Animes fantasmas: las series que aparecieron un instante y ya no volvieron.

La otra vez que venía con mi esposa luego de ir de compras, le platicaba sobre ciertas series que había visto de refilón en alguna ocasión por la TV. Por supuesto, ella se quedo un tanto extrañada, ya que nunca había oído hablar de ellas. Fue cuando me acordé del ejemplo más conocido hasta el momento: Yat Ashin (y el cual reseñe ya hace casi un año). Este anime, que en España se emitió en su totalidad con sus dos temporadas, apenas fue emitido en Latinoamérica en sus primeros 20 episodios y luego fue sacada, como no, por Tv Azteca de manera improvista. Por suerte, ahora la susodicha está siendo emitida en Guatemala (así que espero alguna alma caritativa este grabándola).

Detective Conan hubiese sido otro perfecto ejemplo, pero gracias a la labor del fandub y de los amigos chilenos, ahora podemos disfrutar esa serie con toda su potencia. Sin embargo, la mayoría de las que vi y se hicieron humo en su momento, jamás volvieron a ser emitidas, al menos en nuestro país. Inclusive, en otros países también tuvieron recorte y no hemos vuelto a saber de ellas. Por supuesto, no hablo de "Goleadores" o "Guerreras Mágicas", que aun se emitieron de manera reciente en Chile por el famoso canal Etc Tv, sino esas cosas raras que en algunos lugares si se vió, pero en otros se desconoce totalmente.

Por tal motivo, la siguiente entrada se enfoca en varios animes que tuvieron un flashazo y luego desaparecieron misteriosamente del panorama, así me dedicare a dos series que sí acabaron su emisión en México, pero luego no siguieron haciendo su doblaje y terminaron siendo enlatadas.


-Los Tres Mosqueteros (Anime Sanjushi)

Emitida originalmente en Japón a finales de los ochentas, este anime tuvo una salida reducida en Europa, donde inclusive el opening puede ser encontrado doblado a dicho idioma en el tubo. En México, tuvimos la curiosidad de verla en el verano de 1998, cuando de repente Azteca 7 se le ocurrió la idea de hacer un bloque de anime de lunes a viernes entre las 10 de la mañana hasta la una de la tarde (la serie que coronaba todo, era Saint Tail, que luego daba paso a los Protagonistas, programa de deportes dirigido por José Ramón Fernández). Sin embargo, este bloque nada más duro un par de semanas y le dieron cuello.

Lo poco que logré ver de este anime, es que era una adaptación japonesa de los Tres Mosqueteros de Alexander Dumas, pero tomándose varias licencias: Aramis era mujer y era un Mosquetero por cuestiones personales que desarrollaban de manera interesante. Dartagnan tenía precisamente un crush con ella y a la vez con Constanza. Aparte, los compañeros del protagonista eran un loro y un chico pequeño que le hacía de sidekick, todo esto adornado con batallas bastante interesantes, aunque un tanto sencillas. Lamentablemente, conseguir dicho anime hoy en día está en chino, más aun subtitulado, debido a su antigüedad como precisamente que nadie esta interesado en una serie, que personalmente, me encanto cuando la vi en su momento.


-Los Caballeros de Kodai (Magical Circle Guru Guru)

Este anime está basado en un manga de la casa Square-Enix y es una especie de parodia de los juegos RPG, muy en especial de Dragon Quest. Tuvo tal éxito que fue emitido un anime que adapta parte del primer tercio de la historia en 1994 y que duro 45 episodios (y un segundo en el año 2000). La historia se enfoca en Nike, un chaval que sueña con ser mago, pero su padre lo obliga a ser Caballero, por el simple hecho de ser el héroe de la historia. En México, el anime fue emitido precisamente en ese bloque que hizo Azteca 7 en 1998. Lamentablemente, también fueron dos semanas y para afuera.

Lo que me encantaba de esta serie, no solo era el humor burlón y estúpido conque estaba dotada, sino el espléndido trabajo de doblaje subyacente. Los actores se divertían de lo lindo parodiando algunas escenas y cambiando el tono, de acuerdo al estilo de la animación a cada momento. Cada vez que veía este episodio, soltaba una enorme carcajada, pero también la historia era interesante y para un gamer RPG como un servidor, está era bastante buena, pese a los guiños descarados y burlones a animes mucho más serios del rubro. Por suerte, hace unos meses, pude descargarla totalmente en español latino (no sé de donde la habrán sacado, así que agradecería el dato) y espero vérmela próximamente en su totalidad.


-El Zorro (Kaiketsu Zorro)

Otro anime adaptado a una novela, en este caso, la de Johnston McCullen, narra las aventuras de Diego de la Vega, un español recién llegado a las tierras californianas, donde tiene que vencer a los villanos de turno, bajo la identidad del vigilante llamado El Zorro. Fue emitida en Japón en 1996 y tuvo una duración de 52 episodios. En Latinoamérica ha sido emitida en varias regiones, pero sin completar totalmente (de allí que en la red pululen episodios de la misma de manera entrecortada). En México fue emitida curiosamente, un 5 de mayo de 1998, cuando Canal 5 saco un especial de varias series debido a ser día festivo. Sin embargo, solo fue un episodio y para afuera.

Aunque he visto muy poco de la serie, una de las cosas innovadoras, fue rebajar la personalidad de Don Diego, el protagonista, muy al estilo de He-Man, donde su contraparte es cobarde y pusilánime, pero el Zorro es todo lo contrario. También otro detalle que me agrado fue el opening bastante rítmico que se mantuvo igual en todas sus versiones (la serie se encuentra en castellano en el tubo). Lamentablemente, sí me hubiese gustado verla, ya que tenía el agradable doblaje latino-chileno.


-El anillo mágico (Utena Girl).

Este es de los animes más polémicos que apareció en las pantallas mexicanas. La trama, basada en el manga de Chiho Saito, se enfoca en Utena, una chica rebelde y con atuendo masculino, que al llegar a la Academia Ohtori, despierta el interés de quienes la rodean, en especial del Alto Consejo Estudiantil, que no dudará en batirse en duelo con ella en reiteradas ocasiones. El manga tuvo cierto éxito, pero el anime que apareció en 1997 en Japón, ha tenido una huella perdurable hasta la fecha.
En México la serie fue emitida de manera irregular entre el año 2000 y el 2002. La primera vez, fue a través del canal de paga, Unicable, que era una filial de Televisa. Siguiendo el ejemplo de otros animes, fue emitido en las mañanas, pero solo los primeros 30 episodios, ya que por razones de contenido, fue retirado de la parrilla. Para el 2002, ocurrió lo mismo, cuando fue emitida luego de los partidos del Mundial en Japón, pero solo en el Canal 5 Sky.

La serie, según los que la vieron (ya que un servidor no tenía Sky), es que los diálogos y nombres de los personajes estaban cambiados, lo cual restaba mucha madurez a la serie. Solo se sabe que se emitieron los primeros 30 capítulos, pero no el resto. Sin embargo, actores de doblaje han afirmado que sí se doblaron los 39 en totalidad. Lamentablemente, por la censura, mucha gente hoy en día fan de la serie reniega de la misma y con justa razón. Aun con esto, muchos opinan que el doblaje era bastante bueno.


-Cyborg Neko Kuro-chan

Este anime, emitido entre 1999 y 2001 en Japón, en México tuvo una ligera emisión en el 2000, cuando Canal 5 trato de contraatacar los animes que había sacado Azteca 7 y por ello, Digimon y otras series, como está, hicieron su aparición. Sin embargo, el horario de Kuro-chan, pese a ser de las 4 pm, nunca le ayudo a salir y aparte, tuvo mejor éxito cuando fue emitida un corto periodo también en el canal Fox Kids.

Personalmente vi unos cuantos episodios de la misma, pero el humor tan japonés como la trama tan escatalonica, me hizo dejar de verla. Simplemente jamás fue mi tipo de serie, aunque en algunos fans tuvo un gran valor (una ex novia hablaba maravillas de la misma en su momento. Actualmente, mi hija adoptiva jeje). Posteriormente, fue emitida en otros países, como Chile (de allí que muchos masters del doblaje, mexicano, se puedan conseguir fácilmente hoy en el tubo sin problemas).


-Rave Master

Es curioso como esta saga, que esta inspirada en un manga muy aclamado de la Editorial Kodansha, haya tenido un anime que paso sin pena ni gloria, tanto en Japón como en Latinoamérica. La trama se enfoca en Haru, un chico que es poseedor de unas de las Rave, una piedra que formaba parte de una poderosa arma mágica que destruyo al villano omnipotente hace 50 años. Ahora, Haru debe juntar el resto de las piedras para formar la espada y derrotar al malo de turno. Se estreno en Japón entre 1999 y el 2001. En México fue emitida de manera intermitente en el año 2003, teniendo un doblaje latino harto interesante. Debido a la crisis de la programación de Cartoon Network, nunca fue emitida en su totalidad.

Lamentablemente, la serie actualmente tiene poco punch entre los fans (aun cuando su autor es el creador de la famosa Fairy Tail) y por lo tanto, poco se sabe de ella. Apenas algunos episodios en doblaje latino se encuentran en la red y aunque se puede conseguir subtitulada, no tiene relevancia. Personalmente, no me gustó mucho y es que sigue ese mismo hilo de Fairy Tail, que me parece buena como serie shonen, pero que no tiene más que aportar a este tipo de series (aunque los fans se molesten, es la pura verdad).


-Mirmo Zibang

Una serie que lamente muchísimo que no continuaran doblando y que hoy en día, es casi desconocida para muchos. Basada en el manga de Hiromu Shinozuka, tuvo una adaptación al anime que duro más de 170 episodios y que termino en el 2005 (misma fecha que el manga). Fue emitida en Japón entre el 2002 y el 2005. En México, se emitió en enero hasta abril del 2005 y tuvo cierto recibimiento importante, luego de sustituir a Kaleido Star en el horario estelar de Cartoon Network. Lamentablemente, el cambio de programación del canal hizo que la serie solo alcanzase a emitir la mitad de los episodios.

El anime, que se enfoca en la vida de Kaede, una chica enamorada que conoce a Mirmo, un simpático duende que es capaz de concederle deseos a cambio de dulces (nada tonto). Pese a ser autoconclusivos y ser muy sencillos los capítulos, personalmente me encantaban y tanto el ending como opening estaban estupendamente doblados ("...soy pastelera de amor y te voy a encantar..."...erh, lo siento). Luego de su paso por Cartoon Network, la serie no ha vuelto a ser emitida y como parece tampoco tuvo popularidad, solo se doblaron los primeros 52 episodios. En España se ha doblado en su totalidad toda la serie y tuvo una gran aceptación en aquellos lares.


-Doremi

Sí, la mítica serie de las cuatro brujitas no estuvo completa en su emisión en Latinoamérica. Emitida en Japón entre 1999 y el 2003 con gran éxito y en cuatro temporadas, apareció en las pantallas mexicanas a finales del año 2000 (aunque previamente estuvo en Unicable en el verano de aquel año), donde igualmente fue bastante popular (mi esposa actualmente tiene muñequitos de la serie). Sin embargo, la emisión de la misma se fue cayendo a la par que el doblaje. Entonces, la encargada de esto, era Intertrack, pero la quiebra de esta última y la mudanza a Cuernavaca, provoco que la calidad disminuyese sensiblemente y muchos actores la dejaron, para traer a otros con no el mismo impacto.

El 2001 fue el año de la última emisión de Doremi, al menos en señal abierta. En el canal, aun pudimos disfrutarla en el verano del 2002, pero ya no era lo mismo. Aunque hoy actualmente las dos primeras temporadas son buscadas por los fans, se extraña que no se tradujeran el resto, ya que por lo mismo, eran igual de buenas o mejor que sus antecesoras, sobre todo porque veíamos una evolución en los personajes de manera importante.

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Saludos a la dueña de mis quincenas ^^, así a quienes gustan de este tipo de animes. Creo que habrá una segunda parte, ya que me quedaron varios pendientes.

Animación "Made in DC": Capucha Roja y Mala Sangre

Hace unos cuantos años, un compañero de armas en el hospital me recomendaba con ahínco ver una película animada de DC, llamada "Under the Red Hood", uno de los tantos filmes de animación que hacen en conjunto Warner Bros y DC desde el 2007 (Superman: Doomsday, es quien inicio tan bonita tradición). Por supuesto, deje la recomendación de lado por un buen rato, debido a que tenía otras cosas en la cabeza, en especial otras series o animes que ver.

Sin embargo, hace varios meses ya, me decidí al fin ver la película y la descargue (seh, piratería, llámenme Barbanegra) para chutarmela mientras arreglaba la casa. Debo decir que no fue buena idea, no al menos para la casa, ya que la mitad del tiempo me la pasaba con la escoba en mano mientras no dejaba de ver dicha animación. Con esto, me uní a una generosa cantidad de fans que opina que los dibujos animados de la susodicha compañía son infinitamente mejores que sus contrapartes de "acción real". El mayor ejemplo es que una de las mejores series de animación de los años noventas, fue el Batman de Paul Dini y compañía. Sin embargo, parece que el director sentó escuela en los estudios de animación de la Warner Bros y ahora tenemos excelentes filmes al respecto.

Esto ha motivado que me haya estado viendo de manera continua algunas de las obras maestras del mismo estilo y que me han dejado impresionado. No solo por adaptar ciertos arcos argumentales de comics legendarios, sino también en improvisar y retocar algunos para hacer sus propias historias originales. Por ello, a continuación hablare de dos filmes del Caballero de la Noche, que me gustaron bastante y que de antemano, recomiendo de manera amplisima.


-Batman: Bajo la Capucha Roja

Argumento: Años atrás, Ra´s al Gul se lamenta profundamente de una alianza que hizo con el Guasón y es que ambos desean gobernar el mundo provocando un crack económico, teniendo como raíz la ciudad de Sarajevo. Durante el interludio, Jason Todd es secuestrado por el Guasón y luego de torturarlo, decide matarlo con una bomba justo unos instantes antes de que Batman fuese por su ayuda. Con la muerte de Robin, Batman decide volver a trabajar solo por un tiempo.

En el presente, Black Mask y su organización se ven asediados por un nuevo villano que planea controlar el crimen en Ciudad Gótica, llamado Red Hood. Batman comienza a investigarlo y se da cuenta que sus tácticas como armas son muy parecidas a las de él. Con ayuda de Nightwing, es como logra llegar a la identidad del nuevo malo maloso de Gótica. 


Comentario personal: Lo que me pareció original de este filme (estrenado en el 2010), fue la originalidad para conjuntar dos arcos argumentales muy complejos, como son "Muerte en la Familia" y "Red Hood". El primero es una de las historias más famosas y polémicas de la casa DC. Publicada en dos números entre 1988 y 1989, relata precisamente la muerte de Jason Todd, el segundo Robin, a manos del Guasón, cuando este manipula a la madre del susodicho para atraerlo y luego de darle una paliza con una palanca (ícono de la serie posteriormente), lo hace volar en pedazos, sin que Batman pudiese hacer algo.

La muerte de Todd provoco un desaguisado importante con los fans. Primero, es que la inclusión de dicho personaje genero mucha más polémica, ya que los autores, para distinguirlo de Nightwing, lo hicieron sumamente agresivo y violento. Atlética y mentalmente era muy poderoso, pero Todd era inestable y eso no le gustaba a los fans. Por ello, se decidió hacerlo morir, pero mediante una votación, donde el "sí" gano por cierto margen. Claro, todo se resarció con la llegada del tercer Robin, Tim Drake, pero que provoco líos entre la editorial y los lectores, ni lugar a dudas.

Sin embargo, más broncas fue el que fuese resucitado para el 2005, bajo la identidad de Red Hood, el supuesto villano que mata a los padres de Bruce Wayne (el cual no ha tenido una adecuada continuidad en ese punto). Incorporar a Jason al principio no fue del agrado de los fans, pero luego se los fue ganando (inclusive a un servidor), por poner a alguien de la Batifamilia como un tipo amargado, duro y sin escrúpulos.

Todo esto que comente, esta de manera implícita en el filme. Es una de las ventajas enormes de las animaciones y es que tienen un tono adulto bastante marcado. No solo por manejar violencia, sexo y escenas gráficas fuertes (en lo posible), sino también porque tratan al espectador como adulto y sobre todo, hacen guiños muy sutiles a los fans de los comics. Claro, algunos podrán argumentar la falta de la madre de Jason como una señal de censura, pero siendo sinceros, esta parte siempre me pareció de más en la trama del comic y al final, la señora pasa a ser un cero a la izquierda con la muerte de su hijo.

Otro punto a favor es que pese a que sabemos que Red Hood es Jason Todd, la forma de comentarlo no es tampoco para engañar a los espectadores más jóvenes o más inocentes al respecto. Las sospechas se dan desde un principio y Batman ya para el primer tercio (junto con nosotros) sabe quien es Red Hood. Sin embargo, el resto de la trama se enfoca en desarrollar la curiosa relación que tuvieron (y tienen) ambos personajes, lo cual sirve para armar una psicología estupenda no solo de Bruce, sino también del mismo Jason. Esto se denota con la primicia de verlo como una persona ya torturada, amargada y lastimada, aun antes de conocer a Batman y que el ansia de poder como la falta de autocariño, propiciaron que se volviese un poco loco.

Pero si los protagonistas son estupendos, los villanos no se quedan atrás. Black Mask hace de un secundario bastante potente que se ve aun más magnificado cuando aparece el Guasón. Aquí se hace una curiosa división entre villanos, donde Black Mask entra en el cuadro de los más tranquilos, mientras el Guasón es un psicopata que no se debe tocar en ningún momento (lo cual finalmente se hace y desata el caos). Personalmente, el diálogo que mantiene este con Batman y Red Hood casi al final, es soberbio, aun pese a las bromas sádicas del Guasón (¿Y si nos tomamos una foto? Primero tú y yo, luego los tres, finalmente una con la palanca). Estas conversaciones se mantienen de manera estupenda en toda la película y no tienen desperdicio alguno.

Sí esto no fuese suficiente, los guiños no acaban, ya que la historia hace referencia a otras fechorías del Guasón y como ha manipulado, utilizado, lastimado y asesinado a otros personajes que no aparecen, pero que podemos intuir como Batichica, el Comisionado Gordon, etc. etc.

Pese a las cuotas de alta calidad, también tiene sus detallitos. Incluir a Ra´s al Ghul en la trama me pareció un poco trillado y hasta desaprovechado, ya que el villano es formidable y de repente tenerlo allí pidiéndole disculpas a Batman por usar al Guasón, me pareció un poco sobrado. Tal vez funciona para darle algo de volumen a la trama, pero creo que otro motivo hubiese sido mejor. Claro, tampoco podríamos justificar la resurrección de Todd de otra manera, ya que el único elemento mágico-curativo, es precisamente el Pozo de Lázaro que usa dicho archivillano.

Curiosamente, otro punto de altísima calidad, es labor de la posproducción. Ya he comentado el doblaje de las películas de DC corre siempre a cargo de actores venezolanos. Aquí nuevamente ponen una nota de altísima calidad y vemos voces muy coherentes, como estupendamente actuadas (aun mejor que la versión en inglés, que también me vi por pedazos). Aunque en un principio no me gustaba Héctor Indriago como Batman, poco a poco me ha ido convenciendo más, tanto por su voz como perfomance. Claro, otro que sigue dando guerra de forma increíble es Ruben León como el Guasón. Sin él como voz del payaso psicótico, la serie o película perdería mucho fuelle y aquí lo vemos estar excelso.

En conclusión, "Under the Red Hood" es un excelente film animado de Warner Bros. No solo con un excelente nivel de animación, sino también con un estupendo "resumen" de dos sagas continuistas, sin quitarle ese tono adulto, pero si lo suficientemente concisa para exponerla a un público más joven. Altamente recomendable y que permite visualizar más a Batman y que no todos en la Batifamilia están tan bien de la cabeza.


-Batman: Mala Sangre.

Argumento: Batwoman intercepta un grupo de criminales cuando iban a hacer de las suyas. Batman también interviene, pero en el asunto, el encapotado salva a Batwoman de una explosión, quedando él atrapado. Han pasado dos semanas y nadie sabe de Batman. Nightwing, Robin (encarnado por Damián Wayne, el hijo de Bruce) y Batwoman tienen que unir fuerzas para investigar lo que paso con Batman, a la par que el hijo de Lucius Fox, también decide tomar cartas en el asunto, luego de que su padre es herido en un ataque a la bodega donde se guardan los artilugios del Caballero de la Noche. 

Comentario personal: Nuevamente, estaba aburrido y por azares del destino, me decidí a ver esta película, más con el plus de que tenía dos nuevos personajes de la Batifamilia: Batwoman y Batwing.
Mientras el segundo es un chara nuevo, relativamente en la trama de Batman, la primera tiene un camino bastante largo en el universo DC. Ella, junto con otros personajes, formaron parte del "camp" que vivió Batman junto con Superman, en los años cincuentas y sesentas. El aspecto conservador de dicha sociedad de esos años más el tratar de enfocar los comics hacia la familia, hicieron que muchos personajes de este tipo apareciesen, como contrapeso a un Batman y Robin, tachados en su momento como personajes gays encubiertos.

Sin embargo, con el rediseño del universo en los años setentas, este personaje y otros fueron eliminados. Sin embargo, para principios de esta década, decidieron volver a traerlo, con una estructura diferente. El primer detalle es que la protagonista de esta historia, Katherine Kane, es una pelirroja bastante atractiva y que estuvo en West Point, hasta que fue expulsada. El detalle a agregar es que es lesbiana, lo cual en la película lo muestran sin tapujo alguno (y una suerte de ironía, contraponiendo el propósito por el cual fue creada originalmente).

Aunque suene excesiva esta presentación de un personaje nuevo, en realidad la película se enfoca en ese rubro de manera importante, al menos en su primera mitad. Mientras el anterior era una mezcla de drama y de acción detectivesca, acá nos encontramos con una película que busca presentar a los nuevos integrantes de la familia de Batman, haciéndolo de manera genial con Kath, pero errando tremendamente con Luke Fox, el hijo de Lucius, ya que solo lo muestran como un soldado extremadamente independiente pero que quiere apoyar a su padre con todo.

Y es que siento que el peso de la trama se inclino demasiado sobre Kath. No me desagradaba eso y no se siente mal, pero cuando revisite la película, me di cuenta de que tampoco el plot de dicho personaje esta bien acabado. No vemos si se va reformando o solamente es una forajida al estilo de Capucha Roja, aun pese a explicarnos sus motivaciones y como Dick Grayson (Ricardo Tapia), lo va trabajando con sus comentarios. Personalmente, siento que la participación de Dick es mucho más potente y se ve adosada con un inquieto e impertinente Damián, que le da un carisma extra a la película, la cual va de un personaje a otro, conociendo sus motivaciones, todas rodeando al fundador original (lo cual Dick comenta de manera agria durante algunos momentos).

Pese a esto, el filme es rápido, divertido y con mucha acción pero también con momentos de drama importantes. Sin embargo, mientras con Red Hood, se lograban aterrizar algunas cosas, acá no se logra y por eso cuando lo termine, lo sentí muy corto o muy poco trabajado por momentos. Pese a esto, tampoco sabe mal y me la pase muy bien. Aparte, de que no necesitas ver la película previa (Batman vs Robin) para entenderlo.

Curiosamente, un personaje que sí me gusto como lo pusieron, fue a Talia al Ghul. No solo nos dan a entender directamente que es la madre de Damián, sino también vemos otra faceta de ella, ya que siempre la veíamos como un villano secundario, apoyando a su padre, pero mucho más suave. Aquí es lo contrario, ya que la vemos más como la villana que apareció en el filme de "The Dark Knight Rises". Lamentablemente, tal como en la misma, el villano que apoya a Talía, Heretic, parece tener una participación importante e inclusive vemos con sorpresa que es un clon de Batman y de Damián. Yo esperaba algo apotéosico con este, pero resulta que Talia se lo carga de un balazo y punto. Claro, su muerte sirve de puntilla para el final de la propia Talia, pero me pareció un desperdicio tremendo y en muchos sentidos.

Otro aspecto muy poco tocado y un tanto cliché, es el lavado cerebral que Batman se ve sometido en alguna parte del filme, por parte del Sombrerero Loco (el cual me gusto su participación). Pensé que igual lo explotarían de otra manera y la resolución del mismo tampoco me agrado demasiado, pese al diálogo emotivo entre Dick y su maestro al final.

Por cierto, otro aplauso al estupendo doblaje de la serie realizado en Venezuela. Los actores estupendos y se hace una buena continuidad, sin caer en cambiar la voz a cada rato de los personajes.
En conclusión, "Batman: Bad Blood", es un buen filme de la saga de animación de la Warner Bros. Sin embargo, pese a la estupenda animación, la acción y ciertos momentos de trama, se mantiene como irregular por momentos y con menor potencia argumental como emotiva con respecto a Red Hood. Pese a esto, es un buen filme de acción y es divertido, aparte de que la acción esta bastante bien lograda. Bastante recomendable, aunque eso sí no eres muy exigente con el argumento.

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Saludos a mi adorable esposa :3, así a quienes gustan de este tipo de filmes.

Monster: uno de los mejores mangas seinen de la historia.

La historia de "Monster" esta ligada a una de las mejores partes de mi vida que he tenido y que técnicamente se ha venido prolongando hasta la fecha. Y es curioso que esta historia, tan potente, tan tétrica, cuando la leo en formato manga o vea algún episodio, me termine sacando una sonrisa.

Ya como he comentado, el 2006 fue un año bastante horrendo, al menos en sus primeros dos tercios. Fue hasta el otoño que las cosas comenzaron a enderezarse y de allí no paro hasta hace un par de años, cuando la situación se volvió a poner difícil (que por suerte, está vez no fue por algo totalmente mío). Si he visto el 2003 como un año de renacimiento, el 2007 fue otro parecido pero en mucho mayor medida: comencé a comprar mangas, a ver anime totalmente nuevo y por supuesto, no menos importante, conocí a una persona que actualmente es mi esposa. Todo esto se conjunto con una apertura bastante importante, volviendo al anime y con mayor fuerza. Creo que allí fue cuando establecí un riguroso régimen que aun hoy tengo en día, donde me chuto al menos dos o tres episodios (y que permite hacer mis locas reseñas en este humilde blog).

Aun no sé como llegue a toparme con la saga de Monster, del maestro Naoki Urasawa. Creo que alguien me la recomendó (aparte del maese Starknight), o simplemente me puse a leer artículos en la red de manera aleatoria y fue cuando llegue a la susodicha. Los comentarios sobre la misma hicieron que no tardase en tratar de conseguirla, al menos en formato anime. Por suerte, algún fansub caritativo me hizo el paro y para finales del 2007, pude conseguirla (aunque no de manera legal, como ustedes sabrán). Recuerdo con bastante frenesí el mes de diciembre del 2007, cuando me la pasaba viendo cada capítulo de la serie, aun en mis tiempos libres, antes o después de ir al trabajo. Fue de esas series que me marco en su momento y aun lo sigue haciendo, pese a ese aire tan adulto que tiene (justo ahora para hacer esta reseña, escucho el famoso primer ending, "For the Love of Life" de David Sylvian).

Sin embargo, jamás espere que la potencia de Urasawa sensei llegase tan lejos, ya que actualmente, mientras escribo estas palabras, otro de sus mejores mangas, "20th Century Boys", se está publicando en México. Pero antes de este, "Monster" vino en dicho formato, por aquellos años y del cual hablaremos a continuación.


Monster (モンスター Monsutā?) es un manga y serie de anime escrito y creado por Naoki Urasawa. El manga comenzó su serialización en el año 1994 en la revista Big Comic Spirits de Shogakukan concluyendo en 2001 con dieciocho volúmenes compilados. Tres años más tarde, Madhouse asume la adaptación al anime de la obra de Urasawa, en una serie de TV de Setenta y Cuatro episodios en total.


Antes que nada, hablemos de Naoki Urasawa. Este nipón, nacido en el año de 1960, actualmente tiene 56 años. Su carrera la hizo en la Universidad Meisei, siendo de carácter privado y enfocada en la economía. Precisamente, el autor se graduó en ciencias económicas. Sin embargo, el manga terminaría siendo su vida, ya que inició de manera contundente en 1981, con la obra "Return", por el cual ganaría el premio de la editorial Shogakukan.

Es curioso que uno de los mangas más emblemáticos del maestro Urasawa no sea una trama tan densa como la vista en Monster o 20th Century Boys, sino la de un manga shonen de deportes: Yawara!

Aquí me disgregare un poco, ya que esta historia fue de las primeritas que leí en una página de internet a finales de los noventas. Yawara! es considerada una serie de culto en ciertos países europeos, pero sobre todo en España, donde inclusive llego a ser doblada y emitida con cierto éxito. La trama se enfoca en una luchadora de judo japonesa sumamente talentosa, que gracias al impulso de su abuelo y un periodista, se vuelve una de las mejores combatientes de todo Japón, al grado que llega a ganar la medalla de oro en los Juegos Olímpicos de Barcelona. Con esta primicia, en su momento trate de leer más o ubicarla, pero claro, los estándares de la red en aquellos tiempos eran malos con "m" mayúscula. Ya hasta fechas actuales he podido ver uno que otro episodio.

Esta sería la gran obra del autor, pero lejos de enfocarse en el deporte, comenzó a diversificarse y como prueba, la serie "Master Keaton", tendría un gran recibimiento, también siendo animada unos años después. De aquí, es cuando el autor se embarca en una aventura de 7 años para completar Monster y luego vendrían otros grandes éxitos como 20th Century Boys y Pluto. Actualmente trabaja en otra serie al estilo de estas últimas, llamada Billy Bat.

"Monster" se edito en la Big Comics Spirits de la editorial Shogakukan entre 1994 y el 2001. La revista, con enfoque hacia hombres jóvenes, da a entender el carácter adulto (seinen) de la misma. Tuvo un recopilatorio de 18 volúmenes (Tankobou).

Argumento: Kenzo Tenma es un talentoso neurocirujano que esta terminando su residencia en un hospital de Alemania. Esta comprometido con la hija del director del lugar y todo le sonríe. Sin embargo, en una noche, cuando va a operar a un paciente traumatizado pero de escasos recursos, el director decide moverlo hacia otro quirófano para que opere a un hombre rico. Tenma obedece a regañadientes pero luego se entera de que el paciente pobre ha fallecido y la familia le recrimina su labor. Tenma, adolorido, decide no volverse a manipular por nadie. En la semana recibe a un niño que ha sido baleado en la cabeza, a la par que un famoso cantante ha tenido un accidente vascular cerebral. Tenma, pese a la presión, decide operar al niño y lo hace con éxito. Sin embargo, la directiva del hospital lo castiga cortando su carrera ascendente, a la par que su novia lo deja.

Los años han pasado y Tenma ayuda a sus pacientes como puede, aunque amargado por como lo tratan en el hospital. Sin embargo, la muerte del director y de otros tantos allegados, hacen que Tenma vuelve a figurar en el panorama. Es cuando encuentran a un sujeto que llega herido al hospital. Este le cuenta a Tenma sobre un sujeto llamado Johan, "El Monstruo". Sin embargo, el protagonista no alcanza a dilucidar quien es, cuando el paciente escapa y Tenma va tras él. En el momento, este se da cuenta de que Johan es el niño que había salvado unos años antes y que este está detrás de una serie de horrendos asesinatos que planean desestabilizar la tranquilidad de quienes lo rodean, a la par que busca una venganza personal. Tenma no tiene otra opción que ir en su busca y detenerlo a como sea.

Comentario personal: cuando leí la reseña de Monster, que en su momento me inspiro a la buscar la serie, el autor del artículo fue muy directo y sencillo, comentando que la trama se enfocaba en una especie de asesino serial en la Europa de los años noventa. Esto me termino convenciendo de un plumazo, ya que los japoneses son expertos en enfocar todo lo bueno y malo en su propio país. En cambio, Urasawa aunque tiene esa tendencia (como con los protagonistas de sus historias), el resto del contexto se enfoca formidablemente en el extranjero, muy en especial en países europeos, como Alemania, la República Checa, etc. etc.

Esto hizo que la serie me encantase desde un primer momento. Todo se desarrolla en Alemania y el autor hace un fantástico trabajo con el ambiente, en especial con todo tipo de términos culturales muy propios (la BKA - el FBI alemán -, el nombre de las calles, las profesiones, los poblados, etc.), lo cual hace que salvo el arte, la historia parezca sacada de una novela negra anglosajona. Este es el primer punto a favor del manga, donde la historia es formidable, siendo muy densa por momentos, pero no porque el autor le de vueltas, sino porque está llena de datos y contenidos que hacen no solo a los personajes sumamente complejos, sino la historia tenga un punto de donde agarrarse.

Se refleja este punto sobre todo en la concepción de Johan y su hermana gemela, Nina, donde su concepto está muy ligado a ciertos puntos de la historia muy complejos pero sumamente tremendos, como la pureza de la raza, la creación de humanos perfectos y la ideología nazi que rodea a estos, pero sin caer en las tonterías de poner tecnología de punta, sino hacerlo todo bastante realista. Y sí la historia es tremenda, los personajes aun más, ya que no vemos buenos ni malos. Técnicamente, el único 100% bueno y que se sale de la escala, es Tenma. El resto son caracteres llenos de aristas, de motivaciones personales, que van cambiando conforme avanza la historia. Un fiel reflejo de ello, es el detective Lunge, que va persiguiendo a nuestro protagonista por toda la historia. Hay momentos que deseas borrarlo del mapa y otras, donde lo admiras por su inteligencia y astucia. Esta línea, aunque no tan omnipotente, recorre al resto de los personajes y te hace dudar de lo que has visto y escuchado.

Sin embargo, Urasawa sensei también tiene la capacidad de no tratar al lector como un tonto, ya que la explicación de algunas situaciones es directa y no tiene que redundar en ella constantemente, de allí que uno tiene que estar al pendiente de diálogos y momentos que luego resultan claves posteriormente. Esto hace que la trama sea ambivalente a cada instante. Por un lado uno no puede evitar sentir cierta simpatía hacia Johan, ya que este va manipulando y moviendo las cosas a su favor, no solo para obtener su venganza, sino para cumplir cierto objetivo que se ha planteado. Atrás de él va Tenma, que se encarga de solucionar y poner una gota de esperanza a donde su némesis ha pasado. Aunque algunos han criticado esta situación en el manga, a mi me parecía una contraparte muy adecuada. Uno va leyendo la obra y el pesimismo es fatal en ciertos tramos, ya que Johan se encarga de sacar lo peor de la gente, sea con sus acciones o sus comentarios, haciendo creer que eso es lo tiene toda persona. En cambio, Tenma muestra el lado positivo constantemente de dicha situación, haciendo que la carga o tensión se alivie de sobremanera.

La psicología de los personajes es compleja pero bastante directa. Vemos el nacimiento de un psicópata en todo el sentido de la palabra (lo cual ya explique en una entrada anterior, sobre como pudo haberse gestado tal cosa en la mente de Johan). Aparte, la misma psicopatía se ve enmarcada sobre todo en ciertos personajes de manera muy tenue, y también otros problemas, como en la del detective Lunge. Steiner el magnífico, la ex novia de Tenma (que tiene mucho empuje en la serie) o la misma Nina, que resultan ser personajes odiados por momentos, entrañables, pero también complejos y que no sabes como van a reaccionar, por las heridas emocionales que han recibido, no solo durante la trama, sino antes.

Y es que la obra constantemente te cuestiona tus propios principios, lo que piensas o sientes, de manera indirecta a través de los personajes. Personalmente salía agotado luego de leer un tomo (o ver un episodio), ya que el vaivén emocional era muy fuerte. No es que hubiera acción o grandes momentos, pero esos diálogos preciosos y bien concisos, hacen a uno pensar sobre la situación. Este instante es lo que más me gusta de las obras de Urasawa (y que luego vi en Pluto o en 20th Century Boys). Inclusive, la parte final del manga, pese a ser un desenlace muy bueno, aun nos deja con muchas dudas (¿Quién es en realidad el Monstruo?). Personalmente, me dejó frío y hasta con esa sensación de desasosiego, no mal plan, pero sí muy perturbadora.

Como plus, algo que me agrado también del manga (y amplificado de manera importante en el anime), es el cuento del Monstruo que aparece como a medida de alegoría en la trama y que parece relatar los pasos de Johan y su forma de ser. Esta especie de fábula, le da un toque bastante macabro por momentos y que nos hacía ver como terminaría Johan (y que se relaciona con Karl Popper, un sujeto que se convierte en el "axis" de la historia sin querer).

En conclusión, "Monster" es un manga bastante recomendable para todos. Aunque parezca complicado, en realidad es bastante sencillo de leer y uno mismo va sacando conclusiones interesantes con su lectura. Me la pase genial en su momento leyendo en la red (situación por lo cual lo aclarare más adelante) y aun hoy en día, lo reviso de manera periódica, para regocijarme, no solo con la historia (en especial con los tramos donde se va gestando un auténtico asesino serial o un manipulador, que con mi carrera, he podido comprobar que es casi 100% exacto), sino con el excelente dibujo de Naoki Urasawa que se aleja del tópico de los japos de ojos saltones y medio deformes.

Finalmente, ¿Cómo conseguirlo?, el manga se edito en México entre el 2006 y 2008. Fue de las últimas obras que trajo la Editorial Vid, antes de irse definitivamente a la quiebra y casi fue una salida sorpresiva, ya que nadie comento de este manga en su momento. Sin embargo, tuvo una amplia recepción. Claro, en su instante me enteré de su salida pero no me llamo la atención, hasta que leí el artículo (¿o fue la recomendación?). Lamentablemente, en aquel entonces no tenía el suficiente billete para comprarlo y tuve que esperar a la liquidación de las tiendas Vid, para comprarme varios tomos que aun tengo allí guardados. Siendo sinceros, no tengo la colección completa, pero como dije, entre la red y el anime, fue más que suficiente.

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Saludos a mi esposa, así a quienes gustan de este tipo de mangas.

Soundtracks de Sailor Moon, tanto en español como en inglés.

Continuamos con la saga de Sailor Moon y es que mientras hacía la reseña sobre "Another Story", el videojuego RPG para la Super Famicon que salió hace veinte años, me puse varias melodías del soundtrack de la serie animada de 1992 para ponerme en ambiente. Sin embargo, el winamp se terminó pasando y entonces me tope con las canciones que tengo de otras versiones del OST de esta emblemática serie. Un par de ellos, fue el soundtrack "gringo" que acompaño al estreno de la susodicha en la televisión americana en 1996 y el albúm chileno, que en realidad fue una adaptación del americano, solo que en español.

Durante varios años, estos soundtracks permanecieron en el anonimato. En el caso del primero, fue debido a la poca aceptación que tuvo la versión "adaptada" de Sailor Moon, lo cual merece un tema bastante aparte (y tal vez para una futura entrada). Aparte del cambio de algunas temáticas, la música de fondo fue cambiada substancialmente y reemplazada con canciones poperas de aquellos años. Un servidor fue testigo de ello, ya que cuando me fui a otra ciudad a estudiar mi carrera, en aquel entonces, el distribuidor de cable que tenía mi familia pasaba el Cartoon Network "gringo" (esto para 1997) y en una de esas, llegaron a pasar Sailor Moon por corto tiempo. Claro, era en inglés y con lo que acabo de comentar. Este contraste, con la serie que estaba terminando por emitir Tv Azteca (Sailor Moon finalizaría el año siguiente), era abismal y es lógico que cayese en el olvido.

Sin embargo, los fans se han encargado de darle un nuevo valor a estas canciones y personalmente, a mi me encantan. Tienen ese aire tan noventero y tan cursi, pero a la vez tan pegajoso, que ahora forman parte de mi biblioteca musical. A esto tenemos de colación el albúm chileno que salió un par de años después. Y es que el boom del anime fue tremendo en nuestro país, pero en otras latitudes, también alcanzo cuotas increíbles, en especial en Chile, donde varios artistas sacaron discos conmemorativos del mismo, donde adaptaban canciones que no habíamos escuchado antes. Este llamado "Sailor Moon Super S songs", en realidad era una sencilla adaptación del gringo, con resultados regulares. Por supuesto, actualmente otros cantantes fanduberos también han aportado de su cosecha, como Jessica Toledo o Salome Anjarí. Por ello, esta entrada va dedicada a las diferentes rolas que formaron parte de ese emblemático soundtrack de 1996.


-Call my Name

Antes que nada, hay que conocer a Jennifer Chihi. Esta actriz de doblaje americana, fue la encargada de darle la voz a Bunny/Usagi en la versión gringa. Sin embargo, también fue la cantante de la mayoría de las rolas del soundtrack del 96. Actualmente esta actriz ha vuelto a tener renombre entre los fans clásicos y ha sido objeto de entrevistas como de caza de autografos. No puedo negar que su voz es preciosa (no tanto su doblaje, Serena tiene una voz horrenda en inglés) y para interpretar estas rolas, en especial esta, que es sumamente noventera, le queda de perlas. Debo decir que me encanta, aunque está no es mi favorita de todas las canciones del soundtrack. Por cierto, en Chile, la interprete fue Vanessa Henríquez y su voz es casi similar a la de Chihi, increíble. En el caso, ambas versiones son sumamente parejas en ritmo e interpretación.


-Rainy Day Man

Patricia Tollet (seiyuu en inglés de Makoto Kino) fue la encargada de dar la voz a esta rola, que se supone es el tema de Sailor Jupiter. Curiosamente, este tema es de los más añejos que he escuchado. La primera vez que lo oí (y descargue) fue en un archivo de formato ram hace más de 15 años. En aquel entonces, desconocía todo sobre la música de Sailor Moon y pensé que en Japón habían sacado canciones en inglés, hasta que me entere del susodicho soundtrack gringo. Es una canción muy bonita, tanto en ritmo como en letra y no sé porque me da ese aire de nostalgia, no solo que impregna a la serie, sino a la misma Sailor Jupiter. En español, fue interpretada por Vanessa Henríquez, aunque con menor fortuna que su versión en inglés, ya que en la original, Tollet hace un trabajo muy destacable y por mucho.


-Carry On

Otro tema bastante añejo, pero de mis favoritos del soundtrack del 96. Interpretado por Jennifer Cihi, retrata a la perfección la esencia de Sailor Moon y es que esta rola, muy de su generación, es la que más se aproxima a lo que era la esencia de la serie en Japón (guerreras justicieras y enamoradas, ugh, sonó muy cursi). También este lo conseguí en formato Real Player y hasta años recientes, cuando supe del OST del 96, fue cuando pude tenerla en formato de alta calidad. Curiosamente, la versión interpretado por Henríquez es una adaptación no totalmente fiel, ya que el título no podía ser adaptado literalmente. Sin embargo, debo decir que es bastante buena y le hace una excelente pelea a la versión original, inclusive diría que la voz rockerona de la interprete chilena le va de perlas a la melodía.


-I Wanna be a Star

Eh, debo admitir que esta canción interpretada por Cihi y Sandy Howell (la seiyuu de Sailor Mars) es bastante...casposa. Sí, definitivamente es una rola demasiado noventera, casi diría que hasta con tintes ochenteros muy potentes (pero de los malos). La letra tampoco le ayuda y se aleja totalmente de la temática de Sailor Moon, donde en lugar de ser chicas luchando contra los malos de turno, más bien parece que están metidas en una trama al estilo de Jem & The Holograms. Para colmo, quien sabe a quien se le ocurrió meter un "diálogo" a mitad de la canción que hace mucho más horrenda la canción. Para colmo, la versión de Henríquez es muuuy superior, tanto en dialogo como interpretación. El problema es que se nota que la cantante no es actriz y el dialogo suena mucho peor por momentos (allí si debieron improvisar con alguno de la serie original, pero bueno, copyright).


-Power of Love

Esta rola no viene en el soundtrack del 96, sino en el famoso "Lunarock" de 98. Sí, fue tal el éxito del primero en EUA, que sacaron un segundo, pero más apegado a la versión japonesa, al grado que la canción "Ai no Senshi" de Yoko Ishida fue incluida en el mismo. El albúm me parece pobre, salvo por la rola mencionada y esta, que es una delicia en todos sentidos (e interpretada por la gran Jennifer Cihi). Se supone que sustituye a "Moon Revenge" y debo decir que cumple bastante bien su cometido. Aparte de tener un ritmo mucho más potente y una letra muy característica, es una canción que definitivamente me recuerda a Sailor Moon, no solo por ese estilo más marcial, sino también de batalla por los ideales que defendían las Sailor Seishis. Aun hoy en día, lo utilizo como referencia para escribir alguna escena de fanfic que tenga este tipo de cuestiones. Lastimosamente, no hay versión en español de esta.


-Moon Revenge

Vamos con los temas "extras". Este fandub es una adaptación de la rola más emblemática de la película de Sailor Moon R. Interpretada por Jessica Toledo y Salome Anjarí a finales de la década pasada. Debo decir que es una buena canción y decidí incluirla porque la letra como el ritmo de la misma es bastante acorde a la original. El problema es ese sonido tecno de fondo, que no sé si lo hicieron para actualizarla o porque no querían infringir derechos, que de todas formas, le resta mucha potencia a la canción en sí misma. Solo espero que saquen una versión más actualizada.


-Route Venus

Vamos con el segundo bonus de este conteo. Rica Fukami en el momento de la salida de Sailor Moon, era la única seiyuu que tenía algo de cantante en su curriculum y lo demostró con esta rola, que fue de las pocas "song characters" que lograron sobresalir (y sobre todo con cierto episodio de Sailor Moon Stars). Acá, Salome Anjarí hace una adaptación estupenda que nada tiene que envidiar a la original y que su letra, tanto voz es estupenda. Una de las mejores y que merece estar en este conteo.

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Saludos a mi Makoto ^^, así a quienes gustan de esta nostálgica serie.

Spectre: una película muy irregular del 007

Parece que "Skyfall" será la única película del 007 que veré en mucho tiempo. Como comenté en la entrada dedicada a dicho filme, James Bond es una de mis franquicias favoritas, pero he tenido la peculiaridad de verlas todas en formato casero. "Skyfall" vino a ser la diferencia y es porque la crítica y el público la había tratado soberbiamente pese a algunos fallos bastante garrafales, pero que se compensaban con un filme divertido, ameno, rítmico y sobre todo innovador. Por ello, cuando se anuncio la salida de una nueva película de la franquicia, creí que se repetiría el éxito. Claro, el reto era llevar a mi esposa, ya que ella tenía una idea de que era James Bond y al verlo en pantalla, pues se desencanto un tanto, jeje.

Sin embargo, cuando salieron las primeras críticas y números sobre el vigésimo cuarto filme de la franquicia, el desencantado fui yo. No entendía que podía salir mal, ya que el título de la misma, "Spectre", inauguraba la entrada de la organización que había estado manipulando todo el universo desde las sombras. Para rematar, el laureado Christoph Waltz estaba apuntado a realizar uno de los villanos más emblemáticos de la organización: Ernst Stavro Blofeld. Y era algo para aplaudirse, ya que los últimos malos malosos de la franquicia habían resultado un tanto nefastos (Silva o Dominic Green), contrario Le Chiffre (pero bueno, todo en Casino Royale resulto casi perfecto).

Y aun con esto, todo salió mal. Sí, definitivamente "Spectre" la considero una cinta fallida en muchos puntos. No niego que tiene unas buenas cualidades, pero lo mucho que Sam Mendes gano con la antecesora, termino por echarlo a la basura. Para colmo, los 3 guionistas de la saga anterior, más un cuarto (Jezz Butterworth), se encargaron de pulir el guión que lamentablemente, es tan fallido como la dirección de Mendes. Aunque muchos crítican que Daniel Craig estaba cansado de ser Bond, en realidad se reflejo muy poco en el filme. Así que la carga negativa recae sobre la parte técnica del filme. Vamos a ver más adelante porque.


Datos de producción: la salida de "Spectre" resulto un tanto accidentada y problemática. Para empezar, Sam Mendes y Daniel Craig se mostraron reacios a seguir en la franquicia de Bond. Sin embargo, Sony a punta de presión y billetazos lograron mantenerlos (aunque no tanto a la boca de Craig). El primer detalle que muchos fans criticaron de la actual franquicia, fue el no haber elementos clásicos de Bond, como los artilugios fantásticos, los chistes y claro, los villanos nominales. Por ello, cuando los dueños de la saga Bond (Broccoli y compañía) lograron tenerlos nuevamente, ya luego de lidiar años y años con la familia de Kevin McClory, el plan de la siguiente película fue enfocarse en uno de los villanos más emblemáticos: Blofeld.

El caso McClory es harto curioso en los inicios de James Bond. Este guionista estuvo en pleito con Ian Flemming, creador del personaje, debido a que trabajo conjuntamente en la elaboración del guión de Operación Trueno. McClory se molesto y al final Flemming como él llegaron al acuerdo que los derechos literarios le pertenecerían al escritor y los cinematográficos a McClory. Esto provoco que muchos personajes, como Blofeld o los conceptos de la organización "Spectre", no pudiesen ser utilizados en películas posteriores.

Otra situación que revelo lo delicado del proyecto, fue el cyber hack que tuvo Sony a finales del 2014, donde muchos correos enviados entre la producción, revelaba que esta película estaba siendo un dolor de cabeza para todos. Para rematar, cuando el filme se traslado a la capital del Imperio, muchos periodistas y gente comento que el gobierno mexicano le pago billete a la productora para no hablar mal del país. Por supuesto, todo lo anteriormente comentado y esto se negó rotundamente, pero viendo el producto final, lo que sucedió no fue taaan falso.
Finalmente, Spectre se estreno en noviembre del año pasado, teniendo una adecuada recaudación de dinero, pero críticas mixtas hacia el mismo, más negativas que positivas.

Historia: James persigue y mata a un criminal de alto calibre en la Ciudad de México. M furioso, le reclama que esta poniendo más clavos al ataud, ya que debido a la crisis y los pobres resultados, el programa doble cero está por extinguirse. Aun esto, Bond sigue los designios del predecesor de M, argumentando que una organización está dirigiendo todo el "mal" que existe en la Tierra. La clave se encuentra en la esposa del criminal que Bond liquidó. Pese a las advertencias de Q, el 007 se interna en Italia para averiguar todo lo relacionado con la organización Spectre.

Q sermoneando a 007, para variar.

Argumento: Con todo lo anteriormente visto, podemos llegar a la conclusión que esto afecto el inicio, desarrollo y conclusión de la película, para colmo, de manera negativa. Primero, muchos alaban que el primer tercio es bastante bueno y tiene buen ritmo. Inclusive, la pelea en la Ciudad de México (para más datos, en centro histórico) es lo mejor de la película. Sin embargo, en mi opinión esto no es así. Cierto que la batalla es espectacular, pero mediocre comparada a la de sus antecesoras. Para colmo, en aspecto nacionalista, los mexicanos no tenemos desfiles de los Días de los Muertos (una estupidez, así lo digo, de los guionistas). Desde aquí vemos la poca seriedad de los mismos y como pasamos de un extremo hiperrealista visto en Skyfall y nos vamos técnicamente a una película de Bond de los años setentas.

La escena está bien filmada, hay acción, pero Bond no hace nada extraordinario. Se sube a un helicóptero, mata al malo de turno y se va volando sin problemas. Aquí lo mejor son los paisajes de la City, lo cual me hizo sacar una sonrisa cómplice. Luego de esta aberración, la presentación de Bond con el nuevo "M", así con "Q" es harto divertida, así también vemos una relación más "moderna" con Moneypenny. Pese a ser un tanta lenta, los gags, chistes y otros comentarios, hacen que esto se digiera mejor. El problema viene desde la aparición de Monica Belucci en escena. Algunos dicen que se veía muy avejetada, pero a mi me pareció de lo más normal (una viuda que acaba de perder su única protección tanto física como financiera). Sin embargo, en el momento que Bond escapa de los líderes de Spectre y va a buscar al único que puede echarle la mano, la cosa se va derrumbando lentamente. Hay muchos diálogos innecesarios, escenas filmadas desde lejos, lo cual le da un aspecto poco intimista (para colmo, con poca luz) y periodos de transición que son eternos. Tuve la suerte de ver la película en casa y a partes, por eso no me peso, pero si hubiese sido en el cine, sí me habría dado un calambre en las posaderas, definitivamente.

Cuando aparece Léa Seydoux, la cosa no mejora. Sí, me parece una adecuada chica Bond, muy atractiva (aunque más bonita que sexy) e inclusive el villano esbirro de Oberhauser (un sujeto que Bond parece conocer de años) interpretado por Dave Bautista, aunque le da un toque muy ameno y muy retro (recordando a Obbjob o a Jaws), sigue sin gustarme. Para colmo, cuando se viene la parte "buena", que es el descubrimiento de Oberhauser siendo el líder de Spectre: Blofeld, me pareció muy seco y mal administrado. Muchos la achacan a la labor actoral de Waltz, sin embargo, los diálogos, la velocidad de la trama y el irse precisamente a un poblado del norte de África solo para saber que Blofeld es hermanito de Bond...no sé, no se me hizo un momento cumbre, sino muy anticlimático. Para colmo, darle ese aire tan familiar (literalmente) también me pareció un recurso chocante.

Y el último tercio, sí, levanta un tanto el filme, pero la acción sigue siendo predecible y un villano secundario como "C" (interpretado por Andrew Scott, el Moriarty de Sherlock) también queda mucho de lado. La película empieza bien, no cuaja y se derrumba lamentablemente. Es inevitable que el guión estuvo muy manoseado y se nota por incongruencias entre algunos actos, la redundancia en otros y la pésima dirección, ya que el ritmo de la película fue bastante lento. En Skyfall había achacado el excesivo humanismo del personaje, pero al menos Mendes se arriesgo a algo. En cambio, acá fueron tantas cosas y hechas a medias, que nunca me termino por emocionar como Dios manda.

Lo único bueno de este villano es como obtiene su característica cicatriz.

Personajes: Si ya he criticado a los guionistas y el director, los actores no se salvan. Las interpretaciones están todas correctas, pero el "extra" es nulo. Craig en el anterior filme se había visto soberbio, pese a su cara de puchero constipado, pero acá se ve aburrido y soso. Los demás no mejoran tanto y hasta Andrew Scott hacía muchas muecas de Moriarty, en lugar de irse hacia otra intepretación. Ralph Fiennes hace un correcto M, igual Naomi Harris y Ben Whishaw como "Q" (haciendo un personaje diferente al original). Pero ninguno realmente salvo la lancha, menos aun Waltz, que esperaba un Blofeld mínimo histriónico, sarcástico o simplemente marcial. Acá Waltz jamás pudo irse hacia un lado y hacía ver a Spectre, como un gran circo en lugar de una organización maligna y dominante. Belucci apareció poco y Seydoux se ve bonita, pero no sexy (aun pese a ponerla en ciertos vestidos más atrevidos).

Música: Thomas Newman se encarga de musicalizar el filme. Sinceramente no destaca y ese "punto" inglés que tienen muchas películas de Bond se pierde. Solo hasta el final escuchamos el tema emblemático de James Bond, pero darlo en dosis razonadas en la película hubiese estado mejor. Si alguien me pregunta por el tema principal, ni lo voy a mencionar. Ese maldito falsete que hace el cantautor es horrendo. ¡Horrendo!

Doblaje: como siempre, me vi el filme doblado y debo decir que las voces cuadraban genialmente, pero sobre todo Arturo Mercado Jr. como Q y Cristina Hernández como Léa Seydoux. Modificaron un tanto su voz, haciendola más parecida al del actor original y eso le dió un gesto de credibilidad bastante bueno. Carlos Segundo cumple genial como James Bond. El problema, para variar, es Blofeld. La voz de Germán Fabregat no me gusta, ya que lo he escuchado más en papeles cómicos y verlo aquí serio, con un tono de voz suave pero sin mayores mátices, le cayo pésimo al personaje (sí de por si Blofeld es de lo más débil de la película).

En conclusión, ¿Esta película es tan mala? Sí y no. Sí es mala, porque la película tiene un guión raro, extraño y que se aleja totalmente de la anterior. ¿Qué paso con James todo fregado? ¿Dónde quedo eso? Luego, la historia se cuenta lenta, tiene muchos pasajes innecesarios y los diálogos son aburridos y extensos por momentos, aparte de redundantes (contrario a Skyfall, donde las conversaciones tenían un punto altísimo pese a ser extensas). Aparte, un ícono como Blofeld, fue horrendamente desperdiciado, al mostrarnos un villano poco carismático y sin empaque. Con unas motivaciones psicológicas horrendas. Curiosamente, Craig no lo hace tan mal, pero al no tener rival enfrente, se ve muy desperdiciado. Y como el plan del malo maloso es también muy soso, lo que hay alrededor para detenerlo no tiene mucho de donde agarrarse.

¿Entonces es horrenda? Tampoco. El detalle es que para los fans del viejo 007, es una película bastante buena. Sí, llegamos a ese punto de las películas, sobre todo las interpretadas por Roger Moore (solo que sin chistes y tanto sarcasmo), donde el villano es malo, trata de dominar al mundo, tiene ciertos motivos personales para hacerlo, pero hasta allí. Sabes que al final va a ser detenido de alguna manera u otra. Estos guiños rondan la película constantemente y pese a ser divertidos, luego te vas dando cuenta de que volvimos a ese punto que estábamos a finales de los noventas, donde las películas de Bond, interpretadas por Brosnan, ya eran meros clichés. Aquí volvemos a lo mismo. Aclaro, Skyfall me pareció buena, pese a sus riesgos y Quantum of Solance era una continuación de la magistral Casino Royale. Pero el querer volver a encaminar la franquicia hacia un Bond muy setentero o noventero, es tal vez el mayor error de la misma.

Esto es curioso, porque pese a que me encanta Casino Royale, en su momento apelé a que volviesen lentamente al Bond antiguo, claro, con sus toques de modernidad. Lo estaban haciendo y Skyfall por el momento me dio esa esperanza, con un "Q" bastante diferente, un nuevo M y también una nueva Moneypenny. Pero en lugar de sacar provecho a eso, se fueron hacia el camino fácil y Blofeld se convierte en un villano de opereta, más que hacer un oponente de gran magnitud. Si a algo lo tengo que comparar, es a lo de Piratas del Caribe 2 y 3, donde trataron de llevarlo todo a nivel mega-mundial, pero no pueden. Lamentablemente, aquí vamos a la misma.

Seydoux cumple, pero hasta allí. 

En definitiva, esta película la considero fallida y la peorcita de las cuatro, sí, inclusive más que Quantum of Solance. Una oportunidad fallida y que espero ya cambien de director y los guionistas se sacudan la cabeza. Mendes lo hizo bien, pero se notaba su hartazgo. A Craig le agradezco mucho, porque su Bond cambió parámetros, pero sí también esta cansado, es mejor que la productora tome nota de esto y cambie al actor. A ver que pasa.

Por cierto, doy gracias a mi esposa, que de último me convenció a no ir a verla al cine. Debo decir que fue un ahorro de dinero bastante acertado.

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Saludos a mi mujer :3 que adoro, así a quienes gustan de James Bond.

Saint Seiya: los mitos y diretes respecto a la franquicia.

Hablar de Saint Seiya o los Caballeros del Zodiaco, es referirnos a uno de los hitos más grandes que ha tenido no solo la animación japonesa, sino también el manga en general. Publicado por primera vez en la editorial Shueisha en septiembre de 1986, en su momento, las aventuras de Seiya y compañía fueron uno de los estandartes de la franquicia, al grado que un mes después de su salida en formato manga, la serie fuese emitida a principios de octubre de ese mismo año, teniendo está una duración de 115 episodios y que terminase el 1 de abril de 1989. Sin embargo, la travesía de Masami Kurumada, creador de la franquicia, duro un par de años más, hasta 1991, cuando el manga termino de editarse, con 28 volúmenes recopilatorios (Tankobou).

Aunque muchos pueden recordar series parecidas, tanto en extensión, popularidad y longevidad, como Dragon Ball, Macross o Gundam, Saint Seiya se considera una serie moderna, ya que comenzó sus andanzas a principios de los noventas en diferentes regiones del mundo y no solo fue conocida por iniciar el fenómeno de la "japoanimación" en tales lados, sino mantener ese legado hasta la fecha. Esto ha provocado un montón de comentarios sobre la serie y anécdotas entre divertidas y otras más trágicas. Claro, la siguiente entrada será más una especie de recopilación de dichas notas, amenizadas con mi propia existencia, ya que esta serie ha formado parte de mi más tierna infancia y ha crecido de una u otra forma conmigo y también para muchos fans de hueso colorado hoy en día.

• El título original de la serie iba a ser Ginga no Rin (Rin de la Galaxia). Sin embargo, Masami Kurumada termino cambiando el nombre del protagonista a Seiya (Flecha Estelar). Varios de los personajes y argumentos de la saga tienen reminiscencias en obras anteriores de Kurumada. Técnicamente, el diseño del personaje principal es un refrito más de muchos otros que ha dibujado el artista. Sin embargo, la obra que más dio raíces a Saint Seiya, fue "Ring ni Kakero", serie que fue la primera en ser éxitosa para el autor a principios de los ochentas. La susodicha trata de peleadores de box, pero que tienen una suerte de "poder estelar" que está inspirado en las constelaciones. Muchos de los diseños de los personajes, tanto en personalidad como trazo, pasarían directamente a Seiya y sus amigos. 
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• Masami Kurumada improvisó muchas cosas en el manga, ya que no tenía una historia bien definida. Lo más destacable fue el maestro de Hyoga, que primero era el santo dorado de Escorpio, Milo, cosa que luego cambió para que fuese Camus de Acuario. También, el malo definitivo, Saga de Geminis, tampoco estaba bien establecido y fue decidido de último momento. Kurumada-sensei quería crear un "decimotercer" santo dorado, Kanon, hermano gemelo malvado de Saga, pero decidió mejor emplear lo de la personalidad múltiple en Saga (que también cambiaría su nombre. Sería llamado primeramente Shura, el cual luego sería el Santo Dorado de Capricornio).
• Es inevitable el favoritismo del autor hacia el santo dorado de Sagitario. Kurumada es de signo zodiacal Sagitario y la influencia de su obra se plasmaría igual en su familia, ya que su hijo se llama igual que el protagonista. Sin embargo, también es conocido por ser un tanto egocéntrico y persona de cierto trato difícil. Debido a diferencias con su editor en Shueisha, decidió dejar la editorial y moverse por su propio lado, llegando finalmente a Kadokawa Shoten, donde realizaría otra de sus obras más conocidas: B´t X. Sin embargo, el éxito de esta comenzó a declinar y pese a la animación, fue cancelada. Para finales de los noventas, se decía que Kurumada vivía casi en la pobreza, ya que sus proyectos no cuajaban. Finalmente, decidió volver a Shueisha, donde tuvo un renacimiento, en parte por escribir la segunda parte de "Ring ni Kakero" y el renacimiento de su franquicia estelar: Saint Seiya. 
  
• El manga duro entre 1986 hasta 1991. Debido a que el anime iba a la par, este último se tomo varias licencias de importancia para prolongar ciertos arcos y crear fillers mucho más compactos. Uno de ellos, fue la aparición del maestro "Cristal", un santo de plata que sería el primer profesor de Hyoga. Sin embargo, este creo tanta confusión que tuvo que crearse la frase de "El maestro de mi maestro, es mi maestro", para hacer que Camus entrase bien en la historia. Esto también fomento que el anime estuviese lleno de errores argumentales, lo cual se ejemplificaba con la aparición del "Patriarca" bueno en los primeros episodios y de repente viéramos a "Arles" sin motivo alguno. Y es que los guionistas de la serie tampoco sabían que iba a pasar y solo recibían tips del mismo Kurumada en el último momento. 
• El manga tuvo tres etapas: la batalla por el Santuario, contra Poseidón y contra Hades. En cambio, en el anime, se alargo la primera parte, incluyendo peleas con otros caballeros de bronce y se agrego la batalla contra Hilda de Polaris. Por lo tanto, los Dioses Guerreros son una creación original de los animadores. Aunque hoy en día, se puede comparar con los "fillers" que hay en Naruto y Bleach, este arco argumental se considera de los mejores de la serie, ya que no solo los villanos eran carismáticos, sino las peleas de un nivel altísimo, inclusive mejor, según algunos, que las que tuvieron los Santos contra los Generales Marinos de Poseidón. 
• El manga como el anime tuvieron un éxito rotundo en los primeros 3 años de su emisión, al grado que este último se tenía una serie de 52 episodios que se termino ampliando hasta 115 capítulos. A partir de la saga de los Dioses Guerreros, el diseño de los personajes varió drásticamente, así también la historia. Esto se debe a que Kozo Morishita, junto con Shigo Araki (el artífice de los diseños en la animación) en su momento decidieron modificar algunas cosas de la serie, en especial las armaduras de los Santos de Bronce. Esto debido a que el dibujo de Kurumada, hasta hoy en nuestros días, es considerado muy poco agraciado. En cambio, la animación y el estilo que Araki impuso a los personajes, es tan valorado hoy en día, por su alta calidad y originalidad. Pero con la saga de Hilda, se volvió a apegar al estilo del dibujo y esto redundo en los diseños de las armaduras (lo cual se solvento con el supuesto arreglo que hicieron los Santos Dorados con las "cloths" originales). 
• El cambio de animación también trajo uno en la música. Aunque Seiji Yokoyama, compositor de la serie continuo bajo los controles, teniendo una brillantísima actuación (al grado que fundó una orquesta especial para la serie, llamada Andrómeda), los openings y endings fueron cambiados de grupo. Make Up se encargo de hacer Pegasus Fantasy y Blue Forever, mientras Boys Be (un duo formado por Hinobu Kageyama y el artista Broadway) se encargaron de hacer su labor con el intro "Soldier Dream" y la salida, "Blue Dream". Yokoyama supo adaptar tales temas en formas sinfónicas, de tal manera que la música no perdió su estilo en absoluto y hasta alcanzó cuotas de genialidad en algunos momentos. 

  

  Cover del CD que iba a salir con la saga de Hades original

• La intención original de la Toei Animation era seguir con la saga de Hades, al grado que varios diseños de la susodicha se filtraron antes de tiempo e inclusive salió un CD con el opening interpretado por Boys Be, llamado "Dead or Dead" y varias músicas del genial Yokoyama. Sin embargo, la serie, tanto en manga como anime, estaba yendo a picada para 1989. Aunque Hades fue alabada en su momento por su originalidad y creatividad, esto no alcanzó para que el anime continuase y finalmente fuese cancelado al termino de la batalla contra Poseidón. Este final tan abrupto, creo una suerte de Leyenda Urbana que explicaré más adelante. 
• Kurumada termino Saint Seiya en 1991 con tambor batiente. La saga de Hades es considerada por muchos, como el mejor tramo de la franquicia, teniendo interesantes batallas y buenos giros de guión. Sin embargo, esta historia del manga sería considerada por mucho tiempo, como una especie de utopía para los fans, ya que no sería conocida en otras latitudes, hasta finales de los noventas, cuando la Internet hizo su aparición y varios tomos fueron escaneados por primera vez y colgadas dichas imágenes en varios sites. Personalmente, me toco visitar esas páginas en varias ocasiones y en su momento llegue a tener "zips" llenos con scans de ciertas partes del manga, en especial la batalla que hacían los Santos renegados para llegar con Atenea para asesinarla. 
• Cuatro películas fueron producidas en su momento de emisión de la serie: la batalla contra Ellis, un remake de la saga de Asgard, la batalla contra Abel y la guerra contra Lucifer. Las primeras dos, como la última, saldrían en México en formato casero (VHS) y la tercera, sería la única en exhibirse en cines, esto para 1995. Entonces tuvo el nombre de "Los Caballeros del Zodiaco Contraatacan". Debido a la tacañez de la Toei para pagar un sueldo decente, los actores de doblaje que hacían la serie original rechazaron hacer el filme y otros se encargaron de doblarlo, pero teniendo a buenas luminarias como Adrián Fogarty, Ricardo Hill, Ernesto Lezama o José Antonio Macías. Curiosamente, esta película la fui a ver con mi hermano al cine...en compañía de mi madre y mi hermana pequeña. Sí, por insistencia de ambos, mi madre tuvo que comprar varios boletos (ya que los vendían por paquete) que nuestra escuela había conseguido. Mientras nosotros estábamos extrañados por el doblaje y la trama, mi madre no dejaba de mirarnos horrorizada, ya que la violencia y cierto erotismo del filme (en especial la escena cuasi incestuosa entre Abel y Saori) le eran totalmente desconocidos. Por supuesto, salimos regañados del cine (aunque bastante contentos).
• El primer país fuera de Japón donde se estreno Saint Seiya, aparte de los asiáticos, fue Francia, esto para 1988. Sin embargo, el título de la franquicia fue cambiado radicalmente a los "Caballeros del Zodiaco". Aquí varios nombres de los protagonistas fueron alterados y también hubo una importante censura sobre la violencia y sangre. No obstante, la serie fue un hitazo en el país galo y posteriormente influenciaría a un pequeño chamaco de 13 años llamado Jerome Alquie. Entre tanto, en Italia, se estrenaría en 1990, donde también se cambiaría también el intro, pero se dejaría el mismo título. Posteriormente, España recibiría un "híbrido" de ambas series en ese mismo año (un mes después de su estreno en Italia), pero los de la Madre Patria mantendrían el opening francés, que también fue conocido aquí en México: Los Guardianes de la Galaxia.
• "Los Guardianes de la Galaxia" sería uno de los intros más controversiales y divertidos hasta la fecha. Debido al tono tan castellano de la misma, muchos dirían (lo cual fui testigo) que la serie era de origen español y que había sido producida allí mismo. Para rematar, las imágenes del mismo, tendrían escenas de batallas nunca vistas y que corresponderían a una de las cuatro películas que se produjeron en Japón ("la batalla contra Abel"), por lo cual nos espoleaban que iba a pasar (cosa que nos dimos cuenta mi hermano y un servidor cuando la vimos hace más de 20 años). En México, extrañamente se iba a emplear el tema italiano para hacer el opening e inclusive Ricardo Silva (interprete en latino de Chala-Head de Dragon Ball Z) lo había grabado previamente, pero finalmente fue desechado y usado como fondo en los comerciales sobre las figuras de los Caballeros del Zodiaco, al menos aquí en Latinoamérica. 
  
• El "doblaje" afecto profundamente el concepto original de la serie. Saint Seiya sería traducido literalmente como "Santo Seiya". La razón es que los personajes son "Santos", y sus trajes eran llamados "Cloths" (Ropajes). Sin embargo, debido a la cuestión religiosa, esto sonaba demasiado blasfemo, por lo cual fue convertido a "Caballeros" y las Cloths se volvieron "Armaduras" (lo cual como ya se dijo, se dio primero en Francia y luego emigró de la misma forma a otras latitudes). Esto era bastante peculiar, ya que el doblaje que tuvo la serie en México fue muy irregular y precisamente, de repente escuchábamos a los personajes decir "Ropajes", en lugar de Armaduras. esto debido a que el anime fue doblado directamente del japonés (A diferencia de Captain Tsubasa, donde el doblaje fue directo del italiano). 
• La serie fue un éxito rotundo en Europa (Alemania, Francia, Italia, España, etc. etc.), lo cual motivo que la empresa Imevisión en 1992, decidiera traerla a nuestro país. Su fecha de estreno fue en febrero de 1992 y era emitida los sábados en las mañanas, a las 8 am. Posterior a esto, otras caricaturas le hacían compañía, como la "Princesa de los Mil Años", "Los Motorratones de Marte" y "Samurai Warriors". Yo me enteré de ella, gracias a mi hermano, ya que la semana previa a su estreno, habían estado emitiendo comerciales de la misma. Sin embargo, fue mi bro el que me comentó de esta, ya que estaban chismorreando en su clase sobre los dichosos promos. Fui de los afortunados que la vi desde el principio hasta el fin, aunque el exceso de violencia, sangre y erotismo sí me pareció excesivo en su momento. 
• Una de las cosas que afianzo el éxito de Saint Seiya en México fue el doblaje a cargo de Salgado Producciones y dirigido por Jesús Barrero. Este comentaba que la serie fue de los primeros experimentos de la nueva era del doblaje, donde consistía en traer actores jóvenes y talentosos, dejando de lado a muchos actores de gran trayectoria, pero que habían envejecido. Por lo tanto, Rene García, José Gilberto Vilchis, Marcos Patiño y Ricardo Mendoza se unieron al propio Jesús Barrero (que no fue la primera opción para hacer a Seiya, ya que pese a tener una edad similar a los otros, ya era un veterano de al menos 10 años) para interpretar a los protagonistas. El dinamismo de las voces y su actuación hizo que muchos (incluyéndome) se enamoraran de la serie. Sin embargo, también otra cosa que le dio enganche fueron la cantidad de errores que tenían los diálogos, que hoy en día son objeto de parodias por doquier (El Caballero de Junini, no hay tiempo para explicar explicaciones tontas, etc. etc.), así cambios en los términos y poderes (y que necesitaría otra entrada para hablar de ellos).
• La serie se emitió en México por un periodo de 3 años, terminando para principios de 1995. Sin embargo, cuando Imevisión fue comprada por la empresa de Salinas Pliego y se convirtió en Tv Azteca, hubo miedo de que Saint Seiya fuese retirada del aire. Finalmente no fue así (esto para agosto de 1992) y pudimos continuar con la saga aun de manera más potente, ya que en Azteca 7, se llegaba a repetir diario, pero sin alcanzar lo visto en Azteca 13, donde aun semanalmente se emitía sin falta. Saint Seiya fue el primer gran éxito de la televisora del Ajusco, que finalmente repetiría ratings parecidos con la salida de Sailor Moon en marzo de 1996. Sin embargo, el final de la serie provocó que muchos fans escribieran airados a la televisora que habían cortado la continuación (algo similar sucedió con "Las Aventuras de Fly") y que exigían ver más. Finalmente, Adriana de Castro, la conductora de Caritele, segmento de TV que nació con Saint Seiya, tuvo que salir a informar que no había más episodios. 

  

  El arte de Jerome Alquie

• Saint Seiya tuvo varias repeticiones en Tv Azteca, pero la serie dejo de emitirse en 1997. Entonces hubo un período ya comentado, donde el Internet comentaba sobre la saga de Hades en el formato manga y como muchos fans querían ver la animación de la misma. Sin embargo para esos años, la serie estaba muerta en Japón. Un fenómeno muy común entre los nipones es el ascenso y caída súbita de este tipo de productos. Sin embargo, en países que ya casi cumplían una decena de haber estrenado la serie, está seguía siendo extremadamente popular (por ejemplo, el inicio del fanfiction en español de Saint Seiya era muy fuerte en España), como Francia. Allí fue donde el ya joven Jerome Alquie, fan de la serie, decidió hacer un corto de la saga de Hades, poniendo como música el intro desechado: Dead or Dead. Según varias entrevistas, al dibujante le tomo 9 meses hacer dicho video y finalmente lo mostró en el Cartoonist de Toulon en abril del 2001 (una suerte de convención). El video tuvo tal éxito que unos meses después, ya estaba en red y siendo una especie de llamado a la Toei para que animase esta parte del manga. 
• Aunque Jerome Alquie ha negado que su corto haya influenciado a la Toei para animar Saint Seiya, en realidad sí tuvo mucho peso en la productora, ya que se dice que Shingo Araki, el cual fue invitado para la Cartoonist de París en noviembre del 2001, le pidió que le mandase dicho video para que lo viesen los ejecutivos de la Toei. Medio año después, se daría el anuncio de la salida de las OVAS, que se encargarían de narrar el primer tercio de la saga de Hades: el Santuario. Esto por supuesto, desato un fanatismo por la saga comparado solo con los inicios de la misma, en 1992. En aquel entonces, viví ese momento de manera muy cercana, más porque el Internet estaba ya en su apogeo y permitía el seguimiento casi en tiempo real. A los dos días de que se estreno el primer OVA en noviembre del 2002, ya se encontraba el corto en mala calidad en todos lados. Durante un año, los Ovas saldrían de manera regular, lo cual no terminaría hasta el 2007.
• En Latinoamérica, el estreno de las Ovas de Hades hicieron que la serie tuviese un segundo aire, más cuando Cartoon Network la estreno en el 2003, doblando los openings y endings originales, cortesía de Maureen. Towers Entertainment, distribuidora que nació con Saint Seiya, se encargo de traer doblados los Ovas a partir del 2004. Entonces, Toei no quería invertir demasiado en la franquicia y por ello, para abaratar costos, quería tomar otros actores de doblaje (mientras en Japón se mantuvieron los originales, aunque ya tenían sus ciertos años). Sin embargo, Towers no quería esto y sabía que el punch venía con los actores originales, por lo cual se hicieron dos doblajes. Ambos en su momento generaron mucha polémica, ya que el doblaje para DVD (patrocinado por Towers), solo tenía a los personajes de bronce con sus actores, mientras el resto eran enteramente nuevos. En cambio, el doblaje de TV (donde Rafael Rivera se encargo de dirigirlo), mantenía un cast de bronce totalmente nuevo, pero el resto eran actores conocidos. Esto generó una competencia solo promovida por ciertos fans sobre que doblaje era mejor. Sin embargo, en videos posteriores, tanto Jesús Barrero como Irwin Daayan, hablaron de que esto no existía y ambos se apoyaron mutuamente. 

  

  El cartel promocional de las Ovas de Hades en el 2002.

• Entre tanto, en Japón la cosa tuvo tintes críticos, cuando la quinta película de Saint Seiya no tuvo el éxito esperado y tanto Toei como Masami Kurumada echaron la culpa a los seiyuus originales por su falta de empaque, por lo cual decidieron sustituirlos. Esto, algo jamás visto en el país nipón, genero una ola de críticas, que se exacerbaron cuando el director de la saga del Santuario de Hades fue reemplazado por otro. Esto contribuyo a que la animación bajase un tanto de calidad, la cual llego a su culmen con la saga del Elíseo. Entre tanto, en Latinoamérica, el doblaje para TV alcanzaba cuotas altísimas, donde Rafael Rivera se encargo de traer a todos los actores originales posibles, haciendo que fuese por varios episodios, muchísimo mejor que el de las OVas. Towers tuvo que contratacar y apoyo a Jesús Barrero para que también trajese a los actores originales, lo cual generó un trabajo de altísima calidad en ambos proyectos. Lamentablemente, la tacañez de Toei se hizo presente y el doblaje del Elíseo en versión TV fue abaratado a tal grado que muchos actores,  incluyendo Rafael Rivera, dejaron el proyecto. En cambio, el doblaje de DVD incluyo grandes en el proceso, como Carlos Segundo y Humberto Vélez. 
• Tv Azteca hizo un nuevo maratón en el 2008, cuando un día de muertos emitió todas las Ovas de Hades en un solo día, con gran éxito. Sin embargo, la serie entonces estaba teniendo un renacimiento, no tanto por esta animación, sino por un manga spin-off que apareció en el 2006: Lost Canvas. Y es que en Japón, Saint Seiya al fin estaba tomando un segundo aire (la Toei aceptó hacer las Ovas en el 2002, debido a la presión de los fans extranjeros) y Lost Canvas, el cual fue ilustrado por una mangaka, generó un nuevo boom de la franquicia. Shiori Teshirogi, la autora, se encargo de revitalizar a los personajes y crear una historia sumamente original, aparte con un arte mucho más efectivo que el del propio Kurumada. Pero eso...forma parte de otra historia. 

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Saludos a mi Santa Dorada de Escorpión :3, así a quienes gustan de Saint Seiya.