Intensa-mente: un buen retorno de Pixar más no suficiente

Habían pasado dos años desde que PIXAR estrenó su último film, "Monster University", con críticas mucho más positivas que negativas, pero que sin embargo, no cosechó ninguna nominación en el rubro de animación. Y no era de extrañar, ya que muchos decían que la potencia del estudio había venido a la baja, luego de tener un fin de década pasado glorioso, con películas divertidas y originales como "Ratatouille", "Wall-E" y "Up".

Aunque queramos incluir a la multipremiada y aclamada Toy Story 3, no podemos hacer a un lado que dicha película era una secuela y que por lo tanto, no entraba totalmente en los proyectos originales del estudio. Lamentablemente, parece que el gusto por el dinero alcanzó a los productores, ya que vinó una asquerosa secuela como Cars 2 y una no tan potente "Monster 2" (University para los cuates). Claro, tenemos a "Brave", pero el filme pasó por muchos problemas de guión, producción y dirección, al grado que Brenda Chapman, su directora, la hicieron renunciar a medio trabajo y luego también tuvo broncas con Disney, cuando está trato de usar a Merida como un personaje más sexualizado.

En otras palabras, PIXAR había entrado en crisis y era más que evidente con otros estudios que ya le estaban robando el mandado o inclusive, con su competencia más directa (más no admita), que son los Walt Disney Studios, que salieron como un "apendice" de los mismos PIXAR, teniendo películas que han ido subiendo en calidad y punch, como Ralph el Demoledor, Frozen o Big Hero 6.
De allí que el estudio se haya tomado un año sabático para redireccionar sus proyectos y volver a afianzarlos en el gusto del público. Y claro, para no olvidar, se enfocaron en hacer algo original, algo divertido y por ello, aquí tenemos "Intensa-mente". Lamentablemente, no todas las pifias de PIXAR fueron corregidas y vamos a ver a continuación porque.


Ficha técnica: Inside-Out (Intensa-mente).
País involucrado: Estados Unidos.
Año: 2015.
Productora:Pixar Studios
Idioma: Inglés.
Dirección: Pete Docter.
Guión: Pete Docter/Michael Arndt.
Distribución: Walt Disney Studios.

Trasfondo: Pete Docter volvió a utilizar parte de su infancia para evocar esta historia, donde la entrada de la adolescencia de su hija, le evocó recuerdos a cuando él tuvo que mudarse en una ocasión y esta situación le ocasionó varios conflictos emocionales. A raíz de esto y lo de su hija, comenzó a plantear una historia para ver como funcionan las emociones en cuestiones bastante complejas como esta. Se consultaron a varios especialistas en el tema, que ayudaron a Docter a reformular la historia en su cabeza, teniendo a 5 protagonistas como emociones. Esta idea, la discutió el director con Lasseter en el 2011, y este la aprobo para ser desarrollada. Curiosamente, este fue el primer filme de Pixar que no se habló con el que fue su cabeza: Steve Jobs.

Argumento: la trama se enfoca en el nacimiento y vida (hasta la adolescencia) de una chica llamada Riley...pero desde el aspecto de su mente, ya que al momento de aparecer en el mundo, 5 emociones van germinando en ella: alegría, tristeza, ira, desagrado y temor. Se ve como las cinco van tomando decisiones en la vida de Riley para hacer que sea más funcional y rapidamente se ve como Alegría es la mandamás en estas cuestiones. Sin embargo, la mudanza de la familia de Riley comienza a provocar cambios y un desbarajuste que Alegría no puede solucionar como ella quiere y para colmo, entorpecida por la labor que hace Tristeza en ciertos momentos. En una de esas, ambas salen disparadas de la cabeza de Riley y se pierden en el banco de recuerdos, mientras las demás emociones tratan de sacar a flote la situación como pueden.

Historia: Generalmente las historias y guiones de PIXAR son estupendos y realmente potentes. El problema con Intensa-mente es que una de las partes que más flojea es la estructura de la historia, ya que la vemos casi idéntica a Toy Story: un grupo de objetos o ideas (sea juguetes o emociones) con personalidad y carices propios ayudan al niño en cuestión a ser feliz, pero debido a cambios o situaciones, esto se desmadra y para colmo, dos de ellas se pierden en el trayecto y deben aprender a convivir para poder salir del embrollo y volver a su lugar. Sep, si vemos Intensamente, es como ver Toy Story, pero con emociones y dentro de la cabeza. Claro, para los adultos o niños que jamás han visto una película del estudio, les parecera genial o emocionante, pero para los demás, como un servidor, la cosa era bastante predecible y por momentos aburrida. Técnicamente ya sabía que iba a pasar en cada instante, al menos en el rubro historia y lo único realmente diferente fue el final, que pese a tener la misma tónica, me había interesado en ver como Alegría y Tristeza lograrían zanjear sus diferencias (por obvias razones). Para rematar, algunos momentos tienen un aire deux-machina bastante sonoros, como el asunto de que Alegría y Tristeza tratan de llegar como sea al cuartel general y de repente, vemos a Tristeza flotar en una nube en lo más alto casi al tramo final. Digo, eso me pareció muy sacado de la manga.
¿Entonces por esto, la película es mala? En absoluto. Lo que me ayudó y me encanto es la forma tan genial y onírica que tuvieron los directores de retratar mucho del mapeo emocional o de la teoría de la mente que se tiene hoy en día. En su momento cualquier racionalista pueda enojarse con eso de que primero aparecen las emociones y luego estas van dirigiendo el cerebro, en realidad está bastante apegado a lo que sabemos hoy en día de como funciona nuestra cabeza: al fin al cabo, somos animales y las emociones están encima de todo. En muchas ocasiones llegan a dirigir de manera pronta y rápida lo que vamos a hacer y como reaccionamos ante tales momentos. Y aunque muchos podrán quejarse del reduccionismo, realmente tenemos esas emociones básicas: la felicidad, la tristeza, el desagrado (que no es lo mismo que odio), la ira (enojo sencillo, tal como el personaje) y el temor (la prevención). Con esto, puedo decir que como manejaron la dinámica de los recuerdos, el hecho de como estos luego se van desvaneciendo de manera selectiva y extraña, la existencia de la imaginación, de las famosas ideas centrales (algo bastante cognitivo-conductual), de las islas de conocimieno o estabilidad, todo, no sé, termine fascinado, encantado y eso me permitió paliar un guión bastante chato y poco contundente. Durante la película me la pasaba checando detalles y comparándolo con mis clases en todo momento y no podía menos que regocijarme o soltar una carcajada, aunque un tanto desatinada.
Aquí es donde caigo a otro punto bastante claro: el filme es un poco nerd y para disfrutarlo a tope, necesitas tener un cierto conocimiento de fondo. En eso, PIXAR volvió a terreno mucho más potente. Muchas películas gringas tienden la mala maña de explicartelo todo. PIXAR, fiel a su estilo, no se esforzaba por hacer moralinas las historias, sino que ellas mismas te fuesen explicando todo. Lamentablemente, el chatismo del guión le afecta y el último cuarto de hora lamentablemente si caemos en eso y de repente me pareció ver esas incongruencias e infantilismo que vi en Cars y su secuela. Por eso, coincido con algunos críticos, que mucha gente ha tachado de amargados y es que pese al buen ritmo, el colorismo, los personajes, la historia no se desliza como uno quiere y el final resulta muy sencillo o muy predecible.

Personajes: aquí aclaro. Una cosa es un personaje complejo y otro bastante bien retratado. Intensamente apela por esto último y es uno de sus mejores aciertos pero también un error bastante craso. El acierto es que los personajes están estupendamente diseñados y son entrañables: Alegría es como una campanita, llena de energía y optimismo. Tristeza es pesimista, pero por sus lentes ves que sabe bastante. Temor es otro nerd, pero amparado más en su sentimiento de que nada lastime las cosas. Ira es como un señor que se enfurece ante todo y todos, mientras Desagrado es la típica adolescente que hace mosca ante las cosas. Tanto por el diseño (sea del mismo personaje o la forma de reflejarlo, en especial cuando vemos de cerca la contextura de los personajes, que parecen estar borroneados) como por sus personalidades, llegan a caerte simpáticos y aparte sus acciones hacen el típico gag, sea por ellos mismos o por la forma que tienen de relacionarse con los demás (como cuando Desagrado utiliza a Ira para romper una ventana). Esto también se atañe con los humanos, tanto Riley como sus papás (y sus propias emociones), que llegan también a despertar ese sentimiento de empatía. Inclusive, el "amigo imaginario" de Riley tiene su pegue y llega a tener un protagonismo bastante elevado en la historia.
El problema es que los personajes no evolucionan, salvo la misma Riley. Sin embargo, los centrales, las emociones, siempre tienen el mismo patrón. No es de extrañar, ya que son fijos, pero es el riesgo de manejar este tipo de caracteres, que a fuerzas necesitas el apoyo del guión para hacerlos resaltar o que jueguen a tu favor. Pero como ya dije, la historia no es tan fuerte y esto provoca que algunos momentos sean un tanto trillados y con poca resolución. Por ejemplo, hay una escena donde Alegría se pone a llorar. No solo está fuera de su contexto, sino suena forzado. En cambio, un personaje mucho más complejo, como el amigo imaginario de Riley se vuelve tan evolucionado que al final, sus escenas son las que más te dejan emocionado en todos sentidos.

Diseño: Aquí no puedo ponerle ninguna pega a PIXAR. El diseño de los personajes, su forma de retratarlos, la forma de hacer un imaginario de la mente de Riley, todo no solo tiene un aire entrañable, sino también muy divertido y hasta didáctico. La forma en que operan los pensamientos, recuerdos y emociones durante el primer tramo de la película es genial y esto no deja de aparecer cuando vemos los recuerdos en la memoria a largo plazo, imaginalandia o el lugar donde se producen los sueños. Ver tales cosas, me hicieron la película mucho menos pesada y muy amena por momentos. Nuevamente PIXAR, en este rubro, se saca un diez como siempre.

Música: lamentablemente, no puedo decir lo mismo de Michael Giacchino, que nos trae un soundtrack regular, sin tener un leitmotiv así potente, sino una comparsa que sirve para endulzar o emocionar algunos momentos, pero muy efímeros. La banda sonora no aporta nada, saaalvo, la pegajosa canción de cliches que se vuelve el elemento de chiste barato en algunas escenas (y que funciona bastante bien, jeje).

Doblaje: Pensé que el doblaje de Disney me iba a pegar, ya que la productora ha optado por usar voces que han tenido otras películas, pero en esta ocasión, debo decir que todas cuadraron y de que manera, en especial Cristina Hernández me pareció una voz estupenda para Alegría, ya que la misma actriz tiene ese tono alegre en sus interpretaciones. Otro que me sorprendió muchísimo y lo sigue haciendo, es Jesús Guzmán, que pese a tener una voz muy particular, sabe como cuadrar sus personajes y de una muy buena manera.

A título personal: estaba ilusionado desde principios de año, cuando comenzaron a promocionar lentamente esta película, mediante los trailers que salía. Entonces, la situación económica si estaba algo pesada y verla si se me antojaba difícil. Por suerte, las cosas han ido cambiando y ahora, más que nada la falta de tiempo, casi hizo que no fuera a verla con mi esposa (y a la cual le tengo que agradecer mucho, ya que pese al cansancio del trabajo, allí va conmigo, su marido todo freak, al cine). Por suerte, luego de la travesía que se ha vuelto comprar entradas y las palomitas como refresco correspondiente, al fin pudimos estacionarnos a verla, pese a la cantidad excesiva de enanos en la función. Por supuesto nos tocó ver el corto animado de Pixar, con una bonita historia romántica medio al estilo Hawaii y ya luego estar dos horas arranados, viendo la película. Debo decir que me gustó y la disfrute, pero me dejó un gustillo extraño. Como cuando vas a ver algo realmente esperado, pero no te llena del todo. En parte lo justifique arriba, pero acá debo ser más claro: PIXAR no me decepcionó, solo que la épica en este filme estuvo muy reducido y por un momento entre con ganas de ver una historia de aquellas, pero me aventaron algo más bonito, más original, pero que a la larga no termino siendo algo diferente. Por supuesto, alcance a corregir el chip, porque sino, habría salido un tanto aburrido y fastidiado (como le paso a mi cuñado, según cuenta mi esposa). Y es que hasta mi mujer lo comentó: la película tiene un aire muy para chicas, más intelectual, más emocional (irónico) y si vas a ver acción o algo más shonen, si te pega un buen patinón. Léase, es una película perfecta para niños, a las damas les agradara y mucho, pero a los hombres...hmmrf, hay que ir con bajas expectativas.

En conclusión, "Intensa-mente" es una película que recupera el espíritu que PIXAR había perdido previamente, al presentarnos personajes entrañables, situaciones disparatadas y una forma muy original de ver una parte del mundo que siempre nos acompaña, pero rara vez tomamos en cuenta. El problema es que sigue acarreando unos problemas de guión que hacen a la película extremadamente sencilla y que salvo las representaciones que son bastante maduras, el resto es casi una copia pálida de lo sucedido con Toy Story. En lo particular me gustó y mucho, pero también tienes que suspender la incredulidad varios momentos para que no te pegue demasiado.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades ^^ que me acompaño a verla, así a quienes gustan de este tipo de películas.

James Horner: un merecido homenaje a un grande

Hace algunos días, se dió la funesta noticia del fallecimiento de James Horner, uno de los mejores compositores que han aparecido en los últimos 20 años. Al principio, dicho evento se manejo como un rumor, ya que el músico no había logrado ser contactado por alguien de su familia y para colmo, una de las avionetas, que eran de su propiedad, había aparecido estrellada en un paraje en California.

Posteriormente, su muerte fue confirmada por su propio representante y lógico, el mundo (incluído un servidor) lloramos dicho suceso. Y es que la importancia que tuvo Horner en la composición de bandas sonoras fue apabullante. Cierto que en su momento se le acusó de siempre utilizar los mismos compases o axis de un soundtrack en otro, pero aun así, hubo piezas magistrales que verdaderamente la rompieron y demostraron ser de las mejores en la historia del cine.

Particularmente debo decir que tuvo bastantes aciertos y que hoy en día, en mi winapeca tengo varios temas de películas que me siguen encantando. Horner sabía hacer las cosas y no solo por el hecho de que sus piezas musicales apareciesen en películas ultra taquilleras como Titanic o Avatar, sino también supo dotar de potencia a dichos filmes y ser reconocido como uno de los grandes de la historia del cine.



-Braveheart

Para quienes hayan visto esta película épica de 1995 y que afianzó en su momento a Mel Gibson como actor y director, notarán que una de las partes más potentes de la misma corresponde a la magnífica banda sonora que la adornó. Horner se encargo de hacer un soundtrack potente en todos sentidos, pero sobre todo, con un leitmotiv bastante emblemático, donde las gaitas formaban parte integral y en todo momento de las secuencias, sea de acción o de reflexión que había en el filme. El compositor logró darle un aire sumamente escocés a su música y eso hace que la obra sea un símbolo de aquel país. Digo, ¿Quién puede olvidar los últimos 30 segundos épicos del final cuando los escoceses se lanzan a la carga de mano de Robert Bruce?


-Una mente brillante

 Lamentablemente aquí ya tenemos problemas con Horner y es que si comparamos el leitmotiv de este soundtrack con otros, como el Hombre Bicentenario, vemos que el autor recicló las mismas notas y eso le resta potencia al mismo. No obstante, a diferencia del anterior, las notas aquí realmente impactan y de que manera. La música de "Una mente brilante" es de los aspectos más poderosos del filme, realzando momentos épicos del filme, como cuando John Nash (Russel Crowne) esta resolviendo los problemas que le llevaran a crear el "equilibrio de Nash". Técnicamente, por la música, fue que me emocionaba aun más con una película que no tiene escenas de acción. Digo, ¿Quién puede olvidar esa escena cuando esta escribiendo las fórmulas en la pizarra con ese OST?


 -Enemigo al acecho

Aquí tenemos uno de los mejores soundtracks bélicos de toda la historia. Y para rematar, casi no escuchamos baterías o ruidos que emulen cañones o explosiones como toda melodía de este corte. No, aquí Horner nuevamente se "mimetiza" con la cultura o país y lo hace de manera formidable, al grado de recrear la música rusa/soviética de aquellos tiempos e incorporarla fabulosamente a una película irregular, pero bastante original. Sí, así podría describir este soundtrack, siendo sorprendente, sumamente ruso y épico por donde uno lo quiera ver. La música que dura durante el desembarco en los muelles de Stalingrado es genial, pero aun más, el "tema" oficial del protagonista: Vassili´s Fame Spreads. Me pongo tres veces de pie con este leitmotiv.


-Titanic

Tal vez de los soundtracks más emblemáticos del compositor. No tanto porque sea original (en realidad es una derivación de la melodía oficial de la película, My Heart Will Go On y que lamentablemente, es una pequeña derivación del OST de Braveheart). Sin embargo, el hecho de que la música este entre la película más taquillera de todos los tiempos, le da un realce diferente. Aparte, algo hay que alabarle a Horner era la capacidad de crear un soundtrack que hiciese brillar ciertos momentos del filme y acá lo logró de manera magistral. Muchos recordarán el momento en que Rose decide subir al bote y como Jack la mira alejarse, en un momento la chica salta a su lado, con las notas del OST de fondo. Seh, demasiado cursilón, pero más de uno en su momento chilló con eso (por suerte, un servidor no jeje).


-El hombre Bicentenario

De 1998, la película basada en uno de los cuentos de Isaac Asimov y dirigida por Chris Columbus, no tuvo el éxito esperado y aparte resultó para muchos críticos, un verdadero bodrio. Sin embargo, para un servidor fue bastante agradable. Claro, tiene sus bemoles, pero era divertida y aparte hacía enfásis en la tecnología que en corto plazo podríamos tener. En definitiva, la película me parecía buena y su soundtrack le ayudaba, en especial en esos momentos donde Andrew (Robin Williams) tenía cierta reflexiones o cuando se va de viaje para conocer a otras unidades como él. Lamentablemente, como ya comente previamente, el OST no es tan original, al menos en retrospectiva y muchas notas de esta película, ya se habían visto en otras y lamentablemente terminó por restarle potencia a una composición que me agradaba bastante.

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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustaron de las buenas rolas de James Horner.

World War Hulk: la ira del gigante esmeralda.

Hulk, llamada la "Masa" en otras latitudes, es uno de los personajes más icónicos del universo Marvel. Aunque su prestigio disminuyó muchísimo con la película que hizo Ang Lee a principios de la década pasada, el gigante verde ya había hecho de las suyas en los años setentas, cuando la serie de televisión (con Lou Ferrrigno) fue un éxito sorprendente y que orilló que el personaje comenzase a ser conocido por todos.

Sin embargo, los años pasaron y pese a la espectacularidad de dicho personaje, este no tuvo tanta cabida y solo tuvo un leve renacimiento con la película de Edward Norton (y que formaba parte de la primera Fase del Universo Marvel cinematográfico), la llamada "El Increíble Hulk". Fue hasta los "Avengers", cuando Hulk se hizo inmensamente popular, al grado que se volvió la estrella indiscutible de dicha película y uno de los personajes más queridos por los fans.

Como es lógico, busque en su momento expandirme (con altas y bajas) en el universo Marvel original, el de los cómics. De allí que ahora ande leyendo la saga del Capitán América, cortesía de Brubaker o la famosísima Civil War. Sin embargo, si lo comparó con el universo DC, mis incursiones si han sido bastante pequeñas. De allí que me haya enfocado en un cómic que hace unos años, causó bastante revuelo y ahora por ello, los fans esten sacando conclusiones sobre la presencia de Hulk en la Guerra del Infinito. Sí, hablamos de World War Hulk.


World War Hulk (en español Guerra Mundial de Hulk), es un evento de la editorial Marvel Comics, lanzado al mercado el 13 de junio de 2007. Hulk es el protagonista de esta nueva serie, constituida por 5 números y que cuenta con Greg Pak como guionista y con John Romita Jr. como artista.

La serie Planet Hulk nos muestra cómo el monstruo verde se adapta a un planeta llamado Sakaar que posteriormente es destruido, lo que da pie a la venganza de Hulk y por tanto motivo de su regreso a la Tierra, lo que se explica en World War Hulk.

La trama de la serie es la continuación de los eventos que iniciaron luego de que algunos de los Illuminati, un equipo secreto de héroes, entre ellos Iron Man, Dr. Strange, Black Bolt y Reed Richards, engañaran al Dr. Bruce Banner para que realizara una tarea en el espacio, en la que necesitaban de la ayuda del gigante verde. Lo que no sabía era que su regreso a la Tierra no estaba planeado y, de esa manera fue exiliado de su hogar a manos del secreto grupo.



El guionista de esta obra es Greg Pak, que en su momento ganó bastante reputación, al crear un proyecto mega-coral que involucraba al gigante esmeralda. Usando como referencia a los Iluminati, obra de Bendis, se enfrasco en 3 "etapas" del exilio de Hulk: Planet Hulk, World War Hulk y el Hijo de Hulk.

Sin embargo, mientras para la primera, Pak contó con el talento de los lápices de Carlo Palugayan, en el caso de World War Hulk, John Romita Jr. se encargo de hacer un dibujo bastante efectivo por momentos, aunque en otros no tanto (y a lo cual hablaremos más adelante). World War Hulk apareció en el 2007 en 5 tomos recopilatorios, que se hicieron entre junio y noviembre de aquel año. El impacto que tuvo dicha obra fue tal, que fue el número uno en ventas del 2007.

¿De qué va dicha obra? Antes que nada, hay que dar un buen contexto para entender la trama de está y porque tuvo tanto éxito.

Los Illuminati es un grupo que se creo por los metahumanos más poderosos de la Tierra: Profesor Xavier, Namor, Reed Richards, Tony Stark, Dr. Extraño y Black Bolt. La razón fue para "controlar" ciertos problemas y eventos que se habían salido de control (como la Civil War). De las primeras disposiciones fue que Hulk fuese exiliado de la Tierra, para evitar que en un arranque de furia, este terminara haciendola añicos.

Mediante un robot a imitación de Nick Fury, este le pide al Dr. Banner que arregle un satélite de SHIELD descompuesto. Obviamente Banner acepta, pero en el trayecto, es enviado directamente al espacio, hacia un supuesto asteroide donde él y su alterego podrían vivir en paz. Pero debido a esto, Banner se enfurece y se convierte en Hulk, destruyendo al asteroide. Debido a esto, sale disparado hacia un portal dimensional que lo envía a un planeta llamado Saakar. 

Mientras que en la Tierra, Hulk era poderoso a morir, acá se encuentra con bestias y rivales que son igual o más que él (amén de haber perdido parte de su poder por el portal). Hulk es rapidamente esclavizado y convertido en un gladiador para divertimento del Rey Rojo, gobernante de Saakar. Hulk se va haciendo popular y en su momento comanda una rebelión que derroca al malvado rey. Por supuesto, los habitantes lo aclaman y lo vuelven su nuevo monarca, a la par que se casa con Caiera, una joven que lo apoyo en la insurrección, a la par que funda los Warbound. Sin embargo, la nave que saco a Hulk de la Tierra, aparece en Saakar. Está, al tener una bomba, trata de prevenir a todos, pero la nave estalla y mata a gran parte de los habitantes del planeta, incluyendo a Caiera. Es cuando enfurecido, Hulk comanda a sus tropas y se dirige hacia la Tierra, dispuesto a tomar venganza sobre los Illuminati.

En el trayecto, cada uno de ellos trata de hacerle frente o pararlo, sin resultado alguno y es que la furia de Hulk va creciendo, conforme se va dando cuenta de las intenciones de sus viejos ex-aliados, lo cual lo termina volviéndo cada vez más poderoso después de cada encuentro, mientras otros superhéroes tratan de detenerlo y a la par, un tanto más le apoyan en sus intenciones.

La pregunta pernitente antes de dar la crítica es ¿Cómo llegue a esta obra? Sencillamente fue por el título. No tuvo que ver algún podcast, amigo o referencia en la red. Solo vi que había un World War Hulk y el título me hizo leerla al instante. Y vaya que la primicia no me decepcionó en absoluto, aunque no debo decir lo mismo de su desarrollo.

WWH (para los cuates) tiene un axis bastante potente: varios metahumanos, con sentimientos de omnipresencia, deciden la vida de Hulk de antemano y por eso lo exilian. Todo parece ir bien en el nuevo mundo para este, pero la explosión, acaecida por la nave que lo saco de la Tierra, lo vuelve loco de furia y es con este sentimiento, como se lanza hacia la Tierra para vengarse de los tipos que le hicieron todo esto. El concepto de venganza es siempre bienvenido en cualquier lado y en este caso no es la excepción, más con un personaje que utiliza la ira como un catalizador importante.

La historia comienza muy potente, con un Hulk repartiendo catorrazos y mostrando quien es el más poderoso del planeta y sin querer, le damos un punto de razón (solo uno, aclaro) hacia los Illuminati: Hulk descontrolado, es un sujeto de temer y que pocos lo pueden parar (si es que acaso ninguno). Se va demostrando en cada momento de las viñetas, donde Hulk "aplasta" a sus contendientes, y estos tratando de detenerlo, sea de manera física o psicológica, se ven derrumbados o hechos trizas uno por uno en un alarde de poder y de enojo bastante sorprendente.

Debo decir que los primeros 3 números son estupendos, ya que no solo se trata de viñetas de acción, sino vemos las motivaciones, no solo del propio gigante esmeralda, sino también de los personajes que lo van enfrentando, inclusive de la propia prima de Banner, She-Hulk, que lamentablemente no es rival para su pariente y queda gravemente herida. Lo mejor son las frases de Hulk, donde llega a sacar el desprecio y enojo hacia sus oponentes, en especial hacia Black Bolt, que en la Luna, se convierte en la primera línea de defensa de la Tierra. La forma en que Hulk lo somete, previamente haberle dicho: "Quiero oírte gritar" es fabulosa.

Y lo mejor, es que esa tensión, esa emoción, porque uno rapidamente agarra empatía con Hulk por lo sucedido (ya que mediante ciertas viñetas, dan a entender que paso con su esposa y su hijo aun no nacido) y cada vez que lo ves repartir puñetazos a los demás, te sientes parte de él y emocionado por la venganza que esta cobrando. Lamentablemente, la aparición de los Warbound llega a limitar el papel de su líder en las viñetas y aunque también vemos los motivos por los cuales pelean, llegan a veces a robarse tanto el protagonismo que tuve que pasar varias páginas (en mi primera lectura) para seguir sin perder la emoción.

Fuera de esto, hay algunos encuentros épicos, sobre todo entre la Mole de los 4 Fantásticos y el mismo Hulk, que son de esas peleas formidables. Sin embargo, una de las mejores peleas y sin ser nada física, fue la del Dr. Extraño contra Hulk, donde en base a sus poderes, trata de detener a su rival en base a manipularlo mentalmente, tratando de calmar su ira. Sin embargo, está es tan grande que Banner despierta de las estrategias de Strange y literalmente le rompe las manos durante el proceso.

Otro detalle bastante curioso fue como varios héroes como Ghost Rider o Daredevil trataron de frenarlo, pero al conocer las motivaciones de Hulk, deciden dejarlo pasar.

Ya con los cuatro "Illuminati" en sus manos, Hulk y sus allegados los llevan al centro de Nueva York, donde improvisan un Coliseo: los cuatro deben pelear hasta morir. En una de ellas, Richards vence a Stark y Hulk entonces decide, como buen emperador romano, matarlo. Sin embargo, da un paso atrás y dice que no desea la muerte de nadie, sino darles una lección. Stark, herido en el orgullo, le dice que no es justo y que él debería entregarse a la ley. Esto provoca un nuevo conflicto, pero la aparición de Senty, manipulado por los Illuminati, hace que ambos se peleen hasta quedar en sus respectivas formas y es allí cuando se revela el verdadero "causante" de todo.

Debo decir que estos dos últimos tomos me parecieron un tanto pesados. No tanto por la historia, que seguía siendo estupenda, sino por el dibujo de Romita Jr., que por momentos me sacaba de quicio con lo grandilocuencia con la cual puebla sus viñetas (llenas de explosiones, gestos adustos, así extrañas versiones de los personajes como si estuviesen hechos de goma). Y aquí es donde debo poner una pega muy importante, ya que el arte no ayuda en absoluto a la historia y por momentos me hizo avanzarle más rápido o inclusive, detenerme en algunos bosquejos para tratar de entenderlos.

Para colmo, aunque la saga tiene un buen final, lo que sucedió con Banner y compañía fue muy brusco, cayendo nuevamente en ese error que Marvel siempre tiene y es de armar un despapaye, pero luego, con una viñeta o dos, borran todo el asunto o hacen ver que no paso nada. Por momentos parecía que estaba viendo un auténtico anime nipon.

Aun así, algo que rescató muchísimo de esta historia es la complejidad de los personajes. Lejos de una historia de revancha, los protagonistas son bastante complejos y no los vemos solamente en una sola dirección. Sobre todo, me gustó el tratamiento que le dieron a los Illuminati, que llegaron a caerme mal todos ellos, pese a ser héroes y es que en su deseo de ayudar o proteger a la Tierra, se volvieron auténticos villanos. Claro, siendo culpables indirectos de la muerte de la pareja de Hulk (pero al fin al cabo, culpables) y viendo que el problema que querían arreglar, al final les estalló en las manos. Una cruel ironía que continuamente se va viendo como un leitmotiv en toda la saga.

En conclusión, "World War Hulk" es una saga bastante amena, original y tiene varios puntos o momentos muy complejos, apart ede ser un fanservice total, una forma sencilla y rotunda de ver a Hulk no solo soltar zapes, sino también hacerlo con otros personajes poderosos del universo Marvel (y que lógico, por estar del mismo "bando", no se golpearían). Sin embargo, si en otras ocasiones he alabado el arte de Romita Jr., acá de plano me pareció extraño y aberrante, al grado que en lugar de disfrutar el comic y leerlo de una sola sentada, varias veces tuve que pararme a tratar de entender que sucedía, quitándole bastante ritmo.

Lamentablemente, en México aun no se puede conseguir. Aunque se rumora que la Editorial Panini no tardará en sacarlo en nuestro país próximamente. Mientras, se puede conseguir en red, ya saben, por métodos ilegales. Aquí debo aclarar que solo me leí esta saga y no Planet Hulk ni la continuación, pero tampoco es tan necesario, ya que este mismo comic te va explicando que fue lo que sucedió con el gigante verde, previo a su ataque de furia.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de este tipo de cómics.

La Leyenda de Korra: el análisis de la segunda temporada

Dos años han pasado desde que reseñe el "primer" Libro de la Leyenda de Korra: Aire. Aunque en su momento la historia me dejó bastante enganchado, al grado de bajarme el primer episodio del "segundo" libro, Espíritus, tan pronto estuvo disponible en idioma español latino, por diferentes circunstancias, volví a dejar la serie enlatada por un buen rato.

Curiosamente, a finales del 2013 estaba escuchando un podcast que criticaba de bastante "dura" esta segunda temporada y aunque me revelaron muchos spoilers, el trajín del trabajo y del camino (así la pésima calidad de audio del mismo, razón por la cual no reveló el nombre de dicho podcast), me hizo interesarme a medias en la serie nuevamente, pero para ver si lo que decían era cierto o no (no hay que negar que muchos podcasts actualmente, más que informar, solo hacen una crítica muy parcial y poco contextuada de las cosas). Al fin al cabo, nuevamente lo deje por la paz y seguí con mi vida. 

Hace una semana, no sé que paso, pero me animé a ver la serie de nueva cuenta y al momento, comence a recordar muchos comentarios del podcast. No puedo negar que algunos eran ciertos, pero otros no tanto. Lo que contó es que los últimos 10 episodios de dicha serie me los chute, con sus intervalos obviamente, en menos de 48 horas. ¿Cómo es que una serie que tiene una calidad irregular pudo provocar que me enganchara de tal manera? Uno pensaría que por gusto. Lamentablemente no es así y tal vez es uno de los motivos que ocasionó la cancelación de la serie en su emisión en TV Abierta. Vamos a ver dicho asunto.


Según los creadores de la serie, alrededor de la mitad del Libro 2 se llevará a cabo en la Ciudad República y la otra mitad se llevará a cabo en otras áreas del mundo. En una mesa redonda en San Diego Comic-Con 2012, Konietzko y DiMartino indicaron que el Libro 2 se celebrará seis meses después de los primeros doce episodios. Dijeron que en parte se llevará a cabo en la Tribu Agua del Sur, y se centrarán en el "Mundo de los Espíritus" (de ahí el título de "Espíritus") y la historia del linaje de Avatar y la mitología. Nuevos personajes serán introducidos, como los hermanos de Tenzin, Kya y Bumi, así como el tío paterno de Korra y sus primos mellizos de la Tribu Agua del Norte.


Mis comentarios sobre el Libro "Aire" habían sido más positivos que negativos. Lamentablemente, el fandom de "Avatar" se dividió muchísimo con la Leyenda de Korra. La mitad atacaba encarecidamente a la serie y la otra, la alababa por su modernidad y sus personajes. En parte debo explicar esto para dar algo de peso a mi crítica.

Konietzko y DiMartino crearon un universo riquísimo, bastante potente con "La Leyenda de Aang". La serie combinaba drama, aventura, romance, comedia, personajes muy desarrollados y para rematar, tenía artes marciales y escenarios formidables. Léase, lo tenía todo. Es lógico que luego de 4 temporadas, generara excelentes críticas y un gran fandom, que fundamento muchos de sus gustos por un buen rato.

Por ello, cuando los autores anunciaron una segunda "saga", los fans elevaron el grito el cielo. Un servidor le tocó ver a dicho fandom hacer un montón de teorías que tocaban todo, casí al nivel del fanfic. Sin embargo, cuando Libro Aire se estrenó en el segundo semestre del 2012, su historia y personajes agarró por sorpresa a todos. Y es que los autores buscaron desmarcarse de muchos conceptos de Aang y precisamente crear una "era" de Korra. El resultado fue mixto, como ya hemos comentado, pero lo suficientemente bueno para que se ordenara una segunda temporada.

Sin embargo, como un presagio de que algo no grato se venía en camino, el Libro Espíritus comenzó con problemas en su emisión, justo en el otoño del 2013, donde el canal Nick modificó su horario, pasandolo de la mañana en el sábado a la noche del viernes. Esto provocó caídas de audiencia en la serie, pero no solo en esta cuestión, sino en otras que hablare a continuación.

¿De qué trata el Libro Espíritus? Korra ya ha logrado dominar los cuatro elementos y Tenzin se ha convertido en el orgulloso maestro del Avatar. Sin embargo, en una visita de toda la familia de Tenzin hacia la Tribu del Sur (donde proviene Korra), provoca un choque entre el líder de la tribu Agua del Norte y el mismo Tenzin, ya que un espíritu ataca a la tribu, pero Unalaq logra controlarlo con sus poderes. Contándole del problema que pueden ser los espíritus, Korra manda a volar al pobre Tenzin y decide entrenarse con su tío (sí, Unalaq es hermano del padre de Korra), aun también en contra del consejo de su propio padre. Esto provoca también una división entre la misma Korra con su novio Mako, Bolin y Asami. Sin embargo, rapidamente se revelan las verdaderas intenciones de Unalaq. 

A comparación de la primera temporada, no sé que pasó. Es en serio. Cierto que critique la encerrona que tomó la serie, al ubicarse solamente en Ciudad República, pero acá la cosa se desmadró de manera horrenda. Aunque muchas escenas son en la capital mundial, otras tantas se distribuyen en el Templo del Aire y otras en la Tribu Agua del Sur, así en el mundo de los espíritus. Demasiados escenarios, demasiadas posibilidades. Esto se refleja también en la trama de la serie, que en lugar de ser lineal, es demasiado enredada, pero en mal plan. Al principio no se nota, porque la serie discurre entre el Templo del Aire, donde la familia de Tenzin está pasando sus vacaciones y el Polo Sur, donde vemos las viscicitudes del nuevo Avatar. Se trato de hacer algo original, al poner un mismo "plot" argumental (como los problemas familiares) para un episodio y ver como las dos familias (la de Korra y Tenzin) arreglaban sus diferencias casi de manera similar.

El problema es que la diferencia entre ambas historias, cuasi paralelas es evidente: la trama de Korra era muy mala y no ayudaba en nada la personalidad del nuevo Avatar (y de lo cual hablaremos un poco más adelante), aparte de ser poco interesante y predecible (Malo-Bueno manipulador, protagonista idiota). En cambio, aunque con personajes muy trillados (los hermanos de Tenzin son estupendos, pero muy clichés), la forma en que los tres hijos de Aang discutían sus broncas familiares era genial, al grado que me molestaba cuando la trama cambiaba nuevamente a los asuntos de Unalaq y Korra. Para colmo, trataron de darle los mismos minutos y eso desperdició una trama tan potente como lo era la familia de Tenzin.

Y es que esto también puede ser un punto que dañó bastante a la serie: el hecho de querer contar demasiado algunas tramas poco trascendentales y robarle tiempo a las que realmente eran potentes. Por eso, al ver la serie, me emocionaba mucho en algunos momentos, pero en otros instantes, estaba fastidiado y tenía ganas de adelantar el episodio. Para colmo, la conexión entre una trama y otra era bastante endeble. Sobre todo se vió cuando quisieron incluir la historia de Wan, el primer Avatar. Está me pareció increíble, soberbia, animada como un cuento chino antiguo. Léase, era una preciosidad. Pero para eso, se inventaron la amnesia temporal de Korra, que me pareció un truño. Todo el momento previo a la "Leyenda de Wan" fue pura paja y hay instantes así que salpican cada momento de la historia. Solo hasta el tercio final de la serie, es cuando veo un poco más de continuidad, pero nada más.

Aun así, no significa que haya sido difícil de ver. Como ya dije, la historia tenía momentos formidables y algunos emocionantes hasta morir (la saga de Wan, el rescate de Bolin, la batalla de Bumi), pero el "puente" o las tramas intermedias eran sumamente infantiles y le restaban brillantez a la historia. Inclusive, el esqueleto o axis de este Libro, salvo lo de los espíritus, era bastante parecido al anterior y eso lo hacía bastante predecible.

En cuanto a los personajes, aquí la cosa va un poco más en picada. Aunque he visto poco de la anterior saga, La Leyenda de Aang, la evolución de los protagonistas era más que evidente. Sin embargo, salvo por Tenzin, el resto avanza poco o nada. Korra sigue teniendo esa mala vibra que a muchos fans (incluído un servidor) no termina por caernos bien. Y las comparaciones con Aang no pueden ser más odiosas que ciertas y es que Korra no evoluciona, sigue siendo en todo momento una chica testaruda que quiere hacer lo mejor pero en base a su propia sapiencia, sin hacer caso de los demás. Para colmo, el guiarla en esa dirección y de repente torcerla provocó que el primer tercio de este Libro fuese bastante pesado. Para colmo, en todo momento se ve inútil y aunque llega a salvar el día con su "mega" transformación al estilo de Ultraman, no termina de cuadrar. Curiosamente, el mejor ejemplo para trabajar un personaje obtuso y egoísta, estuvo en la saga de Wan, donde supieron darle su importancia como primer Avatar. Lástima que con Korra, hasta el momento, no se ha trabajado así.

Lo malo es que el resto de los personajes son iguales: Bolin, Mako, Asami. Había mucho en juego, pero ninguno dió un brinco espectacular. Repito, el único realmente potente es Tenzin, que pasa de ser prejuicioso y duro con él, a convertirse en un maestro Aire que busca ayudar a los demás y no a su propio ego. Lastimosamente, tampoco se enfocaron en personajes tan carismáticos como los otros hijos de Aang.

Para rematar, hubo decisiones que me parecieron muy tajantes o mal manejadas, como la pérdida de la conexión con los anteriores Avatares. Eso me pareció innecesario y hasta irrespetuoso. 

Otra arista de la serie y que se fue modificando, gracias a Dios, fue el asunto del "bender". Como ya había comentado, en la anterior serie, los controles pasaron a ser utilizados de manera muy poca. Acá fue igual, pero en el momento que Bolin rescata al presidente, fue estupendo, ya que no solo vimos una lucha formidable, sino como el chico es un gran maestro Tierra. Lastimosamente, pese a la batalla final, ya no volveríamos a ver dichas escenas.

Pero no todos son puntos irregulares en la serie. La animación es estupenda y más si la comparamos con el libro anterior o su predecesora (pese a que muchos fans consideran mejor la animación del estudio Mir con respecto a la de Pierrot). También los escenarios y el diseño de los personajes sigue manteniéndose en un nivel altísimo y sobre todo, los diseños de la saga de Wan me parecieron soberbios, haciéndolo ver como un auténtico cuento chino. A esto, hay que agregarle una multitud de guiños, donde vemos la evolución de la tecnología, luego de 100 años y claro, una referencia burlona o satírica del cine de los años treinta, de mano de Bolin. Ese tipo de puntadas me parecieron sumamente geniales y muy continuistas.

En conclusión, "La Leyenda de Korra, Libro Espíritus", me pareció una serie muy irregular. Claro, su historia, personajes y acción superan con mucho a las animaciones actuales, en especial las gringas. Sin embargo, la serie no dió el "brinco" o la evolución necesaria y siento que este arco fue muy desaprovechado, o al contrario, trataron de no mover demasiado la historia, para soltar los verdaderos golpes en los siguientes libros. Claro, esto lo digo en un sentido de retrospectiva, ya que para el tiempo en que estoy haciendo la reseña, la Leyenda de Korra ya termino (y con un final bastante sorprendente). Sin embargo, para los fans que en su momento vieron el final de este Libro, si debió parecerles muy pesada o decepcionante. Para colmo, según declaraciones de los autores, la historia de Wan era una historia que habían planeado y desarrollado desde las aventuras de Aang y que decidieron meter en este rubro. ¿Qué quiere decir esto? Que parece que las ideas no fluyeron con la misma potencia en el caso de Korra y esto se ve, debido a la irregularidad de la serie.

Aquí es donde puedo hacer una clara pero triste comparación y es que siento a Korra y su trama, como la saga de Starwars que hizo Lucas en 1999: fastuosa, llena de vida, con elementos fantásticos, pero muy pobre a nivel argumental, con personajes poco desarrollados y para colmo, con puntilleos fastidiosos sobre economía y política. Cuando estaba viendo el episodio donde Korra le pide al presidente de Ciudad República intervenir con sus tropas, me vino a la mente la acción de Amidala frente al Senado Galáctico. Y es que no lo niego, la serie me tenía entretenido, pero siempre con esa sensación en el fondo de "¿Qué más, que más?", como si algo faltara y es allí donde caí en cuenta porque. Parece que Konietzko y DiMartino trataron de ampliar el universo, hacerlo más maduro, más rico, pero sacrificando por momentos la sencillez y contundencia de la saga anterior. Y lo peor, es que en ciertos momentos se nota y tratan de dar marcha atrás, con resultados desastrosos.

¿El Libro Espíritus es recomendable? Hmmm, sí, si tienes cierta visión y no has visto tanto las sagas anteriores. Si no, si te resultara muy pesada o simplona. La disfrute, pero la historia se me hizo larga por momentos y si hubiese sido solo por esto, no habría seguido viendola. Sin embargo, la dichosa retrospectiva me da un handicap y ya con varios spoilers en la espalda, me veo "obligado" a seguir viendola (y sí, con cierta sensación de gusto).

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Saludos a mi Earthbender ^_^, así a quienes gustan de la Leyenda de Korra/Aang y Wan.

Leyenda Urbana: Rugrats y el verdadero protagonista de dicha historia

"Rugrats" es de las series emblemáticas de la televisión de los años noventa. Emitida por primera vez en 1991 y dando su última emisión en el 2004, luego de algunos parones y de cambiar de sintonía (las últimas temporadas se enfocan en los mismos personajes, pero varios años después), la serie se convirtió en una de las más aclamadas por la crítica y el público. Técnicamente, aquí en México se hizo famosa en todos sentidos (la primera vez que se emitió en México, fue a mediados de los noventas, con un estupendo doblaje) y hoy en día, los hijos de esa década y de la anterior, la recuerdan con bastante cariño.

Pero para un servidor, debo ser sincero, fue una serie agradable, disfrutable, pero nunca fue mi "hit". Tal vez porque me pilló en la época de mi adolescencia y pasaba de ver caricaturas ochenteras a disfrutar anime. De allí que un tiempo haya hecho a un lado las caricaturas gringas. Tampoco es que "Rugrats" fuese tan potente como para llamar mi atención, pese a tener algunos episodios bastante entretenidos. Sin embargo, ver personajes como Angelica, si hacía que hiciese más difícil ver la serie y que por suerte, cuando apareció la versión "crecidos", este personaje fue de los que más me gusto como adaptaron (ella y el hermano de Tommy).

Como sea, es lógico que esta caricatura haya generado un montón de controversia, como de cosas extra para el disfrute de los fans y no tan fans. Una de ellas, fue el tono bastante religioso de la misma, donde Tommy provenía de una familia judía (obvio guiño de los productores, siendo de dicha religión) y como varios episodios bastante celebrados y emblemáticos de la misma, manejaban mucho de la cultura judía. Pero es lógico que Rugrats tuviese una leyenda urbana bastante potente, que hoy en día, se acepta como algo totalmente falso. Sin embargo, cuando se publicó en el 2011, estuvo entre los rumores más comentados de la red, al grado que los pobres productores tuvieron que salir a desmentir dicha falacia.


"...Dicha leyenda cuenta que hace más de 30 años, existía una niña llamada Angelica y que la pobre sufría un tremendo shock emocional, debido al distanciamiento que sus padres respecto a ella, donde su padre era un juguetero que había padecido un trauma posterior a la muerte del hermano de Angelica durante el embarazo. De aquí Angelica, para poder enfrentar esta dura realidad, comenzó a crear un mundo alterno, el de --Rugrats--. De allí que varios personajes de la serie tengan connotaciones con hechos tristes o terroríficos que vivió Angelica.

Primeramente, Tommy es la representación de un feto muerto (de allí la deformidad que según tiene el personaje) y del hijo que nunca nació por parte de su padre. Mientras, Carlitos es un chico que murió con su madre y que eso deprimió bastante a su padre (por eso, tanto Carlitos como su padre son representados como cobardes). Lily y Phily es otra representación del aborto que tuvieron los padres de dichos bebés y como Angelica no lo pudo soportar, decidió crear dos en lugar de uno para lidiar con la tristeza. 

Finalmente, Dil si existió, pero Angelica en un arranque de lócura lo llega a maltratar físicamente, que queda un tanto impedido mentalmente y por eso, su actitud y forma de ser son tan raras en la versión Rugrats -Crecidos-. Por cierto, Kim, una chica de corte oriental y que se vuelve la hermanastra de Carlitos, en realidad es la representación (junto con su madre) de una prostituta, con la cual el padre de Angelica se vuelve a casar luego de abandonar a su madre. 

Para rematar, Suzie si existió. Fue la única amiga real de Angelica y ella al verla en tal estado, ya adulta se vuelve psicológa y así se da cuenta de que Angelica se había vuelto esquizofrenica y por ello su mundo "irreal". Aquí la historia se divide en dos rubros: unos dicen que Angelica llegó a rehabilitarse con el uso de medicamentos y terapia, lo cual le ha permitido vivir feliz hasta entonces. Otros comentan que estando en la preparatoria, murió por una sobredosis de heroína, secundario a las visiones que tenía y a la tristeza de seguir en un mundo inventado. 

Esta situación, la utilizó Suzie para recrear una historia, la cual vendió a Nickelodeon y sus productores a principios de los noventas. Debido al potencial que vieron Klasky y Csupó, estos le compraron la historia por una buena cantidad de dinero. Sin embargo, 20 años después, Suzie se sintió arrepentida de lo hecho y decidió ventilar la verdad por internet hace algunos años, para que así muchos conociesen la verdad sobre Angelica...".

Por supuesto, como ya se dijó, esto es un fake tremendo. Pero en su momento si creó harta polémica, al grado que el rumor fue tan fuerte que mi esposa me preguntó si esto era real o no (ya que es una buena fan de la serie). Por suerte, no ha sido así, porque de paso sería algo muy enfermo, peeero, ya sabemos como se las gastan los gringos en estas cosas.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de este tipo de historias.

Jurassic World: un nuevo regreso a hace más de 65 millones de años

Sinceramente, esta entrada iba a ponerla en unos días, para dar más espacio a otros tópicos dentro del blog. Sin embargo, el día de ayer se anunció que la película no solo había roto el record de mayor taquilla mundial en un fin de semana (más de 500 millones de dolares), sino también el de la película más vista en EUA, superando por un par de millones a la primera de los Vengadores.

¿Cómo es posible que un producto que sea una simple "reformulación" de una cinta mucho más potente y emblemática haya logrado tales resultados? Porque seamos sinceros, "Jurassic World" es eso y nada más. Sí, hay mayores efectos especiales, se mantiene la misma acción, hay otros rubros que son menores, pero si la comparamos con la original, esta aun se la lleva por delante. Sin embargo, las personas reaccionaron favorablemente, al grado que logró ser un monstruo imprevisible en taquilla.

Por supuesto, mi crítica no se dispone a defender la causa de Jurassic World. De antemano digo que me encanto y me gusto muchísimo, pero mi esposa si la hizo parir chayotes y técnicamente tiene razón en casi todos los puntos. Casi podría ser lo siguiente una transcripción de dicho comentario, pero claro, ampliado con lo que también vi en la nueva película del Parque de dinosaurios más famoso del mundo.


Ficha técnica: Jurassic World (Mundo Jurásico).
País involucrado: Estados Unidos.
Año: 2015.
Productora:Amblin/Legendary Pictures
Idioma: Inglés.
Dirección: Colin Trevorrow.
Guión: Colin Trevorrow/Derek Connolly/Rick Jaffa/Amanda Silver.
Producción: Steven Spielberg/Frank Marshall.

Antecedentes: La historia de "Jurassic World" es bastante larga. Luego del "moderado" éxito que tuvo la tercera parte de la franquicia en el 2001, Steven Spielberg aun estaba animado por hacer una cuarta entrega. Los rumores de la historia se enfocaban en el frasco que había perdido Nedry durante su intento de escape de la isla Nublar y como los nuevos dinosaurios habían crecido para evolucionar y aterrorizar otras zonas, no solo de las Islas malditas, sino también de la propia Costa Rica. Inclusive, el director anterior, Joe Johnston junto con Sam Neil y Laura Dern, estuvieron mencionados para formar parte del cast. Sin embargo, la reescritura del guión (que nunca convenció a Spielberg) y detalles de pre-producción retrasaron tanto la película que la famosa huelga de guionistas del 2007-2008, termino por pararlo todo. Spielberg dijo que chance y volvería a la carga para el 2014. Finalmente, con el estreno de Tintin, el director comentó que habría una cuarta película de la franquicia, pero donde se haría un reboot de todo y trataría de una nueva trilogía.
El guión, bastante manoseado, paso a manos de Rick Jaffa y Amanda Silver, los escritores de la nueva saga del planeta de los Simios y luego de una renovada del mismo, este fue aprobado por Spielberg y compañía. Colin Trevorrow fue elegido como director de la nueva cinta en el 2013, siendo asesorado por el paleontólogo de la primera saga: Jack Horner.
Para inicios del 2014, el cast reclutó a Bryce Dallas Howard como la protagonista y Josh Brolin estuvo a punto de subirse a la nave. Sin embargo, por cuestiones de agenda lo dejó de lado y Chris Pratt fue el elegido. A la par se unieron nombres como Omar Sy, Vincent D´Onofrio y Irrfan Khan. Cuando se hablo con Sam Neil o Jeff Globblum sobre su participación, estos negaron en redondo su entrada en la franquicia, debido a que era un reinicio. Sin embargo, luego más adelante veremos que esto no fue del tooodo cierto, ya que B.D. Wong sería el único en repetir su papel.
La fotografía principal se hizo entre la primavera y verano del 2014, filmando en Hawaii, y luego en locaciones bastante extrañas como el parque abandonado Six Flags de Nueva Órleans, como en el aeropuerto del mismo. Finalmente, la película fue cuando cambió de nombre de Jurassic Park IV a Jurassic World. Su estreno mundial, luego de dos trailers que se emitieron a principios de este año, se dió el pasado 11 de junio con críticas mixtas, pero muy alta taquilla.

Argumento: Han pasado más de 20 años luego del fracaso del primer Parque Jurásico. Sin embargo, Ingen, reformada en una nueva compañía, ha abierto el parque temático de dinosaurios más espectácular (y único) de toda la Tierra. Sin embargo, la caída en las ventas, ha generado que los científicos del lugar comiencen a desarrollar nuevos dinosaurios para atraer más público. La coordinadora del parque, Claire, está tan apresurada tratando de contener los problemas del lugar que no tiene tiempo de atender a sus dos sobrinos. Debido a la necesidad de ver si el nuevo dinosaurio creado genéticamente, el Indomitus Rex, es funcional, Claire tiene que acudir con un viejo ex-marine y experto en vida salvaje, llamado Owen Grady. Sin embargo, todo se sale de control cuando el nuevo dinosaurio comienza a mostrarse más listo que los demás y empieza a matar gente y dinosaurios en el parque.

Historia: Pese a la primicia un tanto novedosa, en realidad el esqueleto de la trama sigue el mismo patrón de la original: un parque problemático, mucha genética inventada, una administradora superficial, el protagonista sabiondo, los niños que se meten en problemas, los dinosaurios incontrolables, la lucha por sobrevivir y las batallas épicas entre todos. Tal vez lo único diferente es el último tercio de la película, donde los cuidadores del parque (ya bajo el mando militar de Ingen) buscan detener al Indominus Rex con la ayuda de los velocirraptores. Sí, este también fue otro concepto novedoso, donde criaturas tan poderosas, inteligentes y rapaces como estos dinosaurios, por varios momentos se pusieran de lado de los humanos. Sin embargo, la esencia del viejo Jurassic Park está metida hasta por las narices dentro de la película y del parque, al grado que la misma película se crítica o parodia a sí misma, en especial cuando uno de los técnicos de la sala de control tiene una camiseta del viejo parque y como esto provoca una confrontación con Claire. Aquí es donde puede haber dos puntos de crítica: el primero es el que tiene mi esposa y de mucha gente que esperaba algo nuevo, pero en realidad es un reciclado, un refrito de lo anterior y lo cual causa decepción. Mi mujer lo expresó en pocas palabras: "es divertida, pero estaba viendo lo mismo". Por otro lado, está el otro punto, el nostalgico y ese lo encarno yo y es que me divertí muchísimo con ver el parque, pero reimaginado y recocinado. Tal vez los fans acérrimos de JP sean como yo y por eso poblaron las taquillas estos días (y en cierta manera lo comprobe, cuando escuchaba muchos comentarios en la sala ante algunas escenas emblemáticas, antes vistas y generalmente eran de "oh, esto me gusto como lo pusieron").
Sí, para muchos está película es un truño y apega a nuestros recuerdos. En cierta manera no puedo dejar de estar de acuerdo con mi mujer, pero ¡Diablos! Si van a darme algo retro, que mejor que esto. Y debo decir, que pese a muchos defectos argumentales (Claire corriendo con tacones toodas las escenas, cambios bruscos de día y de noche, heridas poco extrañas, etc. etc.), el ritmo de la misma me mantuvo entretenido durante las dos horas y sin necesidad de estar viendo el reloj.

Personajes: está es tal vez la parte menos salvable de la película. Sí, Claire y Owen se ven bien, pero si los comparamos con los personajes originales, se quedan ya sea vacíos o cortos, en especial Claire. Claro, el personaje de Laura Dern (Dra. Sattler) tampoco es que fuese un dechado de atractivo y carisma (contrario a Dallas Howard), pero la forma de desarrollar y mover su personaje era mucho mejor que Claire, ya que este es medio snob y aparte de repente le sale lo "salvaje", sin tener una evolución exacta. Cosa distinta con Owen, que pese a ser una combinación de Grant y Malcolm, nos trae a un nuevo tipo de protagonista masculino que realmente destaca, en especial cuando trata de domar a los velocirraptores o el concepto que tiene de todo ("no tienen control, por favor"). El problema es que el personaje se diluye conforme avanza la película y ya no destaca especialmente. Igualmente con los chicos, que de repente tenían muchas aristas, pero el hecho de verlos correr o gritar (aparte sin emoción por momentos), tampoco te despertaban mucha simpatía. Curiosamente, personajes como el de D´Onofrio o Khan te sacaban de quicio y con razón, al grado que en especial el primero, uno disfruta como....bueno, ya sabrán que pasa con él si van a verla. Extraño, pero el técnico en la cabina me pareció bastante elocuente, gracioso, divertido. Lástima que no pudieron exprimirlo más. Ah, por cierto, la aparición del Dr. Wu (B.D. Wong) me pareció acertadísima (aun cuando en la novela original, se lo cargan desde un inicio).

Dinosaurios: El mejor rubro de todos. No tanto por su diseño o por el realismo de los mismos, sino porque estos jugaron un papel importante en todo momento del filme (y con razón), pasando a ser no solo las "bestias" que atacan humanos, sino a cambiar el rol o la dirección de la historia. Desde el T-Rex hasta el Mesosaurus, incluyendo los formidables Velocirrraptores. 

CGI, efectos especiales: otro palo para el filme. A diferencia del primer filme, parece que la calidad de los dinosaurios ha ido a la baja y de manera fea (gacha por no decir otra cosa). Si en el primer filme, la cosa era realista a morir, acá no lo parecen tanto y los famosos animatronics se ven muy papel, piedra y caucho. Hay una escena emotiva donde un brontosaurio está por morir, pero no logre conectar totalmente con la misma, debido a que veía al pobre dinosaurio casi hecho de plástico y lo cual me pareció muy falso (aunque eso sí, no deja de ser bastante potente). El Indomitus en aspecto no se veía imponente, pero lo que destacaba era su forma de comunicarse o de interaccionar con los demás, que fue muy bueno.

Batallas: aquí tengo que hacer un apartado especial, pero es que la acción estuvo bien, pero la escena final, me fascinó. Era ver como una pelea de Kaijuus, a nivel dinosaurio y me encantó, ya que vemos como el Indomitus se peleaba al tú por tú no solo con un velocirraptor, sino con un T-Rex y hasta con el Mesosaurus. Épico y una forma estupenda de cuadrar el final (a nivel dinosaurio, porque a nivel humano, argh).

Música: una auténtica decepción. Y es que esperaba más de Michael Giacchino. Simplemente, el buen hombre se limitó a imitar la antigua composición hecha por el gran John Williams y aunque si escuchamos el emblemático tema de Parque Jurásico, solo fue eso. No hubo una aportación así excelsa y magnífica. Nuevamente, la peli anterior pesó más de lo que se esperaba.

Doblaje: particularmente, lo disfrute muchísimo. Ya había escuchado a Xóchitl Ugarte haciendo a Bryce Howard, pero aquí ya se nota su voz un tanto madura y pega bastante bien. Carlo Vázquez ya se va ganando su lugar con la voz de Chris Pratt y el resto estuvo bastante bien. Estuvo tan bien el doblaje que fue de los mejores rubros de la película.

Curiosidades: las referencias a la vieja película y el viejo concepto están por doquier. Técnicamente, el filme es una referencia y reverencia a su antecesora de muchas maneras. Inclusive, uno puede ver al personaje de Jeff Globblum, Ian Malcolm, en varias publicaciones o libros, donde parece que crítica las cuestiones del nuevo parque (detalle que me pareció entre chusco y bastante acertado).

A título personal: He sido un fan de Jurassic Park y de su saga desde que la película salió en 1993, al grado que fui a ver ya avanzada la noche, el reestreno en 3D de la misma hace un par de años (a pesar de haberla disfrutado ya 500,000 veces). Debo decir que la segunda no me gustó tanto (y que fui a ver con mi hermano en su momento), pero la tercera me la pase como enano, aun cuando a nivel de guión y calidad técnica sea muy inferior a las anteriores. Pero el hecho de ver a Alan Grant nuevamente, hizó que valiera la pena. Por ello, disfrutar de un personaje como Owen, me hizo darle puntos a este nuevo filme. No puedo omitir que los meses previos al estreno, estuve fastidiando a mi pobre mujer para que fueramos a verla y por suerte, se dió este fin de semana. Aunque ambos la disfrutamos ya comenté que ella fue mucho más dura (y acertiva) con su comentario de la misma. No se puede negar que bebe en demasía de la primera y ese es un punto muy débil (y que puede hacer que conforme pase el tiempo, la película pase sin pena ni gloria). Sin embargo, como hoy en día los nostálgicos dominamos el mundo, es obvio que esta película fue un exitazo y al menos garantiza una secuela.
¿Me gustó? Por supuesto. Claro, tampoco es que me haya cambiado la vida, pero ha sido el filme que más he disfrutado del año, inclusive más que los Vengadores 2. Y es que el director parece que se enfocó en hacer que la película fuese amena, rítmica, disfrutable. No iba con pretensiones de reinventar la saga (aunque hubiese sido bueno en más aspectos). Pero el hecho de querer hacer un producto para todos y que aparte tuviese muchos puntos y aristas de la película anterior, es para elogiarlo. Tal vez no sea tan espectacular como Mad Max ni tenga el impacto de los Vengadores 2, pero Jurassic World iba a lo que iba y logró mucho más.

En conclusión, ahora vemos porque la película recaudo semejante cantidad de dinero: la nostalgia, lo retro está de moda. Más cuando la metes en un empaque moderno y lo vendes con una marca conocida. Sí, tal vez sea tramposo este método, pero al menos conmigo, funciona (insisto, me convencieron en el momento que ví que Owen corría con varios velocirraptors a su lado). Y como dijo mi esposa: al fin al cabo la disfruto y se le hizo palomera. Recomendable para los nostálgicos y para quienes gustan del cine del blockbuster. En serio, espero haya una secuela, ya que allí veremos si el concepto sigue funcionando o ya se quemó la cuestión del

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Saludos a mi mujer :3 (y gracias por sus referencias y comentarios tan bien atinados), así a quienes gustan de este tipo de cine. 

Canciones del Mundial: Un Top que ha ido a la baja con los años.

Con el cochinero que ha provocado Blatter su camarilla en los últimos años, no se puede obviar que dichas decisiones, puramente comerciales, dañaron al futbol de manera irreversible. Y uno de los aspectos que más se "fregaron" estas ratas de cuello blanco fue la nacionalidad, el patriotismo o el espirítu del Mundial.

Digo, a muchos les encantará Shakira, pero ver a la chiquela cantando una canción génerica y aparte con tintes de racismo (Waka Waka? Guacala diría yo), solo para vender dinero entre los pubertos y uno que otro atolondrado que le gustan las chicas que bailan el vientre, fue todo un robo. Inclusive, la misma gente de Sudáfrica en su momento se quejo de tales maniobras, pero nadie hizo caso, porque lógico, el billete manda. Lamentablemente, esta situación desde Alemania 2006 se comenzó a disparar y hace un buen rato que no tenemos canciones emblemáticas.

Por suerte, en este "Top", me dedicare a hablar de las canciones más "bonitas" que hubo en los Mundiales. Personalmente, al escucharlas, siento que el futbol vuelve a vivir a través de ellas. Como es lógico, muchas forman del arco de los años ochentas y noventas. Sí, tal vez este siendo excesivo con mis gustos por aquellos años, pero las cosas, ya no han vuelto a ser las mismas.



-Darry Hall and Sound of Black - Gloryland

1994. El Mundial se celebraba por primera vez en una nación nada futbolera como los Estados Unidos. Sin embargo, con o sin tradición, los gringos se lucieron, haciendo un torneo increíble, no solo en cuestión económica, sino también sacando una rica diversidad étnica y un futbol preciosista, de lo mejor que se ha visto en los últimos 30 años. Como es lógico, la música no se podía quedar atrás y el himno de la Copa, interpretado por Darry Hall, se convirtió no solo en el ícono de los inicios de las transmisiones de Televisa o Tv Azteca, sino también en un hitazo en aquellos días. Personalmente, es una de mis canciones favoritas, ya que no solo la letra, sino los sonidos "Blackness", son fabulosos. Le da ese aire majestuoso a la rola, sino también imponente ("This, This is Gloryland...").


-Francisco Curiel - México 86

1986. El Mundial recae por segunda vez en la patria, luego de que Colombia decidió retirarse de la organización de dicho evento. El país estaba en una fuerte crisis económica, pero aun así, se decidió volcar a recibir de manera cálida y amable a los participantes, pese al calor y desgaste que se vivió en aquel mes de competencia. Como resultado, tenemos una canción o himno que puede resultar bastante "mexican style", donde los cuates (como nos conocen allá en Sudamérica) quisimos hablar de la hermandad y de la amistad entre pueblos. Por supuesto, a muchos hoy en día dicha rola les parecera un poco sosa y hasta cursi, pero a mi me sigue encantando. Aquí obvio, influye el factor nostálgico con ganas y es que cuando tenía 6 años, me pasaba cantando dicha rola por horas y horas ("México 86, México 86 donde se vive la emoción, el Mundo unido por un balóooon...").


-Gianna Nannini/Edoardo Bennato - Un Estate Italiana

1990. Italia organiza un segundo Mundial, después de México. A diferencia del calor y sabor tropical del anterior, el país mediterráneo nos trae un Mundial tranquilo, un poco frío y con la ausencia del Tri por cuestiones legales. Sin embargo, los uniformes, los balones, todo va evolucionando y se nota, no solo en un juego más defensivo, sino también más de estrategia. Sin embargo, la rola himno de este evento no era nada de eso. Sacando lo mejor del pop ochentero italiano, Bennato y Nannini nos sacan una de las mejores canciones de todos los Mundiales, que hoy en día es recordada por cualquier fan arriba de los treinta años. Y es que esta rola era tan plurifuncional que la ponían entre comerciales de los partidos ("notti magiche...notti magiche, inseguendo un goal, sotto il celo di un state italiana..."). 


-Jean Michel Jarre/Apollo - Rendez-vous ´98

1998. Aunque muchos digan que "La Copa de la Vida" fue la canción del Mundial, acá fue cuando se fue diversificando a los llamados "Himnos" y en este caso, esta rola, cortesía del francés Jean Michel Jarre, fue el emblema oficial del Mundial de Francia 1998, que llegó a ser un evento que disfrute a lo máximo. Sí, empece con México 86, me forme con Italia 90 y me emocione con EUA 94, pero este Mundial, fue de los que disfrute en todo su esplendor, siguiendo cada evento, cada partido y por primera vez, vimos 32 selecciones, lo cual dió un giro brutal al Mundial, haciéndolo casi universal. De allí, que esta formidable melodía me parezca no solo mágica, sino excelente a todos niveles. Igual marco la parte final de mi niñez para ser un adulto completo.


-Vangelis - Himno de la Copa Mundial 2002 (Corea/Japón)

2002. Un nuevo siglo, un nuevo Mundial y bastante novedoso, con la organización a cargo de dos países: coreanos y japoneses. Por supuesto, la modernidad y lujo de dicho evento, contrastó con las pifias y vendidas arbitrales, así con el nivel de juego un tanto extraño, al grado que vimos a Corea del Sur en semifinales y varios grandes, siendo eliminados en la primera ronda. Particularmente, no lo viví con tanta intensidad como hubiese querido (oh, bendito trabajo y estudios), pero es como lo sucedido con la canción himno de este evento, que fue a cargo del gran Vangelis: me enamore de la rola luego de que termino el Mundial. Sí, debido a los trajines de aquel entonces, no pude escucharla, hasta mucho después, cortesía de mi hermano y es una joya en todos los sentidos. Aun no puedo creer como alguien tan magnífico como Vangelis haya creado algo tan móvido y rítmico: puro genio.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades ^_^, así a quienes gustan del fuchobol.

Pyongyang: uno de los primeros pinitos de Guy Delisle

Oficialmente, soy fan de Guy Delisle. Caricaturista de origen canadiense y que actualmente es archireconocido por las reseñas de sus diferentes viajes alrededor del mundo (primero como supervisor de animación y luego como el esposo de una funcionaria de la ONU), el hombre ha sabido plasmar, con talento, humor y bastante pícardia, las viscicitudes que viven diferentes pueblos alrededor del mundo (y que para rematar, no son muy conocidos o bastante cerrados).

Ya en una entrada previa había detallado los inicios de mi "affaire" con este autor, con "Crónicas de Jerusalén". Lamentablemente, por cuestiones económicas ya no pude seguirle la pista en un rato al buen Delisle, y nuevamente, en un arranque de piratería (jojo), me descargue varias de sus obras más conocidas como Crónicas Birmanas, Shenzhen y el famosísimo Pyongyang. Así que mientras aprovechaba cuidando a mi bello pero latoso sobrino, me puse a leer este último y debo decir que salí encantado. Al grado que cuando aproveche una subida de dinero en mi bolsillo y a la par una promoción en una famosa librería de la City, no dude en lanzarme a comprarlo.

Y por esto, aquí va la reseña de uno de los primeros éxitos de Delisle: "Pyongyang".


Pyongyang es una novela gráfica del historietista Guy Delisle que relata su estancia en Pionyang, capital de Corea del Norte. A través de anécdotas y situaciones reales muestra, con un toque de humor, su choque cultural con la sociedad norcoreana bajo el régimen político de Kim Jong-il, uno de los más herméticos del mundo.

Delisle se inspiró en su trabajo en SEK Studio como supervisor de series de animación para la televisión francesa TF1. Dibujó la obra en Etiopía, donde residió temporalmente mientras su esposa trabajaba en Médicos sin fronteras. En 2003 la editorial L'Association publicó su primera edición, y en España es distribuida por Astiberri.


Occidente tiene una forma muy particular de ver el resto del mundo. Siempre pensamos que nuestras costumbres, tipo de comida, así como visión la comparten los demás, en especial los habitantes de países tan lejanos como China, Japón o Corea. Claro, la globalización ha hecho que las diferencias culturales se minimicen y puedas hablar de casi lo mismo con un habitante del lejano Oriente. Sin embargo, hay países que mantienen abismos culturales y sociales altísimos, por diferentes circunstancias. Y como ya vimos, en Asia, este tipo de naciones son bastante comunes.

Ya con "Shenzhen", la primera novela gráfica de Guy Delisle, el autor se dedicó a hacer hincapié en estas cuestiones, fiel a su estilo, entre cómico y sarcástico. Pero con "Pyongyang", comenzó a volarse la barda, no solo por la forma de hacerlo, sino por retratar uno de los regimenes más cerrados y duros de todo el mundo.

¿Cómo es que Delisle logró "infiltrarse" en la cerrada Corea del Norte? Aunque el actual líder de Corea haga ver (como su abuelo y padre en su momento) que su país es autosuficiente y que es víctima de las malvadas intenciones de su vecino del sur y por supuesto, de la nación gringa, los Estados Unidos, no se puede negar que el lugar vive en una perpetua crisis económica que se ha tratado de ocultar. Por ello, las subcontrataciones, un concepto que se puso de moda en toda Asia y que permitía abaratar costos a empresas europeas y americanas, comenzaron a permear también en Corea del Norte, al grado que el país ha tenido una muy limitada apertura a extranjeros, pero sobre todo europeos y con fines más artísticos que bélicos o de manufacturación.

Por ello, Delisle logró llegar a mediados del 2003 a la capital de Corea del Norte, Piongyang, como supervisor de animación en uno de los tantos estudios de animación que mantenía un importante canal francés en aquellos lares. Y aquí es como comienza la aventura del dibujante en un país, no solo extraño culturalmente, sino con una política y visión distorsionada a un gran formidable. El autor lo manifiesta de manera tajante cuando al momento de ingresar en la aduana, el guardia de la misma le permite pasar muy pocas y que nada fuese subversivo para el regimen (curiosamente, si le dejaron entrar un ejemplar de la novela de George Orwell: 1984. Eso y algunos CDS de música como reggae).

Justamente, la base de esta novela gráfica esta basada un tanto en la crítica que hace el mismo Orwell sobre el regimen opresor del gran Hermano de 1984: Guy hace una visión observada (más no crítica, aunque se le escapa esto por algunos momentos) sobre la forma en que el gobierno norcoreano va moldeando las mentes de sus ciudadanos, haciendolos no solo leales, sino metiéndoles de manera brutal la doctrina del Partido. Esto se confirma cuando Delisle conoce a su "guarura" y su traductor, que llegan a ser una especie de cinturón de restricción mientras él se encuentra en la capital, llegando a pararle los pies en seco cuando quiere conocer tal o cual lugar.

Delisle al principio lo pasa con humor, pero conforme las semanas pasan (estuvo dos meses en la capital), su humor se va haciendo más agrio y la restricción de libertades comienza a pasarle factura, ya que se vuelve más crítico del regimen y también de las políticas del mismo. Para colmo, la naturaleza observadora del autor se hace patente, ya que comienza a ver situaciones muy irregulares (como que es un país extremadamente limpio y sin indigentes, pero de repente llega a captar gente robando frutos de los árboles o personas que se pasean de manera enigmática durante las largas y oscuras noches de la ciudad). La más potente es cuando visita el emblemático Metro de Piongyang y lo ve todo iluminado como un castillo de luces, mientras el resto de la ciudad si apenas tiene algunas luces encendidas (como la que ilumina el retrato del Gran Padre de la Nación).

Debido a la restricción que marcaban sus "cuidadores", pensé que el libro solo se enfocaría en sus problemas de costumbre, pero por suerte, a Delisle le permitieron visitar varios sitios emblemáticos, como el Palacio de las Naciones, donde un enorme bunker, enclavado en la montaña, está lleno de tesoros de las naciones del mundo y que felicitan a Corea del Norte por su forma de gobierno. El autor varias veces tiene que morderse la lengua para no soltar un comentario soez o cómico sobre estas cuestiones, so pena de ser castigado o censurado por sus acompañantes. Otro detalle igual de curioso, fue ver que el país, al menos en la capital, está lleno de extranjeros y que muchos trabajaban de la misma manera de Delisle: por subcontratación.

Delisle también describe el sistema de ayuda humanitaria en dicho país y como este es casi mínimo, ya que el gobierno es tan rígido en su control, que toda ayuda, desde alimentos hasta dinero, van a parar a los altos mandos del partido y no a la población blanco, la cual, aunque no se muestra, en su mayoría vive en condiciones de hambruna o siendo marcada como políticamente inaceptable. Lamentablemente, por estas cuestiones, las restricciones hacia la zona desmilitarizada son inmensas y Delisle se quedo con las ganas de mostrarnos otra faceta del gobierno.

Otro punto bastante fuerte es el adoctrinamiento de la población, que llega a ser imponente, en especial para evitar que información de fuera llegue a sus manos y como la de adentro se maneja de tal modo que la gente cree realmente en las mentiras del Partido. Falta ver las reacciones que tienen el guardaespaldas del autor o su traductor, que pese a hablar otros idiomas, estar educados en otras naciones, consideran a su país como el mejor lugar de vivir, pese a que muchos problemas o cuestiones muy poco éticas, les rodean constantemente.

Por supuesto, viene la comparación obligada con "Crónicas de Jerusalén" y debo decir que el autor va mejorando su estilo con el tiempo. No niego que este libro es bastante bueno y ya tenemos el estilo que caracteriza a Delisle (a diferencia de Shenzhen que casi me sacó un ojo por el diseño y color tan aberrante), pero algunas cosas todavía le falta esa picardía que disfrute muchísimo en la primera obra que leí del susodicho. Curiosamente, las cuestiones políticas, tan tocada en Jerusalén, acá apenas son mencionadas de manera mínima. Es obvio que Delisle no simpatizó con el regimen, pero tampoco se enfrascó en críticarlo, sino en describirlo y hacer ver algunas cuestiones bastante extrañas y aberrantes del mismo (Como el hecho de tener retratos del gran Padre y su Hijo por todos lados).

En conclusión, "Pyongyang" es una estupenda novela gráfica. En el primer momento que la leí en la PC, me la chute de un solo tirón y varias veces tuve que contener una carcajada (por temor de despertar a mi sobrino jeje) y aunque la segunda vez ya no es tan potente (cuando lo tuve en físico), algunas escenas son emblemáticas y no se olvidan nunca. Aparte, es una forma sabrosa, amena y original de conocer un país del cual no se tienen casi datos. Si ya sabía algo de Corea del Norte, la obra de Delisle se encargo no solo de ampliarlos, sino de confirmar otros. Recomendable, por donde se vea.

Aquí en México, se puede conseguir por la editorial Astiberri. Lamentablemente, como casi es un producto de importación, su precio si llega a ser excesivo, salvo si hay promociones, donde se abarata. Vale realmente la pena el gasto.

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Saludos a mi Hinata-sama x3, así a quienes gustan de este tipo de obras.

Semana Ghibli: Mis Vecinos los Yamada y Susurros del Corazón

Hace unos meses, quien sabe porque, me comenzó una manía "Ghibli" bastante intensa. Me chute al menos una película del estudio nipón, 1 vez por mes y así pude ponerme al tiro con varios filmes que tenía pendientes o que hace mucho tiempo no revisitaba. Un ejemplo claro es el de "Porco Rosso".

Sin embargo, al terminar de ver este último, se me bajó el ánimo de seguir viendo Ghibli. La razón es que la última la vi con mi mujer (por tercera vez en el año) y debo decir que sali bastante mal librado de ella. La razón es que ella no le gusto dicho filme. Mi mujer es una persona bastante estricta con lo que ve, lee o disfruta. No es como yo, que técnicamente soy un "mercenario" y me contentó con cualquier cosa que me pongan enfrente. No, con ella la cuestión es darle algo de calidad, que la entretenga y que la disfrute totalmente. Lógico, no tardo en darme una crítica de la película bastante dura, pero cierta.

Esto no significa que Porco Rosso sea mala, pero ya había comentado de las debilidades estructurales de dicha película y que la hacen un tanto tediosa, si no eres fan obseso de los aviones como Miyazaki. Así que al ver su expresión de hastío, dude en presentarle otra película que me había encantado, "Susurros del Corazón". Por suerte, la cosa fue totalmente distinta y debo decir que recupere mi confianza para mostrarle cosas (entre ellas, "Ore Monogatari", pero eso, es otra historia). Así que aquí vamos, con la crítica, no solo a esta, sino a la cómica pero divertida, "Mis vecinos los Yamada".

Ficha técnica: Susurros del Corazón.
País involucrado:Japón.
Año:1995
Productora: Studio Ghibli.
Idioma: Japonés.
Dirección: Yoshifumi Kondo.
Guión: Hayao Miyazaki.

Argumento: Shizuku es una adolescente que está a punto de entrar en la preparatoria. Sin embargo, en lugar de dedicarse al estudio como sus compañeras, se dedica a leer libros de fantasía. En una de sus visitas a la biblioteca, encuentra que un chico ha sacado los mismos libros que ella, lo cual le despierta bastante curiosidad. Precisamente esto, provoca que siga a un gato hasta una tienda de antigüedades, donde ve la figura del "Barón", un gato vestido como un gentleman y que tiene unos hermosos ojos esmeralda. El encuentro con dicha figura y con el propietario de la misma, hará que comience a cambiar, no solo su rutina, sino la perspectiva que tiene de la vida misma.

Historia: Tal vez de las mejores películas del estudio Ghibli. Hago constar que el filme fue guionizado por Hayao Miyazaki (adaptado de un manga shojo hecho por Aoi Hiiragi), pero dirigido por el gran Yoshifumi Kondô. Obvio, esta información la recabe posterior al terminar de visionar el filme y me lleve mi buena sorpresa. La razón es que hace unos meses, mientras hablaba con otro fan del estudio Ghibli por twitter, caí en cuenta que tenía razón en algo: Miyazaki está demasiado sobrevalorado. Que muchos freaks o fans digan que es lo mejor de lo mejor, es sencillamente por querer parecer cool, pero si pongo en contexto sus argumentos o historias, estos resultan muy pálidos, con poca conexión y para colmo, repletos de momentos oníricos. Tal vez por eso me gusto tanto "Se levanta el Viento", porque pese a tenerlos y en buena cantidad, es mucho menor a otras películas como el Viaje de Chihiro, Ponyo o Momonoke. La razón que Totoro no abuse de esto, menos aun Nausicaa, es porque el buen Miyazaki aun iniciaba en estos deberes. En cambio, si vemos "El castillo Ambulante", es curioso ver las partes que Miyazaki incorporó, donde el onirismo está en su máximo esplendor. Claro, no lo veo como algo malo, pero a mi particular impresión, le resta mucha potencia. Esto provoca que mucha gente haga muecas al ver películas del estudio y tacharlas de aburridas, mientras que la de otros directores, como Takahata, les resulte más divertidas o amenas.
Por ello, que Miyazaki haya guionizado esta película, me sorprendió, ya que la película es la historia "realista" de una jovencita que está en las viscicitudes de la juventud, entre ser alguien más del montón o buscar su propio destino, a costa de lo que los demás digan. Debo decir que la película empieza lento, pero a partir del minuto 20, la cosa se acelera y a un nivel soberbio. Como prueba, mi mujer que soltó un par de bostezos al principio, no puro parar, aun cuando teníamos muchos pendientes en casa, pero ella era de "no, no le apagues todavía, quiero seguir viendo". Y es que el viaje en que se mete Shizuku es tan impresionante, pero apegadísimo a lo que uno le acontede a diario. Y los momentos que parecen enlentecerse, están llenos de detalles y guiños. Es como un director como Kondo hacía de las suyas, al meter esos instantes de animación soberbios. Aparte, la historia del "Barón" me pareció preciosa, única. Lástima que en la película que trataron de emularlo por segunda vez, no salieran las cosas tan bien.

Personajes: Si la historia es formidable, los personajes son aun más carismáticos. Shizuku parece ser al principio la típica chica de "Ghibli", pero luego la vemos más insegura, más indecisa, pero hace que el abanico de su personalidad se amplie por todos lados. Me sorprendió ver su crecimiento, tanto emocional como de carácter, al grado que verla los últimos 10 minutos, no podía dejar de admirarla. Para rematar, la contraparte, Seiji, es igualmente carismático. Aunque también parece el típico varón "Ghibli", luego vemos que tiene complejidad y se hace un personaje no solo revelante en el crecimiento de la protagonista, sino ser una historia aparte. Por supuesto, los secundarios son estupendos y ver a la familia de Shizuko o el abuelo de Seiji, es una delicia.

Animación: Yoshifumi Kondô demostró porque en su momento era la mejor promesa del estudio y es que la animación de esta película es brillante. Se aleja un tanto de algunos movimientos tan estereotipados del estudio (como esas secuencias de correr con los brazos extendidos) y crea un modo distinto de animar los movimientos de los personajes, lo cual de repente me ubicaba en una película Ghibli y a la vez "no Ghibli". Por supuesto, si se mantuvieron los paisajes, el modo de enfocarlos, pero para nada me desagrado dicho efecto y ya como he dicho en otras películas del estudio, le da un "plus" al filme.

Música: Yuji Nomi hizo un buen soundtrack, pero lo mejor son los "corales" de la misma. Para esta ocasión, Miyazaki pidió utilizar la rola de Olivia Newton John que hizo famosa a su manera: Country Roads (original de John Denver), la cual es la melodía central del filme y que luego se escucha su versión japonesa y que es brutalmente buena. Digo, la primera vez que la escuche, no pude quitarmela de la cabeza por días y es que no solo pegaba en el filme, sino en el momento que la utilizaron. Es cuando la música se vuelve una forma de "contar" y no solo un recurso más.

Doblaje: Ya me he quejado del doblaje que han hecho en México sobre varias películas del estudio Ghibli. Sin embargo, este filme tiene no solo unas voces "indicadas", sino hacen una estupenda interpretación. Desirée Sandoval hace un gran trabajo como Shizuku. Tal vez el único detalle extraño fue escuchar la voz de "Bones" (Clemen Larumbe) en personajes muy jóvenes, lo cual me desentono un tanto.

Curiosidades: Susurros del Corazón fue la séptima película del estudio Ghibli y salió en 1995, posterior al estreno de Pompoko en 1994. Yoshifumi Kondô fue el encargado de dirigirla y su estreno tuvo un gran éxito en Japón. Sin embargo, también fue durante la época en que Miyazaki seguía peleado con Disney, lo cual motivó que su estreno fuese muy limitado y solo en años recientes, fuese dada a conocer de manera internacional. Kondo se enfiló como la nueva estrella de Ghibli a raíz del éxito de este filme, pero su muerte repentina en 1998, por un aneurisma (supuestamente desarrollado por el estrés debido al trabajo), provocó que Miyazaki se retirase parcialmente en 1998, luego del estreno de la Principe Momonoke.
El tema central de la película, el comentado Country Roads, es una canción muy laureada en Japón, lo cual provocó que la melodía tuviese un segundo aire en dicho país, al momento de su estreno (inclusive, hoy en día en el tubo se puede encontrar un video original de Olivia Newton John interpretando dicha rola, con subtítulos en japonés).

A título personal: ¿Qué puedo decir? Junto con el Castillo Ambulante, Totoro y la Colina de las Amapolas, este filme es de mis cinco favoritos del estudio Ghibli. Y para colmo, el mentado filme no apela a la fantasía excesiva o el onirismo clásico del estudio, mucho menos al dramatismo tan pesado de Takahata. Al contrario, vemos una historia realista, con personajes muy complejos y la pequeña dosis de fantasía, solo sirve para reforzar más la realidad que vivimos. No sé, cuando la termine de ver (mientras limpiaba la casa), me dejo muy contento. Son de esas películas que la ves, la disfrutas y te deja esa sensación de satisfacción, como si pensarás: "este día valió la pena". Y lo mejor, es que al revisionarla con mi esposa, la sensación no menguaba. Creo el mejor momento de la película, es cuando Shizuku canta "Country Roads" en compañía de la banda del abuelo (con instrumentos renacentistas y toda la cosa) y del propio Seiji.

"Susurros del Corazón", en conclusión, es una película altamente recomendable. Es de lo mejorcito de Ghibli y para colmo, de las menos conocidas. Tal vez el hecho de ver en las imagenes promocionales a un gato vestido con traje y una chica con un vestido ornamental saque un poco de onda y crea prejuicios, pero está es de las películas más potentes y realistas del estudio. Cualquiera la puede disfrutar y sin problemas.

Ficha técnica: Mis Vecinos los Yamada.
País involucrado: Japón.
Año:1999
Productora: Estudio Ghibli.
Idioma: japonés.
Dirección: Isao Takahata.
Guión: Isao Takahata y Hisaichii Ichii. 

Argumento: la película sigue las "aventuras y desventuras" de la familia Yamada, integrada por el padre, la madre, sus dos hijos (uno mayor ya preparatoriano y la chiquita que apenas va en preescolar) y la abuela.

Historia: con el argumento que acabó de describir, uno diría que "Mis Vecinos los Yamada" fuese una película bastante simple. Y sí, lo es. Técnicamente el filme es como una versión más madura, menos cómica (aunque aun así es muy divertida) de Shin-chan. Sí, no solo hablo por la forma de describir el filme, donde se compone de varios "omakes" animados, que consisten en describir momentos bastante íconicos de la familia Yamada (por ejemplo, cuando a la madre le comienza a dar flojera y utiliza a su hijo para que haga la comida), con el hecho de despertarnos risas, vergüenza ajena o sencilla empatía. Esto se adosa porque los dibujos empleados en la película son bastante tipo "caricatura" y lógico, quienes somos de la generación del chamaco que enseñaba el trasero, nos traiga una pequeña reminiscencia al ver la película.
Debo decir que al principio me sorprendió, porque pensaba encontrarme una película muy dramática o seria, siendo Takahata el director (y también guionista, junto con Hisaichii Ichii, el caricaturista original de la familia Yamada). Pero en realidad la comedia rezuma por todos lados y más de una vez, no puedes evitar soltar la carcajada o mínimo la sonrisa complice, ya que cada personaje esta diseñado para que empatices con él (sea seas un hijo, padre o arrimado, jeje).
Sin embargo, Takahata parece que no puede evitar reprimir su manía seria y los inicios del filme, como el final del mismo, se pone demasiado serio, al grado que iniciarlo me costó (casi un mes) y terminarlo, no tanto, pero luego de ver un tercio medio magnífico, donde vemos al padre tratando de correr a unos moteros o como este se queja de su familia, pero luego como todos llegan a recogerlo afuera del supermercado, con paraguas en manos, casi pensé que había llegado con una de las mejores historias del estudio. Sin embargo, la historia se desinfla muy feo y ya no se hace tan disfrutable en su último tercio.

Personajes: Curiosamente, de las cosas que menos brillan, son los charas. Sí, te hacen reír, y hasta sufres con ellos, pero son bastante estereotipados y lógico, por el formato del filme, son muy cuadrados y no tienen evolución. Obvio cada uno cumple con un rol (el padre trabajador pero cobarde, la madre floja pero cariñosa, el hijo flojonazo pero soñador, la hija inteligente y la abuela sabia pero con un colmillo largo y retorcido) y precisamente por este, uno llega a verlos simpáticos, pero su nulo desarrollo y por momentos, el apego tan poderoso al rol, provoca que en los momentos que esperaba algo más, se quedan bastante cortos.

Música: Akiko Yano cumple con su papel y hace un BGM curioso, divertido, pero nada emblemático. Pasa a la historia sin problemas.

Animación: lógico, el diseño de personajes y sus movimientos quedan muy reducidos, debido al formato en que se desarrolla el filme (monigotes medio feos, con movimientos recortados, como si estuvieses viendo las comiquitas - cartoons - del periódico). Sin embargo, me gustó mucho que ese contexto se ampliase cuando el padre va a confrontar a los moteros, porque allí pusieron una animación bastante chula del asunto.

Doblaje: pensé que las voces de Cuernavaca no iban a empalmar, pero nuevamente me llevo otra agradable sorpresa. Escuchar a la gran Patricia Mainou como la "madre" y darle un tono entre jocoso y serio, fue espectacular. Igual Héctor Rocha lo hace genial con el hijo mayor, ni se diga Clemen Larumbe, que sabe encajar al chara de la abuela. El único que no me convenció tanto, fue Bernardo Rodríguez como el "papá".

Curiosidades: Mis Vecinos los Yamadas es una adaptación de una tira cómica emitada en periódicos japoneses por allá de 1991 y que tuvieron bastante éxito. La película fue la primera del estudio en realizarse totalmente en ordenador, aunque lamentablemente, no tuvo éxito económico esperado y fue una gran caída, con respecto a la princesa Momonoke. Fue la última película que dirigió Takahata, hasta la aparición de la princesa Kaguya.

A título personal: esta película le tenía ganas desde hacía mucho tiempo. La primicia, la animación y el diseño de los personajes me llamaba muchísimo la atención. Sin embargo, por x o y motivo siempre lo dejaba para después. Fue hasta que me dió una manía por ver películas de Ghibli hace unos 3 meses, que la descargue (sorry por la piratería) y comence a verla. Pero como dije, el inicio tan árido y extraño me hizo dejarla enlatada un mes, hasta que supere el minuto 17. De allí, la película se vuelve divertídisima, amena y te suelta una que otra carcajada. Lamentablemente, también como ya comenté, se truena en los últimos 10 minutos y todo termina de manera muy onírica (cuando el tono había sido bastante costumbrista).

En conclusión, "Mis Vecinos los Yamada" es una película buena, pero muy irregular. El tercio medio es estupendo, pero también de repente tiene unos "omakes" muy divertidos y otros no tanto. Y aunque me queje del inicio o el final, estos también tienen sus puntos buenos. En fin, es un problema normal, dado que la película se enfoca en exponer viñetas de máximo 5 minutos y cada una tiene diferentes puntos. Cierto que es original, pero el producto final en la pantalla, puede aburrir o ser tedioso por momentos. ¿Recomendable? Pues sí, pero solo para el público conocedor del estudio. A los legos, les parecerá un tanto extraña, más si no eres fan de las viscicitudes que se manejan en la cultura japonesa.

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Saludos a mi esposa ^^ que adoro, así a quienes gustan de este tipo de películas. Por cierto, arriba dejo el tema de Country Roads, para que lo disfruten.