Tortugas Ninja: la combinación de rap y pop de los noventas

El estreno de la nueva película de las Tortugas Ninja es eminente. Sin querer, me trae recuerdos de aquel año de 1990 cuando la primera "live action" de la serie aparecio en las pantallas mexicanas, representando un hitazo en todo niño y adolescente que era fan de estos queloides adolescentes artemarcialistas.

Sin embargo, como entonces no tenía la "sana" costumbre de ir al cine, me tuve que conformar con verla hasta un año después, cuando una de mis tías favoritas nos alquilo la película a mi hermano, a una prima y a un servidor una noche de sabado, acompañados por una pizza. De las mejores veladas que tuve cuando era un bodoque.

Pero los años pasaron y el furor por esta saga, creada por Eastman y Laird, fue bajando con el tiempo. Se hicieron tímidos intentos por reanimar la serie, inclusive al crear una saga de dibujos animados más apegadas al cómic en el 2003, que inclusive llego a dar a luz a una película CGI que tuvo pobres resultados.

Fue hasta hace unos 3 años, que Nickleodon decidio reiniciar la franquicia, teniendo buenos resultados. Esto provoco que el infumable Michael Bay la tomará y proyectará una película (y probablemente saga) Live Action, muy al estilo de Transformers.

La cosa parece ha funcionado y se tienen ciertas expectativas con el filme. En particular, voy con "0" al respecto, por lo cual ire a disfrutarla como enano sin pensar en el argumento y solo por volver a ver a mis héroes favoritos de la infancia.

Con esto, me puse a revisitar las viejas películas y me lleve muchas sorpresas, tanto buenas como malas. En lo primero, la música aun me sigue gustando pese al paso de los años y por lo tanto, quise hacer una entrada comentando sobre las mejores canciones, a mi parecer, que tuvieron estas. Tal vez las viejas películas ya han envejecido de forma importante, pero su soundtrack, es una genialidad.

-9.95 - Spunkadelic

Canción atípica del OST de la primera película de las Tortugas Ninja. Su título es un número y fue eso lo que me llamo la atención del susodicho cuando revisite el cassete que tenía arrumbado hace unos años. Y es que nuevamente en mi ataque de lócura, compre el soundtrack pensando que escucharía canciones de la serie de TV. Craso error, ya que era pura música pop gringa que entonces no me gustaba. Pero en mi adolescencia le agarre un renovado gusto que ha perdurado hasta la fecha. Esta rola es una de mis favoritas, no solo por las vocales que son muy noventeras, sino también por el ritmo de la misma rola.

-Every Heart Needs a Home - St. Paul

Cuando entre a la adolescencia, el odio clásico que le tenía a las niñas se fue diluyendo y comence a fijarme en ellas de otro modo. Pero como era un chaval extraño, fue por el medio romántico, más que por el ejem...lado físico hormonal (tal vez de allí agarre mi estilo extraño de escritor). Como sea, lo que comenzo a cambiar fueron mis gustos, centrándome en las canciones románticas, pero no las tipicas en español, sino en inglés y con una cadencia lenta pero llena de romanticismo, como esta. Fue mi segunda relevación de este soundtrack y hasta la fecha la uso cuando me voy a una parte muy romántica de un escrito o solo para divagar un rato y es que lo tiene todo: letra y música.


-Turtle Power - Partners in Kryme

¡Turtle Power! Es la canción emblema del soundtrack y de la película. Se escucha como el ending del primer film y aun me trae muchos recuerdos de aquellos años noventas, cuando la ponían como promoción de la película o de un montón de productos relacionados con la misma. Ya se comenzaba con ese ritmo tipo "black power" que ahora domina una parte del mercado en EUA, dandole ese aire muy citado a las tortugas. Pese a haber pasado ya 24 años de su salida al mercado, aun me gusta mucho ese ritmo y esa oscuridad latente que tiene la rola, ni se diga la letra, que fue de mis primeros pasos en el idioma inglés.


-Ninja Rap - Vanilla Ice

 La canción insignia, pero de la segunda película, de 1991. Para aquellos años, el llamado rapero blanco comenzaba a destacar. Sí, ni más ni menos que Vanilla Ice, que con sus trajes coloridos y su pelo rubio, destacaba entre el oscuro de los cantantes de rap. Aun así, la movía el condenado y de que manera. Su participación en la película, donde bailaba el Ninja Rap que parecía haber improvisado al ver a las tortugas pelear, era de antología. Y para remate, cuando los mismos personajes comienzan a echarse un bailecito en plena pista, al tanto que pateaban traseros. Sinceramente, la letra no tenía nada, pero ese "Go Ninja Go" te traumaba...cosa que ocurre a la fecha cuando la escucho.


-Tarzan Boy - Baltimora

Aunque esta canción la había escuchado mucho antes en los años ochentas, cortesía de Baltimora, mi memoria musical no la registro hasta unos años después, cuando la oí nuevamente en el trailer que exhibieron de la tercera película de las Tortugas Ninja. Sin embargo, no tenía ni idea quien la cantaba y como era la letra, hasta que en una clase de inglés, se le ocurrió a la profe traducirla. Allí fue cuando comenzó mi busqueda por canciones "pérdida" de aquella hermosa década. Se podría decir que es la melodía emblema de la tercera y hasta revitalizo el éxito que Baltimora tuvo solitariamente años previos. Que sea que un canto gay o una rola emulando a Tarzán que importa. ¡Es genial!


-Conga - Barrio Boyzz

Gloria Estefan se podría considerar la primera latina en triunfar en EUA, pero también la primera en promocionar talentos de tal origen. Ya lo había hecho con Secada, así que en su momento promocio un grupo de hispanos tipo "band" que cantaba música latina y que resultaron una revolución, al menos en EUA, los Barrio Boyzz. La canción que los mando al estrellato fue "Conga", pero en versión cover de una rola que la misma Estefan canto en sus inicios. Particularmente me gusta más la original, pero para aquellos años, era buena para bailar o mínimo, para zambullirse en aquel ritmo noventero tan extraño.


-Shredder´s Suite - John Du Prez

Ahora vamos con el primer "bonus" track. No es una melodía cantada, pero si muy emblemática de la primera peli de los quelonios y es cuando el Destructor entra en escena. John Du Prez, compositor inglés, fue el encargador de musicalizar las escenas de fondo de las 3 películas de las Tortugas Ninja y debo decir que lo hizo con honores. El leimotiv que ocupa al villano es estremecedor y le da ese aire adulto y maduro formidable. En tiempo me parecía una de las mejores rolas de "malo maloso", casi llegando a los niveles de "Imperial March" de Starwars o "The Last Wolf Suite" de Nobuyuki Asakura.


-Yoshi´s Theme - John Du Prez

Aquí se mostraba la versatilidad de este gran compositor con este segundo "bonus" track. Si la anterior era tétrica, temible, acá es la inocencia japonesa personificada y corresponde al leimotiv de un niño japo que las tortugas conocen cuando viajan en el tiempo. Curiosamente, la rola fue tan famosa que inclusive sirvió como comercial para muchos productos orientales y hoy en día, su ritmo y belleza es formidable. La escucho generalmente para relajarme luego de un laaargo día de trabajo.


---------------------------------------------

Saludos a mi April :3, así a quienes gustan de las Tortugas Ninja.

Se levanta el Viento: El gran Adios de Miyazaki

Este fin de semana fue bastante especial por razones personales. No solo por cuestiones que no puedo comentar, sino también porque me la pase muy bien en compañía de mi esposa y de mi mejor amiga yendo al cine este domingo. Claro, el único prietito en el arroz fue una promoción del Cine que no me hicieron válida ¬_¬ y que no comí Udon, pero ya será para la próxima ocasión, sniff.

Aunque técnicamente ya vi el "Planeta de los Simios 2" antes que el filme que vamos a reseñar a continuación, decidí dejarla para después. Primero, porque la calidad de "Se levanta el Viento" es inigualable y segundo, porque quiero y estoy más de ánimos reseñar una película del gran Miyazaki. 

Ahora que hago memoria, es la segunda vez que voy al cine a ver una película de este gran director japonés. La primera fue el "Viaje de Chihiro". Sin embargo, en aquella ocasión fui solo y en una función matutina, donde el cine estaba enteramente solo y yo era el único en la sala (salvo por una pareja, pero se terminaron largando a media función). 

En esta ocasión, el cine estaba repleto, en compañía de mi mujer, de Sam y de muchos fans, pero también gente normal que quería ver una buena película. Allí caigo en cuenta que las cosas han cambiado en este rubro (y para bien).

Y es que vale la pena. "Se levanta el Viento" no podría significar una mejor despedida del mundo del cine para Hayao Miyazaki, el hombre que cambio el mundo de la animación japonesa internacional, para siempre.

Kaze Tachinu1 (en japonés: 風立ちぬ Kaze Tachinu?, lit. El viento se alza; en inglés: The Wind Rises, lit: El viento se levanta) traducida en España como El viento se levanta y en Hispanoamérica como Se levanta el viento, es una película japonesa de animación estrenada el 20 de julio de 2013 por la productora japonesa Studio Ghibli, basada en la novela corta Se levanta el viento de Tatsuo Hori y en el manga homónimo de Hayao Miyazaki. Es la undécima película escrita y dirigida por Hayao Miyazaki (La princesa Mononoke, El viaje de Chihiro, El castillo ambulante) dentro de Studio Ghibli y la duodécima de su filmografía. Se trata del vigésimo largometraje producido por Ghibli y también de la última película realizada por Miyazaki.

Aunque ahora el buen Hayao Miyazaki es conocido por todo mundo, sus inicios no pudieron ser más oscuros y extraños.

Para entender su obra, hay que leer un poco de su biografía. Allí entenderemos porque el hombre ha llegado donde está y como ciertas particularidades de la misma, salpican sus películas por doquier.

Para empezar, Miyazaki nacio en la difícil época de los años cuarenta en Tokio. Aunque su familia sobrevivió económicamente a la Guerra, su madre quedo afectada por la epidemia de tuberculosis que azoto el país nipon a principios del siglo XX. 

Por lo tanto, la madre de Miyazaki se la pasaba viviendo en hospitales especiales para este tipo de enfermos, que funcionaban como casas de estancia, donde los tuberculosos vivían aislados de los demás. Aunque chibi Hayao extrañaba a su madre, las visitas a la misma eran sumamente divertidas, pero llenas de severidad. Se decía que la señora Miyazaki era dulce, pero también tenía un carácter de la patada.

Para quienes hemos visto algunas obras del susodicho, notaremos la fuerte influencia de estos dos hechos: primero, por la gran cantidad de heroínas que usa para sus películas y luego, que algunas veces la referencia a la tuberculosis o los hospitales de este tipo.

Como buen niño y de familia bien, ya que su padre se dedicaba a la compra-venta de muebles, lo cual en el Japón posguerra era un buen negocio, Miyazaki se enfoco en estudiar ciencias económicas para tomar el lugar de su jefe en la empresa familiar, mientras a la par se divertía bomba viendo películas de Walt Disney, traídas por los amerikanos a Japón.

Esto termino por llevar a Miyazaki hacia Toei Animation, que entonces era una empresa pequeña de animación en Tokio y que había tenido éxitos modestos. Pero la salida de "El Gato con Botas", catapulto el éxito de la misma (inclusive Toei adopto el gato con botas como logo) y la consiguiente contratación de mucha gente, entre ellos, Miyazaki y un tal Isao Takahata.

Ambos hombres congeniaron al instante y se llevaron bien, llegando a colaborar en el dibujo de muchos fotogramas de animación. Sin embargo, cuando Miyazaki vio que su futuro estaba en la animación, tuvo que enfrentar a su padre sobre el futuro de la empresa, algo bastante duro en los estandares sociales japones.

Ya libre de la responsabilidad, Miyazaki se dirigió de lleno a este trabajo. Para empezar, junto con Takahata, salio de Toei y se fueron hacia el embrión de Nippon Animation, donde dirigió, dibujo y colaboro en la historia de Heidi o Marco (sep, inclusive Miyazaki dirigió los primeros episodios de Heidi) la cyberpunk pero fabulosa Conan, Niño del futuro.

El éxito conseguido, le permitió dirigir El castillo Cagliostro, la cual resulto ser un hitazo de manera posterior.

Sin embargo, trabajando para un estudio más grande, Miyazaki y Takahata veían su creatividad coartada por exigencias de los ejecutivos. Los dos se dijeron "es mejor hacer nuestro propio estudio".

De allí nacio Ghibli y el resto se podría decir que es historia...hasta que a finales del año pasado, Hayao Miyazaki dijo "adios" al mundo de la animación.

Previo a esta impactante noticia, Miyazaki había hecho de las suyas en los últimos 15 años: La princesa Momonoke, El viaje de Chihiro, El Castillo Ambulante, Ponyo en el Acantilado, recaudando un montón de dinero, un montón de premios (entre ellos un Óscar), y sentando precedente para sus allegados, como Joe Hisashi, el mencionado Takahata y claro, su hijo Goro. 

Pero parecía que el director había anticipado su jubilación, porque hacia más de 3 años, el buen Miyazaki había anunciado que sacaría una película en el verano del 2013 y para colmo de remates, una bastante polémica: un biopic de Jiro Horikoshi, un ingeniero aeronáutico, quien diseño uno de los mejores cazas de la Segunda Guerra Mundial: Mitsubishi A6M. "Zero" para los cuates.

¿Por qué el problema? Se necesitaría hacer un libro entero del papel que ha tenido la guerra en la vida del japonés, pero se puede compactar en que esa ideología militarista ha dominado el mundo del Japón desde que la nación vio su nacimiento. Solo la derrota en la Segunda Guerra pudo frenar un tanto ese espíritu. 

Sin embargo, es de sobra conocida la ideología pacifista que tiene Miyazaki y que ha reflejado constantemente en sus filmes, por lo tanto, cuando supe que se iba a estrenar esta película, hace casi dos años, no pude evitar alegrarme: ibamos a alejarnos del contexto militar y ver algo mucho más divertido, más coherente, más compacto. Cosa de la cual no me decepcione en absoluto luego de salir del cine.

Pero vamos a hacer al análisis correspondiente y desgranando cada parte de la película.

Introducción: "El Viento se Levanta" se deriva de un manga que hizo Hayao Miyazaki hace algunos años y que a su vez proviene de una novela autoria de Tatsuo Hori que trata sobre Jori Horikoshi, la mente detrás del "Zero", un caza que causo una revolución en los inicios de la Segunda Guerra Mundial. Ya Miyazaki había tenido la idea de adaptar su manga y su proyecto se vio hecho realidad, cuando fue aprobado a finales del 2011. Al darse el anuncio en el 2012, se dio una expectativa muy grande, ya que el tema parecía rebasar al director tanto en ideología como en forma de trabajarlo. Finalmente, la película se estreno en julio del 2013, teniendo un gran éxito entre los fans de la casa matriz, Ghibli, pero generando muchas críticas entre el publico especializado, en especial el asiático, llegando inclusive a tachar a Miyazaki de ser "antijaponés", en especial por el sector conservador nipon. Sin embargo, en Occidente, se considera a la fecha una de las mejores películas de su realizador. En México tuvo una exhibición limitada a principios de este año, en festivales y en la Cineteca Nacional. Hasta hace un mes, cuando Zima, la dstribuidora que tiene los derechos en México de Ghibli, anuncio su estreno limitado en el país para este 24 de julio.

Argumento: el filme narra la infancia, juventud y madurez de Jiro. Vemos como se va desarrollando su sueño por volar desde la infancia, donde conoce a uno de sus grandes héroes, Giovanni Caproni, diseñador aeronáutico. Aunque Jiro quería ser piloto, su debilidad visual le impide eso, por lo cual toma también el camino de ser diseñador de aviones. Años después, estudia tal especialidad en la universidad de Tokio, donde conoce a su futura esposa, Naoko. Luego del terremoto de Kanto de 1923 y la posterior crisis económica, Jiro comienza a trabajar en la Mitsubishi, tratando de diseñar un avión tan bueno como los europeos (en especial de Alemania) con lo poco que puede aportar su nación. Es en la busqueda del avión de sus sueños, cuando se reencuentra con Naoko, pero enferma de tuberculosis y tiene que lidiar, entre seguir con la construcción de su avión y estar más tiempo con su esposa.

Historia:Lo primero que temí al saber de esta pelicula, es que Miyazaki iba a fumar nuevamente de la "buena" y que nos pondría un biopic, pero del estilo fantasioso, donde veríamos a dragones hablandole a Jiro sobre como hacer su avión, mientras el romance con su esposa sería muy sútil y poco inspirador. Por suerte, salvo los alucines tipo LSD que tiene Jiro, pero porque esta soñando despierto o dormido, el resto del filme es una biografía realista en toda la regla: nada de criaturas misticas, nada de poderes. Vemos a Jiro convertirse en ingeniero, entrar en la compañía, conocer a su futura esposa, lidiar con la falta de materiales adecuados, etc etc. Pero todo tan bien contado, tan bien llevado, que la película es divertida, amena, cómica, romántica, dramática, etc. etc. Tiene de todo y no pude evitar emocionarme en algunas escenas. Miyazaki cuenta la historia magistralmente y nos demuestra que también sabe moverse sin necesidad de poner fantasías, apegandose a un ámbito más apegado a la realidad. El problema que veo siempre en las pelis de Ghibli es el ritmo y aquí no es la excepción. Aunque Sam refiere que es perfecta, a mi en lo particular he visto que los films del susodicho tiene altas y bajas. No son capaces de dejarte pegado todo el tiempo y hay momentos que sueltas el bostezo involuntario o te preguntas ¿What? porque no entiendes una referencia al instante, sino hasta mucho tiempo después. Aca fácilmente verán que hay al menos 2 tiempos muertos que bien pudieron haber cortado o llenado con otra ocasión, pero es cuando Miyazaki los usa para poner sus ángulos de cámara o tratar de narrar con acciones una emoción del personaje. Sep, muy japonés el asunto. Aun así, disfrute muchísimo la pelicula, ver toda la vida de Jiro, hasta como narran el terremoto de Kanto o su visita en Alemania, es único.

 Personajes:La mejor parte, la más potente y la más llevadera de esta película. Es que ningún personaje esta desaprovechado, ninguno esta mal, ninguno esta de más. Todos son entrañables, inclusive el prota, que tiene ese aire de "Oliver Atton" insufrible, ya que es un obseso de los aviones y solo vive de ellos. Pero el director también sabe reírse de eso y pone una escena muy divertida cuando los jefes de Jiro se rien de que ya tenga prometida. El otro personaje que se roba la escena es Naoko Satomi, esposa del prota. Aunque estamos acostumbrados a los personajes fuertes femeninos, también Miyazaki sabe diseñar chicas lindas y acá de plano, se le paso la mano (pero en buen plan), al crear a Naoko. Cierto que su final es triste y casi me suelta el lagrimón, pero su inicio, desarrollo y plenitud es formidable. Te terminarás enamorado de la susodicha como sea. Pero si ya vimos a estos, los jefes de Jiro, su mejor amigo, su hermana, son encantadores, con su propia personalidad, con su propio desarrollo. Todos terminan gustándote, incluyendo Caproni, que viene a ser la voz de la realidad pero también del anhelo que tiene Jiro por los aviones. Por cierto, los llantos que se avienta la hermana de Jiro son igualitos a los de Chihiro, jeje.

Diseño: Para los freaks es una delicia. Lo digo porque soy un fan de las cosas militares y aunque la parte aeronáutica no sea uno de mis fuertes, pude reconocer muchos detalles y guiños que hace el autor. Desde como Jiro va viendo el diseño del "Zero", su concepción hasta su termino, es formidable. También los señalamientos a los aviones diseñados como Caproni, a la par de las criticas a los diseños de aquellas épocas, como el ir achatando la cabeza de los tornillos (algo visto por Howard Hughes) hasta el tipo de motor, el Nakajima Sakae, que fue un diseño enteramente japonés, ya que entonces la tecnología que tenían los nipones era suya. Debido a los problemas que había causado el gobierno militar japonés (y que menciona Caproni: el abandono de la Sociedad de Naciones, la invasión de Machuria), no podían accesar a las patentes de aviones que tenían otros países, aun cuando fuesen aliados (justo como Alemania). Aquí es donde saco otra parte "formidable" de la pelicula, ya que Jiro, sabiendo esto, va creando su avión con lo que la tecnología nipona le puede ofrecer. Y adoro eso, el contexto, el ver porque se hacen las cosas, de donde provienen o que es el ambiente que los rodea. Esto en la película me pareció exquisito, lo disfrute enormemente. Más aun cuando Jiro se imagina el esqueleto del avión y como este "sufre" ante los embates del viento o de la resistencia, casi como si fuese orgánico. Y no fue solo una feliz circunstancia ver esto, porque el mismo Miyazaki ha confesado ser un fan de los aviones. Mejor adaptador no pudo tener el buen Jiro.

Sonido: aquí me echo la ayuda mi comadre, porque yo no sabía que los sonidos de aviones y demás eran humanos. Me sonaban muy orgánicos, muy "Miyazaki", pero ver que habían sido hechos a la vieja usanza, como en las radionovelas, me sorprendio de manera grata y pega de manera brutal, en especial con lo del terremoto.  

Música: Joe Hisashi vuelve a hacer de las suyas. No crea un leimotiv o una banda sonora así potente o especial, pero esta tan bien orquestada que realza algunos momentos emotivos, en especial cuando Jiro y Naoko se ven o se tratan o cuando Jiro se imagina al Zero volar. Lo único que critico es que de repente la música parecía un poco desincronizada como cuando Jiro llega a ver a Naoko luego de su hemorragia. Allí no me pego el momento. 

Doblaje: Curiosamente, Zima no se apego a una versión doblada. Cuando comenzó la peli, pensé que veríamos algo con doblaje. No es que me moleste, pero lo que ha hecho Zima con las pelis de Miyazaki es a veces para darse un tiro. Por suerte, aquí la vimos subtitulada. Sin embargo, Miyazaki tiene algo de "Cuarón" y es que para sus pelis jamás contrata alguien famoso o un seiyuu de renombre, siempre es gente de menor calibre o nueva o amigos suyos. En este caso, Hideaki Anno (sep, el director de Evangelion) dobla a Jiro y aunque lo hace bien, su voz es tan seca que de repente Jiro sonaba muuuy planote, caso contrario a la seiyu de Naoko, que hacía brillar a su personaje cuando aparecía. 

Curiosidades: Aunque puedo entender porque los conservadores japoneses criticaron la película, tampoco puedo entender porque sectores chinos y coreanos se le fuen encima por militarista. Siento que Miyazaki hace una película muy promedio en esos sentidos. Sí, crítica el militarismo, pero someramente. También no toca ciertos puntos delicados, como que la Mitsubishi usaba mucha mano de obra esclava coreana o china para construir sus aviones. Si a esto vamos, tampoco podemos considerar esta pelicula como un "canon" de la vida de Jiro Horikoshi. Aunque su pasión por los aviones era genuina, así también lo de su esposa Naoko, se omitió como acepto construir aviones militares por cuestiones económicas y también como tuvo descendencia con Naoko antes de fallecer, así que por su implicación en el trabajo, llego a descuidar a su familia. Finalmente, esta película significo el "adios" de Miyazaki, cuando en septiembre del año pasado por un comunicado, dijo que se retiraría definitivamente de la dirección. Por cierto, estuvo a punto de ganar un Óscar en la edición de este año, pero "Frozen" se quedo con tal galardón.

 En conclusión, "Se levanta el Viento" es una película sumamente redonda. Cierto que tiene sus deslices narrativos y por momentos se vuelve lenta, pero lo que rodea a eso, es oro puro, sin exagerar. Miyazaki hace un dulce relato de la vida de Jiro, llegando a picos altos de humor y de drama, pero sin caer en algo cursi o burdo. Aparte, es capaz de contar una historia para dos tipos de público al tiempo: uno normal y otro freak. Verme brincando de un momento a otro, era de lo más divertido. Podía reírme a carcajadas con los comentarios de algunos personajes y otras, estar maravillado ante las conclusiones que llegaba Jiro con el diseño futuro del Zero.

¿Recomendable? Pos claro que sí. Aun para los prejuicios que es un dibujo animado, en realidad es una película muy adulta, que tiene tantas referencias y tantas metáforas que facilmente podría pasar por un film más adulto. Lástima que Miyazaki halla tenido que retirarse. Un talento como este hoy en día será difícil de encontrar.

------------------------------------------------

Saludos a mi esposa ^^, que me acompaño al cine, así a Sam como a quienes gustan de este tipo de filmes.

Shadow Lady: el primer manga que tuve en mis manos

Hablar de Masakazu Katsura, es comentar sobre el que fue mi primer "ídolo" del manga-anime. Fue el primer gran autor que reconocí y que seguí de manera religiosa por muchísimo tiempo. Lamentablemente, entre mis cambios de preferencia y el del mismo mangaka, esta relación se ha ido deteriorando con el tiempo.

No obstante, aun admiro el trabajo que hizo en sus primeros trabajos. Al respecto ya hable de Video Girl Ai, esa serie que marco un hito en la industria del manga en México y que a mi me toco vivirla de primera mano.

Y parece que Editorial Vid también percibió tal fenómeno en los lectores, porque poco después de la salida de Video Girl Ai, esta comenzó a sacar más obras del autor, ya no con tanto éxito, pero que muchos, como un servidor, terminaron comprando. No solo por el ver una buena historia, si no también un arte preciosista que hoy es sinónimo de calidad.

Aunque he comentado que VGA fue mi primer manga, en realidad fue otro quien tuve en mis manos antes y nada menos que otra obra de Katsura sensei: Shadow Lady.


Shadow Lady (シャドウレディ Shadō Redi?) es el nombre de 3 mangas creados por Masakazu Katsura. La primera versión fue un manga en color publicado en la revista V Jump entre 1992 y 1993, luego el mangaka dibujó un one shot para la revista Shōnen Jump a inicios de 1995, y finalmente a mediados de ese año comenzó una serialización que duró hasta 1996 y fue compilada en 3 volúmenes. Todas las historias tienen en común al personaje principal Aimi, quien tiene la habilidad de convertirse en Shadow Lady con un maquillaje mágico, aunque la historia del personaje cambia considerablemente según la versión.


Mi vida, antes de la facultad, siempre transcurrió en ciudades pequeñas o pueblitos. Técnicamente fui educado en provincia y en una vida casi semirural, de allí que cuando comencé a ver más mundo, fue un impacto muy fuerte para mi forma de ver las cosas.

Una de las que se afecto fueron mis gustos personales, entre ellos, mi afición al manga o anime. Un servidor solo conocía los seriales que se emitían en la TV abierta y ocasionalmente en el cable. Así que cuando una vez fui a una ciudad más grande y me asomé en una de esas tiendas departamentales, me quede impresionado con la cantidad de información que se manejaba: desde revistas especializadas, hasta mangas de todo tipo.

Pero esos mangas no eran de producción nacional. La tienda departamental en sí, había hecho el esfuerzo de traer mangas "importados" de España, donde la cosa parecía cocerse a otro nivel. Aparte de estar leyendo revistas como "Dokan" o "Minami", también comencé a hojear los diferentes mangas que había.
Sin embargo, uno en especial me llamo la atención, y no tanto por su historia, si no por su dibujo: Shadow Lady.

La primera impresión no pudo ser más bochornosa. Para quienes han leído el tomo 2 del susodicho, notarán que las escenas pervertidas están a montón. No se puede negar que a Katsura sensei le fascinan este tipo de encuadres. Sin embargo, si en VGA eran evidentes, acá el autor se desmadro y en serio.
De allí que me pusiera rojo y luego casi aventará el manga por un lado, evitando que alguien pensará que fuese un pervertido.
Pero ya superando el trance inicial y obviando las escenas fan service, me di cuenta de que la historia me gustaba y un montón. Original, en lo que cabía (porque al fin al cabo, el autor hace homenaje a uno de sus héroes de historieta favorito: Batman), pero llena de chistes y situaciones un tanto románticas.

¿Y de que demonios trata Shadow Lady?

Aime es una chica tímida, introvertida, que por azares del destino, conoce a un demonio llamado Demo (sin comentarios) que le regala unas sombras mágicas que le permiten cambiarse en una sexy ladrona. Como las sombras tienen diferentes colores, el uso de cada particular hace que cambie a un diferente atuendo (desde un conejo hasta un pájaro). Con estos poderes, también la personalidad escondida de Aime sale a la luz, mostrándose como una chica desinhibida, bromista y algo pervertida.
Al principio se vuelve una ladrona por el simple hecho de fastidiar a los policías de Gray City, pero luego lo hará con la misión de combatir a varios demonios que escaparon de prisión y que ahora se refugian en el mundo humano.

Claro, me enteré de esta sinopsis unos años después, cuando el manga fue publicado en México. Pero cuando vi ese tomo, editado por Norma, allá por 1997, pensé que Shadow Lady era una simple ladrona y que Bright era el galán de la serie. Aparte, narraba el formidable enfrentamiento con Spark Girl, que aparte de la acción, era bastante "ecchi" (y para mis hormonas adolescentes, si fue todo un batacazo).

Como ven, el manga ya me había hechizado y mi hermano lo noto, ya que para mi siguiente cumpleaños, el buen Deluxe me lo termino regalando. Curiosamente, un par de años después saldría VGA y un año más, Shadow Lady, vía Editorial Vid en ese curioso formato de "semitomos", que abarcaban la mitad de uno tipo japonés. De allí que la serie se emitiera en 6 números y se consiguiera entonces por módicos 22 pesitos. Claro, eso lo digo ahora, porque en aquel entonces, conseguir 22 pesos para un manga era casi un suicidio, al menos a nivel alimentario. Pero aun así, valía la pena. Era una obra del maestro Katsura.

Y hablando del eso ¿Quién era el autor de estos hitazos?

Masakazu Katsura, nacido en 1962, desde pequeño destaco por ser un gran dibujante. Sin embargo, nunca le llamo ser mangaka. Simplemente entro en varias competiciones para ganar los premios, no para dedicarse de lleno a ello. Justamente luego de intentarlo una segunda vez, se llevo el premio Tezuka como autor relevación y de allí fue escalando posiciones, haciendo historias relacionadas con varias de sus manías: las escenas ecchi, los tramones adolescentes y Batman.

El éxito le llego con VGA, que inclusive tuvo una adaptación en OVAS y él le toco no solo elegir a los seiyuus si no también parte de la música de la serie.
Sin embargo, parece que Katsura sensei trato de zafarse de esa presión e hizo una historia un poco más desenfadada, la famosa DNA2. Pero el desarrollo de la historia pobre (que llego a aburrirme, pero ya lo trataré en otra entrada) y un final abrupto, hicieron que parara la historia.

Tal vez, por tal motivo, quiso hacer algo mucho más chapucero, pero divertido, como Shadow Lady, que pese a no tener la calidad de las anteriores, el dibujo del maestro se veía en todo su esplendor.

Lamentablemente, aun cuando I´s tuvo cierto éxito y fue su historia más larga (15 tomos, 30 en la edición mexicana), la cosa ya no me prendió como antes. Inclusive creo conseguí un tomo de la misma, pero no me gusto mucho. Y el mismo Katsura se fue hacia derroteros más adultos, como con su historia Zetman, que no ha sido nada de mi agrado. Allí es donde se dice, que "el amor se acabo".

Aun así, aunque su caída comenzó con DNA2, Shadow Lady tenía un aire más fresco, más ameno. Aime suspiraba por Bright, el atractivo y flamante nuevo policía que llega a Gray City a capturar a Shadow Lady. Sin embargo, en el fondo esta enamorada de la misma y quiere que recapacite.
Brigh a su vez, tenía una novia, que al ver la obsesión de este por Shadow Lady, decide hacerse una heroína y derrotar a su vez a su rival de amores.
Todo esto, unido a una trama oculta, donde Demon tiene que pedir la ayuda de su amiga para derrotar a 5 demonios que amenazan con destruir el mundo...claro, con el cambio de bando de uno de ellos.

Para cuando termine la serie, me dejo un agradable sabor de boca. Si ya de por si el tomo que tenía (y aun esta en mi estantería) de Norma ya me había enganchado, los que conseguí por Editorial Vid, dieron el remate.
Y es que mientras DNA2 fue un intento de emular un anime shonen, acá Katsura sensei no quiso complicarse y se atuvo a las situaciones cliché, pero de buena manera: acción, trama policíaca, fanservice y enemigos formidables. Tal vez lo único que criticaría sería la duración, lo cual conllevo a que los arcos argumentales se manejaran rápidamente y de manera poco concisa. Inclusive, cuando vi que saltamos del enfrentamiento con Medu y luego a Zera, me pareció muy precipitado.

En fin, Shadow Lady sigue siendo uno de mis mangas preferidos. Como dije, tengo el tomo que me regalo mi Bro, aunque los otros, creo ya se perdieron en el tiempo, porque entre las mudanzas y los cambios de aires, los deje arrumbados, quien sabe donde. Espero recuperarlos y un día mostrárselos en entero a mi esposa, aunque por la cara que puso con el tomo de Norma, no creo que sea mucho de su agrado.

En conclusión, Shadow Lady es un manga recomendable, sobre todo para aquellos que inician en este mundillo o quienes buscan puro fanservice....bueno, no hay que negar que la abundancia de imágenes sugerentes abundan por doquier. Pero fuera de eso, es cómico y muy ligero de leer.

Ah, se me olvidaba. El manga cuenta también con un "arco final", donde se narra el piloto que uso Katsura para convencer a los altos mandos de Shueisha de publicar su historia en modo extendido. Aquí vemos una versión primitiva de Aime, con el mismo diseño, pero tratando de conquistar a un freak del misterio, llamado también Bright. Las sombras se mantienen, pero no tanto el diseño final como Shadow Lady.

----------------------------------------------------

Saludos a mi Aime particular ;), así quienes gustan del buen manga.

Maléfica y Como entrenar a tu dragón 2: estrenos muy atrasados.

Se que no tengo ni la más mínima excusa. Flojera, desidia y el Mundial fueron las causas de que no me pusiera a analizar dos de las pelis que han tenido más éxito, tanto comercial como en críticas. Y no, no hablo de las dos, si no una por otra.

Y sí, en esta entrada daremos un 2 x 1. Quisiera irme más lento y divagar como siempre lo hago, pero ahora no tengo tiempo, ánimo ni la loquera de estarme de debraye. Vamos a lo bueno del asunto.


-Maléfica

Introducción: Ya hace 6 meses, mediante el portal Uruloki había visto que Angelina Jolie iba a hacer una adaptación del cuento de hadas de La Bella Durmiente. Lo novedoso es que iba a tratar de la villana, Maléfica. Lo que luego me impresiono fueron los trailers, donde aparecía la susodicha con una cara de "chupada" que daba mal rollo, pero también podía ser una buena opción. Obviamente, cuando mi esposa vio el tráiler, no dejo de emocionarse y decir que iríamos a verla. Luego de un mes casi sin ir al cine, a finales de mayo, al fin pudimos "inaugurar" una flojísima temporada de cine que parece apenas despierta este mes.

Argumento: Es la historia de la Bella Durmiente, pero contada desde la perspectiva de Maléfica, que se nos muestra un hada "buena", líder del bosque encantado, hasta que conoce a un chavo humano, del cual se enamora. Sin embargo, la ambición de este, provoca el resentimiento y la ira de la susodicha. En venganza, hechiza a su hija. Sin embargo, luego de conocer al simpático retoño, se va encariñando con ella, pero cuando quiere volver atrás, la guerra contra su antiguo amante apenas empieza.

Historia: como notan, la idea original era buena. El problema es que el desarrollo se quedo en un patético intento del "viejo" Disney. Léase, mucho dramatismo, personajes chatos y unidimensionales, tramas incoherentes y final feliz. Sep, así que ustedes se imaginarán que churrazo puede llegar a ser. No obstante, lo que se rescata es una idea que puede funcionar para adelante. Lamentablemente, se nota que la mano de Disney y de la misma Jolie (que figuro como productora del filme) se noto y mucho. Claro, no íbamos a desgraciar a la pobre.

 Personajes: Lamentablemente, la única que brilla y no tanto por actuación, sino por carisma, es la propia Jolie. Y es que su personaje no esta nada desarrollado, es muy pobre y sin un buen desenvolvimiento de la historia. Lo que le ayuda es el mismo carisma de la actriz y que parece se divirtió con su papel. Su "antagonista", el famoso Sharlto Copley cae muy mal y aparte parece incomodo en el mismo. Ni siquiera Ellie Fanning, con su lindura, pudo llegar a tener el nivel de la protagonista "buena". El detalle es que me gusto más la interpretación de la hija de Angelina Jolie, haciendo de Ellie Fannning cuando era niña.

Efectos especiales: hmmmm, realmente no me gustaron. Muchos CGI muy vistoso y poco coherente, efectos de cámara raros. No se, tampoco acá la cosa funciono. Para colmo, el diseño de las hadas madrinas, siendo pequeñas, fue horrendo, asqueroso. Casi verlas, me daba miedo.

Doblaje: la parte más fuerte del filme y por mucho. Las voces de todos estuvieron bastante bien, aunque por momentos quien dio voz a Sharlto si me parecía un poco extraño o forzado, pero Talía Marcela sacaba gran provecho de su voz, haciendo de Maléfica.

En conclusión, Maléfica me gusto, pero muuuuy a secas. No soy fan de los cuentos de hadas como mi esposa y aunque a ella le encanto, yo salí un tanto desinflado de la misma. Tal vez esperaba más y se me olvido que era una peli para niños. Igual fue cuestión de expectativas, pero la peli si es promedio.

Sin embargo, como es para niños, tuvo una recaudación muy fuerte, al grado que se considera el mejor éxito económico de la Jolie en cuestión de cine. Que cosas.

¿Recomendable? Eh, bueno, si vas a verla en plan serio, para nada. Si vas a reírte un rato o ver otra versión, sin muchas pretensiones, esta bien. Pero hasta allí.


-Como entrenar a tu Dragón 2

Introducción: La primera, que se estreno en el 2010, resulto ser una sorpresa total para un servidor. Entonces fui con mi esposa y con una vieja amiga a verla al cine, más por llevar a las dos a un cine-teatro que me gusta de la City y por comer palomitas. Sin embargo, salí encantado con la historia de Hippo y Chimuelo, al grado que deseé ver pronto una segunda parte. Por suerte, mis deseos se vieron vueltos realidad cuando en el 2013 se anuncio que saldría la secuela para el verano del 2014. Así que allí me tienen, jalando a mi pobre esposa, justo en medio de la fiesta mundialista, para ver las nuevas aventuras de Hippo y su dragón.

Argumento: Han pasado 5 años e Hippo se ha vuelto famoso en su terruño luego de adaptar los dragones a la vida de su gente. Su padre, Estoico, lo apoya pero a la vez lo presiona para ser el líder de la isla. Sin embargo, el enfrentamiento con unos cazadragones, hace que Hippo busqué a los responsables y que termine por descubrir muchos secretos familiares que aun conserva Estoico.

Historia: Cuando vi el tráiler me decepcione un tanto, porque la historia parecía una típica "oh, ya hay dragones, pero ahora hay que combatir a los que los cazan y de paso, volver a ver a mi madre perdida". Para quienes vieron la primera y el extraño desarrollo de la historia, era lógico que la madre de Hippo allí seguía rondando. Por lo tanto, creí que la cosa se iría a algo más épico e infantil. Error, me agarraron en una curva tremenda, porque la historia no solo es divertida, si no también amena, llena de acción, comedia, pero sobre todo de muchísimo drama. La batalla entre los dos "Alfas" es brutal y tiene consecuencias devastadoras para Hippo. Fue tal mi sorpresa que mi mujer luego me estuvo recriminando que porque la llevaba a ver ese tipo de cosas. Y es que tampoco me lo esperaba. Creí que la trama iría por algo más sencillo, pero parece que a los guionistas les dio por hacer más profunda la cosa. Particularmente me gusto y muchísimo, aunque la sorpresa nadie me la quita. Me sorprende más cuando esta película esta basada en una serie de libros y aquí los guionistas hicieron bien las cosas por su cuenta.

 Personajes: Hippo se va convirtiendo en ese héroe, el que todos admiran y respetan, pero también la historia se toma la amabilidad de ir confrontando sus ideas. No es el típico de "oh, con la paz vamos a lograrlo todo", si no se da cuenta que también por ser tan obtuso y no ver otras alternativas, tiene que aprenderlo a la mala. Ese desarrollo me pareció estupendo y le da ese toque de madurez a la película. Curiosamente, hasta el diseño del mismo personaje lo va reflejando, ya que Hippo comienza a desarrollar esa barba que todo adolescente va teniendo (sep, esos pelos disparejos y de estropajo). Si Hippo es formidable, Estoico técnicamente se roba la escena cuando aparece. Lo vemos como un adulto evolucionado, que va creciendo y aprendiendo de su hijo. La parte cuando vuelve a ver a su esposa, es única. Y si hablamos de los demás, desde Astrid hasta los gemelos, no paras de disfrutar sus buenas interacciones. Tal vez el mayor problema es el villano. Es demasiado predecible, demasiado unidimensional y aunque tiene reminiscencias al héroe, al estilo de un arquetipo, en realidad se queda muy corto. Tal vez el único y mayor problema de la película.

Efectos especiales: la animación va avanzando con los años y se ve mejor, pero de repente para las secuelas, los estudios tienden a disminuir la calidad en esta para abaratar costos. Acá DreamWorks obvio eso y se enfoco no solo en mejorar la fluidez de movimientos, si no también mejorar el diseño de los personajes. Reitero, el aire más maduro de Hippo es una muestra de eso. Y aunque el diseño de Chimuelo es formidable (mi esposa quiere un Furia Nocturna), aun me sigue chocando un tanto el resto de los dragones. Parece más bien una miscelánea de dibujos hechos por un niño que en si formidables bestias que vuelan y arrojan fuego.

Doblaje: Este aun me sigue chocando, porque ya sabemos que un startalent dobla a Hippo. No obstante, lo hace bien, sin tampoco verse tan mal. El resto de los personajes son hechos por actores reconocidos, hechos y derechos, como Leyla Rangel, Héctor Lee, Carlos Segundo o Karla Falcón. Mis respetos a Idzi Dutkiewicz, que se luce haciendo a Estoico. Tal vez la única que si me desentono fue Rebeca Patiño, que al principio parece que quiso intentar algo distinto con la madre de Hippo, pero no le salió muy bien.

En conclusión, "Como Entrenar a tu Dragón 2", es un peliculón y de los buenos. Tiene buena historia, grandes personajes, acción, comedia y ese punto de drama, que podrá resultar un poco fuerte, pero le da un aire más maduro a la historia. Salí bastante contento del cine, aun pese a todo y mi esposa también (aunque aun me sigue recriminando eso que paso, pero bueno, ¿Quién podría esperarlo?).

¿Es recomendable? Bastante. Tal vez a nivel taquillero no ha tenido tanto éxito, pero también, a quien se le ocurre estrenar esto en plena fiebre mundialista. En fin, cuestiones de mercadotecnia y no de calidad.

---------------------------------------------

Saludos a mi esposa ^^, así quienes gustan de este tipo de películas.

Unsere Mütter, unsere Väter: una serie alemana al estilo de Band of Brothers.

La Segunda Guerra Mundial es un tema en boga. Y no hablo de los últimos 4 o 5 años, cuando la abundancia de libros, películas y series esta por doquier. Si no ya tiene sus buenos años. Se diría que la película que marco un "antes y un después", fue la Lista de Schllinder de 1993 y que coincidió con la caída de la Cortina de Hierro, apenas dos años antes.

Que Spielberg tocará tal tema de una manera tan cruda y directa, sirvió no solo para que el productor se animase con otra obra magna, como "Salvando al Soldado Ryan", si no también pareció quitar un montón de vendas y mordazas que tenían los historiadores, no solo los "oficiales", si no también los de Europa del Este, que también veían sus historias al aire libre y sin la censura del gobierno.

Es más, el espíritu de la "Vieja" Guerra parece haber salido como una especie de símbolo de nostalgia. Un recuerdo por aquellos viejos tiempos que parecían mejores, en todos sentidos.

A un servidor le ha tocado ver el renacer y la revaloración de aquellos tiempos, especialmente en los rubros mencionados. Ya espero reseñar próximamente "White Tiger", una película rusa sobre un tanque alemán infalible, siendo combatido por un T-34 de última generación, así también otras dos peliculas que tengo allí "enlatadas": una sobre la dominación norteamerica en Japón de posguerra y otra sobre la batalla de Stalingrado.

Mientras, la que más me llamo la atención y el objetivo de esta "entrada", es una mini-serie alemana, llamada Unsere Mütter, unsere Väter, o que se traduciría "Nuestros padres, nuestras madres" o como se le dijo en España "hijos del Tercer Reich" o en inglés "Generation War" (ya escojan ustedes su favorito).

La guerra ya está en marcha cuando entramos en la historia de cinco amigos alemanes, en 1941. Y será la guerra quien los separe, aunque por su puesto se prometan que volverán a verse pronto.

Uno de ellos, Viktor, es judío. Los otros dos, hermanos, soldados, Wilhelm y Friedhelm Winter. Una de las chicas, Charly, enfermera voluntaria en el frente. La otra, Greta, cantante. A través de sus ojos vemos la guerra y sus efectos en el bando alemán: en el frente ruso, de mano de los hermanos Winter y Charlotte; en la ciudad, con Greta sobreviviendo a su manera; y con Viktor, en la huida. Firedhelm hace de narrador en off durante varios momentos de la serie.

A lo largo de los tres capítulos, de hora y media cada uno, recorremos con los protagonistas la guerra desde el 41 hasta el 45. La evolución del conflicto corre pareja a la de los personajes, que parten con ideas bastante claras de a lo que se van a enfrentar pero que van cambiando, inevitablemente.

Es curioso como llegué a este producto. Hace más o menos un año, mientras visitaba varios blog especializados sobre la Segunda Guerra Mundial para informarme sobre "The Pacific" y poder reseñarla con mayor profundidad, uno de estos comentaba sobre esta mini-serie alemana, producida por la cadena ZDF.

Para quienes les halla tocado verla, notarán que el formato es una calca en cierta manera de "Band of Brothers". Parece que el impacto que dejo esta serie, producida por Spielberg y Hanks, pego muy hondo en varios sectores. Y tal vez parece que los alemanes no se quisieron quedar atrás.

La miniserie esta compuesta de tres episodios, con una duración de casi una hora y media cada uno.  Filmados en locaciones en la propia Alemania y Lituania, vieron la luz en TV en su país de origen y en Austria en marzo del 2013. Rapidamente la serie cosecho críticas muy positivas, por su fidelidad artística, sus actuaciones y la trama.

Sin embargo, también cosecho muchas críticas y comentarios negativos por parte de ciertos sectores, como ciertos grupos pro-nazis, alemanes conservadores y muchos sectores polacos, que se molestaron por la forma de retratar a la "resistencia" polaca.

Tal como se comenta en la reseña, narra la historia de 5 amigos: dos hermanos, un judío alemán y dos chicas, siendo una la novia de este último y otra que es enfermera y esta enamorada del hermano mayor. 

Como es lógico, todos tienen ideas bien posicionadas sobre su situación y lo que quieren. Pero la voragine de la guerra va comiendose a todos literalmente, en especial en el terreno mental, donde los cambios de punto de vista estan a la orden del día. 

Aunque la serie esta compuesta de tres episodios con una calidad semejante uno de otros, tienen diferencias bastantes hondas, no solo por el argumento tratado, si no también por el ritmo y los temas tocados. Para spoilers, esta letra distinta para que se salten esos datos.

El primer episodio es el típico introductorio, donde nos presentan de manera muy sómera pero concisa a los personajes: Wilhelm es teniente de la Wehrmacht, un ejemplo para sus padres y para los demás soldados que comanda, contrario a su hermano Friedhelm que desde un principio contradice lo dicho por el Fuhrer y la propaganda nazi. Charlotte es la mejor amiga de Wilhelm y es enfermera, pero también esta enamorada en secreto de él. Greta y Viktor son novios, pero mientras ella tiene aspiraciones de cantante, el otro es judío y ya ha comenzado la persecusión contra los suyos.

Luego de despedirse los cinco en una noche de cubas, parten a sus destinos. Ambos hermanos son destinados al frente oriental, donde Alemania cosecha importantes victorias. Sin embargo, el menor va confirmando más sus teorías, donde ve morir a los partisanos y gente sin motivo alguno. Wilhelm trata de mantener la moral, pero no puede evitar impregnarse del punto de vista de su hermano menor.

Mientras, Greta y Viktor llevan bien su relación hasta que a la familia del susodicho le piden irse a un campo de concentración. Viktor no halla la manera de escapar, cuando Greta, mediante un poderoso político y militar aleman y a cambio de acostarse con él, rompe con él y le da un pasaporte para irse a EUA.

Lamentablemente, es una emboscada y Viktor termina en un tren con judíos a un campo de exterminio.

Al tanto, Charlotte trata de seguir los ideales nazis mientras avanza con su unidad hospitalaria al frente. Sin embargo, el conocer a gente buena en los rusos, especialmente una doctora eslava, es cuando comienza a cambiar de opinión.

Como ven, este primer episodio, que sirve de gancho, es bastante bueno. La primera mitad podrá ser un poco lenta, con tanto dialogo, pero nos da la puntilla para la personalidad de cada personaje. Destaca en especial la relación entre los dos hermanos, que son lo opuesto en personalidad y forma de llevar las cosas. Sin embargo, lo que mejor me parecio fue la situación de Viktor. Aun hoy en Alemania tocar el tema del exterminio judío es difícil, pero esta serie se aventuro a ello y lo hace de manera esplendida, pero tampoco sin darse tantos golpes de pecho.

Curioso, aunque Charlotte no tiene tanto papel y hasta se ve fusilánime con sus actitudes, la actriz me parecio una chica muy guapa, pese a no tener nada de maquillaje encima, jeje (definitivamente me gustan las mujeres que tienen una linda sonrisa. Preguntenle a mi esposa).

El segundo episodio es el más potente de la serie y por mucho. Luego de las victorias iniciales de los alemanes, la batalla de Stalingrado termina por sangrar al ejército alemán. Nos vamos directamente a la batalla de Kursk, donde la unidad de Wilhelm esta apostada en un sector muy duro del frente.

Wilhelm ve como llaman cobarde a su hermano, pero también nota como ha ido "sobreviviendo" a cada ataque ruso más por inteligencia que por el estupido valor que todos sus compañeros quieren mostrar. Al tanto, las ideas de Friedhelm van calando más duro en su hermano, al grado que cuando lanza una ofensiva contra un punto, Wilhelm duda y se ve atrapado en una explosión de mortero.

Friedhelm comanda la ofensiva y logran salir avantes. Sin embargo, Wilhelm ve al fin que la guerra es una tontería y decide desertar.

Pero cuando se escondía, fue encontrado por sus propios camaradas, llegando a ser condenado a fusilamiento por cobarde.

Entre tanto, Charlotte va conociendo estos sucesos, ya que Friedhelm acaba en el mismo hospital de campaña donde ella trabaja. Allí es cuando se arrepiente de su traición hacia la doctora rusa que lo ayudaba, mientras ve como también cambian sus ideas sobre la guerra.

Viktor, al tanto, ha logrado escapar del tren y se refugia en una zona de Polonia, donde es encontrado por partisanos que lo azuzan por ser aleman o judío. Finalmente se queda con ellos, pero va comprobando la dureza de los mismos al atacar a los alemanes.

Entre tanto, Greta disfruta de los placeres que le da su amante, no solo en la cama, sino también de la popularidad que le brinca a nivel político. Pero en el momento que exige tener igualdad frente a la esposa de su amante, este se encabrita y la encierra con cargos de cobardía.

Como comente previamente, es el mejor episodio y por mucho. No solo por la fuerza de los dialogos, que son menos que los otros dos episodios, pero muy atinados, al tanto que la acción llega a niveles estratósfericos. Una parte de la batalla de Kursk es representada fielmente y vemos la crudeza del combate. Acá no se abusa tanto del gore como en Band of Brothers o The Pacific, pero las escenas de acción son bien contundentes y te dejan impresionado.

El desarrollo de los personajes es inmejorable y lo que más destaca es la situación de Wilhelm y Greta, mientras que Charlotte, que tenía harto potencial, parece que lo tiran por la basura.

Curiosamente, el nivel mantenido por Friedhelm, es otra cosa. El personaje realmente se vuelve el ícono de la serie.

El tercer episodio es tal vez el menos emotivo, pero aun así, es un buen epílogo para la situación.

Viktor se ha convertido en un partisano y hace bien su trabajo, pero cuando encuentran un tren cargado de judíos, en lugar de ignorarlos, decide ayudarlos. Esto provoca que su jefe tenga que despedirlo del grupo, pero deseandole la mejor de las suertes.

En su camino se encuentra a Friedhelm, que luego de la traición de su hermano, es un soldado veterano bien valorado pero usado como punta de lanza para destruir partisanos, más cuando los alemanes han sido devueltos a sus propias fronteras.

Allí, luego de matar a su superior, ayuda a Viktor a escapar.

Entre tanto, Wilhelm no lo han fusilado, si no lo enviaron a un batallón de castigo, donde el jefe lo trata con desprecio. Wilhelm lo tolera, pero cuando la guerra esta por acabar, termina por matarlo y desertar nuevamente.

A la par, Charlotte, que se ha vuelto amante del médico de su unidad, se pone histérica al encontrar a Wilhelm nuevamente y comprobar que esta vivo. Pero su necedad por proteger a una enfermera rusa, hace que se quede atrás y sea encontrada por un batallón ruso que esta a punto de violarla, luego de matar a sus enfermos. Sin embargo, la doctora rusa aparece ya como un oficial y la salva, ofreciendole ser una enfermera rusa y llevarla así hasta Berlín.

Y entre estos eventos, vemos a Greta, encerrada en una cárcel de Berlín, donde le toca sufrir y ver lo peor de las prisiones alemanas. Finalmente, luego de encarar a su amante, es fusilada sin más.

Ya como parte final, mientras Viktor llega al que era el viejo apartamento de sus padres y de Greta, se intercala el final de Friedhelm, que ahora es líder de una unidad Volkstrum, integrada por ancianos y chavales de las juventudes hitlerianas. Todos quieren pelear, pero es cuando Friedhelm se da cuenta que tiene que sacrificarse.

Con su muerte, lográ que su unidad se rinda y muere con una semisonrisa en el rostro. Al tanto, los 3 supervivientes brindan en el viejo bar, a la memoria de los amigos caídos.

Es el episodio menos intenso, pero si el más dramático. Mientras los otros me los chute en menos de una semana, este paso varios meses para que lo viera completo. La razón es que pese a la calidad de los anteriores, el epílogo se veía venir y de lejos. Era lógico que alguno moriría o al menos dos y Greta era segura, ya que se veía resignada luego de ser aprehendida por la Gestapo.

Lo que si me choco fue la muerte de Friedhelm, porque me parecio el personaje emblema de la serie. A pesar de que mantuvo sus ideales, en cierta manera si evoluciono, pasando a ser un soldado competente y leal, en especial a su hermano y su forma de pensar.

Tal vez por eso decidieron matarlo de esta manera, porque bien hay un dicho que dice "los mejores hombres fueron los que murieron en la Guerra". Cosa más cierta.

Otro personaje que me gusto bastante, fue Viktor, que casi tuvo una odisea para volver vivo a Berlín. Me gusto su manejo y su desarrollo en la misma. Se dice que los productores querían hacerlo venir pero parte del ejército aliado, pero el presupuesto se iba a disparar enormidades si eso pasaba. Aun así, me parecio bastante bueno su camino.

Otra que se redimio, fue Charlotte. De una chica medio boba y enamoradiza, vimos a una joven que tuvo que madurar a la fuerza y no de la mejor manera. Tal vez el personaje más humano de la serie, lleno de cualidades, pero también defectos.

Sin embargo, el que si me maltrataron mucho fue a Wilhelm, que sí, pudimos verlo sufrir y ver como se decepcionaba de su país, pero me parecio demasiado, más por las deserciones que tuvo. En fin, aquí su hermano se lo termino comiendo y por mucho.

En conclusión, "Unsere Mütter, unsere Väter" es una serie de gran calidad, con una buena fidelidad, buenas actuaciones y con una historia que esta bien, no la mejor, pero te entretiene. Sin embargo, no puede despegarse de ese aire a "HBO" bastante fuerte, como algunas escenas de violencia y sexo que me parecian un poco de más, pero bueno, parece es la tendencia actual y vaya que ha funcionado.

En cuanto al apego histórico, si pondría ciertas pegas, pero muy pocas y también a los momentos que enlazan una historia con otra. Aquí me parecieron forzados y poco coherentes. Aun así, es una serie recomendable para poder ver el lado "alemán" de la historia y ver que en términos de guerra, no hay muchas diferencias entre lo que pasaron un bando u otro, pese a ideologías o exterminios.

---------------------------------------------

Saludos a mi Charlotte :3, así a quienes gustan de este tipo de series.

La Visión de Escaflowne: el anime que me impulso hasta los mismos cielos.

Mi gusto por el anime ha tenido diferentes etapas, tanto de impulso como de retroceso. Ya he hablado de algunas etapas, como la que empezo en el 2008, cuando comencé a descargar anime de la red, sin esperar a que los famosos distribuidores "piratas" me lo vendieran en sus exóticas cajitas o bolsitas en las diferentes convenciones o en puestos no "autorizados".

Y aunque mi gusto por el anime se remonta desde mis años mozos, cuando veía Voltron, Robotech, etc. etc. En realidad aun veía tales productos como cosas "chinas". Fue hasta la venida de Supercampeones que las cosas cambiaron y la "japoanimación" sería ya una diferencia a la animación amerikana o francesa.

Sin embargo, aun continuaba "dependiendo" mucho del anime que ponían en la TV y algo me decía que había mucho más al otro lado del Charco, allá en Japón, que lo que recibíamos apenas era una ínfima parte de lo que se exhibía. Esto lo confirme con una Club Nintendo, donde se pusieron a hablar de refilón de muchos videojuegos que se inspiraban, precisamente, en animes desconocidos.

Pero obtenerlos, al menos en mi rancho era difícil. Fue hasta la llegada del internet, cuando eso comenzo a cambiar. Primero me enteré de tales animes, pero no se podía tener entonces episodios completos como ahora, salvo que los pudieras conseguir "comprados".

Para quienes son lo bastante "viejos", se acordaran que a finales de los noventas, hubo una explosión en el gusto por el anime, en especial en EUA, donde comenzaron a conseguir los episodios que se emitían por Japón y luego de contrabando llegaban a Amerika, donde los gringos especializados traducían tales capítulos para distribuirlos de manera "gratuita". Seh, la leyenda que hoy casi ha desaparecido, pero que en un tiempo dominaba "esto es distribución gratuita, eliminalo cuando se licencie en tu país". Justamente esos nobles traductores fueron los iniciadores, grabando en una cantidad ingente de "VHS" sus productos.

Y era lógico que tal fenómeno llegase a México. Hace unos días escuche un programa de "Pus ya que", donde los locutores, la mayoría del norte del país, veían tal cosa como algo normal. Sin embargo, para un provinciano del centro era casi imposible tener esos VHS...salvo si era por la red.

Claro, internet me permitió conseguir tales VHS y sobre todo por páginas donde te los vendían por precios que podrían ser exorbitantes, pero que bien valían la pena. Fue donde conseguí ver muchas series que hoy en día, las puedes invocar en el tubo, como DNA2, Marmalade Boy o Fushigi Yuugi.

Fue así como inicie una etapa nueva en mi gusto por este tipo de productos que no ha parado hasta el día de hoy. Ya no tenía que depender de la TV, sino podía explorar un nuevo mundo por mi propia cuenta. Fue la Visión de Escaflowne uno de los anime "parteaguas" de esa era.

La Visión de Escaflowne (天空のエスカフローネ Tenkū no Esukafurōne?) es una serie de anime de 26 episodios producida por Sunrise, originalmente emitida en Japón entre el 2 de abril y el 24 de septiembre de 1996. Inspiró una serie manga shōnen y otra shōjo, y una película de cine (La serie manga shonen en realidad debutó antes de la serie animada, debido al largo proceso de pre-producción de ésta última).

Tiene elementos de los géneros Shojo, Shonen, romance, y mecha. La historia es una mezcla de literatura de diferentes culturas, bebiendo incluso del pasado mitológico de la humanidad. La música, compuesta por Yōko Kanno y Hajime Mizoguchi, es de un sabor decididamente occidental, aunque incorpora tales elementos como la coral occidental y el electro-pop. Esta serie marcó el debut anime (en un papel principal) de Maaya Sakamoto en la voz de la personaje principal Hitomi Kanzaki y cantante de la canción de apertura Yakusoku wa Iranai.

¿Por qué dar este rollo introductorio tan largo en relación con esta serie?

 La razón es que en uno de esos VHS que conseguí, los de la página me hicieron el favor de grabarme "demos" de episodios de otras series que tenían en el catalogo. Fue justo después de una tanda de 4 episodios de DNA,que vi un episodio y medio de la serie, justo el 1 y 2.

Más que los animes que pedí, fue Escaflowne el que más me gusto. Con ese solo primer episodio, llegue a enamorarme perdidamente de la serie. Sonará cursi, pero la combinación de mechas, personajes carismáticos, romance, acción, violencia e historia era impactante.

Lamentablemente, cuando me decidí (y tenía el dinero) para pedir más a esa página, ya estos habían cerrado.

Ya resignado, me concentre en verme ese primer episodio cuantas veces podía, en especial la parte donde Van aparecía y luchaba con el Dragón, con la ayuda de Hitomi.

Aunque hoy a la fecha, habrá muchos que la habrán visto, vale la pena hacer una leve reseña: Hitomi Kanzaki es una chica de preparatoria, experta en carrera corta, pero también tiene poderes de adivinación. Como es lógico, vive enamorada de su "sempai" del club y planea declararsele, si lográ superar su record personal. En ese momento, es cuando se abre un portal y un joven vestido de samurai, llega acompañado de un simpático dragón que lo destruye todo. Con la ayuda de Hitomi, este chico logra vencerlo y tomar su "corazón", lo cual facilita la reapertura del portal y que vuelva a su mundo. Hitomi se ve atrapada en este momento y aparece en Gaea, un lugar donde se puede ver la Tierra y la Luna como si fuesen los satélites de este mundo.

Con la ayuda de Van, Hitomi busca una forma de regresar a su mundo, pero pronto se ve enmedio de una intriga que amenaza la paz de Gaea, y todo por un mecha que posee la tierra de Van: Escaflowne.

La Visión de Escaflowne hizo su aparición en las TV mexicanas en el último semestre de 1998. Para un servidor, represento una sorpresa total, ya que Tv Azteca venía de una baja de anime importante luego del término de su serie emblema, Sailor Moon. Parece que los productores buscaron una serie relevo y buena parte del público se encariño con este anime, que apenas se había estrenado dos años antes en Japón y que represento un hito por lo antes mencionado. También marco el inicio de la carrera de Maaya Sakamoto, dandole la voz a la protagonista, como la interprete de uno de los mejores openings de la historia y compuesta por una entonces desconocida Yoko Kano.

Producida por Sunrise y emitida en el primer semestre de 1996, cosecho muchas críticas positivas y motivo el lanzamiento de varios mangas e inclusive una película en el 2000. Lamentablemente, la peli no supo refrendar el éxito de la serie, debido a los cambios que presento en los personajes, la trama y la eliminación de algunos elementos de tipo shoujo.

Y es que Escaflowne, pese a ser una serie de corte shonen mecha, donde la trama militar y política es bastante abundante, también tiene varias subtramas de tipo romántico (incluido un triángulo romántico entre Van, Hitomi y Allen Schezard, un jefe militar de Asturia), así familiar, mientras se usaban a las cartas del Tarot, como un indicativo de lo que pasaría en tal capítulo. Todo esto facilito que muchos siguieran la serie por más de un motivo.

Personalmente, me la pase bomba, porque la emisión de los primeros 16 episodios fue toda una delicia. Ver a Hitomi involucrada en una guerra inminente y como su condición de vidente cambiaba el rumbo de las cosas, era brutal. Aparte, la personalidad de Van también representaba un cambio en lo visto entonces, donde las mujeres eran las acostumbradas tsunderes de la serie. Era la primera vez que veíamos a un varón de pocas palabras, mucha acción y personalidad seria (y tal vez por eso luego las chicas les encantaba).

Aparte, si eso agregamos también una buena dosis de comedia y de sangre, la cosa tomaba tintes épicos.

Otro elemento que ayudo poderosamente al éxito del anime fue la música de Yoko Kano. Esta compositora, hoy conocida y laureada por todo mundo, en aquel entonces apenas iniciaba sus pininos, aunque ya había mostrado su talento con el OST de Macross Plus (1994). Escaflowne vino a ser la puerta de apertura a otros proyectos, los cuales se consolidaron con "Cowboy Bebop", las siguientes sagas de Macross (en especial la 7 y Plus), Wolf´s Rain y claro, Sakamichi no Apollion.

En el caso de la música de Escaflowne, que hizo en colaboración con Hajime Mizuguchi, Kanno se enfoco en hacer un OST de corte occidental, más que nada enfocado en los cantos gregorianos, siendo por momentos un tono tipo medieval o clásico. Los temas de "Flying Dragon", "Dance of Curse" o "Wings", se alejan mucho de un BGM japo clásico donde predominan la batería y los rasgueos de guitarra. Acá los compositores apostaron por un modo sinfónico muy llamativo, casi recordandonos a los temas que vimos en Saint Seiya.

Si a eso añadimos a la diversificación de los mismos, la cosa es alucinante. El tema de Dilandu "Shadow of Doubt" es un contraste brutal con "Ask the Owl".

Punto aparte en este rubro, son la música vocal. Como ya dijimos, el opening recayo en la capaz voz de Maaya Sakamoto que gracias a "No need promise", se lanzo a la fama a alturas insospechadas. El ending, "Mystic Eyes", también era impactante. En su momento este tema me atrapo tanto que era la causa que repitiera tantas veces ese demo del pobre VHS.

Las "insert songs", sin embargo, son lo mejorcito de esta serie. "Tomodachi", "The Days Wind Flows" o "Perfect World" son de antología. Aquí es donde destaco "White Dove" (ACEILUX), que es un tema vocal en inglés fabuloso, bárbaro, de los mejores que he escuchado en muchísimo tiempo. Técnicamente esta dentro de mi top 5 de todos los tiempos y que su parte inicial se escucha cuando Hitomi y compañía desembarcan por primera vez en Asturia.

En cuanto a la historia, la parte medular de este anime, no puedo ser tan preciso. La razón tuvo más que nada que ver con la "pésima" emisión que tuvo Tv Azteca de este anime.

Para cuando comencé a ver Escaflowne por primera vez, estaba en un momento un tanto sensible de mi vida. Eso me permitió adentrarme más y valorar mucho más este anime, al grado que la escena de la batalla en Fanellia me dejo medio traumado.

Sin embargo, Tv Azteca hizo de las suyas y luego del fabuloso episodio cuando Van derrota a las huestes de Dilandu, se le ocurrió cortarla.

Sep, eso fue un viernes y cuando el lunes ya estaba listo para verla, habían puesto otra cosa en su lugar. Literalmente trone y trone y seguí tronando un rato contra la televisora, que desde entonces, me haría eso con muchos animes que continuo emitiendo.

En fin, por suerte Escaflowne lo recuperaron para mediados de 1999 y pude disfrutarla en su totalidad. Sin embargo, esa emisión parece que choco en la vida de muchos, porque hoy en día sigo leyendo de "es que Azteca jamás emitio el capítulo final". Sí lo hizo, doy fe de eso (y mis VHS son la prueba), pero solo fue en una ocasión, ya que la serie volvió a repetirse, pero la cortaron a 2 episodios de terminarla, justo en la batalla final, esto ya para el 2000, cuando Azteca dejaba el anime de lado por sus prejuicios moralistas.

En fin, pese a haber tenido el enorme gusto de habela visto completa, en realidad cuando la volvieron a poner, ya mis perspectivas habían cambiado y tal vez por eso note que hubo un bajón en la calidad de la misma. Igual si lo hay, porque luego de que Van regresa del "Dark Escaflowne", parece que los guionistas quisieron alargar demasiado algunos momentos y la cosa comenzo a perder ritmo.

Nuevamente la cosa levanta cuando Hitomi decide volver de la Tierra para ayudar a Van, pero ya era el mero final.

Y aquí es donde me quejo de la conclusión de la misma, por lo cual hay SPOILERS y es que Van termina la guerra de manera pacífica, pero como se despide de Hitomi, eso fue demasiado idiota. Nuevamente una gran serie que tiene el tipico final japo, que apela más a algo abierto que a concluir las tramas impuestas (en especial las románticas). También el problema es que solo se enfocaron en la resolución de los protagonistas, cuando no vimos que paso con el principe Cheet, el matrimonio de Millerna y Dryden, etc. etc. Eso hubiera sido mejor que enfocarse en Van y Hitomi, pero bueno.

Por cierto, hay otro punto que tocar y es el doblaje. Realizado por CBAudio, aquel entonces Estudio Pegaso (cuyo dueño es Jesús Barrero), resulto ser bastante bueno, ya que tenía actores de doblaje provenientes de Procineas, la famosa cooperativa que en su momento se rebelo a los mandatos de la ANDA.

Pero los actores eran estupendos y lo demostraron, en especial Alma Willheme, Jorne Ornelas, Óscar Flores, Martha Ceceña, Federico Romano y Jorge Santos. Si eso agregamos a Pepe Vilchis o Genaro Vasquez. Es de los mejores doblajes que he escuchado en un anime y no le pedían nada a los seiyuus originales. Como punto extra, Victor Ugarte dio la voz al que considero uno de los mejores villanos de la historia: Dilandu, que no solo destacaba por su personalidad, sino su trasfondo psicológico.

Lamentablemente, para cuando Escaflowne fue proyectado para EUA, se decidio "censurar" la serie, a tal grado que los 26 episodios originales, se redujeron a 23 y con cortes en el intro. Una total mutilación. Hoy en día, se le conoce como "Escaflowne Special Edition".

En conclusión, The Vision of Escaflowne es de esos animes que cualquier fan debe ver y de manera obligada. En mi particular formo parte de un cambio de paradigma y me ayudo a ver que la animación japonesa puede aun ser un ejemplo de arte, combinando una excelente historia, con grandes personajes, una música formidable y una acción de primera. Lástima que a la fecha, aun se prefiera a este tipo de animes que los nuevos. En fin.

--------------------------------------------------

Saludos a mi propia Hitomi :3, así a quienes gustan de este tipo de anime.