Titanes del Pacífico: ¡Que demonios importa si es Evangelion!

Damas y Caballeros, con ustedes, el footage que se mostro en la Comic Con de San Diego y otras similares, de Pacific Rim (Titanes del Pacífico).

Para los fans de los mechas (y no solo de Evangelion) verán reminiscencias a Mazinger Z, Gundam, Power Rangers, etc. etc.

¡PERO QUE FREGADOS IMPORTA! Adoro el fanservice :3.

Saludos a mi princesa, que solo entorna los ojos xD, así quienes gustan de las BUENAS pelis fanservice x)

Oblivion: una mezcolanza con Tom Cruise incluido

El momento en que mi esposa y un servidor elegimos ver esta pelicula, fue tan atípico como el mismo filme.

La peli se estreno en México y Latinoamérica una semana antes que en EUA. Inclusive Tom Cruise fue a Argentina a promocionarla con gran bombo y platillo. Generalmente cuando pasa esto, es que uno huele a que la peli va a salir mala. Y es que pese a su superficialismo, los gringos son muy duros con algo que no les gusta y según lo visto en la taquilla y crítica, Oblivion no ha tenido tanto empuje en su tierra natal, sino más en el extranjero (y luego dicen que nosotros somos los que sabemos xD).

Como sea y pese a la peligrosa situación, fuimos a verla en un resquisio :3 y disfrutamos más la convivencia de pareja que la misma peli. No digo que Oblivion sea mala, es disfrutable, palomera, pero...bueno, para eso esta entrada.


Año 2077. Hace más de 60 años la Tierra fue atacada; se ganó la guerra, pero la mitad del planeta quedó destruido, y todos los seres humanos fueron evacuados. Jack Harper (Tom Cruise), un antiguo comandante astronauta, es uno de los últimos hombres que la habitan y Victoria (Andrea Riseborough) es su compañera, que le ayuda a través de una tecnología muy avanzada. Jack es un tecnico de Drones que forma parte de una operación masiva para extraer los recursos vitales del planeta. Patrulla diariamente los cielos como parte de su misión, y nada inusual sucede hasta que su vida da un cambio cuando rescata a una desconocida mujer de una nave espacial. La llegada de esta joven desencadena una serie de acontecimientos que lo obligan a cuestionar sus convicciones y lo hacen responsable del destino de la humanidad.


Reseñar esta pelicula es harto difícil, no porque tenga excesivos malos puntos, sino porque tampoco tiene puntos buenos y solo en los aspectos técnicos llega a ser estupenda. Pero vamos por partes.

Joseph Kosinski es el responsable casi total de esta peli. Ya había sido director de algunos comerciales de TV, había sido responsable de los efectos especiales en estos promos. Fue tal su "talento" que Disney lo uso como director de la ambivalente Tron Legacy. Y aunque el no estuvo a cargo del guion en esta pelicula, se nota su cierta "idiotez" (por no decir una palabra más fuerte) en el caso de la dirección.

Kosinski es una especie de "George Lucas", que es más especialista en poner a los actores en planos de primer nivel, pero cuando quieres que la historia arranque y se desarrolle, allí demuestra que le falta mucho talento.

Y Oblivion lo demuestra con creces.

Para empezar, tenemos una peli, cuya historia él fue el responsable. Se había creado una novela gráfica con estas ideas y se la vendio a Disney en un principio. Como es lógico, la productora del raton quería "minizar" algunas cosas y Kosinski no estuvo de acuerdo. Finalmente, Universal acepto el proyecto, siendo positivos con la historia escrita (y que más tarde, Arnd, el futuro guionista de Episodio VII rediseño).

¿Y que puedo decir de la historia? Tenemos a Jack Harper, una especie de "arreglatodo" que vive en una estación aérea en compañía de su pareja (en todos sentidos) llamada Victoria. Llevan una vida normal, reparando drones, una suerte de guardianes que protegen los pocos recursos naturales que le quedan a la Tierra luego de una devastadora guerra contra unos E.T. poco amigables.
Pero mientras Victoria es cuadrada con el programa, con tal de largarse a Titán, donde vive la humanidad, Jack no quiere salirse del planeta y en una de esas, conoce a una misteriosa chica, la cual aparece en sueños.

A primeras, si uno sabe de Sci-Fi, le sonará esta historia (coffmatrixcoff), y no se porque la Universal penso que la historia "era bonita". Sencillamente Kosinski tomo ese concepto del mundo en una botella y lo fue deformando en otros estereotipos. Mesmo arquetipo, mesma historia.

Y es predecible. Mi esposa que ha visto 1% de ciencia ficción, se sabía la hsitoria desde un principio. Y lo peor, es que la trama nunca arranca. Se nota que hay esos momentos emotivos, pero no termina de arrancar, tanto por los desenlaces ya predecibles como por los dialogos simplones (y esto mete miedo. Michael Arndt va volando para Starwars).

Pero lo peor del asunto, es el desarrollo o la velocidad, que eso depende más del director. La trama se vuelve lenta, es consistente, pero tiene muchos puntos muertos. Quitandolos, solo tendríamos una hora máximo de metraje.
Y lo peor es cuando Kosinski dirige a sus personajes. De lejos se nota la diferencia entre Cruise y los demás.

Aquí sabemos como se las gasta el famoso Tomás, que cuando son papeles donde es el héroe, se desenvuelve bastante bien (otra cosa sea su interpretación, que es malita, pero su carisma compensa eso). Y aquí se ve en su ambiente natural, siendo un astronauta y a la vez un reparador, sin perder la sonrisa de siempre.
Y luego tenemos a Victoria y a Julia. Dos mujeres bastante atractivas, pero que en la peli tienen nulo carisma. Victoria es un personaje plano, pero la actriz se ve tan a disgusto que llega uno a sentir pena por ella y Julia es demasiado seca. Pasa a ser la damisela en peligro, pese a tener momentos donde dice "yo puedo".

Pero lo inimaginable, es el papel de Morgan Freeman, que pese a su carisma, no logra despegar y pasa a ser un reducto básico de Morpheus. Para remate, los drones, pese a no hablar o hacer nada, son más carismáticos (en especial el 166, que es un hijo de su tal para cual).

Y esto es lo que destaco de la peli y del mismo director: el plano grafico.
Pese a hablar pestes, Oblivion nos trae un grafiquismo precioso, único. Ver los parajes desolados de una ciudad de Nueva York (donde se ubica generalmente la peli), son fabulosos. Eso y ver también la animación de los drones, las plataformas aéreas y del mismo espacio. Son llevadas a un punto bastante realista, creíble. Inclusive los escenarios que se pueden ver recreados en un set, no desmeritan a lo que se podría filmar exclusivamente con CGI.

 Esto adosado a una música, a cargo de M83, que es increíble. Simplemente el tema del inicio, es alucinante. No había escuchado tal música, desde que Rami Djawadi se había hecho cargo del score de Iron man. Aun no lo bajo, por falta de tiempo, pero seguro se convertirá en mi hit del momento.

En fin, que Oblivion es una de esas pelis palomeras que han inflado antes de su estreno de buena manera y ahora se las ha bajado un tanto el nivel del globo. Es regular, no "prende" y la historia es predecible.
No es recomendable, pero tampoco dejaría la oportunidad de verla en el cine. Solo allí se puede apreciar en toda su extensión los escenarios. Si se ve en una pantalla enorme de HD tal vez, pero ya perdería de las pocas cosas buenas que tiene el film.

Lo bueno: los escenarios
Lo malo: la historia
Lo original: la música.

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Saludos a mi princesa :3 rusa, así a quienes gustan del cine.

Leyenda urbana: El conquistador...radioactivo

La otra vez fui a visitar a mis parientes políticos y como siempre, mientras mi esposa habla con mis cuñados sobre la conquista mundial (xD), a veces me pongo los auriculares y escucho podcasts, como la Órbita de Endor.

Justamente, el último dossier trataba sobre películas malditas. Aun no lo termino, pero estaba harto interesante. Fue uno de estos temas, el que me termino recordando un capítulo del programa "La historia detrás del mito".

Aquí trataban sobre la historia del gran Pedro Armendáriz, su vida y trayectoria, hasta la trágica muerte que padeció al suicidarse por un cáncer terminal.

¿Pero que tiene que ver esto con el renombrado millonario Howard Hughes, camiones de arena y la muerte en los últimos 30 años de más de 150 personas entre actores y personal técnico? Vamos a verlo.



The conqueror o El conquistador de Mongolia fue un filme producido en 1956 por Howard Hughes que contó con John Wayne como el caudillo mongol Ghengis Khan y la actriz Susan Hayward como la princesa Bortai. El reparto se completó con Agnes Moorehead, Pedro Armendáriz, William Conrad, Jefe Tahachee y otros. La película fue dirigida por Dick Powell.
El largometraje fue un fracaso comercial y fílmico (fue catalogado como uno de los peores de los años 50), lo que es bastante significativo dada la calidad de los actores que integraban el reparto. Wayne, quien se encontraba en el cénit de su carrera, peleó por el papel después de haber leído el argumento. Aunque ahora se cree que tal personaje no era apropiado para John Wayne, él creyó no haberse equivocado en la elección. Fue "honrado" en el libro The Golden Turkey Awards.
Se ha supuesto que el excéntrico millonario Howard Hughes se sintió culpable por haber producido una película tan fallida (ver la razón abajo), y la mantuvo enlatada. Existe la versión de que compró todas las copias a un precio de 12 millones de dólares. No fue hasta 1974 cuando fue transmitida por televisión. Junto con Ice Station Zebra, se ha sabido que era uno de los filmes que Hughes veía incesantemente durante sus últimos años de vida.


Vamos a hacer un poco de contexto para amplificar esta más "leyenda negra" de Hollywood, que leyenda urbana.

RKO Radio Pictures por la década de los cincuentas, había sido uno de los grandes estudios de Hollywood, junto a la MGM. No solo se había encargado de producir peliculas, como el mítico King Kong, sino también todas las pelis de Orson Wells, incluyendo su obra maestra, Ciudadano Kane.
También se encargaba de la distribución de las pelis de Disney, como Blanca Nieves y los 7 enanos.

Sin embargo, a partir de 1948, RKO comenzo a ser adquirido por Howard Hughes, el magnate aviador y excéntrico, que hasta 1954 completo la compra total del estudio, al grado que era el único en el mundo en poseer un estudio para sí solo. De aquí se generaron problemas que ya comentare más adelante =P.

Por aquel entonces, Oscar Millard, un reputado guionista tenía en sus manos un libreto que trataba de la historia de Genkis Khan. Lamentablemente, poner en escena una historia tal requería de mucho billete. De allí que halla ido con el único loco que tenía el dinero y la disponibilidad para hacerlo: Hughes.

Y ya este hombre había sido conocido por sus excentricidades, en especial con "Hell´s Angels" (solo falta ver la peli que protagoniza Leonardo Di Caprio). Hughes acepto de inmediato filmar esto y se trajo a muchas estrellas, desde Susan Hayward hasta el mitico Pedro Armendáriz. Solo les faltaba una estrella y como era lógico, se lo ofrecieron a Marlon Brando.

Pero este, al ver el billete en escena, quiso que le dieran las perlas de la Virgen, por lo cual se le nego el papel. El segundo al quite, fue el legendario John Wayne, que inclusive rogo porque fuese incluido en la peli. Mal movimiento.

Ya con todos, el equipo de producción se lanzo a la aventura y comenzaron a filmar en St. George, una locación en el estado de Utah, enclavada en el desierto de Escalante, a unos 200 kilométros de un lugar conocido como "zona de pruebas de Nevada" ¿Y que pruebas hacian allí? Lanzamiento de bombas atómicas, para ser exactos, al menos unas 80 fueron lanzadas durante esa zona para probar sus efectos.

Aquí viene uno de esos detalles raros. Se decía que los productores del film estaban al tanto de la "probable" exposición radioactiva, pero que la desestimaron, porque no la creían tóxica o importante. Para colmo, se rumora que hay una imagen de John Wayne sosteniendo un contador Geiger (ese que mide la cantidad de radiación en el ambiente) mientras estaba filmando. Otro rumor es que nadie sabía nada, salvo el mismo Howard Hughes, pero que igual desestimaba los efectos tóxicos.

La peli se completo en el tiempo estipulado. Pero el excéntrico productor vio que había escenas mal hechas, por lo cual para evitar mover el rodaje nuevamente a Utah, trajo un monton de arena y tierra de esos lares para recrear el paisaje en Hollywood, lo cual expuso más a los actores a la "dichosa" radiación.

Finalmente, el Conquistador se lanzo en 1956, esperando ser un hito en todos sentidos y que aparte recuperara la lana invertida (12 millones de dolares). Sin embargo, resulto ser un fracaso de los gordos. Al final, solo alcanzo a ganar en taquillas millón y medio de dolares. Fue tal su caída, que precipito ya el cierre de la RKO, que ya de por si, había sido muy dañada por las maniobras de Hughes (había vendido todo a una compañía de llantas, salvo los derechos de distribución y ventas de las pelis que tenía el estudio. Lease, les arrancó literalmente el corazón).

Pero lo peor del asunto vino después.

-Dick Powell, director de la peli, murió de cáncer en 1963, del tipo Linfoma no Hodgkin.
-Pedro Armendáriz se le diagnóstico cáncer de riñon en 1960, pero durante una valoración en EUA en 1963, se le dijo que era intratable. Ante tal situación, Armendáriz tomo un arma que llevaba siempre consigo y se pego un balazo en el pecho.
-John Wayne comenzó a batallar con un cáncer a partir de 1970 y estuvo casi toda la decada tratando de ganarle sin ningún resultado.
-La gran actriz Susan Hayward también fallecio a finales de los setentas, victima de un agresivo cáncer cerebral. Ya se había enterado antes de que sufría tal cosa y trato de suicidarse, pero no lo logro.
-Agnes Moorehead, la famosa mamá de Samantha en Hechizada, también fallecio de cáncer de utero en 1972.

Y de estos fueron lo más importantes, porque actores secundarios, técnicos, así extras, fueron cayendo como moscas, literalmente. De los 220 que llegaron a Utah, 91 han fallecido por causas relacionadas con cáncer (actualización: 150). Al menos para un servidor, debo decir que los tipos de cánceres que contrajeron los susodichos son de lo más extraños. Tiene que haber una herencia genética muy poderosa y contradice los argumentos donde se comentaba que el exceso de tabaco, en el caso de Armendáriz y Wayne, había sido la causa de sus muertes.

En el caso de Hughes, la cosa le golpeo más feo. Esta peli fue la última que produjo y de allí comenzó una debacle emocional y física notoria.
Fue a finales de los sesentas, cuando se le comenzó a relacionar con las muertes del Conquistador, porque supuestamente sabía de los efectos radioactivos. Y esto parecio secundarlo, cuando compro todas las copias de la peli por 12 grandes y luego ordeno enlatarlas. Para colmo, dicen que en sus momentos obsesivos, ponía esta peli como 10 veces al día, no solo en su proyector privado, sino también en un canal que hasta tuvo que comprar, ya que se habían cansado de pasarla al aire. Hughes finalmente moriría en Acapulco, por desnutrición y autorecluido en un hotel en 1976.

Fue hasta 1974, cuando la Paramount compro los derechos del Conquistador y nuevamente pudo estar disponible a todo público. Las criticas tan duras continuan hasta la fecha, catalogandola como una pelicula bastante malita.

Pero será recordada más por el rastro de muerte que dejo y que arranco literalmente de cuajo, el futuro de muchas estrellas de Hollywood.
Como dato curioso, desde entonces, se conoce de manera graciosa a RKO pictures como Radioaktive.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de las leyendas urbanas.

Videos parodia de Super Mario Bros

Hace unos años, antes de que el tubo se volviera más popular (y opresivo), las animaciones se hacían por medio de "flash", una suerte de programa que te permitía dar formato a animaciones de manera sencilla y aparte compacta. Prueba de ello, son las diferentes "caricaturas" que creo la famosa fioriparty en su época sobre Naruto.

Pero aparte de esto, a este tipo de animadores les dio la oportunidad de expandir el universo que manejaban, llegando a crear parodias de lo más estupendas.

De las más emblemáticas, son aquellas centradas en el universo de Super Mario Bros.

Lejos de las limitaciones de la historia y el personaje, la compaginación que ha tenido con otras series, al estilo crossover, ha sido único, al grado que he visto genialidades en la red. 

Desde los viejos estilos pixealeados, hasta los actuales que constan ya de autenticas animaciones de cajón.

Vamos a ver ejemplos al respecto.

-Mario Matrix

No neguemos que la segunda parte de The Matrix, Reloaded, ha sido de las películas más sobrevaloradas entre los fans y aparte más chafas al respecto. Si la vemos con análisis crítico, lo único bueno son las peleas, ya que la historia esta bien fumada, los personajes son sumamente cliches y aparte con una seudofilosofía hippie al final fuera de lugar (el único chara que destacaba, era realmente el Merovingio xD).

Pero lo que yo destacaría, aun pese a su concepción chafa en CGI, es la Burly Brawl, o la pelea que tiene Neo con los 1,000 Smiths. En teoría es fabulosa, aunque no pudo ser plasmada como es debido.

Y de allí, las parodias han sido bastantes. Pero esta de Super Mario, y más con doblaje español latino, me ha parecido estupenda.

-Super Mario Busters

Hace añales que no visitaba las páginas de Pixifans y Ionlitio. Ambas tienen buenos tópicos, enfocados en los videojuegos, así en otros temas de tipo retro. Y aquí encontré uno de esos videos crossover, donde se mezcla a los Cazafantasmas con la saga del fontanero. Hay dos videos, pero debo decir que el segundo me pareció aun mucho mejor que el primero. Claro, es una parodia de las dos películas de Ivan Reitman (tocayo!).

Debo decir que la adaptación es estupenda. Vemos como Mario, Luigi, Yoshi y Sonic (ya mascota de Nintendo), cazan fantasmas, que en realidad son Boos y otros fantasmas vestigio de Super Mario Bros 3 y Super Mario World, al son de la melodía deformada original. Eso sí, el nivel de animación, tremendo.

-Las princesas vs. Michael Jackson.

Hace tiempo este video daba mucha risa. Claro, luego de la muerte del Rey del Pop, como que esas risas se han vuelto algo de pena ajena. Sin embargo, lo sigo considerando uno de los mejores videos parodias que he visto. Tenemos a las princesas luchando contra Michael porque este rapto a Baby Mario y Baby Luigi y planea...bueno, hacer lo que según hacía. La forma de lucha va desde lanzar bombas de fuego, sombrerazos, Moon Walks y ametralladoras. En fin, que el nivel de parodia es único y no te paras de reír, si entiendes todas las referencias (falta ver cuando Daisy sale con una raqueta y Peach, bueno, con medio arsenal del ejército).

-Mario vs. Goku

Aunque el video de Burly Brawl sea bueno, esta a años luz del nivel visto en este video. Tecnicamente es Mario y Luigi peleando par a par contra Vegeta y Mario. A primeras podría verse la incompatibilidad, ya que Mario lanza sencillas bolas de fuego y Goku un Kame Hame Ha capaz de barrer con medio planeta.

Pero aca la diversión es llevada al extremo, cuando el autor del video tecnicamente nivela a los personajes, al grado de que vemos a Mario volar con su capa de SMW y pelear a gran velocidad contra Goku, donde las bolas de fuego son como Kame Hame Ha. Lo mejor es igual la pelea entre Luigi y Vegeta. De fabula!

-Super Mario Hyadan

Una parodia "flash" que se hizo famosa hace unos pocos años. Hubo una temporada donde los japos les dio por "musicalizar" lo que tenían enfrente y Mario no fue la excepción. Aca tenemos a nuestro fontanero vestido como un chico anime normal, con un Koopa igual cosplayado, mientras la pobre princesa clama por la idiotez de estos dos, que no paran de cantar al ritmo de la rola insignia de la serie. Es bastante divertido, al grado que se hicieron adaptaciones en inglés e inclusive en español de la rola y del mero video. 

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Saludos a mi princesa XD, así a quienes gustan de este tipo de videos.

Por cierto, les dejo un video "bonus". Es un live action de la saga, pero muy curioso. Trata de como Mario esta sumergido en la drogadicción, muy al estilo de un ex-combatiente de alguna guerra. Algo triste, algo realista, algo cómico.

Game over.

Donkey Kong Country: los últimos coletazos del SNES

Donkey Kong se considera una de las muchas "Mascotas" no oficiales de Nintendo. Junto a Fox McCloud, Kirby o Link, ha formado parte de muchos videojuegos que han reunido a las mejores estrellas de la compañía.

Sin embargo, Kong siempre se le había visto como un personaje "bruto", sin tanto potencial y a la vez bastante desaprovechado. Fue hasta que a mediados de los noventas, cuando la SNES estaba en su auge, que se decidió sacar este juego. Se considero una revolución, no solo a nivel visual y tecnológico (Nintendo le había encargado a Rare, una compañía inglesa, el diseño del juego), sino también "evoluciono" a Donkey al grado de que se creo un "submundo" bastante interesante que genero al menos 3 a 4 secuelas del mismo.

Y claro, para un jugador de aquellas épocas, fue un juego que marco un hito.


En el juego, Donkey Kong tiene un nuevo compañero, Diddy Kong. Ambos tienen que recuperar la reserva de plátanos robada de manos de King K. Rool. Otros personajes incluidos en el juego son Candy Kong, Funky Kong y Cranky Kong (quien aparenta ser el original Donkey Kong que peleó con Mario y el abuelo (en realidad su padre) del actual Donkey Kong.) Es también el primer Donkey Kong que se desenvuelve en su territorio, con la creación de la Isla de Donkey Kong. Otra característica nueva que identifica al juego es la capacidad que tienen los dos personajes principales para utilizar a Enguarde, Expresso, Rambi y Winky para moverse en el juego. La idea principal del mismo es ir pasando una serie de pantallas en diferentes "mundos" donde cada uno presenta al final un gran enemigo que debe ser vencido para poder avanzar al próximo "mundo". Los "mundos" están representados por secciones de lo que sería Isla de Donkey Kong.


Mi familia nunca fue de billete. Por consecuencia, el estar jugando ciertos videojuegos, venía más de aquellos locales de renta, muy similares a los cyber-café actuales, donde por una modica suma (como 10 pesotes o 5,000 a 10,000 de aquel entonces), uno podía meterse en una seudocabina, donde podías jugar por alrededor de media a una hora, el juego que quisieras.

Claro, el juego tenía que estar disponible, ya que sino, estaban siendo alquilados por los chavales que tenían consolas. Uno de esos juegos, fue precisamente "Donkey Kong Country".

De las primeras veces que oí nombrar este juego, fue en la revista Club Nintendo. Entonces fue un hitazo, tanto por sus graficos como por su música. Sin embargo, debo ser sincero en que no le agarre mucho gusto al principio. La razón es que me consideraba un videojuego de los viejitos (y aun lo sigo haciendo, razón por la cual no he evolucionado a las consolas más modernas) y que se invirtiera tanto en lo visual, iba a terminar sacrificando la jugabilidad. Claro, ahora se ve de manera nítida, pero entonces no era así. Por lo cual pase hasta un año entero sin dedicarme a este juego.

El único que realmente quería jugarlo era mi hermano, pero como en el local donde rentabamos lo tenían ocupado a cada rato, tuvimos que esperar a que el furor disminuyera y así poder alquilarlo.
Aunque me había mostrado renuente, el juego me termino enganchando y allí me tenían con mi hermano, tratando de pasar los mundos, pero sobre todo, sacar los juegos para sacar el 101%, que era un porcentaje para sacar finales y opciones como el soundtrack.

 ¿Como fue que salió este juego? Ya Nintendo le había echado los ojos a Rare, una producta inglesa, más con su éxito en las Arcadias: Killer Instinct.
 Y es que Nintendo quería modernizarse. Acclaim ya había revolucionado aquellas épocas, al incorporar Mortal Kombat y sus secuelas, con gráficos renderizados y digitalizados.

Antes de la tecnología moderna, la capacidad para "plasmar" un juego dependía de un método análogico, donde archivos como música, instrucciones, el personaje se plasmaban en lenguaje binario. Cierta combinación de 0 y 1 daban un chara. Sin embargo, esto al desplegarlo en pantalla, era como la fotocopia de una fotocopia.
En cambio, la digitalización era plasmar un chara, pero en números y por eso, la traslación era mucho más fiel.
Sin embargo, la "renderización", consistía en diseñar personajes en base a "render" o pixeles de alta calidad, muy similar a lo que hacen los dibujantes al realizar el armazón de un personaje.

Rare ya lo había hecho con Killer Instinct y querían probarlo con este juego de Donkey Kong, lo cual les resulto y bastante. Fue considerado un juego inovación en el SNES, que pese a su popularidad, ya estaba de salida ante la eminente salida del N64.

Sin embargo, todo este rollo fue para destacar el punto fuerte del juego: lo visual. Fuera de eso y la excelente música, la jugabilidad es normal, los escenarios son predecibles y los enemigos nada fuera de lo común. Y es que sin este grafiquismo, Donkey Kong Country habría sido un juego más del montón, ya que tenemos a Donkey y Diddy recorriendo diferentes escenarios para rescatar el cargamento de bananas que se robo el rey K.Rool de las alacenas del mismo Donkey, mientras lanza sus tropas para conquistar la isla Kong.

Aunque los escenarios son estupendos y tienen cierta dificultad, uno luego de un rato, termina viendo la predicibilidad del juego y de algunos niveles, al grado que no ofrecían algo más. Ciertamente había bonus, pero no había opciones de saltarte los niveles, sino era un recorrido bastante lineal.
Lo que aligeraba el asunto era la excelente, pero Excelente música del juego. Es una joya en todos sentidos y que aun hoy en día, tengo alguna de sus melodías en mi mp3teca personal.

Tal vez lo recuerdo con gusto, porque fue de los últimos cartuchos que jugue de manera conjunta con mi hermano. Luego de Super Mario RPG, termine por irme a la uni y allí cambiaron las cosas. Por eso, melodías como "Ice Ice Cave", me recuerda a aquellas lejanas épocas de 1995.

Es curioso como en su momento, Shigeru Miyamoto critico este videojuego por considerarlo demasiado superficial. Claro, tuvo que retractarse, pero ya la crítica estuvo allí.

El juego es recomendable, pero como una buena reliquia antidiluviana. Buenos gráficos, novedosos para la época, con buena jugabilidad, aunque el control tendía a patinar demasiado o ser muy pesado para nivelar, en especial a Donkey y con Diddy, la cosa era al contrario. Pese a todo, un buen juego para conocer las enormes capacidades que tenía la SNES y que la mantuvo como una de las consolas más populares de todos los tiempos.

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Saludos a mi princesa :3 Peach, así a quienes jugaron estas cosas en su momento.

Man of Steel: Oh my God

Así es, una sola entrada para un solo trailer. Pero vale la pena. Es la película que más espero de este 2013. Ahora si espero una justicia, luego de la irregular Superman Returns.

Espero hacer una "breve" reseña de ese momento en el 2006, cuando las cosas torcieron de tal manera, que todo cambio hasta la fecha.

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Saludos a mi Louis Lane XD (que buena manera de pasar nuestro aniversario), así a quienes gustan del Hombre de Acero.

Mujercitas: y allí fue cuando descubrí que los libros son mejores que las pelis

Iba a reseñar "El Conde de Montecristo" de Dumas, pero ni loco lo hago ahora. Tengo demasiado trabajo y cosas en la cabeza y una reseña de ese calibre, se necesita tiempo y algo de jugo de uva en el proceso (el jugo de naranja no inspira mucho ahora, creanme).

Aun así, este libro tampoco desmerita y aunque "algunas" gentes me mandaran al cuerno por hablar de una novela claramente rosa y sencilla, de este tipo fue cuando comence a adentrarme en la auténtica literatura clasica, por alla de finales de la década de los noventa.




En el transcurso de la novela, las chicas traban amistad con el vecino de al lado, el joven adolescente Laurie, que se vuelve el mejor amigo de Jo. Así como los temas más serios y tristes narrados más arriba, el libro describe las actividades de las hermanas y su amigo, como crear un periódico y realizar un picnic, y los roces por los que pasan Jo y Laurie. También se plantea que Meg al pasar por todo el camino de los peregrinos logra convertirse en una mujercita, comprometiéndose con el señor Brooke. La obra es entretenida y muestra el contexto histórico de la época.

¿Y como es que llego a gustarme una historia netamente para chicas? Aquí vamos con el contexto.

Para los que tenemos más de 20 años al menos en esta Tierra, sabrán que hubo una caricatura de "Mujercitas" que se emitió primero por Televisa un corto tiempo y luego en Imevisión (ahora TvAzteca) por alla entre finales de los ochentas y principios de los noventas.
 Esta serie pertenecía al World Masterpiece Theater, una suerte de "telonero" de caricatura donde la Nippon Animation se encargaba de producir un anime basado en un clasico literario (Heidi, Remi, Marco, fueron algunos de ellos) durante la década de los setentas y ochentas.

En América, apareció por cortesía de Saban y compañía, que como es lógico, adaptaron este anime a su conveniencia, cambiandole algunas cosas, entre ellos la música (cosa que agradezco personalmente, el opening gringo me parecía mejor que el japo).
Aunque el anime se tomaba algunas licencias con la historia original (como la destrucción de la casa de las March), tuvo tan buena recepción que se hizo una especie de segunda parte, donde se trataba la familia de Jo March.

En mi caso, la serie me gusto y bastante. Algunos pasajes emblemáticos del libro, como la pelea entre Amy y Jo, se adaptaron de manera estupenda y el "arco" que crearon cuando la familia se muda a Newmark luego de que su casa en Concord se ve arrasada por la batalla de Gettysburgh, es de lo mejorcito de la misma serie.

Gracias a esto, me hice cierto fan de la serie, al grado que cuando salió la peli que protagonizo Winona Ryder, Susan Sarandon y los juveniles Christian Bale y Kirsten Dunst, no dude en alquilarla para verla.
Claro, mientras el anime abarcaba tecnicamente lo del primer libro, aca la peli se extendia en "Más cosas de Mujercitas", la segunda parte que luego fue unida en un solo libro en ediciones posteriores.

Lógico, me sentí decepcionado, ya que era fan de la pareja "Laurie-Jo" y verlos separados y para colmo a Laurie todo fregado como cualquier "nini" actual, me decepciono aun más (y ni les digo lo que sucede con Beth). En fin, que aun con todo, la peli me gusto y me motivo a comprar el libro :3.

De la autora Louise May Alcott, es tecnicamente una autobiografía de lo que vivió con sus hermanas en la citada ciudad de Concord en Massachusetts, claro, actualizada con el contexto de la famosa Guerra Civil Norteaméricana.

No niego, la novela empieza de manera floja, con un retrato de las 4 hermanas March, que viven solas con su madre y ama de llaves, mientras su padre se ha ido a combatir en la Guerra Civil. Inmediatamente percibimos las diferencias entre cada una: Meg es la primogenita, que adolece su pobreza, ya que desea tener dinero y vestidos para integrarse a la sociedad. Sigue la enérgica Josephine o Jo, que es la marimacha del cuento, pero que esta muy orgullosa de su cabello y que desea ser escritora. Sigue Beth, que es dulce, y sirve de motor afectivo para las otras hermanas, especialista en tocar el piano y claro, Amy, que es la consentida de la familia y que se acompleja por ello.

Rapidamente la autora maneja las diferentes relaciones una entre la otra y como chocan sus diferentes personalidades, así las viscicitudes que tienen que vivir por ser pobres pero a la vez amables. Aquí entra la figura de Laurie, un joven huerfano pero rico que vive con su abuelo a lado de la casa de las March y que poco a poco se va integrando a la dinámica de sus vecinas.

La primera parte es esto, con uno que otro evento fuerte como la caída de Amy en el hielo, el baile que protagoniza Meg y que cierra con el padre herido en el frente de batalla y como la madre tiene que juntar dinero para ir a verlo, con el consiguiente corte de cabello de Jo para ayudarle a nivel económico.
Apenas nos recuperamos de esto y vemos lo de la enfermedad de Beth, que contrae escarlatina cuidando a unos vecinos. Es el momento culmen del libro, donde la familia se reune para regocijo de Jo.

La segunda ya es el desenlace de cada personaje, desde el casamiento de Meg hasta el viaje de Amy a Europa con la tía ricachona. Esta parte, aunque menos inocente y fluida que la primera, le fui agarrando gusto con los años, ya que me parecía algo pesada y tediosa, en especial los dilemas que va teniendo Meg o los problemas de Jo para que sus obras "prendan".
Sin embargo, me doy cuenta de que la autora hace un precioso retrato de las diferentes mentalidades durante el siglo XIX, el contraste entre la propia personalidad asi con la sociedad. Debo decir que mi momento favorito de esta parte es cuando Jo regresa a casa a cuidar a Beth y luego va viendo que sucederá con su destino.

La narrativa de Alcott es fluida, por momentos llena de detalles, más de la personalidad de cada chara que del mismo ambiente, pero hace que uno se meta en la trama y este allí mismo, viviendola. Inclusive, el momento "nini" de Laurie es un fiel retrato de lo que sucedía con tanto joven de alta cuna, que terminaba perdiendose entre las mujeres, el alcohol y los placeres mundanos (cosa no tan alejada de hoy en día).

Otro impacto del libro es como maneja ciertos momentos dramáticos. Alcott no narra la situación de Beth en un tono lacrimogeno, sino sabe donde asestar ese punto para que nos duela más. Digo, es de esos momentos traumantes para cualquier lector. Falta ver la reacción que tuvo Joey en "Friends" cuando Rachel sin querer le da spoiler del final.
Y aunque sí, Jo es un personaje bastante carismático, quien termina por derretir a todos, es la amable Beth, que es el prototipo de chica dulce, abnegada, que bien podría pasar por la mejor Nadeshiko de hoy en día.

En sí, Mujercitas es de esos libros que uno por obligación tiene que leer. Es de esas novelas que retratan una sociedad y lo hacen de una manera un poco más cruda que su contraparte inglesa, Jane Austen. Aca Alcott tiene como contexto la guerra civil, y como una familia va afrontando eso, pero sin dejar de lado las historias de inocencia y de autodescubrimiento. Bastante recomendable para quienes han leído poco y necesitan algo rapido conque iniciar, nada complicado.

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Saludos a mi Josephine xD, así a quienes gustan de los buenos libros.

Anime semanal: algunas buenas historias

Es curioso. Es la primera vez en dos años que no tengo anime "pendiente" de alguna temporada reciente (digo, tengo anime atrasado de hace 2 años al menos, pero eso es otra historia). Esto me produjo cierta nostalgia, ya que había animes de la temporada de otoño que eran una pequeña joya y justamente acabaron hace casi un mes.

Por tal motivo, esta entrada promete ser bastante larga, así que a agarrar sus palomitas o su almohada, dependiendo de su gusto xD y vamos a darle velocidad al asunto.


-Little Busters!

¿Que puedo decir de este anime? Tenía todo en contra para que lo terminara volando al diablo: basado en un RPG harem tipo hentai, con personajes muy predecibles, con una historia estilo Kanon o Clannad y aparte con el primer par de episodios más fastidiosos de la historia.

Sin embargo, vaya que termino gustandome y con ganas. A partir del episodio 3, el inicio del arco de Komari, la historia sigue siendo predecible, pero la forma de contarla es única. De antemano, vemos un anime que no buscaba mayores pretensiones y es lo que más le ayuda, ya que cuenta cada "arc" de los personajes de manera muy cruda, pero a la vez entretenida. Y aunque el arco de Mio de repente tenía un aire cuasi-filósofico, la cosa mejora en los siguientes episodios en especial con el arco de Haruka y su hermana gemela, que resultan de las mejores historias personales que he visto en mucho tiempo.

Por suerte, esta serie amenaza volver, con una "segunda" parte, que tomara el arco de la sensual de Yurugaya y también con el de Rin, así como el destino de los originales Little Busters!

Lo mejor: la forma de contar la historia
Lo peor: la fumadez de algunos arcos
Lo original: la connotación de los Little Busters!


-Bakuman, tercera temporada

He aquí uno de los mejores animes (y mangas) de los últimos años. Todo enfocado en un par de chavales que deciden meterse en el mundo del manga, uno como guionista, el otro como dibujante, en la busqueda del deseo de ser los mejores mangakas del mundo.
Este manga que comence a leer gracias a mi hija adoptiva hace 4 años, termine por adaptarme más al anime, ya que este iba mucho más rapido, al grado que la serie tuvo que partirse en 3 temporadas de 26 episodios cada uno.

Mientras la primera temporada me costo trabajo verla, la segunda levanto muchisimo y la tercera es estupenda. Pasamos por historias memorables, desde el rival que usaba las historias de muchos usuarios de la red hasta el mismo arco final, cuando Saitou y Miho logran su sueño de ser de estar juntos. Debo decir que el final de la historia es emocionante (aun cuando sabía que iba a pasar) y allí andaba brincando cuando Miho consigue ganar la audición.
 Otra historia a destacar fue la de Kazuya y la de Aoki. No paraba de carcajearme con las ocurrencias del primero para pedirle noviazgo a Aoki.

Lamentablemente, la historia termino y allí me tienen con ese sentimiento de nostalgia cuando algo bueno llega a su fin. Bastante recomendable para los fans del manga.

Lo mejor: la historia
Lo peor: algunos arcos predecibles
Lo original: el concepto



-Robotics; Notes

El anime revelación de la temporada de otoño...y que lamentablemente, fue perdiendo algo de calidad narrativa.
Ya había comentado en una entrada anterior lo formidable que había resultado esta serie: estamos en un futuro cercano, donde los robots comienzan a purular al estilo Asimov. El club de robotica de Tanegashima, dirigidos por la excéntrica Akiho, en su busqueda de igualar el talento de su hermana como constructora de robots, de repente se ve metida en una conspiración cuasi-mundial que abarcaría inclusive la destrucción de la humanidad por una llamarada solar.

Los primeros 12 episodios resultan épicos, ya que aunque parece una historia de un montón de chavos construyendo un robot, la contra-historia resultaba harto interesante, en especial con los informes Kimijima y la famosa hermana cien-pies. Lamentablemente, los episodios que conectan esto, con la trama final, resultan ser flojos. Y no es porque la historia sea mala, todo lo contrario, sino la forma de contarla, la cual resulta bastante lenta, al grado que mientras había acabado varios animes, aun seguía atorado en el episodio 16-17 de la serie.
Fue hasta que no tenía que hacer, que me force a seguir viendo más episodios. Ya la cosa vuelve a calentar a partir del episodio 19 y alcanza tintes de genialidad para los dos últimos, donde la historia tiene un desenlace de primera. De los mejores finales de anime que he visto (que son pocos realmente).

Sin embargo, ese bache ya mencionado le resta algo de calidad y para quienes son novatos en el anime, les resultaría algo pesados, lo cual es una lástima, ya que se sacrifico el desarrollo de los personajes por la narrativa.
Aun así, la serie es bastante buena y tiene una mejor calidad que muchas que salieron al aire con ella. Los personajes resultan estupendos, aunque como dije, pierden calidad en los últimos episodios.

Lo mejor: la historia
Lo peor: los capítulos intermedios
Lo original: el final.


-Ore no Kanojo to Osananajimi ga Shuraba Sugiru

Cuando pienso en este anime, no paro de reírme y es en serio. Ya había comentado que esta serie no tiene nada en especial. Es otra serie harem, donde el prota se ve metido entre varias chicas, desde su mejor amiga de la infancia hasta la freak que desea al Burning Fighter Fighting, el personaje fantasioso que Eita creo para lidear con su inseguridad.

Pero precisamente por este concepto de "fantasía otaku" es lo que me termino enganchando. Eita es un personaje que me recuerda mucho a lo que viví cuando estaba en la prepa y escuchar lo que Mazusu lee del diario de Eita, me suelta entre risas y pena ajena.
Sin embargo, el anime tiene un buen desarrollo, ya que aunque la idea de cada episodio o trama es predecible, la forma de irlo contando es bastante buena, en especial el arco final, cuando Mazusu y Eita se enfrascan en un duelo verbal bastante llegador. Como se ve, igual habría una segunda temporada y la esperaría ansioso, pero quien sabe.

Tal vez lo malo de la serie, es que hay personajes que se desaprovechan bastante, como Himeka, que inicio bastante bien, pero se fue perdiendo conforme iban apareciendo el resto de las protagonistas.

Lo mejor: el Burning Fighter Fighting (xD)
Lo peor: el desaprovechamiento de algunos charas
Lo original: el Burning Fighter Fighting (xDD)


-Boku wa Tomodachi ga Sukunai Next

No entiendo que paso aquí. Hace un año, me parecía de los mejores anime harem que halla visto. Inclusive llegue a perdonarles el exceso de ecchi por momentos, pero es que valía la pena ver una segunda temporada, lo cual sucedio.
Sin embargo, esta saga no llego a levantar del todo. Es cierto que los primeros episodios resultaron algo aburridos, pero conforme tocaban más la relación entre Kodaka y Yozora, es cuando el anime levantaba.

Lamentablemente, alguien le parecio mejor que esta temporada se centrara más en la relación con la pechugona Sena (sin ofender a las mujeres, pero por algo Yozora le llama "carne" _-_) y la fan del yaoi Rika. Y lo peor es que la cosa no iba tan mal con Rika, es más, el final con ella y su busqueda de amistad (así sus cambios novedosos de vestuario) me parecieron acertados. El problema vino con Sena que no mantenía un desarollo en su personalidad y que su química con Kodaka me parecía mala. Y aun peor, pero peor, es que Yozora, de plano resulto tener un desarrollo horrendo, al grado que por momentos retrocedía lo que había ganado como personaje en la anterior temporada.

Pero bueno, parece, parece que habrá tercera temporada. Crucemos los dedos porque sí y porque mejore.

Lo mejor: la evolución de Rika
Lo peor: la falta de desarrollo de las dos protas
Lo original: el arco sobre la pelicula del club.


-Kotoura-san

 El anime revelación de la temporada de invierno. Sin embargo, también la que tuvo la caída más fuerte. El concepto bastante original, ya que tenemos a una chica que es capaz de leer la mente, pero en lugar de ubicarnos en el presente, vemos como ese "poder" le va afectando emocional y socialmente desde su tierna infancia hasta la escuela. Claro, hasta que aparece el prota que comienza a cambiar la perspectiva de Kotoura con respecto a sí misma y los demás.

Los primeros 4 episodios son brutales, estupendos, geniales. Lamentablemente, parece que se les acabo el parque en los siguientes 4, porque la cosa decae y con ganas. Es cuando Kotoura tiene que encontrar a un sujeto que lastima jovencitas, cuando la cosa levanta y aparte vuelve la madre de Kotoura, que le da más realce al asunto. Eso y vemos más de la relación entre la presidente del club de lo paranormal y el vicepresidente.

Aun así, es una lástima. La serie tenía mucha tela de donde cortar, que aunque nos hubiera hecho chillar o cortarnos las venas con galletas de animalitos, se aposto más por el ecchi y las situaciones cómicas predecibles. O sencillamente, no había más de donde hacerse, ya que recordemos que este es de esos animes que no estan inspirados en un manga o novela visual, sino en una historieta publicada en un periodico de Japón.

Con todo, la serie es recomendable, en especial para quienes inicia en el mundo del anime y del manga.

Lo mejor: el personaje principal
Lo peor: los episodios del 5 al 8
Lo original: Los primeros 4 episodios.

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Saludos a mi...bueno, princesa evoca a tanta persona xD, así a quienes gustan del buen anime :3.

Covers en español: a veces los gringos no cantan tan mal

Salvo contadas ocasiones, muy contadas, los covers en español de temas en inglés resultan ser una basofia andando, pero una auténtica basofia. Solo falta escuchar los covers de algunas rolas de Roxette y casi me da un ataque.

Pero la cosa no solo es aquí en Latinoamerica, sino también en los países de habla inglesa. Tal vez de los primeros grupos que hicieron covers en español de sus rolas, fue el grupo sueco "ABBA", que aunque no tenían tanto éxito en USA, en España y México fueron míticos, debido a la interpretación de alguna de sus canciones en la lengua de Cervantes.

Después han salido otros grupos o interpretes que también han hecho esto con alguna de sus rolas, con mediano éxito. He aquí algunos de los "mejores" covers que he escuchado al respecto :3.


-Winds of Change - The Scorpions

Esta canción es una de mis favoritas en inglés, pero aunque el grupo The Scorpions igual la interpreto en español y de repente su vocalización va de mala a horrenda, la letra en español es bastante llegadora. Es de mis favoritas para poner en el reproductor para levantarme el ánimo.


-Como yo, nadie te ha amado - Jon Bon Jovi

Aunque me gusta Bon Jovi, tampoco soy un fan acérrimo. Tiene algunas buenas rolas y una que otra excelente. Sin embargo, esta rola la escuche aun antes de conocer a mi esposa (que es buena fan del rubio) y fue bastante llegadora en su tiempo.


-Todo lo que hago, lo hago por tí - Bryan Adams

La mítica rola de B. Adams que se inmortalizo con la pelí de Robin Hood interpretada por Kevin Costner. Aunque me gusta la versión original y bastante, la parte en español es bastante buena, pero más por la letra que por la interpretación chapucera del mismo cantautor.


-Baby te amo a tí - Big Mountain

Este grupo tipo reggae se hizo bien famoso con esta rola, que es un cover de Peter Frampton. La primera vez que escuche esta rola, no fue la versión en inglés original, sino la española cortesía del mismo grupo y en el maltrecho canal Telehit. Definitivamente, es mejor en español :3.


-Ser Mejor - Robbie Williams

 

Robbie Wiliams podrá ser medio loco, pero que canta bien, canta y lo demuestra con creces no solo con sus canciones, sino con esta versión en español de "Better man", donde es de los pocos que vocaliza bien en español y aparte con una letra fabulosa, que le hace de mis canciones favoritas.


-Todo lo que haces - M2M

Seeh, soy un freson de primera. Y lo comprueba esta canción, sea su versión en ingles o español. La primera vez que la escuche fue en un AMV de CCS y de allí me gusto. Claro, M2M fue un grupo al estilo de ABBA que no duro mucho pese a triunfar en su país natal, Noruega.


-Dos mundos - Phil Collins

El rey de la interpretación en español, siendo anglosajon. Si en las anteriores canciones, había faltado la vocalización o la letra, esta rola de Collins lo conjunta todo, pero de manera gloriosa. Para rematar, Collins no había hecho canciones en español antes hasta este disco y aparte, cantandolas en otros 4 idiomas al menos. Formidable.

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A ver si luego me acuerdo de más rolas :3, saludos a la dueña de mis quincenas, así quienes gustan de la buena música.

Kon Tiki: un viaje de optimismo pero de realismo

Recuerdo cuando fui a comer con mi esposa y Sam a cierto resturante hindú en el centro. Aparte de comer unos platillos deliciosos, también escuchar la platica de mi comadre es harto interesante...salvo cuando le da por repetir hasta el cansancio algo que le gusta o le gusto.

Y claro, era la época de Óscares y de las pocas cosas que le gustan de tal, son la nominación a mejor película extranjera, que ciertamente resulta un oasis entre tanta cosa horrenda.

Una de las pelis que había visto por entonces era "Kon Tiki", la nominada noruega, que había roto el record de recaudación en su país natal. Sin embargo, la verborrea de Sam me quito ganas de verla en ese momento (digo, ella ha pasado lo mismo conmigo y se que cuando alabas de más una peli, generalmente al otro no le termina gustando jeje).

Pero hace un par de semanas y nuevamente ante la escueta cartelera, la dueña de mis quincenas y un servidor, nos decidimos ante la "estrenada" Kon Tiki en nuestro país.


La película es la historia dramatizada de Thor Heyerdahl (Pål Sverre Valheim Hagen), y su expedición de la Kon-Tiki de 1947. Un etnógrafo experimental y aventurero, Heyerdahl, se dispone a probar su teoría de que la gente de América del Sur podría haber resuelto el misterio de como se pobló la Polinesia en la época precolombina. Para ello se construye una balsa con técnicas originales, y las velas a través del Pacífico desde Perú a la Polinesia con su tripulación de cinco hombres y una guacamaya, Lorita, a una distancia de 3.770 millas náuticas (6.982 Kms).
La travesía de la nave fabricada con madera balsa, comenzó el 28 de abril de 1947 en el puerto de Callao, Perú. Heyerdahl y sus tripulantes navegaron a vela durante 101 días hasta llegar a un arrecife en el atolón de Raroia, en el archipiélago Tuamotu, el 7 de agosto del mismo año.



Antes que nada, externo igual una disculpa por mi bagaje cultural al confundir ciertos hechos. Debo decir que el viaje del Kon Tiki lo leí en un libro que tenían mis padres cuando cruzaba los 10 años. Me había quedado con la idea de que el viaje no había funcionado y que lo que había hecho Heyerdahl había sido un fraude bien orquestado.
Error. El viaje se realizo, lo que pasa es que aun con las pruebas del Kon Tiki, ahora se ha visto que geneticamente, los polinesios vienen más de la rama asiática que la americana. De todas formas, perdon por echar datos en base a mi añejada memoria.

Ya sabiendo esto, vamos al asunto: la pelicula inicia con un chiquillo bastante atrevido (por no decir imprudente), llamado Thor Heyerdahl, que luego de un incidente en su natal Noruega, desiste de aprender a nadar, pero se aventura a ser un biologo marino, lo cual lo lleva a vivir en una isla de polinesia en compañía de su esposa. Lamentablemente, un incidente obliga a la pareja a regresar a Noruega, pero Thor no olvida su sueño de demostrar que la gente de la Polinesia había venido en épocas muy añejas, del continente americano y no de Asia.

Con tal de demostrar su teoría, Thor saca dinero de hasta las narices, inclusive sacrificando su familia, donde junta una tripulación variopinta, compuesta por varios europeos y un americano vendedor de refris, pero ingeniero practico. Con el apoyo del gobierno peruano y americano, Thor construye una balsa, al estilo polinesio y se lanza a la aventura. Entre las broncas de la tripulación y las corrientes, así como de algunos simpáticos tiburones, finalmente el Kon Tiki alcanza la corriente ecuatorial sur, que le permite irse directo a la Polinesia, donde al sortear los arrecifes, cae en una isla polinesia, en el día 101 de la expedición.

Con esta historia, la pelicula rapidamente resulta entretenida. Vemos primeramente las peripecias de Thor para conseguir fondos y gente para su expedición. Luego vemos a su tripulación, que resulta excentrica y que le da un aspecto entre cómico y dramático. Aunque en algunos foros se quejaron de que la peli no realza demasiado las personalidades de la tripulación, a mi me parecio bastante acertado, ya que se hubiera sacrificado el espiritu épico de la pelicula y no estamos para ver una versión 2.0 de Naufrago o de Life of Phi. Es más como el viaje influyo en estos hombres y en sus reacciones al respecto, no al revés.

Aunque la peli tiene tintes infantiles, el efecto dramático de cuando matan al tiburón es bastante certero y le da un toque de realismo importante al film. Y es justamente ese momento lo que le da más crebilidad a la pelicula, dejando de lado ese efecto de dramon telenovelero: la tripulación no sufrió por comida ni por agua, porque iban bien aprovisionados, sino más por la radio y por la misma naturaleza de la balsa.
No solo vemos ese apego a la historia original, tanto en la naturaleza previa al viaje, sino en el mismo, al ver a la tripulación con barba de días, todos ya rubios por la exposición al sol y con las marcas emocionales por estar juntos y enmedio de la nada.

Y aquí se resalta el aspecto más crucial del film: la personalidad del prota.

Thor resulta ser un personaje ambivalente, no solo por su forma de ser, sino de presentarse ante la audiciencia. Aunque de inmediato compaginamos por su sed de aventuras y de confirmar sus teorías, también vemos su lado egoísta y muy humano, que no solo resalta su esposa, al descuidar sus labores como padre, sino también para con sus compañeros, al grado de exponerlos a morir, solo por querer tener la razón.
Tan buena fue su caracterización en pantalla, que inclusive mi esposa salió echando pestes del susodicho, en especial por lo que paso con su familia. Digo, la peli te muestra una humanidad y realismo que rapidamente te desconecta de ese contexto de que es algo parte ficticio, parte real.

Curiosamente, el desarrollo de la historia es bastante bueno, y tal como un crescendo, logra mejorarse conforme avanza la peli. Pasamos de un inicio semilento a un final bastante emotivo, más cuando el Kon Tiki tiene que "surfear" los arrecifes, para evitar ser destrozados por ellos, pero claro, no con ese momento hiperrealista, sino cuando ves que la cosa no jalo como uno esperaba y que la mera improvisación, es cosa de todos los días.

Pero allí vamos al punto flaco de la peli y es que ese realismo se queda corto al final, cuando vemos el éxito del Kon Tiki, pero tampoco constatamos que sus resultados fueron mixtos: el viaje resulto, pero no se probo la teoría. Es natural, una peli noruega sobre un héroe noruego. Nadie en su sano juicio pondría a un héroe con defectos.

Y hablando de defectos, para acabar, debo decir de ese contexto que platique largo con mi esposa: la busqueda de un sueño.
Es inevitable que los soñadores sean personas solitarias, que no puedan formalizar una familia. Seamos honestos, una esposa e hijos quitan tiempo y te alejan de tus propias expectativas. No digo que tengamos que ser solitarios, pero hay gente que esta destinada a ello y otras que no. Y creo que saber ese camino, es lo que determinara el resto de tu vida.

En fin, que "Kon Tiki" es una pelicula emotiva, divertida, con momentos dramáticos y cómicos exactos. Es una suerte de documental, pero más al estilo peli. Algunas partes con flojas, pero es por el mismo desarrollo de la trama. Recomendable, no solo para conocer algo de historia, sino también por las hazañas que el ser humano se le ocurren en ocasiones.
Debo decir por cuenta personal, que mi personaje favorito, era el sueco barbudo que estaba medio loco XD.


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Saludos a mi princesa, así a quienes gustan del buen cine (sep, tu Sam)

Video girl Ai: el primer manga en ser publicado en México

Para los que me conocen, saben que hablo hasta las orejas. Una de las pocas personas desafortunadas que le tocan escuchar mi platicadera, es mi esposa. Justamente, el otro día estaba evocando ciertos recuerdos de cuando estaba en la facultad y me acorde de este manga. Claro, ahora no lo tengo en existencia, porque mi señora madre dio cuenta de ellos (¬_¬), pero la historia que hay alrededor, tiene sus momentos, tanto buenos como malos.

Y claro, aprovechare esta entrada para hablar del primer manga que se edito en México, cortesía de Editorial Vid (por cierto, ya se viene el resumen del auge y caída de esta editorial).



Yota Moteuchi es un adolescente que sufre de penas amorosas, obteniendo el acceso a la misteriosa tienda de videos Gokuraku, permitiéndole reproducir a Ai Amano, una chica cuyo único propósito es el de consolarlo. Al salir defectuosa, la personalidad de Ai sufre un cambio y pone la vida de Yota de cabeza, ayudándolo a su peculiar manera pero complicando las cosas al enamorarse de él 


La historia del anime como lo conozco actualmente, nació practicamente con mi entrada al internet.
Ya como había comentado, fue a principios de 1998 cuando comence a navegar en las computadoras que tenían en la sala audiovisual de mi facultad. Un amigo me había llevado a conocer el internet, ya que él había estudiado en EUA y alla ir a la red era algo ya de todos los días.

Como es lógico, pase de buscar cosas de mi carrera a enfocarme en mis propios gustos. De allí que visitara cientos de páginas de Dragon Ball Z para sacar spoilers o datos que apenas se vislumbraban en el anime expuesto en México. Claro, estas páginas estaban en inglés o inclusive en japonés o cantonés. Aun el acceso a este vicio era muy limitado.

Pero las páginas en español sobre el anime y manga comenzaron a proliferar, y rapidamente se veían pages dedicadas a varios mangas o animes en particular. Recuerdo una que hablaba de puros mangas y animes shoujos, como Wedding Peach, Fushigi Yuugi y Marmalade Boy, así como de mangakas consagrados, como el gran Masakazu Katsura.

Obviamente, las historias de Katsura se antojaban pero el conseguir algo de él, era meramente imposible...hasta que ocurrió algo curioso.
También fui parte de esa generación fandubber que le toco ver anime distinto al que salía en TV abierta, mediante los famosos fansubs de VHS, que lógico, venían de gringolandia. Al ver una página que mandaba estos cassetes por correo, no dude en pedir algunos y plagarme de anime nuevo.

En uno de estos VHS, el fandub me mandaba capítulos de cortesía, si quería adquirir otros y en uno de ellos, estaba un capitulo de Video Girl Ai, el primero de los OVAS que salieron a principios de los noventas.

Claro, la animación y la historia me atraparon enseguida y así mi gusto por Katsura aumento a niveles exponenciales...hasta que una visita a una tienda de cómics de Tampico, mi gusto por el gran sensei bajo un tanto.
Y es que había una etapa donde era inocente y puro, aunque no lo crean, y cuando en esa tienda de cómics vi la historia de Shadow Lady, casi me voy para atrás: tecnicamente, era un manga tipo ecchi y eso a mi me parecer entonces, le restaba calidad a la historia.

Asi que cuando anunciaron con bombo y platillo la salida de Video Girl Ai, tuve que darme bastantes ánimos para ir a comprarlo. No fui de aquellos freaks que fueron corriendo a la tienda Vid más cercana, sino me espere a que salieran 3 a 4 números para comenzar a comprarlo.
Y claro, no pare hasta que acabo.

Primero, adquirirlo era una proeza, ya que al inicio, la tienda Vid de donde vivía era muy pequeña y entonces era mejor hacerlo por los puestos de periodicos o kioskos, pero con la sutil mirada del vendedor que veía a un jovenzuelo comprar algo que decía bien grandote: SOLO PARA MAYORES DE 18 AÑOS.
Y como el "medio" tomo, como se manejo en Vid al inicio, tenía dibujos de anime, uno pensaría que era un sencillo hentai o doujinshi XXX que ya comenzaban a exhibirse.

Luego vino el tema del precio. Costaba al principio 20 morlacos. Casi nada para entonces, pero para un estudiante pobre universitario, era una fortuna. Con ese dinero, podía acceder a la mitad de una buena comida los domingos cuando tenía que luchar por mi propio alimento y luego el precio fue subiendo hasta los 22 pesos. Aunque a veces no tenía ni un duro, no podía faltar a comprar la revista. Por suerte, que las retrasaran de ser quincenal a mensual, me aliviano un poco, aunque me costo tener un tanto más de diversión.

Y es que antes de pasar a un análisis mas crítico, debo decir que los dos años que pase comprando la revista, me marcaron de manera significativa.

Como el buen Keitarou de Love Hina, entonces era un mozuelo que había tenido escaso contacto femenino. Realmente era el tipico freak de libro (aunque ahora no hay mucha distancia, preguntenle a mi esposa) y leer este manga cambio un poco mi perspectiva sobre la vida y las relaciones entre pareja. Claro, VGA no es una maldita biblia para tener novia o para socializar con chicas, pero me permitió hacerme mis primeras ideas de como eran las chicas. Y eso no se veía en un cómic normal.
Curiosamente, Katsura siempre ha podido retratar bien el caracter de una femina y este manga no era la excepción. Que había chicas dulces, sí, que había chicas que no tenían idea de la vida, también. Debo decir con horror que mi experiencia de vida entonces era casi nula, así que me agarraba a cualquier cosa para aprender a hablarle a una chica (ahora viendolo en retrospectiva, pense había avanzado, craso error jaja).

Como sea, también me permitió emocionarme hasta las entrañas con una historia mezcla de romance y drama. Leer VGA cada tomo me permitió soñar con historias que luego plasmaría en escritos o fics. Fue tecnicamente un enamoramiento de la cultura japonesa pero también del romance tal como lo veo hoy en día.

Y aquí vamos a lo bueno, no es que VGA sea una gran historia, es el tipico dramon romántico, donde Youta es un chico que se declara a la niña de sus sueños pero este la rechaza porque ama a su mejor compa. Youta, rechazado, vaga hasta encontrar el Gokuraku, una suerte de videoclub, donde puedes adquirir una video girl, una chica que te consolara para que subas el ánimo.
Youta desconfia del asunto, pero alquila el VHS. Al querer reproducirlo, resulta su aparato esta dañado y por eso, Ai sale un tanto dañada, pasando de ser una servil "maid" a ser una chica con autonomía emocional y yoica, lo cual en su intento de enamorar a la chica que quiere, Ai también termina por engancharse con él e iniciar un triangulo amoroso típico, que luego se complica con otros personajes, con otras situaciones llegando a lo dramático o lo fantasioso.

El estilo narrativo de Katsura es sencillo pese a que maneja muchos dialogos y situaciones "pensantes". En realidad todo se basa en platicas entre los protagonistas, donde llegan a conclusiones seudofilosoficas, típicas de la edad, a la par de que van madurando, tanto en la busqueda de sueños como de sus objetivos. Aunque Youta y Ai son los protas, a veces sus personalidades palidecen ante las de los secundarios, como Nobuko, que llegan a tener mucho más realce por sus motivaciones o formas de ser. Y por momentos, la misma historia tiende a torcerse de más, complicando cosas que no merecían tanto.

Tal vez lo mejor de este manga, es que nivela todos sus elementos de forma pareja. Ninguno resalta más que el otro: un buen dibujo, una historia original, un buen desarrollo, buenos charas. Todo esta bien parejo y la historia engancha. No tiene excelencia en ningun lado, pero es tan pareja que uno le termina gustando. Y es tal el impacto, que gana mucho más en el manga que en el anime.
Curiosamente, aunque el sensualismo en el dibujo de Katsura es evidente, me llegaba a saltar las partes ecchi, ya que sentía le restaban algo de valor a una historia atrapante.

Como es tipico, el punto flojo es el final, que aunque emotivo, es predecible y con cierto toque Deux Machine muy marcado. Tal vez por eso Katsura requirió hacer Video Girl Len, donde vemos otra situación con un nuevo Gokuraku y con otros personajes y otra Video Girl, mucho más pragmatica, pero ya programada con la autonomía y sentimientos de su predecesora. A mi parecer, esta historia me gusto tanto o más que la original, ya que era más fresca y menos dramática. Cuestión de gustos.

¿Es un manga recomendable? Por supuesto. Video Girl Ai rompió paradigmas y aun cuando algunos conceptos hoy en día ya se quedaron fuera de moda, sigue siendo una historia atrayente y sumamente divertida. No diría es de los mejores mangas de la historia pero tampoco uno puede perderselo.

Y ya para terminar, es curioso cuando comence el manga. Por un momento desee tener una vida como la de Youta. Pocos meses después, al recibir "ciertos" correos, mi vida dió un giro de 180 grados y ahora puedo decir, que mi deseo se cumplió, de cierta manera.

Pero eso, es otra historia.

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Saludos a mi Ai xD, así a quienes gustan del buen manga.

Los Croods: el camino del héroe en la prehistoria

Hace un par de semanas, mi esposa y yo al fin regresamos al cine luego de una larga temporada de ausencia.
Estos meses previos a la temporada de verano son siempre malos, pero con ganas y salvo una que otra excepción, la cosa no salva mucho.

No digo que esta pelicula halla sido un inmenso oasis enmedio de tanta cosa seca, pero al menos resulto divertida y aparte con un mensaje positivo mucho mejor contado que las peliculas live action. Es curioso como las peliculas animadas, sea por computadora o dibujo tradicional, tengan una mejor estructura o diseño. Supongo los chamacos hoy en día son muy exigentes.

Y debo decir, que pese a ser predecible, los Croods saben hacer trabajar una historia ya repetida, pero bastante emblemática: el arquetipo del héroe.

Sobrevivir en un mundo volcánico es duro, pero el cavernícola Grug (Nicolas Cage) despierta rudamente cuando un terremoto lo fuerza a dejar el único mundo que conoce. Con su familia a cuestas, se aventura en el mundo volátil en busca de un nuevo hogar. La situación se complica aún más cuando la familia Crood —en particular su hija mayor, Eep (Emma Stone)— se enamora de un nómada llamado Guy (Ryan Reynolds) que encontraron en su peligroso viaje. Esta búsqueda peculiar, imaginativa y extraña por un mañana está en contradicción con la dependencia de Grug en las tradiciones del pasado.


Vamos directo y a la cabeza con esta reseña. Esperemos no sea tan corta. Por cierto, hay spoilers, salvo la última parte, donde me explayare en "The Hero´s Path"

La peli inicia con cierto paradigma en que supuestamente vivían los hombres de las cavernas. Supuestamente, porque rapidamente caemos en una serie de contextos bastante erróneos, dignos de los Picapiedra. Para empezar, lo que motiva a que los Croods tengan que movilizarse de su añorada cueva, es que la Pangea se esta moviendo, los continentes. Ya sabemos que para antes de que surgieran los caves, ya la Pangea se había estabilizado y teníamos a los continentes casi como ahora. Así que el inicio esta bastante injustificado.

De aquí vemos que tenemos que apagar un poco el cerebro para disfrutar la peli y eso hice, ante los comentarios de mi esposa de "vamos Ivan, solo es una pelicula". De allí, la cosa mejora y bastante.

Los Croods es la típica pelicula cavernícola de aquellos tiempos, que trata de "sobrevivir" al medio ambiente amenazador. El líder, encarnado por Grug, a base del miedo ha hecho que la familia este aun viva, pese a que sus vecinos y conocidos ya se los ha cargado el payaso. Pero como siempre, hay alguien que rompe ese paradigma y es Eep, la típica adolescente que trata de ver más alla de lo que dicen sus padres. En ese trayecto, conoce a Guy, un nómada que conoce el fuego, los zapatos y otros artilugios que rapidamente le ganan el favor de la familia, y el incordio de Grug.

Debido al "dichoso" evento de la tecnonica de placas, la familia abandona su derruida cueva y van hacia un horizonte, donde puedan conseguir otra "cueva" para volver a sus viejos modos, donde Grug choca constantemente con Guy por ver que prevalece: lo nuevo o lo viejo.

De antemano, si algo distingue a las animaciones actuales es el diseño de los personajes, que aquí brilla y de buenas maneras. Tenemos al patriarca Grug, que resulta ser el chara más perfilado y mejor definido de toda la película. Es increíble como el personaje evoluciona de forma creíble e increíble durante todo el film, resultando no solo simpático, sino también fastidioso. Aunque en los trailers se muestra a Eep y Guy, realmente la historia gira sobre él en todo momento. Ya más adelante dare mi impresión psicológica al respecto.

Lamentablemente, esto le resta protagonismo a los demás personajes. Ciertamente vemos a la esposa de Grup, a su hijo dependiente y a la abuela carcaman (ya que Eep y Guy tienen escenas para sí solos), pero termina la peli solo por darles un repaso muy leve y sus cambios se dan de manera muy brusca, poco creíble. Aun así, resultan bastante entrañables.

La historia sigue una línea predecible, aun más cuando se ve la "cacería" de los Croods y luego su descubrimiento del fuego. Digo, uno pensaría que se irían por la típica familia que ve algo nuevo y con cierto contexto histórico. Sin embargo, aca la peli tuerce hacia las relaciones familiares y el relevo generacional, lo cual la hace bastante amena. Curiosamente, el último tercio de la peli es lo mejor, mientras el tercio intermedio, aunque tiene buenos chistes, su fuerza narrativa disminuye y de manera importante.

Otro aspecto que no se como calificar, es el diseño de los paisajes y de los animales. Ciertamente, ahora las teorías actuales ven a la prehistoria como algo más colorido y no tanto gris y cafe. Sin embargo, aca se abusa de los colores chillones y se hace poco creíble algunos animales. Igualmente, algunos paisajes estan fuera de lugar o de repente no corresponden con la dinámica de los mismos charas, lo cual los hace irreales. Pero repito, apagando un poco el cerebro, la cosa funciona bien.

Ahora vamos al aspecto que me gusto más de este filme: el psicológico.

Erik Erikkson decía que el ser humano pasa por diferentes "estadios" o etapas que le permiten madurar o alcanzar una plenitud, no solamente social, sino hasta hereditaria.
Los Croods en su inicio, representan la falta de "fe" (que tiene el simbolismo cuando Eep alza la mano y toca el sol). Según Erikson, la fe se adquiría luego de que había un equilibrio entre la dependencia y la independencia. Lo que te facilitaba esto último, era tener fe o la cualidad de pensar que algo bueno podía suceder, aun cuando no tuvieras el conocimiento de ello. Grug se revela como un hombre sin fe, dependiente, no solo del ambiente, sino de su propia familia. El miedo a morir es poco comparado con el de quedarse solo, por lo cual constantemente mete a la familia en esa neurosis circular donde arriesgarte significa morir, pero a la vez mueres lentamente porque no vives (un dialogo que suelta Eep en la movie).

Pero Eep rapidamente se revela con una mayor fe, no tanto porque tenga esa peculiaridad innata, sino porque esta en la adolescencia, la juventud de experimentar (curiosamente, otro estadio de Erikson) y por eso, le lleva a conocer a Guy, supuestamente el que ya tiene el conocimiento y la experiencia, lo cual orilla a la familia a moverse, aun pese a los intentos de Grug por mantener todo igual como antes.

Y así vemos durante ese tercio medio, como Guy se ve como un mejor líder, que no solo saca a la familia adelante, sino también ve que las costumbres arcaicas de Grug son horrendas. Es una analogía de lo que hace la tecnología hoy en día: nos facilita las cosas y parece suplantar lo viejo.

Sin embargo, es típico el momento de crisis, donde se evidencia también las fallas de Guy. Pese a tener mejores artilugios, así experiencia de vida salvaje, no se puede comparar al deseo de vivir y la experiencia de "lucha" de Grug, que en un momento de la peli se ayudan para salir de un pozo de brea. Allí Grug entra en crisis y se da cuenta que ya es un "león viejo".

Y aunque Grug parecía alguien sumamente miedoso, neurótico, en realidad adora, quiere mucho a su familia y eso le hace superar su egoísmo dependiente, al grado de sacrificarse en el último tercio de la peli.
Pero aquí viene la parte genial, o estupenda del asunto: Grug ha evolucionado, ya que es capaz de pensar primero en su familia que en el mismo o más bien, mostrarlo de una mejor forma (cosa que inclusive cambia la tosca forma de ser de Eep respecto a él). Pero no desea quedarse solo, y morir con sus vieja ideas, sino crear nuevas y volverse a reunir con su familia.

Eso es lo que hace la diferencia entre un ser humano y un animal: el humano no se rinde a su destino, sino tiene la capacidad de crear, en base a la fe, algo nuevo y así luchar contra él y sobreponerse. Grug sigue ese "camino del héroe" de forma asombrosa. Aparte, da una lección nueva y es que siempre creemos que ese camino lo recorren los jovenes, sino también los viejos tienen esa oportunidad y de allí decía Erikson que recorrer esos estadios se puede hacer en un minuto, si realmente quieres cambiar o tienes Fe en ello.

Claro, la Fe la ponía como la "confianza", cosa que si lo analizamos, viene de hacer algo que no tenemos palpable y solo esperamos el resultado final, sin tener garantías de que va a salir así.

En fin, que en este renglon, la peli es exquisita. En los otros, es promedion, así que igual solo sirve para divertir al niño o espectador promedio.

Por cierto, del doblaje tengo puntos buenos y malos. Los Startalents no estuvieron tan mal, hasta decentes. El problema fue el uso excesivo de mexicanismos, como llegaron a chocar a veces.

¿Recomendable? Absolutamente. Digo, al menos uno se la pasa bien y yo en mi caso, aprendí otras cosas de la vida.

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Saludos a mi esposa :3, así a quienes gustan del cine de animación actual.