El chupacabras: ¿Mito, Realidad o Histeria?

Mientras un servidor trata de resolver el misterio de porque la "entrada" sobre Polybius, desapareció misteriosamente del blog, vamos a enfocarnos en una de las criaturas más famosas del argot de la criptozoología y para remate, que pertenece más a nuestra región, llamada El Chupacabras.

La fama del susodicho ha alcanzado tal renombre que inclusive en ciertos animes (School Rumble) ha sido mencionado de forma continua para referir a ciertas zonas de México. Aunque extrañamente, el mito tuvo su origen en la lejana Puerto Rico, fue en Latinoamérica, en especial en regiones como Argentina, Perú y la misma República Mexicana, donde encontró más adeptos e inclusive, se dice que sirvió para taponear problemas económicos y políticos que rodearon al país durante aquellos años.

El término chupacabras es el nombre de un críptico legendario contemporáneo, que se describe como un ser que atacaría a animales de diferentes especies en zonas ganaderas o rurales. El mito tuvo su origen en la isla de Puerto Rico. Se cuenta que existe en México, América Central y América del Sur, en países como Costa Rica, México, Bolivia, Ecuador, Argentina, Brasil, Puerto Rico, Honduras, Nicaragua, Colombia, Guatemala, El Salvador, Panamá, Perú, Chile, Uruguay, Venezuela, Paraguay y en algunas zonas del sur de Estados Unidos.

La gente siempre ha tenido la tendencia de buscar un origen específico para fenómenos que se salen de la razón. Digo, es más fácil pensar y aparte distribuye de manera más uniforme las culpas que rodean a todo mundo.

Por ello, si alguien moría en extrañas circunstancias, era más fácil atribuirle a maldiciones o a animales malditos que pensar en la naturaleza propia de la muerte. Eso no niega que pueda existir algo que escape al entendimiento y que este cometiendo un montón de tropelías a nuestras espaldas, más cuando las pruebas no se puedan explicar de manera racional.
Y uno de estos bichajarros es el mismo Chupacabras.

El Chupacabras viene a ser la versión "latina" del famoso Diablo de Jersey, una suerte de animal con poderes míticos y místicos que aparecía justamente en EUA desde hace 3 siglos y que se le atribuyen, no solo la muerte de animales, sino también de humanos, en circunstancias harto sospechosas. Y aunque muchos nieguen esto, no cabe duda que las características de ambos son bastante similares.

El Chupacabras tiene un montón de versiones, pero hay dos bien definidas. Una es que una especie de pequeño ser verde, de ojos negros enormes y forma reptiloide. La otra, más parecida al Diablo de Jersey, es que es una especie de canguro, con alas y escamas, así garras, como una boca que es capaz de succionar la sangre del animal en cuestión.

La primera noticia que se tiene de él, es en la lejana isla de Puerto Rico, en 1975, cuando la primera "forma" del Chupacabras comenzó a tomar forma, como una especie de animal de origen ET (ya que la aparición de animales muertos en situaciones extrañas, coincidía con el avistamiento de numerosos OVNIS en los cielos de la isla). Sin embargo, como jamás se diviso a la criatura y los ataques cesaron luego de unos meses, nadie presto la mayor atención.

La versión "moderna" del bichajarro se dio en 1995, cuando nuevamente en Puerto Rico, varios animales fueron atacados de manera poco convencional: en lugar de mordidas o destazamiento, había solo dos puntitos en el cuello de los animales muertos. Al momento de abrirlos, no se encontraba ni una gota de sangre en los mismos, como si se las hubieran chupado por completo.
 Pero lo que realmente desato el furor es que supuestamente hubo alguien que avisto al bicho y fue una ama de casa llamada Madelyne Tolentino, que dio una versión más parecida al diablo de Jersey: una especie de mamífero con forma de canguro, colmillos y ojos saltones. De allí, es lógico que el rumor se corriera como polvora y ya en un año, hubiera avistamientos, confirmando al Chupacabras y un montón de animales muertos y desangrados.

De allí, la paranoia se disparo al máximo. Aunque para finales del 95 y principios del 1996 menguaron un tanto los ataques (muchos decían que la bestia estaba hibernando), estos volvieron a aparecer, cuando más testigos dijeron haber visto al susodicho (entre ellos, un campesino llamado Ovidio, que se topo con la criatura, que medía 1.20 y le miraba feo). De allí las cosas llegaron a un punto donde todo mundo sacaba conclusiones.

• Se decía que el Chupacabras era una criatura liberada por los platilludos, con el objeto de investigar la sangre de animales y humanos. 
• Otra que había vampiros, sea humanos o con forma de animal, que buscaban alimentarse y que el Chupacabras era un chivo expiatorio para que ellos comieran sin problemas.
• Lógico, siendo Puerto Rico una isla del Caribe, la santería es muy popular y se creyó que lejos de ser el Chupacabras, eran brujas o santeros que sacaban la sangre de animales para sus rituales. Inclusive, una pobre santera fue llevara a la cárcel por eso.
• Se creyó que había pasajes dimensionales o peor, túneles debajo del mar que comunicaban a Puerto Rico con Europa, en especial los Pirineos y es donde había venido la criatura.
• Otros creían que era un experimento gringo salido de control y habían tenido que liberarlo en un territorio que no diera tantos problemas.

Finalmente, la cosa se termino propagando como reguero de pólvora, no solo en nuestra natal México, sino también en otros países de habla hispana.

En la República mexicana, la cosa coincidió con un fenómeno extraño y político: se decía que el mito del Chupacabras había sido regado por el gobierno mexicano en favor de cierta liberación de políticas, entre ellas, la del famoso FOBAPROA, o el rescate bancario que tuvimos que hacer los mexicanos de manera "obligada". No son tan aisladas este tipo de actitudes, ya que el año pasado, cuando jugaba la selección mexicana, el gobierno soltaba ciertas reformas que no eran agrado del todo (ya ven, al pueblo hay que darle espectáculo para que olvide el hambre).

 Como sea, para mi adolescencia, ver el mito del Chupacabras en el país era divertidisimo. Veíamos en la TV como los noticieros se tomaban en serio esto y mandaban corresponsales a zonas del país, como la costa del Pacífico, en especial Sinaloa, donde muchos animales habían sido chupados hasta la médula y solo con dos hoyitos en el cuello. Luego apareció en Michoacán y en Veracruz. La cosa alcanzo niveles dantescos, que había especiales al respecto, tanto como cuando salió el famoso Código Da Vinci en México y el López Doriga se regodeaba con el morbo.
Para muestras, aquí un video donde vemos al bigotón de Alatorre hablar del fenómeno en aquellos años. Como han pasado los años, dice la canción.

Aunque al principio, claro, todo mundo quería atribuir esto al ataque de coyotes o perros hambreados, ya darle el nombre de Chupacabras era más sencillo. Fue a tal grado la paranoia que se dice que la poli le disparo al supuesto bicho cuando este escapaba, al grado de brincar una cerca de 1.80 metros.

Como es lógico, ya para finales de la década, el fenómeno Chupacabras en nuestro país se fue enfriando, aunque en otras regiones del mundo dio un levantón. En Argentina se dio cierto revuelo cuando a principios de la década pasada, fueron reportadas varias reces, muertas al estilo del bichajarro. Igual en Chile, Costa Rica, Guatemala y Perú (este último, que ha tenido los reportes más recientes). En Brasil ni se diga, donde muchos animales habían sido mordidos e inclusive, convertidos en una suerte de Chupacabras tipo vampiros.

 En fin, aunque a fechas recientes, el fenómeno parece extinguido, en realidad hay una enorme cantidad de referencias al mismo. Falta ver en algunos animes, donde sigue siendo mencionado de manera continua. A la fecha se han dado explicaciones más convincentes como que había coyotes o animales infectados con una suerte de bacteria que los volvía como rabiosos, pero algunos prefieren seguir creyendo que si existe y que tiene una similitud a Pie Grande o a Nessie.

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Saludos a mi esposa ^^, así a quienes gustan de este tipo de mitos.

El Largo Halloween: Batman conoce a Dos Caras

Mis intereses frikies han ido a la alza en los últimos dos años. Y debo decir que no ha sido totalmente gracias a un servidor. 

Por un lado mi esposa se ha centrado en regalarme libros de este círculo, como "Canción de Hielo y Fuego", mientras mi comadre me ha dado recomendaciones tanto en cómics, libros y otras cosillas.

Para remate, el fabuloso podcast de la "Órbita de Endor", no deja de recomendar topics que han resultado una delicia.

Justamente, uno de ellos, fue cuando se pusieron a hablar ancho y largo de Batman, no solo en el aspecto de los filmes, sino también en los cómics más inmortales del Hombre Murciélago.

Uno de ellos, fue el llamado Largo Halloween, que resulto ser un boom a mediados de los años noventas. Por tal motivo, se convirtió en una meta durante el año pasado.

Lamentablemente, no voy a negar que tuve que descargarmelo por medios poco legales, por falta de recurso económico, así de una publicación homólogada en México. Igual, aun con el dichoso cómic en formato electrónico, tuvo que pasar la crisis de la Tesis, para leer una de las mejores joyas del cómic de DC y que aparte, sirvió de inspiración para la trilogía de Nolan sobre Batman.

Batman: The Long Halloween es una serie limitada de trece cómics ambientada en el universo de Batman, obra de Jeph Loeb (guion) y Tim Sale (dibujos). Fue publicada por DC Comics entre los años 1996 y 1997.

La serie está fuertemente influida por la corriente cinematográfica del film noir y por películas como El Padrino. De hecho, uno de sus personaje centrales es el mafioso Carmine Falcone, quien fue presentado por Frank Miller en Batman: Año Uno.

La trama, que nos muestra un año completo de la vida de Batman y Gotham City, está ambientada en los primeros años del hombre murciélago, presentándonos al héroe intentando descubrir a un misterioroso asesino, mientras al mismo tiempo que transcurre el caso, ocurre una evolución en la galería de villanos del bat-universo, quienes pasan de maleantes u mafiosos, a supervillanos con disfraces teatrales. Además, nos vuelve a relatar (con importantes cambios que eliminan su clásico y marcado trastorno mental) el origen definitivo de Dos Caras, alterando el anterior origen Post-Crisis expuesto en el Annual Nº 14 de la serie Batman llamado "The Eye of Beholder" por su autor Andrew Helfer publicado en 1990.

La historia fue aceptada dentro de la continuidad de los cómics de Batman después de que Hora Cero borrara los eventos de Batman: Año dos.

Siempre he criticado a las personas que se jactan de hacer una crítica o un comentario de algo, sin tener el contexto adecuado. Es fácil emitir juicios o comentarios, pero cuando no sabes que hay debajo, lógico, tu replica pierde mucha fuerza.

Cuando termine de leer este cómic, caí en el mismo saco que este tipo de personas. En su momento llegue a alabar la creatividad y la originalidad de la saga de Batman creada por Chris Nolan. Sin embargo, "El Largo Halloween", llego a tumbar un poco la imagen que tenía de estos filmes. Claro, me gusta como Nolan supo adaptar algunas cosas y otras hacerlas de manera más original, pero siendo sinceros, se nota que el argumento de "The Dark Knight", esta basado en gran medida en esta obra.

Pero ¿De que trata el Largo Halloween? En sí, se cuenta el origen de Dos Caras, una vez más, pero de una manera mucho más inteligente y creativa, adosado con una historia de mafiosos y con un Batman y Jim Gordon en sus primeros años. Vamos a un pequeño resumen al respecto. Por cierto, esta lleno de spoilers, asi que abstener a leer sino le has echado una ojeada.

Batman y Gordon buscan liquidar el problema de las mafias en Ciudad Gótica, lideradas por dos hombres que resultan salidos directamente de la peli del Padrino, como Sal Maroni y Carmine Falcone. El equilibrio de poder se rompe con la inclusión de Harvey Dent, el supuesto nuevo fiscal de Distrito, incorruptible y duro, que decide aliarse con Batman y Gordon para detener ambos. El segundo hecho que desbalancea todo, es la aparición de un asesino serial, Festivo (Holiday), que comienza a matar a gente allegada a Falcone, en días conmemorativos de los EUA. Aunque al principio todo señalaba al Hombre Calendario, encerrado en Arkham, como el responsable. Este luego va ayudando a Batman, dándole pistas, sobre las motivaciones y dudas de "Festivo" (muy al estilo de Hannibal Lecter).

Conforme avanza la historia, las pruebas van señalando a Dent como el asesino serial y esto parece cuadrar, ya que su obsesión por detener a los mafiosos lo van trastornando de manera importante, al grado que su esposa va resintiendo la ira y la frustración de su marido. Falcone mientras va usando a supervillanos, como El Sombrerero, el Acertijo o Hiedra Venenosa, para que hagan encargos por ellos, y así averiguen la identidad de "Festivo".

La cosa llega a su climax, cuando Dent convence a Maroni de que atestigüe en contra de Falcone. Pero el primero logra introducir una caja con ácido al juicio y se lo avienta en la cara a Dent, que destrozado por el dolor y por la humillación, escapa del hospital y se refugia en las cloacas de Gótica.

Batman busca a Dent y al tiempo a Festivo y es cuando en pleno San Valentín, Maroni es ajusticiado por Festivo, el cual se revela como Albert Falcone, que había fingido su muerte (supuestamente asesinado por Festivo en Navidad) y siendo el autor de la mayoría de las muertes, al estilo de Michael Corleone.

Batman alcanza a llegar a rescatar a Falcone, que estaba siendo acorralado por un grupo de supervillanos, siendo liderados por Dent, ahora convertido en Dos Caras. El encapotado logra parar a todos, salvo a Gatubela y Dos Caras. Este logra asesinar a Falcone y después se entrega a la policía. 

Pero mientras este es llevado a la cárcel, comenta que hubo un segundo asesino. Batman y Gordon se miran extrañados, pero piensan que Dos Caras hablaba de sí mismo...sin sospechar que si hubo un segundo asesino, el cual se revela al final de la serie.

Nuevamente, vamos a la planilla para describir los puntos fuertes y débiles de este magnifico cómic.

• Guion: Jeph Loeb logra una genialidad con esta historia. No solo por los guiños evidentes al Padrino, sino también al conjuntar una búsqueda criminal con los matices propios del Hombre Murciélago, al grado de volver a darle un toque estrambótico a los supervillanos de Batman (que en décadas pasadas se habían tornado un poco más realistas. Aca vemos a Hiedra Venenosa o al Sombrerero mucho más histriónicos y hasta fantasiosos). A título personal, lo que me gusto es que Loeb no quiso darselas de guionista de cómics clásico, los cuales buscan profundidad en cada recoveco de la historia, al grado que te resulta fastidiosa leerla. El guionista se va práctico, sin darle tantas vueltas a lo mismo y con una trama que es atrapante, al grado que un servidor estuvo todo un día leyéndola sin parar.
• Tim Sale: El arte de Sale es genial. Tiene sus reminiscencias a "Año Uno" de Frank Miller, pero el uso de una paleta de colores mucho más marcada al oscuro y sin tantos grises, me encanto. Aparte los personajes si tienen ese aire comiquero clásico, pero a la vez moderno. Aunque al principio si me resulto un tanto desconcertante, luego le vas agarrando gusto y con ganas. Y creo que algo ayudo fue el diseño de Catwoman, que me ha parecido de los más sensuales y adecuados para la mujer gato.
• Personajes: Sin embargo, pese a la genialidad en el desarrollo de la personalidad de Dos Caras, los mafiosos Falcone y Maroni, e inclusive de Jim Gordon, el problema viene a ser Batman, que se convierte en un comparsa de la historia. Hay historias que revitalizan el universo del encapotado, como esta, pero que a favor del personaje, lo maltratan y con ganas. Batman es un personaje estable, con sus traumas y locuras, pero no es explotado más, lo cual es lamentable, ya que había momentos donde se pudo compenetrar más al Murciélago. Fuera de ello, no tiene fallo alguno.
• "Festivo": Hablar de este asesino, es casi desmenusar el espinaso de la historia. Aunque las pruebas apuntaban a Dent, debo decir que cuando aparece Albert Falcone, la cosa se descompone un poco y tal vez fue uno de los pocos errores del guión, al involucrar a un personaje que según esta alejado de los negocios sucios, cuando sabes que esto huele a Padrino desde lejos. Así que cuando se comento que Albert era el asesino 1, no me impresiono mucho. El detalle viene con el asesino 2 (que obvio no revelare cual es), que me resulto sorpresivo y hasta emotivo. Gracias a este, dio una puntilla al final con tintes de genialidad. 
• Harvey Dent: Uno de los protagonistas de la historia. Ver el ascenso, la madurez y la caída de este personaje es digno de elogio. E inclusive, llega a darle mucho más valor a lo que hizo Nolan con su propia versión de Dos Caras en The Dark Knight. Cierto que pudieron ser más psicoanáliticos, tal como en su primer origen, contado en un cómic de 1990, pero acá el guión y es mucho más sutil con él y se agradece, ya que le da más frescura al cómic. Por este, vale la pena echarse esta obra.

 En resumidas cuentas, "El Largo Halloween", es bastante recomendable. Al menos la considero como de lectura obligada, no solo entre los fans de Batman, sino del cómic en general. Y no solo por su arte e historia, sino por el impacto que causo posteriormente y cuya genialidad se refleja en la saga de Nolan. Le daría una calificación de 9 sobre 10. 

Actualmente no se si esta obra este disponible en México. En España ha sido adaptada en al menos dos ocasiones, una a finales de los noventas y otra, de mediados de la década pasada, donde había ciertas correcciones que hicieron los autores a algunas viñetas. 

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Saludos a mi esposa :3, así a quienes gustan de este tipo de cómics.

Tron: Recordando los años ochentas.

Cuando era un chavalillo menor de 10 años, vivía en un pueblecito rural dentro del interior de la República Mexicana. Como es lógico, el contacto con las cosas de última generación era ocasional y llegaba a tener tintes casi mágicos.

Como prueba de ello, la peli de Batman de 1989, la termine viendo hasta principios de 1990 y aparte en un cine improvisado, donde alguien rento una lona y un viejo proyector. Aparte, los videojuegos solo eran propiedad de los chicos ricos del lugar, de allí que mis contactos con la Atari, la Commodore hallan sido bastante escasos.

Pero algo que comenzó a purular y de manera importante fueron los Videocentros, lugares donde por una módica suma, podías adquirir películas en diferentes formatos. Estos eran casi "bancos", ya que al momento de pedir una credencial para rentar (generalmente cassetes Betas y los novedosos VHS), te pedían hasta el nombre del perro y un aval. Lógico, el costo de rentar una película era alto para la época (ni se diga conseguir un aparato que fuese capaz de reproducirlos). Aunque esto podía ser un lujo, en realidad también era una puerta de entrada a un mundo más actualizado. Las pelis que pasaban en la TV Abierta ya tenían sus años y solamente los estrenos más actuales se veían por estos lares.

Por lo tanto, con mis limitados recursos (falta de un aparato o de dinero), solo me conformaba con ir a los Videocentros y recrearme con las portadas que tenían las pelis, ya generalmente gastadas por el traqueteo de los usuarios.

Una de las que más me llamo la atención, fue la de "Tron", pelicula de 1982 y producida por los estudios Disney. En aquel entonces, esta casa productora era sinónimo de calidad y cuando veía que rentaban la película, no podía dejar de sentir envidia por aquella persona, ya que seguro disfrutaría de una experiencia sin igual.

Por suerte, esto cambio cuando Canal 5 de Televisa, como parte de su ciclo de "Año Nuevo", dijo que estrenaría la película el 1 de enero de 1991. Como es lógico, cree un bullicio por verla los días previos. Sin embargo, no preví que me desvelaría por ser 1 de enero y que pese a tomar una siesta esa tarde, estaría como zombie (y para colmo, me levante tarde y comence a ver la peli avanzada) y no disfrutaría nada el estreno. Para remate, la peli, como bien dicen, es lenta al principio y eso termino por darme un chasco enorme.

Pero la vida me daría una revancha y esta llegaría, casi 20 años después, cuando ya en compañía de mi esposa, iría a ver la continuación de esta peli de culto que curiosamente, hace solo un par de horas, termine ver de manera completa.

Tron es una película estadounidense de 1982, del género ciencia ficción escrita y dirigida por Steven Lisberger. Protagonizada por Jeff Bridges, Bruce Boxleitner, Cindy Morgan, Dan Shor y David Warner.

Fue una de las primeras películas producidas por los grandes estudios de cine en usar la técnica de computación gráfica de manera importante.

Fue galardonada con el premio Saturn Award en 1983, al Mejor vestuario (Eloise Jensson y Rosanna Norton). Además fue candidata a 8 premios más.

Tron ha pasado lo mismo que muchas películas que actualmente solo se pueden conseguir en catalogo DVD o Blu-ray (o en pirata, ¿Para que hacernos tarugos?) y es que ha alcanzado un status de peli de culto. Ejemplos al respecto estan la segunda parte de King Kong (protagonizada por Linda Hamilton) o Blade runner (protagonizada por Harrison Ford). 

Y es que en su momento Tron era una apuesta arriesgada. Aunque los efectos especiales estaban en su apogeo (gracias al empuje de Starwars o Superman), aun a nivel técnico estaban en pañales. Por ello se pensó que Tron sería una estupenda apuesta para lanzar una nueva forma de hacer películas, pero también de crear un mundo totalmente distinto.

El problema es que muchas pelis se adelantan a su tiempo y en otros casos, pese al formidable aspecto técnico, a nivel actoral o de historia, estan por muy debajo del estandar. Tron parece que padecio ambos aspectos. De allí que pasara sin pena ni gloria, con muchas críticas, cuando fue estrenada en 1982, pesé a cosechar premios, pero en el aspecto visual.

Curiosamente, las generaciones posteriores pasaron lo mismo que un servidor. Vieron la cajita con el Beta, VHS y luego DVD de Tron y comenzaron a verla. Encontraron detalles o momentos que eran formidables y que luego de unos años, han representado un paradigma totalmente diferente. Hoy, a más de 30 años de su estreno, Tron es considerada una peli que todo fan debe ver.

Aunque para ese tiempo, tanto la falta de dinero y la tacañez termino pesando más que estos argumentos. Aun con el estreno de Tron Legacy, fue hasta hace un año cuando consegui la original y peor, hasta hace unas tres horas, cuando me puse a verla como es debido. Y he aquí mis conclusiones al respecto.

Por cierto, para poner más órden a mis columnas sobre cine, he tenido la necesidad de clasificarlas, es decir, crear un patrón de lo que voy a hablar. Me gusta improvisar, pero he visto que se me han pasado muchas cosas y eso no es bueno. Así que hablare por rubros, los cuales se detallan más adelante.

• Actuación: Jeff Bridges era la estrella del momento en aquellos años. Ya había actuado en la primera de King Kong, logrando un gran impulso y se aventuro con Disney a ser el protagonista de Tron. Aunque se le describe como jovial e impulsivo, su personaje no esta tan bien logrado y al contrario puede resultar engorroso por momentos. Por otro lado, Bruce Boxleitner, que hace de amigo de Flynt en el mundo real y luego como el mismísimo Tron, esta mucho más correcto y tiene un gran carisma, al grado que cuando lo veía aparecer, es cuando la peli brillaba y por mucho. Como anexo, esta Cindy Morgan, la chica guapa de turno y que se ve mejor como la novia de Alan (mi fetiche por los lentes, sorry), que como la pareja de Tron en el mundo digital.
• Historia: Aquí el punto débil del filme. Realmente la historia a primera impresión parece buena (un programador genio atrapado en un mundo digital, donde tiene que apoyarse en un programa antivirus revolucionario y debe derrotar al control maestro, una suerte de inteligencia artificial maligna), pero al momento de plasmarla, se pierde y mucho. Hay demasiados errores de continuidad, así una cantidad importante de Deux-Machina que justifican el hacer o pensar de los personajes. Lamentablemente eso influye en el ritmo que es semilento, al menos en los primeros 30 minutos de la peli, que me costaron avanzar. Ya hasta que Flynt aparece en el mundo digital, la cosa agarra vuelo y hasta te entretiene, pero a secas.
• Aspectos técnicos y visuales: Tron represento un antes y después al menos en el uso de gráficos computacionales. Aunque se considera que Toy Story fue el primer hito en CGI, en realidad Tron ya había hecho sus pininos y de que manera. Lamentablemente, como dije anteriormente, se adelanto muchísimo a su época y no fue apreciado tanto como ahora, aun cuando la peli ya se nota con ciertas deficiencias, pero para ser 1982 y ver esos gráficos, era algo sorprendente. Aparte, artistas conceptuales como Moebius y Syd Mead, estuvieron a cargo del diseño del mundo digital, dandole un aire totalmente nuevo a lo que creíamos como Sci-Fi. Tan radical y novedoso es, que la secuela bebe mucho de este arte.
• Música: Otro punto de una calidad extraña, pero buena. La autora, Wendy Carlos, hizo un OST bastante atípico para la época. Si de por si, su vida ha sido de ese estilo, la música de Tron resulto tener ese mismo tono y es una mezcla de sintetizadores con melodías casi que proyectaba una computadora de aquellos tiempos. No es espectacular o épica (como la que hizo Daft Punk para la secuela), pero si para aquellos que gustan de este tipo de melodías.
• Curiosidades: El doblaje en México tuvo las voces de Arturo Mercado, Raúl Aldana y Belinda Martínez. El primero repitió para su papel de Kevin Flynt en la secuela, mientras Aldana se convertiría en un recurrente de Disney y actualmente su Chief Manager en materia de doblaje. Por otro lado, Belinda Martínez se escuchaba extremadamente juvenil, aun sin tener esa voz raspada que luego la caracterizaría en Sailor Moon.

En conclusión, Tron es una pelicula aceptable. Tiene muchos puntos débiles y el ritmo semilento, la dota de una calidad un tanto dudosa. Los rubros destacados son el grafiquismo y la música, la cual sentaron un precedente hasta la fecha. Debo decir que el primer tercio es medio soso, pero luego va levantando y se mantiene estable, aunque el final si resulto un tanto seco a lo esperado. 

¿Recomendable? Ah, bueno, solo para los fans de aquellos años y como una buena reliquia. ¿Me la pase bien? Creo que ahora sí y me trajo muchos sentimientos de nostalgia de aquellos años, cuando perseguía ese tipo de filmes.

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Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de este tipo de peliculas.

A capella: Smooth McGroove y sus covers peculiares

El "tubo" tiene sus ventajas. Pese a que se ha comercializado al grado de que ponen anuncios cada vez que invocas un video o que su censura es terrible (en especial con el anime y algunas pelis que valen la pena), de vez en cuando saca genialidades o hace que la gente que vivía en otra parte del mundo, se pueda ver de manera globalizada. 

Y los artistas improvisados, pero geniales, son el pan de cada día en esta página. Uno de ellos, es Max Gleason, mejor conocido como Smooth McGroove, por sus interpretaciones bastante curiosas sobre temas de videojuegos. No usa instrumentos, no usa sintetizadores, solamente su boca, haciendo un mix de los diferentes tonos para que pueda emular la canción que guste (y acompañado de su gato negro jeje).

Esta entrada, va dedicada a los 5 mejores covers (a mi opinión) que ha hecho este peculiar artista hasta el momento.

-Zelda A Link to the Past - Dark World

Esta es de mis canciones favoritas de toda la saga de Zelda. Debo decir que era un "premio" luego de haber terminado todo Hyrule y luego caer en el Dark World, creado por Ganon con la Trifuerza. Aun a la fecha, la escucho y me genera muchos sentimientos de nostalgia. McGroove hizo un cover en toda la regla y pese a que su tono de voz pueda ser un tanto agudo, aca no demerita en nada a este cover. Por cierto, el silbidito que se escucha de repente, le cae de perlas. 

-Mega Man 2 - Dr. Wily Stage Acapella

La música de los "Willy Fortress" de Megaman en todas sus versiones superaban en bastantes ocasiones a los stages de los 8 robo-jefes de turno. Y Megaman 2 no era la excepción. Esta rolita es estupenda y no parece cuadrar con el peligro que el Bombardero Azul tiene que enfrentarse. Aquí McGroove se recrea y por mucho con esta rola, ya que inclusive se mueve constantemente mientras la tararea. De las mejorcitas rolas que le he escuchado como cover.

-DuckTales - The Moon Theme Acapella

Y hablando de covers monstruosos, este es de los mejores que le he escuchado a McGroove y dejando de fuera que la rola que se avienta es de los OST emblemáticos de los videojuegos. Pero aca de plano saca sus dotes a todo lo que da, al emular ese silbidito de fondo con el "dadada" tan característico de la canción. Es que admitamoslo, The Moon es una canción tan pegadiza, tan fabulosa que los remixs o covers que le tocan no solo la hacen grande, sino inmortal.

-Tetris - Theme 'B' Acapella 

Se que la madre Rusia esta dando guerra al mundo ahora, pero dejando fuera de eso, no hay que olvidar que ellos nos trajeron Tetris al mundo y no solo eso, sino también conocer las tradicionales rolas rusas, pero ahora interpretadas por el sintetizador del viejo NES. Aca McGroove saco el cover A y B de las rolas, pero bueno, este me parece mucho más emblemático, más ruso y aparte, más estresante, lo cual me ayudaba cuando comenzaba a aburrirme de jugar Tetris, je.

-Punch Out!! - Fight Theme Acapella 

¡Punch! Punch Out no podía quedarse fuera de esta lista, más cuando sus rolas, tanto de la NES como de la SNES, eran de fabula. Este tema, proveniente del original Mike Tyson, era la delicia cuando uno estaba peleando y enfrentándose a todos los peleadores marrulleros que te tocaban, desde Soda Popinsky hasta Mr. Flamenco. McGroove en serio se recrea con esta rola, al grado de imitar a la perfección los platillos de la batería que sonaban de fondo. Toda una genialidad.

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Saludos a mi esposa :3, así a quienes gustan de este tipo de covers.

¿Y al final que es mejor? ¿Una novia otaku o una novia "normal"?

Ayer estaba viendo el especial que Álvaro Cueva puso sobre los mejores Anime de la actualidad. Mientras revisionaba las series que la gente había votado para estar en los peldaños, podía escuchar al otro lado de la casa a mi esposa decir "¡Y ojala hallan votado por Silver Spoon!".

No pude evitar sonreír ante el comentario. No es que mi mujer sea una fan aguerrida del anime. Yo soy el freak, el otaku de la casa y por mucho. Falta ver las miraditas que ella me pone cuando estamos disfrutando algún capítulo de "The Big Bang Theory" y los muchachos hacen alguna lócura de freak al por mayor. Y es que porque ella se pone en lugar de las parejas respectivas de los protagonistas masculinos (Penny, Bernadette, Amy), donde tiene que aguantar mis comentarios de lo más "nerdosos" (Cuanto mide el Halcón Milenario, que capítulo de Star Trek Spock y Kirk se enfrentan en una pelea a muerte o quien es el creador de la mítica serie Firefly) o alguna de mis actividades propias de un otaku (como ir a una convención, comprar la edición ultra Deluxe de alguna película que me encanto, conseguir anime, etc. etc.).

Pero allí esta ella. Aguantándome, soportando los momentos donde la arrastro a ver películas que no le interesan en lo más mínimo o solo siendo condescendiente cuando me da la "loquera". Y es cuando pienso ¿No habré pasado lo mismo con una mujer enteramente otaku? ¿Realmente habré tenido la misma compenetración?

Y fue cuando llegue a ciertas conclusiones, que no podía dejar de plasmar en el blog.

-La primera es que como todo buen freak, desde que era un puberto lleno de hormonas y ya con interés mínimo en las mujeres, tenía por meta conseguir una novia. Y no cualquiera, sino alguien que gustara del anime. Es cierto que ahora las fans del anime superan con mucho a los del sexo masculino, pero para los años noventas, cuando pase mi adolescencia, las mujeres interesadas en el anime eran...apenas un 1%. Todo era un pasatiempo de hombres y para hombres. Si encontraba alguna dama interesada en esto, era...el cielo mismo.
Por eso, las chicas que tienen más o menos mi edad y vivieron esas épocas, dirán con cierta pena ajena y con enojo que los hombres otakus somos demasiado pervertidos o acosadores. Falta ver ese capítulo de Densha Otoko, cuando el pobre prota lleva a Hermes a una tienda otaku y como los compradores ven a la chica como si fuese el último trago de agua fresca en el desierto.
No puedo negar que yo seguro ponía la misma cara. Y es que no podía dejar de ver con cierta admiración a una chica que se metiera a este mundillo. Es lógico que quieras compartir los gustos y sentirte aceptado por alguien que pueda entenderte. Digo ¿Que adolescente no le gusta sentirse aceptado?

-Pero los años pasaron y noté que pese a que la proporción de chicas iba en aumento, aun así no conseguía novia. No niego que soy más feo que un mapache aplastado en la carretera, pero pensé que el tener interés común con alguien, te haría acercarte.
De antemano, eso es un error y una manera muy distorsionada de pensar. Quien es fan de algo, de antemano viene con cierto daño de fabrica. No te haces obseso de algo, sin mostrar una falla, no solo a nivel social, sino también a nivel cognitivo. Los grandes genios son enormes en sus áreas, pero por compensan otras que están del garete. Falta ver la empatía del Doc Brown en Volver al Futuro, donde pesé a ser un genio, la forma de socializar con Clara, era propia de un adolescente.
Allí fue donde entendí que si quieres tener novia, no solo tenía que ser una novia otaku, sino también que yo debía ser una mejor persona. No puedes esperar que tus vicios te salven el trasero, sino que vayas superando tus propios complejos y traumas.

-Sin embargo, mientras vas "obteniendo" este valioso pensamiento, esta la envidia y los celos. Aunque había ya chicas otakus plenamente establecidas y con ánimos de tener novio, resulta que son más normales que nosotros (Ahora no lo creo, jeje). Quieren un novio guapetón, sí, que le guste el anime, pero sea más centrado y aparte carismático. Claro, como los que ven en el anime.
Por suerte, yo jamás pase eso que muchos compañeros de mi generación o de las que vienen, donde a fuerzas buscan un "clon" en carne y hueso de algún personaje favorito del anime (tenía una conocida que a fuerzas quería un Tamahome real, así con el mismo carácter, misma forma de ser. Claro, hasta lo pedía con el mismo color de cabello, si hubiera podido).
Como dije, como soy feo con ganas, quedaba descartado. Por eso me dedique a ser poeta un rato, con malísimos resultados...bueno, salvo por la prosa. Eso me ha permitido escribir fanfics a la fecha e ir "puliendo" mi pobre gramática (que cierta comadre me critica a cada rato).
Pero algo que si buscaba, era nuevamente la comprensión, el cariño, casi como si fuese una diosa (seeeh, mi complejo de Keichi Morisato).

-Oh Sorpresa. Conseguí novia. Sep, tal como quería: una novia otaku, freak como yo y para remate, no solo una, ¡Sino dos! (el resto un poco más normalitas, jeje). Sin embargo, cuando logré mi sueño guajiro, caí en cuenta que fue lo peor que pude desear.
Y es que ya había comentado que los freaks somos gente enferma. Pues imagínense ahora eso en una dama. No digo que las chicas otakus son anormales, pero si hay varias que tienen un tornillo zafado (y hombres igual, aclaro). Nuevamente, ves que el vicio solamente suple alguna habilidad social o cognitiva bastante fregada y debajo de ese gustillo, ves a la persona tal y como es: alguien egoísta, alguien capaz de hacerte daño sin medir las consecuencias.
Aquí también salen a relucir tus propias broncas emocionales: aunque había dicho que no buscaba a una chica clon, si tenía muy idealizada a la novia otaku, donde estaríamos casi caminando de la mano, lanzando perdices al aire y sonriendo como todos. Léase, un felices para siempre.
Pero en mis aras de buscar alguien otaku, no me fije que tipo de persona buscaba realmente. ¿Falla cognitiva mía? Que vaaaa, otra de mis típicas burradas. 
No es que halla menospreciado mis relaciones, pero si me di cuenta que tener una novia muy otaku no era tampoco para mí. Cierto que lo soy, sin embargo, también caí en cuenta que iba madurando, que no podía seguir hablando como algunos personajes o que podía estar citando frases como si fuese un nipon nativo (y hay hombres o mujeres que insisten en hablar con "nya" o "san" al final. Eso ya era demasiado para mí). Algo que fue comprobando esto fue cuando leía Love Hina, donde se supone Narusegawa era el personaje icono favorito, pero termino siendo Motoko. Alguien que se iba esforzando. Al fin supe que el esfuerzo era algo más valioso que muchas cosas. 
Y esto lo comprobé con el siguiente punto.

-Cuando ví "Densha Otoko" hace unos buenos años, me gusto y mucho. Sin embargo, me pareció un poco "extraña". Y es que rompía con el paradigma de que un otaku debe estar con una otaku. Pero aca, Densha o Yamada-san termina quedándose con una chica guapa, atractiva, pero que no tiene ni un pelo de freak. Cierto tiene sus broncas, tiene sus problemas, pero nada que ver. Aun así, hacían una pareja adorable. Fue cuando me replante muchas cosas y entre ellas fue "¿En serio necesito una novia otaku?". Aun pensaba que sí, pero también necesitaba alguien un tanto más normal.
Más que normal, más estable.
Y es que comprobé que no había mucha diferencia entre una novia normal (las cuales tuve en esos intervalos), con una novia otaku. Sino el problema venía siendo yo. Que mis traumas y problemas no se iban a solucionar porque tuviera alguien que me entendiera o me aceptara. Sino yo necesitaba aceptarme o entenderme.

-Y fue justo en esa etapa, cuando mi esposa apareció. Es curioso como para esos momentos, cito esa frase que sale en Card Captor Sakura que dice "No existen las coincidencias, sino lo inevitable". Algo que platique con mi mujer recién casados, es que si nos hubiéramos conocido unos años antes o después, no habríamos terminado como ahora. Las cosas habrían sido diferentes.
No lo niego. Mi esposa no es una otaku. Cierto le gustan algunas cosas y ahora es una fan de Silver Spoon, pero pone sus miradas de "ay no" cuando la llevo a ver pelis de Marvel o series con algo contenido freak.
Pero repito, allí esta y me sigue apoyando, aunque no levante mucho los brazos. Es una chica bastante normal, no se parece nada a la imagen que yo tenía de una novia en ese momento. Y aunque a veces la termino comparándola con un personaje de anime para halagarla, ella solo me mira y me dice "bajate de tu nube", pero sonriendo.
No se si eso sea madurar, ya que me sigo considerando de una edad mental de cinco años, sin embargo se lo que me aporto ella fue ser distinto. Acoplarte, adaptarte.

-Por eso concluyo en que tener una novia otaku o una novia normal no es mejor ni una ni la otra. Es más bien saber que es lo que te hace falta y que puedes hacer tú para obtenerlo. No te lo va a dar una chica o alguien más (para gustos, los colores), sino solamente tú mismo. Recuerdo que una amiga me lo decía hace unos años, pero no lo entendía, hasta ahora. No puedes estar bien, sino te quieres a tí mismo. Solamente con amor, puedes dar amor.

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Como saben, esta columna va dedicada a mi mujer y a quienes buscan una buena relación.

Saving Mr. Banks: el cruce entre la psiquiatria y una buena película.

Debo decir que hace unas semanas me planteaba cerrar el blog. No porque no tenga interés en escribir, sino porque la motivación para mantenerlo se había esfumado. El estrés de los últimos tres meses había sido bastante fuerte, al grado de perder el interés por muchos gustos, desde ver anime hasta este site.

Curiosamente, hace una semana comencé a escribir fanfics y nuevamente parecio renacer mi gusto por la escritura. Aparte, me di cuenta de que twitter no tiene los suficientes caracteres para decir lo que tengo en la cabezota.
Supongo es que necesitaba un respiro y dejar de lado las entradas habituales para crear algo mucho más original. Algo de mi propio estilo. Y que mejor que hablar de esta película que vino a ser un trago de agua fresca, entre tanta mediocridad que me ha tocado en estos últimos meses (bueno, salvo algunas excepciones).


Saving Mr. Banks es una película de drama y comedia biográfica dirigida por John Lee Hancock, con guión de Kelly Marcel. Centrado en la producción de la película de 1964 de Walt Disney Studios, Mary Poppins, la película está protagonizada por Emma Thompson con papeles secundarios de Tom Hanks, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford y Colin Farrell. Tomando su título del personaje de origen del mismo nombre, la película describe a la autora P.L. Travers (Thompson) y su conferencia de dos semanas en Los Angeles mientras ella está siendo convencida por el cineasta Walt Disney (Tom Hanks), en su intento de obtener los derechos para el cine de su novela del mismo nombre.


¿Que tiene que ver los conceptos psiquiátricos con esta película? Mucho y más cuando es una peli biográfica, ya que es lógico, toquemos la infancia del personaje a tratar y como esta puede tener repercusiones en su forma de pensar y ver las cosas a futuro.

Si a alguien a quien tenemos que culpar de esta visión, es al mismo Sigmund Freud. Y es que pese a que la mayoría de sus teorías o método ya no tengan repercusión o uso en la actualidad, si sembró un parteaguas importante en el modo de ver los padecimientos psiquiátricos, pero en especial, se enfoco en ver la génesis de los mismos. Aunque Pinel y otros tantos comenzaron por mostrar a los enfermos mentales como personas, fue el mismo Freud quien mostró un método de estudio y de investigación.

Y una de sus mayores aportaciones fue ver el desarrollo, no solo de una enfermedad mental, sino también la composición de la personalidad de alguien aparentemente normal o cuasi normal. Por ello que las pelis biográficas tengan este componente muy bien clarificado.
El problema es que cuando ves una biografía, sabes que te contarán la infancia y a veces lo hacen tan predecible que te termina aburriendo o sacando el final de lo esperado.
Y aunque este film lo hace, la forma de contarlo fue tan original que lo hizo muy llevadero.

 Saving Mr. Banks (que fue llamada horriblemente "El sueño de Walt Disney" en Latinoamérica, donde pierde todo su contexto original) narra el encuentro que tuvieron P.L. Travers, la autora de Mary Poppins, con Walt Disney y como ambos se estuvieron arreglando para la adaptación fílmica del libo escrito por la autora.

Lo realmente interesante del film es que mientras vemos a Travers, interpretada magistralmente por una Emma Thompson, hacer de las suyas y poner en aprietos a los guionistas, músicos y demás de la producción, esto se ve alternado con escenas de su pasado, de la infancia de la autora y como tenía que sobrellevar a su familia, integrada por un padre alcóholico y una madre de carácter débil.

Claro, esto al principio me choco, porque esperaba más una narrativa lineal, donde Travers y su característico temperamento, ponía en líos al pobre Disney y toda su camarilla. Sin embargo, conforme progresaba la peli, los flashbacks me fueron llamando más y más la atención. Debo decir que Colin Farrel me parece un actor soso y sin carisma, pero aca parece le hallaron un papel adecuado (alcohólico e infantil) y se le vio bastante adecuado, al grado que su interacción con la jovencita Travers fue de lo mejor en el film. Tecnicamente vemos como una chica, que desea ser como el padre y que aparte admira a su tía, que sirvió de modelo a la original Poppins, termina amalgamando una serie de tristezas y decepciones, lo cual termina por formar su carácter final.

Y es que me gusto como se resoluciono todo. Como te va planteando la historia al principio, es que en algún punto, Travers se decepciono de su padre y entonces pudo haber albergado rencor o ira hacia él por desproteger a su familia. Sin embargo, no es así. En todo momento, ella jamás se enojo con él o le mostro enojo, sino era tanto cariño, tanto amor, que sus deseos por complacerlo terminaron por amargarla. Esto se convierte en el verdadero motivo por el cual ella no quería ceder sus derechos, ya que sentía que el verdadero protagonista de la historia (no los niños Banks, sino su padre) iba a ser mancillado si lo exponían como un padre malo y sin cariño.

No se que tan verdadero halla sido ese momento cuando los guionistas parecen percibir el cariño que la autora le tiene al señor Banks, pero cuando deciden cambiar el final y agregarle una canción optimista para redimirlo, es el punto de inflexión de la pelicula. Es cierto que lo previo (mostrar la amargura de Travers, su viaje y su pobre adaptación a Los Ángeles, sus imposiciones y condiciones al equipo creativo) es realmente estupendo, pero cuando nos enfocamos en el Señor Banks (y los flashbacks hacia el padre Travers son más frecuentes) es cuando el film alcanza su punto más alta. Si eso aunamos a la actuación soberbia de Emma Thompson y los momentos musicales (cortesía del gran Newman, que inclusive fue nominado al Óscar), la cosa ya nota puntos de genialidad.

Aunque la mencionada Thompson se roba la pantalla cada vez que aparece, las interacciones con los demás personajes, en especial con su chofer (interpretado por un estupendo Paul Giamatti) o con el equipo creativo (Jason Schwartzman y Bradley Whitford) son de altísimo calibre, rozando entre la comedia y el drama de manera estupenda.

En cuanto al final, me parecio bastante acertado. No todo se quedo con "yo acepto", sino exploramos más de las peculiaridades de Disney y Travers tan pronto se estreno Mary Poppins.

A nivel psiquiátrico es estupendo como los flashbacks alternan con las peculiaridades del carácter de Travers. Como su odio por las peras, tiene que ver con algo con su padre me parecio algo muy ilustrativo.

Sin embargo, hay varíos bemoles. Para empezar, el guión trata muy mal a Disney. Tal vez sea porque la misma productora es la casa del Ratón o porque querían recaer en el personaje de Travers, pero de plano Disney se vió muy unidimensional. Esto se denota cuando él mismo le hace ver sus traumas a Travers al final de la película. Eso me parecio bueno, pero desentona con las genialidades previas. Inclusive, el propio Tom Hanks, que siempre sabe como sobrellevar sus charas, aca se le noto incómodo, inclusive por momentos muy histrión, sobreactuado. Un poco más de trabajo en el personaje y hubiera sido un antagonista perfecto a Travers. Siento que si hubieran usado más al Disney mezquino (como era realmente), las cosas habrían sido más pesadas, pero con un mejor impacto.

Aunque esto podría haber sido un buen lastre para las nominaciones al Óscar, siendo sinceros, esta peli tenía mucho más punch que algunas que ví nominadas, tanto por mejor guón adaptado, mejor película o inclusive mejor dirección. Pero bueno, las tarugadas de los miembros de la Academia, no me sorprenden en lo más mínimo.

En conclusión "Salvando al Señor Banks" (me resisto a decirle por su título en Latinoamérica) es una de esas pelis que valen la pena ver. Estupenda por donde uno la vea. Con buenas actuaciones y con una historia sólida que te hace ir de la risa al llanto. Bastante recomendable.
Y claro, hace hincapié en el pasado como una referencia para nuestro presente, pero que también, hay que aprender a dejarlo ir.

Lo mejor: Emma Thompson
Lo peor: Tom Hanks
Lo original: las canciones insertadas ("Con un poquito de azúcar"...jo, si a mi esposa le dio ganas de ver Mary Poppins, a mi igual).

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Saludos a mi esposa, que me encantan sus comentarios mientras vemos las pelis, así a quienes gustan de este tipo de films.