (que tiene una actuación de algunos minutos) y a Streep hacer de las suyas, pero debo decir que los personajes, salvo el de Emily Blunt, no despuntan hasta llegar a ese maravilloso tercio final. Antes son sosos, estereotipados, burdos. Por supuesto, alguien podrá decir que es una transición estupenda entre la magia y la realidad, pero siento que había mejores formas de serlo y sin sacrificar tanto el ritmo como la trama.

Personajes: una disparidad tremenda entre unos y otros. No tanto por actuaciones, sino por cómo fueron diseñados. Como ya comenté, Jack, Caperucita, el panadero, la Cenicienta, así los príncipes, son muy lineales, mientras la bruja y la esposa del panadero se con más empaque, más reales. Curiosamente, en el tercio final, la cosa se invierte de manera dramática y los que eran sosos, se vuelven interesantes, mientras los otros son acartonados y con un final alto predecible (bueno, no tanto uno, ese si sorprendió a la primera revisión, luego uno se da cuenta que era inevitable). Nuevamente obedece a las cuestiones del guion que se enfocaba en hacer una dicotomía bien visible, pero que no pega al fin al cabo. Por cierto, si es mencionable la actuación de MerylStreep, pero siento que la nominación se la regalaron, porque no es de sus mejores papeles. Por cierto, Chris Pine es de los peorcitos de la película, pero no sé si porque su papel era muy malo o él hace una pésima actuación. Igual, mitad y mitad.

Efectos, diseño, fotografía: de los puntos más logrados de la película. DionBeebe hace un soberbio trabajo con la cámara y toma ciertos ángulos, tanto de los personajes como de las escenas, bastante bueno. Aparte, hace hincapié en los planos de la vieja escuela, cuando no había tantos efectos especiales y están muy bien logrados.

Música: eh, no puedo opinar mucho y tampoco de manera coherente. La razón es que es un musical y las canciones terminan por embotarme. Lo que sí puedo decir es que no hubo alguna rola que me llamara la atención o me hiciese estar cantando al final de la misma. Digo, todas son buenas, pero muy regulares y ninguna destaca. Para colmo, como he comentado hasta el hartazgo, las rolas del último tercio son más acordes a la situación, en especial cuando los personajes se están culpando unos a otros por sus deseos. En las otras, de plano, si sentía que solo cantaban por cantar.

Doblaje: curiosamente, fue de las cosas que menos me chocaron de la película y eso que había actrices o actores con los cuales no logro llevarme muy bien, como Edson Matus o Hiromi Hayakawa. Sin embargo, aquí hicieron un gran papel y hasta lograron darle un buen empaque a sus personajes. Destaco en especial a Andrea Coto, que le toco doblar a Mery Streep y lo hace genialmente.

Curiosidades: para las fans del Depp, este solo sale unos cuantos minutos y ya. Mi esposa en parte fue a ver la película por él y se decepciono un tanto luego de que le cortan la panza y listo (no es spoiler realmente, aunque perdonen si alguno ya me la está mentando). Otro detalle es que pese a ser una película Disney, hay algunas escenas muy subidas de tono o que de plano tienen un doble contexto. Se nota que quisieron apegarse lo más posible al musical (ya que este, según las críticas, si es bastante durillo por momentos). Otro punto muuuy curioso, es que esta película reúne a mucho cast de otros filmes, como “Mamma mía” y “El diablo viste de moda”.

A título personal: como dije, es un musical y no son de mi agrado. Sin embargo, había tenido buenas experiencias antes y pensé que sería distinto. Pero la primera hora casi me vuelve loco, porque la película era muy larga, muy enredada por momentos y con canciones que me sacaban de quicio. Por suerte, la cosa mejoró enormemente en los últimos 30 minutos de la película y al menos esa parte, me dejo bastante contento. La razón es que hay una crítica muy veraz sobre ciertos aspectos muy humanos, como el desear algo, pero no asumir la responsabilidad de tal acto. También hay otros puntos que se critican, como el conformismo, el crecimiento interior y el saber adaptarse a situaciones que no son muy agradables. En este rubro, me gusto la historia del panadero. Sin embargo, es más en retrospectiva, ya que si estás viendo la película, no llega a ser tan potente el transcurso o camino del mismo. Tal vez si el ritmo hubiese estado mejor, sea en salpicar los primeros minutos con más puntos adultos o en darle velocidad, la cosa habría funcionado.

En conclusión, “En el Bosque”, es una película aceptable de Disney. A nivel crítica y contexto es muy buena, pero la forma de desarrollarla y plasmarla, no me pareció muy adecuada. Y eso se reflejó en la crítica del espectador promedio, que fue muy inferior a la de la prensa especializada. Quisiera decir que se saltasen la primera hora y media de la película e irse directamente a la parte buena, pero con sus bemoles, los primeros dos tercios sirven de base para el último acto. Claro, por allí escuche a gente decir que lo que hizo Disney con este filme fue una genialidad, pero me parecen comentarios hípster o muy sobrevalorados, por no decir tendenciosos. Sin embargo, en algo estamos de acuerdo: La nominación al Óscar de MerylStreep si fue un regalazo de la Academia.

¿Recomendable? Pues…bueno. En parte sí, en parte no. Si te gusta lo musical, te gustará, pero sino, pues si te costará la subida.

Power Rangers X-Overs (The Unusual Suspecet): Cuando un tema rulea en todos lados

Power Rangers es una de las franquicias más longevas hasta el momento, teniendo en nuestro continente, al menos 20 años de existencia. Claro, la saga es derivada de las series Super Sentai, que en Japón ya llevan mucho más tiempo. Como ocurre con Robotech y Macross, los fans se dividen entre lo original o la remasterización que le metió Saban y compañía.

A título personal, la traslación gringa si ha dejado un tanto que desear y aunque ha mejorado con el tiempo, tanto en historia como en el diseño de los personajes, sigue quedándose muy atrás, comparada con su original. Sin embargo, algo que ha trascendido el tiempo y que sigue siendo marca de calidad, al grado que varios singers japoneses han interpretado, es el opening creado por Ron Wasserman, y que tuvo su primera luz en diciembre de 1994, justo cuando la franquicia comenzó su andadura en estas latitudes (En México, veríamos a los Power Rangers, junto con Animaniacs, Captain Tsubasa 1983 en un ciclo que Canal 5 coloco en las tardes).

Desde entonces, el opening, en sus diferentes versiones, se ha hecho lugar entre los gustos de los fans y la rola estaría con fuerzas, hasta que Disney compró un tiempo los derechos de los Power Rangers y comenzaron a hacer modificaciones horrorosas al mismo, hasta que se utilizo un tune totalmente diferente. Saban recobro la franquicia hace unos pocos años y en muestra de "pique", volvió a colocar el tema de Wasserman (e interpretado por sí mismo, con otro nombre) como buque emblema de la saga.

Justo estos días, estaba escuchando los openings de las dierentes sagas, y de repente me toque con usuario del "tubo" que había adaptado las rolas con diferentes sagas de películas o caricaturas, de manera estupenda. Por tal motivo, esta entrada va hacia los que me parecieron los 5 mejores intros/adaptaciones de "Go Go Power Rangers". Por cierto, todos los videos pertenecen a The Unusual Suscept, así que cualquier cosa, remitanse a su canal.


-Men in Black (Power Rangers: SPD Style!)

La combinación entre este opening de los Powers Rangers SPD y Hombres de Negro, es la pasada en muchos sentidos. Es de los últimos intros que llegaron a gustarme de la franquicia, cuando ya estaba en manos de Disney (aunque también tengo otros motivos por el cual me gusta jeje). Me encanta como el creador del video es capaz de combinar los personajes con la música y utilizar referencias de imagen como si fuese el intro original. Aunque falto la mención de los villanos de la saga.


-Back to the Future (Power Rangers: Time Force Style!)

Otro de los grandes temas de la franquicia, pero versión "Fuerza del Tiempo". Saban aun conservaba los derechos y estaba en el culmen, mostrando una calidad adecuada con los guiones y las adaptaciones. En el caso del video que se hizo con Volver al Futuro, tanto la rola como las imagenes insertadas son estupendas. Aparte que le dan su mérito al gran villano de la saga: Biff. Aparte de que las escenas cuando aparece el reloj, son de lo mejor del condenado video.


-Jurassic Park (Power Rangers: Dino Thunder Style!)

Aquí ya comenzaba el dominio de Disney sobre la franquicia america de los Super Sentai y su primer pulso se notó con la modificación sustancial del  intro original. Claro, aun tiene reminiscencias del mismo, pero ya comenzaba a disminuir la calidad de la adaptación. Pero mientras, el autor vuelve a hacer de las suyas y combina de manera perfecta la saga de Parque Jurásico con este opening, que le viene calcado en muchos sentidos (¿O al revés). Como sea, otro de mis grandes favoritos.


-Star Trek (Power Rangers: In Space Style!)

Curisoamente, esta no es mis rolas favoritas de los Power Rangers, la considero muy inferior a las demás, pese a que está dentro del parámetro de Saban. Sin embargo, The Unusual hace una genialidad al combinar las imagenes de las dos películas más recientes de Star Trek con esta rola, dandole un aire genial, casi mítico, al grado que después de ver este video, me vi algunas escenas de Star Trek. Tal vez de los videos mejor logrados que he disfrutado últimamente.


-Star Wars (Power Rangers: Lost Galaxy Style!)

Rola de rolas, señora de señoras. Este, junto con el opening original, es de mis melodías favoritas de todas las sagas de Power Rangers. Tal vez por ese estilo noventero tan peculiar, pero la instrumentación, así la forma de combinar otro tipo de sonidos, fue lo que me termino fascinando. Para colmo, el buen The Unusual hizo el video con Starwars, así que allí andaba brincando sobre la silla mientras lo veía. Mi favorito, the best of the best of the best. Larga vida a las dos franquicias.


Bonus: Marvel's Agents of S.H.I.E.L.D. (Power Rangers: Lightspeed Rescue Style!)

Sí, una rolita de pilón. Aunque la rola ni tampoco la serie en que se baso The Unusual para crear este video sea de mis favoritas, la sincronización entre ambos es de un altísimo nivel, dejando ver el talento de este autor en muchos grados.

-----------------------------------------------------

Saludos a mi ^^ chica adorada, así a quienes gustan de este tipo de videos.

Megaman IV: Cossack contraaataca!

Aunque digo que soy un fanático acérrimo del Bombardero Azul (Megaman), en realidad si soy sincero, he jugado muy pocos juegos de él, incluyendo la saga clásica, la X (que abarco el playstation), así la Zero como otras. Técnicamente, me quedo en las primeras sagas, primero por flojera y segundo por falta de un aparato adecuado para jugarlos.

Pero si hubo un juego donde no me enfrasque demasiado, tal vez por su dificultad, fue Megaman IV. Seh, aquel que introducía un nuevo poder al protagonista y que tenía un villano totalmente diferente al Dr. Willy. En retrospectiva, no es que el cartucho fuese extremadamente difícil (el Megaman V superó esa expectativa), sino en aquellos tiempos, mi ansiedad por terminar juegos estaba al límite y no supe aprovechar las grandes mejorías que presentaba (aunque igual, en el siguiente, las cosas tendrían otro nivel).

Por lo tanto, la siguiente entrada, va dedicada a uno de esos cartuchos emblemáticos de la NES y que a muchos fans les fascino (aunque no me podría incluir tanto con ellos): Megaman IV. 

Mega Man 4 (ロックマン 4 新たなる野望!! Rokkuman Fō Arata Naru Yabō!!?, Rockman 4: ¡¡Una nueva ambición!!) Es un videojuego de plataformas desarrollado por Capcom. Es la cuarta parte de la serie Mega Man y continuación de Mega Man 3 aparecido en 1991. El juego se vendió en formato cartucho de 60 pines para Famicom y 72 para NES. Años más tarde, aparecería una versión para PlayStation sólo en Japón parte de la colección Rockman Complete Works y más tarde, otra versión con extras para PlayStation 2, Nintendo GameCube, y Xbox en 2004 parte del Mega Man Anniversary Collection.

Megaman IV salió un año después de su antecesor, en diciembre de 1991 y en Occidente, como en Europa, tuvo salida en 1992. Keiji Inafune, el creador original de la saga, vuelve a estar en los controles e implemento un par de cosas con respecto a los tres anteriores. Aunque en su momento, este juego gozo de gran popularidad y fue aclamado por los fans, se ha ido quedando rezagado en el tiempo, al grado que pese a incorporar un elemento que se ha mantenido en toooodas las sagas siguientes, no fue suficiente para mostrarlo como un juego trascendental.

A diferencia de los juegos anteriores, Inafune comentó que casi no tuvo problemas durante el desarrollo del mismo. Aparte, no solo se encargo de hacer el diseño de los personajes y de los escenarios, sino también de dirigir la dirección de la realización del juego. También se encargo de realizar los diseños para el Dr. Cossack y su hija Kalinka. Casi el equipo de las anteriores sagas estuvo en la realización del mismo.

Para los Robots Maestros, nuevamente se realizo un concurso en Japón, donde cualquiera podría enviar un dibujo sobre un robot maestro y si era del gusto de los programadores, sería incluido en el videojuego, de manera íntegra. Al final, 8 fueron los ganadores (obvio) y como premio, recibieron gratis, un cartucho “dorado”, que hoy en día, es un objeto de colección entre los fans.

Para la Consumer Electronic Show de mediados del 91, se mostro un “beta” del juego, donde como es lógico, todo estaba a medias, con solo 4 escenarios y con algunas cosas que se agregaron posteriormente u otras que se quitaron en la versión final.

Curiosamente, en su momento, Capcom pensó en lanzar este juego a la SNES, que ya estaba teniendo una espiral ascendente, pero termino por decantarse por el viejo NES y continuar al menos dos videojuegos más antes de retirarse de la legendaria consola de 8 bits.

¿Y cuál es el argumento de este juego?

Ha pasado un año desde que Megaman (Rockman para los cuates), logro derrotar a Gamma, el robot maestro de Willy. Este igual parece que murió en batalla porque no ha dado señales de vida y todo transcurre en paz. Sin embargo, un día, el Dr. Cossack envía una carta vía visual, donde no solo reta al Dr. Light, sino también proclama que será el nuevo doctor malo malo maloso de la saga y que 8 robots suyos, se han soltado por el mundo, para hacer de las suyas. Ante tal eventualidad y sin conocer el potencial de este nuevo enemigo, Light decide modificar el arma de plasma de su creación, haciendo que cada vez que cargue su cañón por algunos segundos, sea capaz de disparar una ráfaga de energía mucho más potente: el Mega Buster, a la par de crear un robot de apoyo, llamado Eddie, que sea capaz de apoyar a Mega en su lucha.

Los 8 robots maestros a vencer son: Brightman, Pharaohman, Drillman, Ringman, Toadman, Dustman, Diveman y Skullman. Como siempre, los jefes pueden ser eliminados por el arma adquirida con otro robot maestro y que se verá su efectividad, no solo por la cantidad de energía que baje, sino por la reacción que tiene el robot maestro al recibir dicho impacto.

Aparte, nuestro protagonista contará con la ayuda de su fiel perro Rush (el cual conserva el modo volador, de salto y de submarino), el mencionado Eddie (el cual te verá a medio escenario, proporcionándote un ítem, que sería desde cápsula de energía hasta una vida extra) y de un inesperado apoyo de su “hermano”, Proto Man.

Por cierto, también le agregaron dos dispositivos nuevos a Rock, uno el cual le permite flotar por un cierto tiempo en un balón y el otro que es una especie de gancho para subir a lugares más altos (y con el chistoso frame de cómo nuestro protagonista sube la cabeza al  hacer esto).

El juego mantiene la misma “línea” de sus predecesores, tanto en jugabilidad, diseño, gráficas y tipo de enemigos que tienes enfrente. Léase, es pan con lo mismo, pero con algunos agregados novedosos, como el dichoso Mega Buster. Sin embargo, a opinión personal, este nuevo poder me pareció un tanto inútil y aparte de que el juego forzaba mucho su uso, con enemigos que requerías matar de este tipo, o a base de disparos sencillos, pero que te llevaba una eternidad dispararle (ejemplo: las máscaras voladoras del escenario de Skull Man). Aparte, veía que el Mega Buster se veía vistoso, pero tenía poco impacto y apenas representaban dos o tres veces un ataque normal. Por suerte, para Megaman V, el ataque si sería muy efectivo, aparte de tener un rediseño espectacular.

Aunque suelo dejar mis opiniones para el final, acá tengo que mezclarlas para dar énfasis a ciertas cosas. Por ejemplo, los diseños de los escenarios alcanzaron un preciosismo y originalidad increíbles en algunos stages, pero en otros, eran demasiado aburridos o repetitivos (nuevamente, el escenario de Skull Man me pareció aborrecible). Aparte, la música que adornaba cada escenario no era tan impactante como los anteriores (como prueba, los remix de este juego, se afocan a unos cuantos temas, mientras en los otros juegos, puedes tener remix del remix de diferentes partes). Curiosamente, las mejores músicas se apreciaban en los castillos finales, tanto de Cossack como de Willy (sí, el viejito barbón estaba detrás de todo esto. Resulta que había secuestrado a la hija de Cossack, Kalinka, y cuando estas por derrotar al doctor, la chica aparece en compañía de Proto Man, la cual la había rescatado, informando que el mero malo no era su jefe, sino Willy). Como dato curioso a la música, fue la primera vez que se cambiaron las músicas para los jefes finales, por lo cual puedes apreciar mejor el trabajo de los de Alpha Lyra, el grupo musical de Capcom.

Pero a la par de esto, debo hacer notar que el juego, con este escenario extra, se volvía bastante largo. Curiosamente, los escenarios del castillo de Willy eran más sencillos que los de Cossack, pero precisamente, si llevabas un rato jugando, ya comenzabas a querer lanzar el control a un lado y hacer otra cosa. Tal vez por eso jamás logré terminar el juego como Dios manda.

Como dato extra, este videojuego tiene una intro bastante novedosa, donde nos hace una especie de reseña de cómo es que Rock se convirtió en Megaman. Aquí resalta que nos pusieron su pelo de color azul, cuando en los créditos, tiene el pelo negro (cosa que no se decidieron los programadores hasta muy tarde, en cuanto al look definitivo que tendría el protagonista).

Para variar, el diseño de arte de la imagen y caja del cartucho tuvo variaciones, en Japón, América y Europa. Mientras en el continente seguimos con ese arte medio horroroso, con la cara de Megaman como si fuese un androide con un gesto burlón, en Japón continuo con el tipo anime muy característico. Curiosamente, en Europa siempre emulaban a la japonesa, pero en este caso, hicieron una fusión extraña entre el arte americano y el japonés, donde en lugar de tener ese monillo horrendo, ponen al Megaman original.

A título personal, casi he dicho lo básico sobre el juego: es entretenido, divertido, tiene una buena dificultad, pero la falta de alguna música característica y algunos escenarios monótonos, hicieron que viera al Megaman IV como un proyecto un tanto olvidable. Amén de que el abuso del Mega Buster (obligado por el juego), lo hacía fastidioso por momentos.

Es curiosa la forma en que llegue a tocarlo por primera vez. Como he comentado, mi hermano era un gran fan de los videojuegos cuando éramos pequeños y aunque a mí también me fascinaban, era él quien tenía la iniciativa al jugarlos o adquirirlos, sea por renta o compra.

Este juego lo tengo presente en la cabeza, debido a que mi hermano lo alquiló en los primeros meses que estaba en secundaria. El cambio de grado me significaba mucho estrés y cansancio por aquel entonces, por lo cual llegaba muerto a la casa, solo a comer y dormir. En una de esas, me toco ver a mi hermano jugando, mientras yo estaba tirado en la cama, a media coagulación. Fue hasta una segunda vez que mi bro alquiló el juego que pude ahora si jugarlo en forma.

Como dije, en su momento me gusto, pero el fastidio del Mega Buster es cuento de nunca acabar.

En conclusión, Megaman IV es un buen juego de la saga clásica. Sin embargo, pese a la novedad de un nuevo enemigo y un nuevo poder, no consiguió hacerse un lugarcito en mi corazón como sus antecesores o inclusive el Megaman V. Sin embargo, no deja de ser un juego con un buen reto que te hará pasar un rato bastante entretenido.

-----------------------------------------------------------

Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan del Bombardero Azul.