Cuatro canciones de Queen: Un grande de los grandes.

Mi historia con Queen es relativamente reciente. Aunque fue un grupo que dominó los años setentas y ochentas, hasta nuestras fechas, en su momento realmente lo deje de lado. Generalmente mucho de mi gusto musical proviene de mi padre. Si conozco rolas de aquellos tiempos, es porque él tenía un montón de discos de vinilo y en las tardes, luego del trabajo o los sábados, se ponía a escucharlos. Es lógico que algo se me pegará.

Sin embargo, pesé a ser un fan de Queen, jamás logre prenderme demasiado de su música. Tal vez era por el ritmo demasiado extraño que tenía la banda, al grado que hasta mi juventud logré escuchar Rapsodia Bohemia sin sentirme ansioso. Seh, bastante extraño.

Como sea, gracias a un cassete que mi hermano y un servidor le regalamos a mi padre en su cumpleaños, así fuimos conociendo Queen y claro, también gracias a las películas que fueron íconos por aquella década, como Flash Gordon y Highlander, donde el bueno de Freddie Mercury metió su voz. Pero el momento cumbre llego cuando una canción que compuso con la soprano Monserrat Caballé y que fue el himno de los Juegos Olímpicos de 1992, "Barcelona", lo que me introdujo de lleno con Queen y su poderosa música. De allí, el resto es historia.

Por estas y muchas cosas más, la siguiente entrada va dedicada a Cinco Rolas de Queen. Las que considero, lo mejor de lo mejor. The Best of the Best.


-Rapsodia Bohemia

Del albúm "A Night at the Opera" de 1975, y con una duración de casi 6 minutos, se ha convertido en una de las canciones más íconicas de Queen, al grado que en su salida, estuvo por más de dos meses como la número uno en el Billboard británico e inclusive regreso a esos sitios en 1991, cuando falleció el buen Mercury. Es una rola bastante original, ya que no tiene un estribillo y se compone de 6 partes: introducción, balada, solo de guitarra, ópera, rock y coda o final. Las leyendas alrededor de dicha canción son muchas, donde algunos afirman que fue una especie de catársis a la salida del closet por parte del vocalista y otras, que relataba la tormentosa vida interior de Freddie Mercury.
Para un servidor, como ya dije, me costó un tanto agarrarle gusto, porque los cambios de la misma me desconcertaban. Debo admitir que aun a la fecha sigo siendo bastante conservador, pero es innegable el gusto que le termine agarrando a dicha rola y en parte gracias a mi comadre, que me la puso gentilmente con la versión de los Muppets, jeje.


-I Want to Break Free

Esta podría ser la canción de mi padre y la razón es que cuando le compramos un cassete con los éxitos de Queen (Los II), tenía esta rola. El hombre no dejaba de ponerla a cada momento, al grado que un servidor quedaba aturdido con ella. Sin embargo, a la fecha le tengo un enorme cariño y en parte porque me recuerda a las salidas que tenía con mi familia cuando era un peque. Aun al escucharla hoy en día, me trae mucha nostalgia (y de la buena). Por cierto, la rola formó parte del albúm "The Works" que salió en 1984 y lógico, fue otro gran éxitazo de la banda. El video de la misma, resulta ser una parodia de una popular serie de TV británica de aquellos años (y donde vemos a Mercury trasvestido. Seh, no extraña). Curiosamente, la rola no tuvo tanto punch en EUA, debido al mismo video, que fue visto de mal modo por la sociedad conservadora de aquel país.


-Another One Bites the Dust

Otra rola que podría ser de mi padre, ya que también la escuchaba a cada rato. Sin embargo, debido a la tonadilla de la misma, le fui perdiendo gusto. Sin embargo, durante el internado, un sempai no dejaba de ponerla a cada rato en la computadora que teníamos en la sala de reuniones y escuchar a Queen te reanima, aun cuando estes aporreado por el trabajo. Así que cuando la ponían, era lógico que medio mundo se pusiera a cantarla y uno que otro se levantará para hacer de Freddie Mercury. Lógico, le termine agarrando bastante cariño por estas circunstancias. La canción tuvo su aparición en el Albúm de 1980, "The Game" y aunque al principio el grupo no quería incluirla, por su supuesto bajo nivel, Michael Jackson les animo a hacerlo, lo cual resulto ser acertado, ya que la rola estuvo en el Billboard, tanto en EUA como Gran Bretaña por un buen rato. Por cierto, Jackson iba a cantarla con ellos, pero las agendas tan apretadas impidieron dicha realización.


-I Want it All

Canción de canciones, rola de rolas. Está últimamente se ha vuelto mi favorita del grupo y con bastante razón. Sin embargo, mi historia con está es muy reciente, técnicamente del año pasado, cuando me toco por unos días, ser el co-jefe del área de urgencias (ya que los jefazos se habían tomando vacaciones o ido a un congreso). Y allí, husmeando en la PC de la sala, me di cuenta de que el jefe tenía unas rolas formidables, entre ellas, esta. Así que allí me tenían, escuchandola en volumen bajo, mientras estaba correteando a los kouhais. En fin, que la rola es brutal por donde uno la vea, con letra, ritmo, todo. Apareció en el albúm The Miracle de 1989 y alcanzo el tercer lugar en las listas de popularidad británicas de aquellos años. Aunque Brian May, su autor, dice que es un himno a la perseverancia, las malas lenguas dicen que se inspiró en su esposa, que siempre decía dicha frase (Lo quiero todo).

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Saludos a mi mujer ^^, así a quienes gustan de Queen.

La Cenicienta y La Teoría del Todo: ah, 1.5 de 3.

Ya llevo un rato sin actualizar el blog. Una disculpa, pero ahora la semana pasada estuvo muy tupida y hasta hoy logre liberar algo de presión. Para colmo, tampoco tenía un tema bien específico para hablar, aunque si algunos pendientes, justo como la película de la Cenicienta, la cual mi esposa y un servidor fuimos a ver hace más de un mes.

También que hace un tiempo, me descargue (música de terror) la película de la Teoría del Todo, una biopic que no tuve el gusto de ver en su momento por falta de billete. Así que para no romper tradición, vamos a hacer el análisis y crítica de dos películas totalmente opuestas, pero que me dejaron, al menos un sabor de boca agradable.

Por cierto, para mayo se acercan entradas muy jugosas, como la crítica de los Vengadores 2 como de la pelea de Pacquiao vs. Mayweather. Seh, es hora de diversificar un tanto más el blog y hablar de otros temas. Y si no te gusta, "Te hace falta ver más baaax".

Ficha técnica: La Cenicienta (Cinderella).
Países involucrados: EUA y Reino Unido.
Año:2015
Productora: Walt Disney Studios.
Distribución: Walt Disney Studios.
Idioma: Inglés. 
Dirección: Kenneth Branagh.
Guión: Chris Weitz.

Primicia: Ella es la hija de un rico comerciante que se ha vuelto a casar luego del fallecimiento de su mujer. Desgraciadamente, la mujer con la cual contrae matrimonio (y madre de dos hijas previas, un poco feítas) resulta ser una fichita y rapidamente pone a sus retoños encima de su hijastra. Sin embargo, Ella sigue esta disposición alegremente, por su buen corazón (gesto de asco). Por azares del destino, el padre de Ella fallece y la señora le baja aun más el rango, volviendola sirvienta para mantener el estilo de vida que tenían previamente. Harta de esta situación, Ella sale a correr con el caballo de la familia y se encuentra al principe del reino (aunque no sabe quien es) y luego de un fugaz enamoramiento, decide ir al baile que organizara para verlo de nuez. Claro, con ayuda de su siempre confiable hada madrina.

Historia: Seamos honestos. Si alguien fue a ver esta película, fue nada más para disfrutar el corto de Frozen que se estreno con ella. Y es que la Cenicienta, en su versión live action, creada nuevamente por Disney, no aporta nada más de la película homónima de los años cincuentas de dibujos animados. Sí, hay algunas partes muy aclaratorias y hasta se encargan de borrar errores de guión que tenía la anterior versión, donde uno podía decir "oye, ¿Y por qué el principe no hizo esto?". Acá esto se mejor planteado y eso hace que la historia sea más contundente y menos fantástica. Inclusive, se da el lujo de agregar personajes secundarios más entrañables, como el jefe de escoltas del Castillo (interpretado por Nonso Anoize) o un villano secundario, como el Gran Duque (Stellan Skarsgård). Aparte, no voy a negar que algunos dialogos están bastante bien, como el discurso que se avienta Ella a su madrastra al final e inclusive, el origen del nombre de Cenicienta. El problema es que sigue siendo la misma historia infantil de siempre, sin ninguna novedad, sin nada agregado. Todo exactamente igual (incluído el "Felices para siempre..."). Claro, luego de ver tantos clásicos hechos pedazos para incorporarle algo nuevo o dizque original, esto se agradece, pero un punto más de alguna otra cosa, no le hubiera caído tan mal.

Personajes: si la historia es la misma, los personajes son lo mismo. Aunque vemos a Cenicienta siendo un poco más despabilada o el príncipe un tanto más enérgico, en el fondo es lo mismo. Ni siquiera el papel de la Madrastra (Cate Blanchet) me convenció tanto. Sí, le dieron contexto a porque es mala y cruel, pero muy poco. Aparte de que en un momento un tanto extraño de la película. Pero ningún personaje o actor destaca más que otro. Digo, el príncipe esta bonito o Cenicienta tiene atractivo, pero como los pintan a los cuentos de hadas, nada que ver. Por cierto, no menciono tanto a la Hada Madrina, porque la susodicha solo aparece cinco minutos y ya. Se nota que Helena Boham Carter (ex de Tim Burton) le pagaron y luego salió volando, literalmente.

Diseño: La cosa estuvo correcta. Tampoco los de Disney se animaron a hacer algo rimbombante ni tampoco salir originales (vestidos, trajes, aunque estos últimos si me daban pena ajena. Eran como los pantalones de tela de siglos pasados y por consiguiente, estaban superpegados a las piernas de los hombres. No sé como no les daba verguenza usar algo así). Todo es como si vieses la película de dibujos animados original, con algunos agregados más. El vestido de Cenicienta es un tanto más orgánico (muchas flores y mariposas). Aquí llegamos al quid de la cuestión con la Zapatilla. Tanto que la usaron en el teaser trailer y sí, se ve bien, pero tampoco dislumbra. Pensé que iba a soltar rayos láser o algo, pero se quedo muy corta.

Música: Ah, Patrick Doyle hace un trabajo correcto, pero hasta allí. Nada destacable en realidad.

Doblaje: Me gusto este rubro. Ahora Disney está sacando a mucho novato o gente desconocida para hacer de voces en sus películas y varios han respondido de buena manera. Por supuesto, hay algunos fijos que se mantienen imponentes como Erica Edwards, que ya tiene un buen rato doblando a Helena Boham Carter o Stellan Skarsgård siendo interpretado por el gran Salvador Delgado. Claro, tenemos ya voces regulares en estos lares, como la de Arturo Mercado o Ricardo Tejedo.

A título personal: en un momento pensé ir a verla con mi mujer, ya que ella le gusto el Teaser Trailer de la zapatilla de cristal. Sin embargo, la mencionada crisis económica me hizo echarme para atrás, más cuando las críticas más adultas hacia la película (a veces Rotten Tomatoes se pasa de verás) dijeron que era pan con lo mismo. Pero, Disney pareció preever esto y decidió soltar un corto de la famosa "Frozen" para que el espectador promedio fuera a verla. Lógico, esto hizo que mi mujer me llevará al cine un día por la mañana. Debo decir que no la pase taaan mal como esperaba, aunque tampoco me veían emocionado en el asiento. Sí, la historia de la Cenicienta es entretenida, pero como ya sabía que iba a pasar, pues no estaba tan expectante (al grado que el inicio me lo salté para ir a comprar palomitas y refresco). Lo único que me entretuvo fueron ligeros cambios en la historia y en el diseño, pero hasta allí. Algo que me sorprendió, es que el famoso Kenneth Branagh la estuvo dirigiendo. No sé que pensar al respecto, siendo sinceros.

En conclusión, "La Cenicienta 2015", es una película recomendable...solo para niñas y niños. Si alguien más va a verla, será quienes han estado escondidos bajo tierra y no han conocido a la Cenicienta, porque la historia es exactamente LO MISMO. No hay variaciones, no hay cambios dramáticos ni experimentos. Sí, podrá resultar soso, pero al menos, alguien se animo a hacer algo más correcto y canónico, que estar intentado cosillas nuevas y sin chiste.

Ficha técnica: La Teoría del Todo (The Theory of Everything).
Países involucrados: EUA y Reino Unido.
Año: 2014
Productora: Working Title Films.

Distribución: Universal Studios.
Idioma: Inglés. 
Dirección: James Marsh.
Guión: Anthony McCarten.

Argumento:  La película narra la vida del científico inglés Stephen Hawking desde el punto que conoce a su primera esposa, Jane, las viscicitudes para encontrar una teoría para alcanzar su doctorado, el inicio y desarrollo de la esclerosis lateral amiotrófica, así como el fracaso de dicho matrimonio y la publicación de uno de sus mayores éxitos: Breve Historia del Tiempo.

Historia: Antes de empezar, hay que hacer una aclaración. El filme esta basado en el libro que escribió Jane Hawking sobre su ex esposo y que el guionista Anthony McCarten trato de adaptar de varias maneras a mediados de la década pasada. Luego de escribir un borrador, en un cierto periodo de tiempo de años, estuvo consultando a su autora sobre que poner o que quitar. Finalmente, a principios de esta década, se busco un director, el cual fue James Marsh y luego la selección de Felicity Jones como la propia Jane. Al tiempo, el actor inglés Eddie Raymane fue elegido para ser Stephen Hawking. Por lo tanto, cuando uno va a ver esta película, creyendo que vamos a ver una semblanza de Hawing, uno se lleva un buen chasco. A pesar de saber de que el filme estaría enfocado en la vida romántica de este gran científico, si me lleve un par de disgustos enormes. La razón es que el guión apela al lado cursi que habita en cualquier espectador de cine y es describir el romance entre Jane y Stephen. Pero aquí es donde la puerca tuerce el rabo: el romance esta construido por capas y cada una es demasiado rígida. Es decir, tenemos el enamoramiento, luego la lucha contra la esclerosis por parte de ambos (en especial de Jane), el trío amoroso que en un momento se llego a formar y luego la separación. Cada parte estaba bien visualizada, pero de una manera muy cliché que me termino fastidiando. Todo se me hizo predecible, y para colmo, no paraba de dejar ver sufrir a la protagonista. Felicity Jones no me cae mal, al contrario, me parece una actriz competente, pero a cada momento estaba sufriendo, llorando, gritando, enojando y no lo hacía mal, pero estas expresiones estaban fuera de foco y de tiempo. Y es que el guión es así, donde vemos un romance desdibujado, con poco punch y con momentos muy clichés. Esto se vio cuando (porque no había leído la vida de Jane Hawking, para no estarme spoileando) aparece Jonathan y allí supe que este sería el tercero en discordia. Luego cuando vemos a la enfermera (que taaaanto la prota estaba rogando para que no apareciera) y esta inmediatamente le echa ojitos a Hawking (tal como paso), es tan soso. No sé, siento que McCarten no supo sacar provecho a una historia llena de intriga. No es que quiera ver algo amarillista, pero lo hubiese preferido, porque la película no me lleno en absoluto. Para rematar, los chispazos de ciencia, eran tan burdos y tan puntuales, que me decepciono y muchísimo.
Aclaro, no es que la película sea mala tecnicamente. Al contrario, tiene buen ritmo y pese a que estaba jalandome de los pelos, me mantuvo lo suficientemente entretenido para no mandarla a volar. Pero para verla una vez más, imposible. Para colmo, hay muchas líneas que se quedaron inconclusas, como la del propio título ("quiero hacer una teoría del todo") y que luego no vemos continuidad, por ningún lado.

Actores: una de las cosas más brillantes del filme es la actuación de Eddie Raymane. Por algo el chamaco se gano el Óscar y es que se ve soberbio en su interpretación de Hawking. Aparte del pego físico, también esta su forma de moverse, de hablar y sobre todo, su aplomo cuando hace al científico ya paralizado de pies a cabeza. El problema es que su personaje es muy lineal y aunque tiene preponderancia al inicio, se va diluyendo, en favor de Jane Hawking. Nuevamente recalco, la Jones no lo hace mal, al contrario, me agrado bastante la cantidad de registros que tiene, pero su personaje está diseñado de tal manera que tienes que empatizar con él, A FUERZA, ya sea viendo como la pobre mujer sufre por mantener un marido con discapacidad y luego medio egocéntrico. Y sí, tiene un buen final, pero me pareció sumamente forzado, como metido con calzador. La diferencia actoral con el diseño de personajes es abismal (y aun sigo pensando, como es que esta película tuvo nominación al Óscar como mejor guión adaptado. Aun no leo la novela de la ex señora Hawking. Espero sea mejor que esto).

Diseño: Aquí es donde nos vamos a la fotografía y la dirección artística de Marsh. A diferencia del rubro del guión que es de malo a malote, las tomas son excelentes, con buenos planos y aparte con una alteración del color, haciendo ver el filme como si fuese una filmación casera (inclusive teniendo estos apartados por momentos) y que va mejorando conforme nos acercamos al presente. La edición bastante correcta, aunque la continuidad de peinados y vestidos si estuvo un tanto extraña, porque de repente estamos en los años setenta y brincamos a los noventas de manera muy brusca.

Música: Jóhann Jóhannsson hace una melodía espectacular, que por momentos me recordaba un tanto a la mítica "Una Mente Brillante". Por algo el compositor estuvo nominado a los Premios de la Academia y debo decir que lo hace bastante bien. Los momentos donde no hay dialogo y solo la música instrumental, son soberbios.

Doblaje: Como siempre, trate de ver la película doblada y debo decir que me agrado muchísimo las voces como actuación. Luis Daniel Ramírez hizo un trabajo soberbio haciendo a Hawking, variando su tono desde que esta sano hasta que casi ha perdido la voz por la ELA. Sin embargo, la que me encanto es Leyla Rangel, aunque debo decir que tengo debilidad por esta actriz de doblaje, así que no soy muy imparcial al respecto. Algo que me agrado fue ver a Martin Soto haciendo el papel de David Thewlis. Me agrada la continuidad, ya que lo habíamos visto haciendo al mismo actor encarnando a Remus Lupin en la saga de Harry Potter.

Curiosidades: aunque parezca extraño, Stephen Hawking no ha hablado pestes de la película. Le pareció bastante correcta y en su momento ayudo a Raymane a prepararse para interpretarlo. Y es que el científico como su ex-esposa, tienen una relación cordial en estos momentos, cosa diferente a hace varios años, cuando las cosas estaban muy peliagudas. Hasta en su momento, Jane llego a quejarse amargamente del trato que su ex-esposo le dispenso cuando estaban casados y a punto de separarse, al grado que se despego de su familia y prefirió mejor la lambizconería de sus enfermeras, en especial Elaine, con la cual se termino casando unos cuantos años, pero se separaron, precisamente por el trato que dispensaba Hawking. Y ya todos sabemos que el hombre tiene su forma de ser (varias veces ha manifestado su mala leche en The Big Bang Theory). Claro, a Jane Hawking le gusto la película cuando la vió, aunque la tildo de ser un poco blanda jeje.

A título personal: ya lo había comentado. Tenía unas ganas enormes de verla y hasta había planeado que cines ir a echarle un vistazo (ver al fin una biografía de Stephen Hawking en cine), pero ocurrieron otras cosas y la fui posponiendo hasta que el tiempo paso y la quitaron de los cines. En otras ocasiones me había arrepentido de esto, pero en este caso, vaya que valió la pena. Como he dicho, la película no es mala, te entretiene, sin embargo es muy cliche y es más una telenovela. Sí, donde la Felicity Jones es la chica buena que por amor, lo da todo, inclusive rechazar un buen partido. Los personajes son demasiado unidimensionales y prototípicos, más cuando en un biopic, debes buscar el mayor número de caras de un personaje para que brille.

En conclusión, "La teoría del Todo" es poco recomendable. Tal vez sea excesivamente duro con esta película, pero el hecho de estar nominada a mejor película, mejor guión, etc. etc. no me termina por caber. Es excesivamente simplista por momentos y aunque sus actuaciones son soberbias, lo demás es demasiado parco, demasiado predecible.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3 (que bueno que no fuimos a verla al cine, jeje), así a quienes gustan de este tipo de películas.

Leyenda urbana: Earthbound...un juego que no parece tan inocente.

He estado corriendo últimamente como loco. Literalmente. Debido a ciertos cambios que ha habido, he tenido que ponerme más al tiro con otras obligaciones y por consiguiente, el tiempo que dedicaba a mis ocios ha disminuido sensiblemente.

Claro, siempre me las apaño y logró salir avante, así que he comenzado a crear otra rutina que me ha permitido retomar el ritmo. Tengo un montón de cosas que comentar, el detalle es el tiempo para sentarse a escribir, el cual ese si no puedo hacer mucho.
Lamentablemente, algo que si ha repercutido es que los temas en el blog se han vuelto un tanto monótonos (videojuego, libro, película, manga, cómic y se repite) y no he podido hacer entradas más de mi gusto, como de batallas o de la Segunda Guerra Mundial. Pero como siempre, algo se me ocurrirá en el proceso, jeje.

Mientras, he vuelto con un tema que me gusta bastante y son las llamadas "Creepypastas", esos mitos y leyendas urbanas que nacieron del Internet, y que cualquiera puede ver en videos o blogs como el de un servidor. Ya he tocado algunos temas harto conocidos, como el del cartucho de Zelda´s Majora Mask o el Tails Doll. Sin embargo, ahora vamos con una leyenda urbana bastante peculiar, que a diferencia de las otras, es enteramente real. Lo diferente es que la interpretación de la misma es a juicio de la persona que la conoce.


EarthBound, conocido en Japón como Mother 2: Gyiyg Strikes Back (MOTHER 2 ギーグの逆襲 Mazā Tsu Gīgu no Gyakushū?, en español: Mother 2: Giygas Contraataca) es un videojuego de rol creado en 1994 para la consola SNES de Nintendo. A diferencia de otros juegos de ese tipo, sitúa la historia en un contexto "real" y contemporáneo. Es la segunda entrega de la saga y la única que salió de Japón.


La saga "MOTHER" es altamente conocida en Japón, mientras en América, su historia es casi inexistente. La razón es la famosa censura y mercadotecnia que tuvo Nintendo con este juego. Muchos sabemos que hace más de 15 años, cartuchos como Sailor Moon, Dragon Ball, Dragon Quest o inclusive Final Fantasy, no vieron la luz en nuestro continente. En parte era porque el anime y el manga no eran nada potentes en aquellos años y traer un título de Japón era costoso, más si no era redituable. Aparte de que muchos temas, como acción o violencia extremos, estaban aun prohibidos en nuestro continente.

MOTHER fue una saga bastante mutilada al respecto. En Japón fue considerada un RPG de culto (hasta la fecha. Cartuchos de la Famicon hoy en día son peleados por los coleccionistas) y curiosamente, estuvo bajo el auspicio de Shigeru Miyamoto y con la dirección de Shigesato Itoi, que en su país natal es conocido como ser un gran escritor pero se convirtió en su momento en el director de la trilogía que compuso MOTHER.

La primera salió para la Famicon y como se dijo, tuvo mucho éxito. Se planeo traer a América, pero la pronta salida de la SNES, termino por echar por tierra eso. En lugar de eso, se enfocaron en traer la segunda parte, que en nuestro continente tuvo el nombre de Earthbound 2. Finalmente, MOTHER 3 tuvo salida para la Game Boy Advance. Claro, los 3 juegos salieron reditados para la Wii en tiempos actuales.

¿Por qué es tan característico este juego? Primero, porque es bastante original e inovador. A diferencia de otros RPG´s que se enfocan en tiempos medievales o futuristas, este nos trae a un presente perfectamente compatible con el nuestro. Las armas por lo tanto, no son espadas, sino patinetas, yo-yo´s o inclusive sartenes. A esto agregamos que la forma de iniciar un combate o terminarlo es muy original, ya que todo esta hecho para hacerlo más realista (Si llegas a acabar con un jefe que es un perro, no se desaparece, sino se dice "se domestico". Jaladas así que te hacen ver que el juego tiene algo de real y de cómico).

Esto ayuda mucho, ya que medularmente, la saga MOTHER es bastante adulta: 4 chámacos con poderes psíquicos, deben detener la invasión de una raza extraterrestre, comandada por Giygas, una entidad maligna que desde hace más de un siglo, planea no solo la conquista, sino la destrucción de la humanidad. Los combates con los subjefes o inclusive con el mismo Giygas son bastante extraños, ya que no apareces como tal en la pantalla, sino salen 4 hileras donde tienes las habilidades de tu personaje y tus acompañantes. Al invocar un ataque, este parpadea o golpea al jefe que lo vemos de frente. El detalle es que los jefes tienen un fondo psicodelico extraño y aparte una música bastante extraña y hasta perturbadora (lo cual se acentúa más en el enfrentamiento con Giygas).

El juego finalmente vio a la luz en Japón en agosto de 1994 y en América, casi un año después, en junio de 1995. Curiosamente, Earthbound no tuvo mucha tirada en el continente y actualmente existen pocas copias de dicho juego.

Aquí es donde comienza la leyenda urbana: para quienes han jugado este cartucho (aquí no puedo meter mi experiencia, ya que trate, pero el juego si me comenzó a dar mala espina), es que la música y los gráficos son extraños. Muy alegres con unos enemigos muy amenazantes (más si tu protagonista es un adolescente) y para colmo, como ya se dijo, cuando los enfrentas, todo esta muy raro.

Sin embargo, para quienes lo han terminado o han llegado al final, aquí viene lo bueno. El enfrentamiento con Giygas es bastante surrealista: primero para acceder a donde él esta, debes dejar tu alma a un lado y pasarte a un robot, que te permitirá sortear los  peligros hasta colocarte sobre una antesala que te lleva con el jefe final. El detalle es si eres un tanto malpensado, ese lugar tiene la forma de una vagina y cerviz de una mujer. Al principio no le encontraba forma, pero cuando logre afocar, caí en cuenta de que así era. Es como cuando en mi practica he puesto espejos y sí, no se puede negar la referencia tan fuerte.

Lo peor es que al entrar, te encuentras con Giygas, que para colmo, tiene la forma referencia de un feto humano. Según los avesados, debe destruirlo. En otras palabras, provocar un aborto al jefe final, ya que según esta engendrando una criatura que destruirá el mundo. Y solo puedes vencer a esa cosa cuando aun no ha nacido. Por supuesto, aparte de esto, la música y el fondo es horrendo. Solo ves al jefe final brincar y bailar de forma extraña. Para colmo, no puedes derrotarlo de forma común, sino casi al final, debes invocar una de las habilidades de la chica co-protagonista, que es rezar y es como, curiosamente, puedes vencer a Giygas.

Claro, mucha gente podrá hacer ver que esto es pura fantasía y la referencia de alguien enfermo, pero el mismo creador del juego, el señor Itoi, ha confirmado esto y aparte, dice que se inspiró en un hecho traumático de su infancia, cuando al querer entrar al cine, se metió a una película para adultos por error y allí fue testigo de una supuesta violación (que en realidad fue más una escena de violencia, donde un sujeto ahorca a una muchacha). Este hecho lo dejo marcado de por vida y le sirvió de inspiración para crear a Giygas.

Por supuesto, es un tanto difícil de creer, debido a los gráficos infantiles del juego. Pero si comienzas a jugarlo, la cosa cambia y de manera radical. Claro, trate de ver una partida de alguien luchando contra Giygas en el tubo y no aguante. Si no era la música extraña, eran los gráficos los que me hacían doler la cabeza. Se necesita de cierto aguante para poder disfrutar de este juego.

¿Espeluznante? ¿No?

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Saludos a la dueña de mis quincenas o.o, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.

Semana de Trailers: Batman v Superman, Los 4 fantásticos, Jurassic World

La semana pasada, para ser más exactos, el jueves, apenas me estaba recuperando de la impresión del trailer de Episodio VII, cuando la red comenzó a convulsionarse con una serie de rumores bastante fuertes de que el ansiado trailer de Superman v Batman, se estrenaría esos días. Finalmente, el buen Zack Snyder, director de dicha película, anunció vía twitter que estrenarian el trailer para el lunes 20 de abril.

Sin embargo, algún gracioso de origen carioca (¡Gracias Brasil!), se le ocurrió subir a la red, no solo imagenes, sino un video en baja calidad de dicho trailer. Se hizo un despapaye, ya que Warner Bros comenzó a borrar sitios que contenían dicho material. Pero para esa noche, ya todo mundo había visto el trailer, así que Warner no tuvo otra opción que soltarlo para el viernes en la noche.

No sé si fue por mera coincidencia o solo para ganar hype, pero el domingo, Fox sacó el trailer de Los 4 Fantásticos y hoy lunes, tenemos ya el de Jurassic World. Por supuesto, vamos a darles un pequeño análisis y expectativa, ya que este 2015 (y 2016) promete ser muy potente en nivel de cine de acción y cómics.


-Superman v Batman Trailer

Descripción: Comenzamos con una persona hablando sobre ciertas circunstancias que vimos ya como una semilla en el Hombre de Acero, donde lógicamente hablamos de Superman y del papel que ha tenido en la humanidad. Sin embargo, como esa figura puede ser controvertida y crear no solo amor, sino también odio entre la gente (lo cual destaca con personas que le rinden pleistesia a Superman y luego como vemos su estatua pintarreajada con un letrero muy símbolico: Falso Dios). Eso el primer minuto.

El segundo es dedicado a Batman: vemos primeramente a Ben Affleck como Bruce Wayne, donde parece escuchar a Alfred (Jeremy Irons) hablando sobre los héroes caídos. Luego vamos viendo los distintivos del encapotado: El traje, su caracterización con dicho traje, El Batimóvil (probablemente también las Batialas) y finalmente el enfrentamiento esperado entre este con Superman, con una frase estupenda que dice "¿Sangras?, Pues lo harás". Y se cierra el trailer con el logo.

Crítica: El trailer muestra muy poco, apenas flashazos. Sin embargo, sirvió bastante para levantar mis expectativas hasta el cielo. Ya había comentado en una entrada anterior que DC le estaban comiendo el mandado y que necesitaba hacer una buena movida para recuperar terreno. Por supuesto, la opción no era intentar el mismo trayecto que su competencia, sino enfocarse en otros derroteros. La apuesta de reutilizar el estilo de Nolan era algo seguro, pero cuando se intento esto (en compañía de Snyder), funcionó en cierta manera con Man of Steel. Sin embargo, ahora se nota más la mano de Snyder, al grado que las tomas cambiaron y vemos una película saturada de colores. También que el realismo sigue siendo la marca de la casa, mostrando primero la dicotomía: Superman siendo acosado por sus origenes y Batman siendo un vigilante que por sus caminos, un día deban chocar.

Aunque la película saldrá en el 2016, le tengo bastante fe. Sin embargo, también es una apuesta arriesgada: sino funciona esto, ambas franquicias caeran como meteoros y el problema es que Aquaman y Wonder Woman batallarán muchísimo (sí de por sí la cosa esta fea con la directora abandonando el proyecto).


-Los 4 Fantásticos

Descripción: A diferencia del trailer anterior, este es mucho más serio y lineal. Primero vemos como un proyecto de gran envergadura está en riesgo. Sin embargo, vemos como Reed Richards y su amigo, Ben Greene, junto con los dos hijos del jefe de Reed (Sue y Johny) estan involucrados. Se trata de un proyector interdimensional. Durante esto, se ve la interacción entre los cuatro, de manera graciosa. Pero algo ocurre mal y los cuatro (que se ofrecieron como voluntarios para probar el proyector), tienen un accidente y de repente se ven siendo objetos de experimentos. Allí vemos los poderes de cada uno y luego piensan ellos que hacer al respecto (lógico, volverse héroes), pero que no será tan fácil, mientras las escenas de acción se ven intercaladas con la de los poderes, hasta inclusive tenemos la cara del Dr. Doom.

Crítica: Aunque este trailer no se ve nada potente, lo que muestra al menos quita algo de "miedo" que le tenía a esta película. Fox decidió hacer un reboot de esta franquicia (a raíz de la ambivalencia que mostró la anterior saga), pero el hecho de cambiar varias cosas (Dr. Doom como hacker, un Johnny Storm afroamericano, por decir algunos) y para colmo, dar declaraciones un poco desafortunadas (donde Josh Tank inclusive hablaba de manera arrogante de su proyecto), hicieron que muchos miraran con mala manera a este proyecto. Por supuesto, luego de las maravillas que ha hecho Marvel Pictures, ya los fans no le tienen fe a los proyectos de esta editorial de otros estudios (más cuando se vio el resultado con Amazing Spiderman 2). y con bastante razón. Sin embargo, debo decir que lo que vi aquí no fue tan crute y al contrario me quito la suficiente duda para ir a verla al cine. Por supuesto, los efectos especiales se ven bastante mejor que su antecesora (sobre todo, con La Mole). Habrá que ver como culmina esto, ya en un par de meses.


-Jurassic World

Descripción: Otro trailer con un mayor impacto visual, aunque bastante lineal. Primeramente vemos al protagonista de la nueva película, interpretado por Chris Pratt hablando de su personaje con una acción y es como ir domando Velocirraptores (¿?), para luego pasar al logo de Universal y una descripción del parque a base de imagenes. Sin embargo, vemos como un nuevo dinosaurio ha sido alterado genéticamente para ser más listo e impredecible y eso comienza a dar guerra, creando un animalejo que no solo come por comer, sino por el mero hecho de matar. Por supuesto, esto pone el parque patas arriba y luego vemos escenas de como los usuarios tratan de escapar, a la par que este dino se las ingenia para ir controlando a los demás y haciendo de las suyas.

Crítica: a primeras cuentas, parece una película de terror de las viejitas, donde en lugar de tener un Freddie, Jason o Chucky, hay un dinosaurio inteligente, poderoso y aparte manipulador. Muchos crítican que la saga de Jurassic Park va en decadencia, ya que vamos de una primicia más apegada a la realidad, a algo totalmente fantasioso. Sin embargo, como soy un fan de estas cosas, me encantó el trailer y estaba emocionadísimo. Aparte de que lógico, también soy un enamorado de la saga y ver una película más de Parque Jurásico, es para dar brincos, jeje. Aunque podrá ser chocante, me gustó ver al prota poder controlar dinosaurios como los Velocirraptores. Seh, fantasioso a morir, pero un buen detalle. A ver que pasa en 2 a 3 meses, cuando se estrene en salas mexicanas.

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Saludos a mi esposa (que le tocara ver estas películas jeje), así a quienes gustan de este tipo de filmes.

Starwars Episodio VII Teaser Trailer 2: La Fuerza ha vuelto.

Ayer se estreno el segundo "Teaser" trailer de Starwars "El Despertar de la Fuerza" (que se conocería como el Episodio VII, aunque no han revelado nada de esto, a diferencia de la trilogía anterior).

Cuando estrenaron el primer teaser en noviembre, debo decir que me sentí muy decepcionado. Creo que esperaba mucho más y ver unas cuantas escenas, más la falta de logos como un ritmo algo acartonado, me hicieron gruñir un rato. No en balde, luego de 9 años, esperaba algo mucho más potente. Aparte de que alimento ciertos miedos que me negaba a admitir. En su momento, cuando George Lucas presento la pasada trilogía, me emocione muchísimo. Aunque era un fan de Starwars sumamente novel, el hecho de ver tres nuevas películas me hacía sentirme parte de ese universo enormemente grande.

El problema es que la trilogia anterior no tuvo el impacto esperado y salvo algunos momentos sublimes (que muchos se vieron en el Episodio III), el resto resultó ser pobre y con poca contundencia, aparte de que me dejo con esa tristeza cuando algo que me había acompañado por 6 años, se va sin más. Por ello, cuando se anunció una nueva trilogía, estuve contento, pero a la vez no había visto que tenía miedo de que pasará lo mismo que con la anterior. Para colmo, se veía desde lejos el hambre de dinero por parte de Disney (dueña absoluta de Lucasfilm). El anterior trailer agudizó, y en cierta manera ayudó a bajar el "hype" que traía.

Por esto, cuando anunciaron que soltarían un nuevo trailer en la Starwars Celebration en Anaheim, no me emocione demasiado. Gracias a Dios por eso, porque la cosa fue brutalmente opuesta a lo esperado. Y he aquí el dichoso trailer.

Aun trato de digerir las genialidades que se ven con este avance. Para empezar, tenemos el logo de Lucasfilm, pero en tono plateado. Luego nos vamos a una serie de escenarios bastante potentes, como un lugar árido donde al fondo se observa un Destructor Imperial hecho pedazos, luego a un sujeto con una mano mecánica tocando a R2 y como una mujer toma un sable de luz harto conocido (todo esto bajo la supuesta voz de Luke Skywalker, describiendo un íconico dialogo del Episodio VI), para luego cambiar (con todo y la estupenda música de John Williams) hacia una serie de imagenes avasalladoras, donde vemos a los nuevos personajes: los nuevos X-Wings, el Sith Inquisidor con su sable de luz, una chica que viene de Tatooine y un joven afroamericano que parece ser un Stormtrooper (de los nuevos) renegado, así otras tomas mostrando a estos emblemáticos soldados de asalto. Por supuesto también observamos las diferentes naves, tanto imperiales como repúblicanas y claro, el mítico Halcón Milenario. Todo rematado con la última escena, donde vemos a Han Solo y Chewbacca casi diciendo al unísono: "Estamos en casa".

Ya para cuando estaba terminando de ver esto, casi estaba a punto de brincar (bueno, sí brinque). Hace tiempo que no me sentía tan contento con algo de Starwars. Por supuesto, mi furor por la película se disparo hasta el mismo cielo y espero con ansías que sea diciembre para verla (aunque mi pobre esposa solo entorno los ojos, más cuando dije que sacaría mi sable de luz del armario).

Ahora ¿Por qué emocione? La razón es sencilla: el anterior trailer mostraba escenas nuevas, sin embargo parece que colocaron elementos totalmente nuevos y bastante impactantes que muchos fans no lograron digerir bien (como un servidor). Sin embargo, este se enfocó en retomar aspectos clásicos: Stormtroopers, personajes icónicos, así paisajes como trajes que recuerdan la vieja trilogía. Es como volver a ver todo, pero en un nuevo formato. El problema medular que tuvo la anterior saga fue que Lucas se desprendió demasiado del viejo concepto y eso hizo que la calidad no fuese tan buena. En cambio, aquí parece que el buen Abrams quiere retomar las bases y soltarnos una nueva película como era el Episodio IV.

Por supuesto, tal vez estoy exagerando y para cuando salga del estreno de diciembre este soltando juramentos contra Lucasfilm, Abrams y Disney, pero mientras, parece que las cosas van por buen camino. Si al menos algo me agrada de esto, es que vuelvo a ese viejo "hype", que empece en 1999, cuando un compañero me mostró el primer trailer de Starwars Episodio I y que mi hermano luego potencio cuando consiguió los dos trailers en altísima calidad. No cabe duda, de que Starwars es parte importante de mi vida y espero lo siga siendo (aunque suene cursi). Por supuesto, para pena de mi mujer, ella me acompañara en este viaje jejeje.

Así que espero estar subiendo más cosas de Starwars continuamente. Bien lo vale. Chewie, estamos en casa, otra vez.

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Saludos a la dueña de mis quincenas ^^, así a quienes gustan de Starwars. Sep, la Fuerza ha vuelto.

Her: original, divertida, pero en el fondo es lo mismo.

Hace rato mientras estaba viendo "Her", estaba al tiempo discutiendo con mi comadre sobre la misma (ella ya la había visto). Al final, para variar, terminamos teniendo posiciones diferentes con respecto al filme. Por más que uno trate de reseñar una película y dar una crítica, sea positiva o negativa, y por más que se trate de hacer un análisis bastante imparcial, es imposible hacerlo, ya que es un producto, como las otras ramas del arte, destinado a despertar una emoción en quien lo ve y es meramente imposible "cualificar" de manera ordinal una emoción con respecto a la de otra persona, ya que las experiencias de vida que dieron lugar a esta, no son iguales en todos.

En otras palabras, una crítica es una opinión personal, que puede aplicar a la mitad del mundo, pero a la otra no y por consiguiente, muy válida refutarla o aceptarla. Claro, hay ciertos aspectos que si deben ser criticados, ya que demuestran la calidad de un producto (desde su concepción hasta la fotografía, como la música, etc. etc., que en algunos casos son horrendos y otros preciosos). Sin embargo, como en el caso de esta película, las diferencias pueden ser variadas. En algo estoy de acuerdo: es un filme original, divertido y con puntadas de genialidad, pero su médula, a mi parecer, me sigue pareciendo predecible en muchos sentidos. Y vamos a ver porque.


Ficha técnica: Her (Ella)
Países involucrados: EUA.
Año:20013
 Productora: Annapurna Pictures
Distribución: Warner Bros.
Idioma: Inglés. 
Dirección: Spike Jonze.
Guión: Spike Jonze.

Argumento: en un futuro cercano, donde los avances tecnológicos han llegado a cierto nivel, donde inclusive se ha podido crear una cierta clase de inteligencia artificial, un hombre llamado Theodore, un talentoso escritor de cartas (Joaquin Phorenix), decide comprar uno de estos productos, para tratar de pasar el momento luego de un difícil divorcio que esta viviendo. La entidad, llamada Samantha (Scarlett Johansson), comienza por convertirse en apoyo para Theodore, no solo a nivel racional, sino también emocionalmente, al grado que su amistad no tarda en convertirse en amor.

Historia: Aquí es donde va a sacar chispas la cosa. "Her" se convirtió en la ganadora del Óscar en el 2014 por mejor guión. La crítica la alabo y no voy a negar que el planteamiento de la película, no solo es original y bastante contundente, sino te lleva por bastante rincones, tanto emocionales como racionales (en especial la parte donde vemos que Samantha se va expadiendo y creciendo, junto con las otras inteligencias artificiales). El problema, al menos personal, es que la historia se cimenta sobre un argumento harto conocido y es la de una relación de pareja, como la viven sus protagonistas, desde sus inicios hasta el final. Theodore es un hombre atormentado y solitario, luego del divorcio y cuando encuentra a Samantha, su vida vuelve a tomar un giro de 180 grados. El detalle es que dicha inteligencia esta programada para "servirle" y entenderlo (tal como ingeniosamente se metió la pregunta de "¿Cómo era la relación con tu madre?"). El salto del argumento es que Samantha no se queda como una "maid", sino va evolucionando y va creando una personalidad muy propia, aunque muy inestable también debido a su matriz primaria. Por lo tanto, se vuelve un personaje más y no cae en el cliché que hemos visto, donde el androide altamente evolucionado, sigue siendo una máquina y se sujeta a tales campos. Esto es una metáfora de lo que ocurre con una pareja común y corriente, cuando luego de una pelea, si ambos estan sincronizados o son lo suficientemente maduros, van a crecer luego de dicho encuentro y van a expandirse para no chocar uno contra el otro y a la vez, seguir conectados. Por supuesto, Samantha experimenta ese crecimiento, pero a una velocidad mucho mayor (lógico, siendo una inteligencia artificial) al grado que se da cuenta que la relación con

Theodore no puede seguir, ya que él en cierta manera lo restringe. Si lo vemos así, es una bonita parabola de lo que ocurre con muchas relaciones estables, pero que terminan acabándose. Es imposible evitar el crecimiento de una manera u otra y es bueno cuando ese va en una misma dirección. Pero ¿Qué sucede cuando no es así?
Sin embargo, esta genialidad a un servidor le parece predecible. Y es que mi trabajo, sin querer, me termina inmunizando en parte de esto. Lo veo diario y me toca muchas veces "puntuar" eso o resaltarlo para que la pareja lo recuerde (o la persona) y vea porque llego a ese trayecto. Hay compañeros que viven de esto y les fascina, pero con mi forma de ser, luego de un rato me termina fastidiando, por lo cual cuando llego a ver una película, busco algo fuera de lo común para quitarme el hastío. Por eso digo que para la mayoría, el argumento es sólido y original, pero en el fondo, sigue contando el mismo cuento (y que para colmo, ya lo vi implícitamente en otra película que me pareció más divertida, al menos cómicamente, que es "500 días con Summer").

Actores: Me hizo un tanto de gracia ver a Joaquin Phoenix, rodeado de tanta belleza (Olivia Wilde, Amy Adams, Rooney Mara, hasta la voz de Scarlett Johansson), aunque cada una cumple con su papel de manera congruente y bastante bien (lo que me quejaría un poco, a nivel personal, es lo delgada que se ve Olivia Wilde, eso no me gusto). Pero el que brilla, lógico, es el buen Joaquin, que no solo su interpretación, sino su caracterización, es harto convincente. Theodore se nos muestra como un hombre emocional, y eso se ve por el tipo de camisas que utiliza (el color sobre todo), hasta su bigote y sus anteojos. Realmente llegas a empatizar con él y vivir su drama a cada momento. Sin embargo, la que si se me hizo sobrada en actuación, curiosamente, fue la Johansson. No sé, su personaje no estaba bien escrito o ella se paso a nivel emocional. Pero por momentos no la vi como la chica "ideal" de la cual me enamoraría. Digo, es cuestión de gustos.

Diseño de arte, fotografía, edición: Hoyte van Hoytema hace un trabajo estupendo con la cámara, donde lejos de hacernos unos escaneos formidables, se enfoca más en hacernos vivir lo que pasa con los personajes y con sus emociones. La escena donde vemos desde arriba la expresión de Theodore, mientras esta en la entrada del Metro hablando con Samantha es formidable. Es como si nosotros estuvieramos "viendo" que hace y porque está tan angustiado y asustado. Pero también a la par es capaz de captar las expresiones de emoción de los personajes sin que sean acercamientos tan de frente, que a veces, más que empatizar, puedes ver el pedazo de pan que se embutió el actor antes de la grabación. Aparte, la edición de la película, mezclando dialogo con escenas retrospectivas, puramente emocionales, es arte puro.

Música: Arcade Fire hace un trabajo bastante convincente y emblemático con la cinta. Sin caer en momentos demasiado melodramáticos, realmente te hace levantar ciertos instantes de una manera u otra. Sumamente atinada.

Doblaje: por supuesto (y para los nervios de mi comadre), la vi doblada y luego un tanto subtitulada. Me gusto el doblaje, ya que vi a Don Goku (Mario Castañeda) haciendo a Joaquin Phorenix y me agrado bastante. Mayra Arellano que había doblado a Olivia Wilde en House, repite papel, igual que Romina Marroquin como Amy Adams, que es casi su actriz de doblaje oficial. El detalle vino con la Johansson, ya que la había estado doblando Rosalba Sotelo, pero acá vemos a la polifacetica de Mireya Mendoza haciendo los honores. Me habría gustado, pero no sé, su actuación no fue taaan sincronizada con la de Mario Castañeda.

A título personal: "Her" era una película que le había puesto el ojo desde su inicio, tanto por su primicia como crítica. Sin embargo, la mencionada y hastiante crisis económica no me permitió ir al cine con mi mujer a verla y ya un día, harto de eso, me puse a descargarla. Sin embargo, pasaron dos meses hasta que me decidí a verla. Por suerte, escogí un momento adecuado (jeje) y valió bastante la pena. Aparte de ser un ejercicio de reflexión bastante bueno, también me hizo ver que pese a que tengo alma de niña por momentos, aun sigo siendo hombre macho pecho peludo que se respeta y por ello, las películas de acción siguen siendo lo mío jojo. Tal vez, a nivel muuuy personal, lo que si me molesto fueron las escenas de "cybersexo", que bueeeeno, si me pareció bien que quisieran dar explicítamente el nivel de conexión que pueden tener dos amantes, sin tener algo físico, peeeero, de repente me sentí en el cine de arte, donde el sexo es un gancho o un tabú freudiano muy presente en el director.

En conclusión, "Her" es una película recomendable, diferente y muy original. Sin embargo, si te gusta descifrar tramas, te parecera un tanto predecible. Digo, en mi particular caso, me la pase muy bien, pero el desarrollo como el final me parecieron bastante normalones y hasta sin ninguna inovación (bueno, salvo un detalle que me hizo carcajearme un rato, pero eso ya tienen que verlo ustedes).

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Saludos a mi esposa :3 que adoro, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Super Punch Out!: Un clásico del NES en grande para la SNES

Hay clásicos que nunca mueren y pueden pasar los años y aun así, los sigo jugando no importa la cantidad de veces. Lamentablemente con las nuevas tecnologías y la cantidad de juegos que salen, la existencia de ese tipo de videojuegos ya son casi nulos. Uno se tiene que conformar con un montón de sagas o de secuelas para que llene ese espacio que antes los clásicos llenaban al instante.

Sí, hablo de uno de los más grandes juegos que aparecio primero en el NES y luego emigró al SNES: Punch-Out.
Ya en otra entrada hablaré del mítico juego de la consola de Nintendo de 8 bits (eso y lo que sucedió con lo de Mike tyson). Mi enfoque irá dirigido hacia la traslación de SNES. Claro, lo lógico sería hablar de su antecesor, pero ambos juegos aunque tiene el mismo sistema de juego, en realidad son muy distintos uno del otro. Aparte de que el sentimiento ligado a cada uno es harto distinto.


Super Punch Out!! (スーパーパンチアウト!!) es un videojuego de boxeo para la Super Nintendo. También fue lanzado en Japón para el cartucho Nintendo Power Flash RAM de la serie, así como el Super Famicom, la versión japonesa de la Super NES. En la saga Punch-Out!!, tiene lugar después del juego Mike Tyson's Punch-Out!!. Al igual que el protagonista de los títulos arcade y de NES, el protagonista del juego de SNES es el boxeador Little Mac trabajando en su camino hasta llegar a los cuatro circuitos de la NVBA (Nintendo Video Boxing Association). Se enfrenta a una serie boxeadores ficticios, que culminará en una pelea con el invicto Nick Bruiser.


Luego del brutal éxito que tuvo Punch-Out!, el productor del juego, Genyo Takeda decidió hacer una traslación de su joya hacia la recien salida NES. Sin embargo, el juego tuvo retrasos importantes en su desarrollo desde un principio. Originalmente estaba proyectado para salir a lo máximo, un año después de la salida de la consola al mercado, pero Nintendo y Takeda vieron problemas sobre que hacer con dicho videojuego.

Takeda quería hacer una copia casi exacta del juego de Arcadia (que lamentablemente no se puedo adaptar de buena manera para la NES, resultando en un juego un poco más rústico a nivel gráfico, pero igualmente divertido y con una altísima dificultad), pero en lugar de optar por los personajes clásicos, se decidió por unos nuevos y dejar solo los peleadores más emblemáticos (como Mr. Sandman, BadBull o SuperMachoMan). También, se dejo de lado el utilizar un peleador famoso (ya que Mike Tyson les había dado un horrendo dolor de cabeza por las cuestiones del nombre y de derechos) y dejar en su lugar un boxeador inédito, pero bastante potente (Nick Bruiser).

También se hicieron modificaciones al sistema de juego. En el Arcade como en el NES, los rounds eran de 3 minutos y estos llegaban hasta ser 12, lo cual a veces era agotador para el jugador. En cambio, en esta versión se redujo a un solo round de tres minutos, lo cual hacía más dinámico el juego. También se suprimió el uso de "ganar estrellas", los cuales se lograban luego de dar un buen golpe al oponente. Ahora se cambio a un marcador de poder, donde luego de conectar varios golpes seguidos, accedías a la máxima potencia y con lo cual podías conectar un poderoso derechazo o varios puñetazos rápidos en sucesión (claro, cuando el oponente te llegaba a dar uno, perdías dicha habilidad y había que recuperarla nuevamente). Curiosamente, en algún momento de la pelea, la velocidad y potencia de los golpes llegaba a aumentar por unos cuantos segundos, lo cual podía darte un extra en ataque y defensa.

Otro detalle que se incorporo fue el poder utilizar el famoso "counter" o contragolpe, algo muy socorrido en el boxeo actual y es la capacidad de dar un golpe un segundo antes de que te impacte el ataque del contrario. Esto ayuda mucho para generar combinaciones y ganar poder durante el combate. Por cierto, otro detalle curioso del juego es los rivales que tienes enfrente. Takeda siguió manteniendo a luchadores marrulleros, mucho más poderosos que tú y que tienen tácticas de pelea no solo superiores, sino también en pegada como velocidad. Sin embargo, el sistema mencionado es capaz de encontrar un punto débil en estos ataques y como sacar provecho para tumbarlos en 3 ocasiones o en un solo golpe que provoque el K.O.

Con estas modificaciones, la historia es casi la misma: Little Mac vuelve a los encordados y ahora debe convertirse en el campeón mundial. Para ello, debe luchar en 4 diferentes circuitos, los cuales cada uno tienen 4 peleadores que van subiendo en dificultad. Como homenaje a las sagas anteriores, Bad Bull, Mr. Sandman y Super Macho Man son los jefes de estos circuitos, para llegar al cuarto, donde están lo más tozudos (y tramposos) peleadores: Mr. Prince, Hoy Quarlow, Rick Bruiser y su hermano, el imbatido Nick Bruiser.

La música del juego estuvo a cargo de Takashi Kumegawa y Masaru Sakakibara, que hacen una maravilla brutal en todos sentidos. Los BGM que cada circuito son estupendas, pero quien se lleva las palmas, son los "intros" que tienen cada peleador, que van desde aspectos muy orientales (Dragon Chan) hasta un tono casi marcial como el de Nick Bruiser (que en broma, mi hermano y yo le decíamos "Terminator"). A tal grado me gusto el OST que baje varias rolas y las tengo en mi biblioteca musical.

Otro detalle de alto nivel fueron la incorporación de voces y chillidos, no solo para el protagonista (son geniales las frases que se avienta cuando vence con facilidad o cuando están a punto de ganarle) sino también para los rivales, donde sus gritos son íconicos. Todo esto, estuvo a cargo del genial Charles Martinet (seh, la voz oficial de Mario).

Con todo esto, Super Punch Out! vio la luz en América el 1 de octubre de 1994, en Europa a principios de 1995 y curiosamente, en Japón no vio su salida hasta 1998 como parte de un periférico para el ya casi extinto SNES y la Game Boy. El juego tuvo una excelente crítica en cuanto al control, gráficos y música, pero lo que le bajo puntos fue la dificultad media a baja del mismo. Comparado con su antecesor, realmente es un juego fácil y es que técnicamente puedes llegar al cuarto circuito sin demasiados problemas. El último si esta complicado, pero siguiendo cierta rutina, puedes terminarlo sin tapujos. El detalle viene cuando quieres hacer record, porque allí, la cosa si se pone harto dificultosa.

A título personal: ¿Por qué recuerdo con tanto cariño este juego? Como ya he comentado, debido a ciertas cuestiones, no pude tener la consola, el SNES, en su momento y tuvieron que pasar unos años para que pudieramos disfrutar todos los juegos como era debido. Para cuando logramos alquilar el Super Punch Out! ya era principios de 1997 y el SNES estaba casi de salida ante la llegada de la poca valorada Nintendo 64. Sin embargo, debo decir que me encanto el juego y cuantas veces que pude, lo alquile, inclusive una última vez en mi cumpleaños (y que esta próximo a la entrada a la universidad). Debo decir que este juego fue de lo último que me toco disfrutar antes de salir de casa y técnicamente llego a marcar mi salida para ir a un mundo más grande.

Curiosamente, no volví a jugarlo hasta años después, cuando pude comprar mi primera portatil y luego de descargar el emulador correspondiente, me la pasaba en el trabajo, en los tiempos libres, tratando de imitar los trucos y otras formas de vencer a los oponentes en un tiempo record. Debo decir que pase de ser un simple aficionado a ser un auténtico experto (sin ser modesto), ya que lograba derrotar inclusive al imbatible Nick Bruiser en menos de 30 segundos, cuando en su momento, apenas si lograba sacarle la tercera caída en los últimos 10 segundos.

Como detalle extraño, hay un peleador rival de origen mexicano, Masked Muscle, aunque bastante estereotipado. 

En fin, Super Punch Out! Es de esos juegos recomendables, no solo por su diversión, sino también por la multitud de detalles que lo adornan. Digo, las patadas de Dragon Chan, los ademanes de Mr. Sandman o la actitud narcisista de Super Macho, no tienen comparación.

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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos.

For All Seasons: un estupendo cómic del Hombre de Acero

La Órbita de Endor se ha convertido en mi faro de referencia actual. Gracias, no solo a los últimos programas, si no a los que he escuchado desde que empece a escucharlos (que eso será ya tres años más o menos). Sin embargo, no puedo negar que los podcasts que he tenido el gusto de escuchar de 6 meses para acá son los que más me han impulsado a leer o ver productos nuevos o clásicos que no había tenido el gusto de disfrutar.

Justamente uno de esos programas fue el "mega" metapodcast dedicado al Hombre de Acero, Superman para los cuates. No solo se dedicaron a hablar de los orígenes y películas del Azuloso, sino también a mencionar algunos de sus cómics más emblemáticos.

Aquí puedo hacer ver que tenía muchos prejuicios contra las aventuras de Superman, al menos en el formato de papel. A diferencia de un personaje como Batman, pensé que sus despliegues serían mucho más sosos y poco contundentes. Por suerte, el dichoso podcast me hizo ver que había algunas joyas entre las diferencias colecciones. Una de ellas fue la ya reseñada "Identidad Secreta". Sin embargo, esta colección se enfocaba en una versión alterna de Superman, con la cual se podía jugar o ampliar de manera mucho más rica.

Por ello, "For All Seasons" la considero una auténtica genialidad, ya que se enfoca en Superman y explota las muchas aristas de este personaje, no solo de manera original, sino también muy contundente. Por lo tanto, esta entrada va dedicada a esta mini-colección que desde ahora lo digo, es altamente recomendable.


Jeph Loeb nos trae esta maravillosa historia del Hombre de Acero, ademas de contar con el arte de Tim Sale, quien también acompaña a Loeb en importantes historias de Batman como en Long Halloween y en Dark Victory.
Superman for All Seasons es un comic imperdible contado a través de las cuatro estaciones del año, y por cuatro personajes/narradores que sin duda definen la humanidad de Superman: Jonathan Kent, Lois Lane, Lex Luthor y Lana Lang.


Antes de hablar del cómic, hay que hacer una pequeña reseña de su autor y su dibujante.

Jeph Loeb es un afamado guionista, que no solo se encargó de hacer la historia de estos tomos, sino también del afamado arco "El Largo Halloween" (que ya nos toco hablar en otra entrada) y aparte escritor de muchos episodios de series como Smallville, Heroes o Lost. Actualmente se desempeña como el cabecilla de la división de Marvel enfocada en su parrilla televisiva (como series de animación, de drama o comedia).

Tim Sale como dibujante, le ha tocado guionizar muchas de las mejores historias de Loeb y también en series de Hulk, Superman y Catwoman.

La dupla Sale/Loeb ya habían tenido un trabajo descollante para una de las mejores mini-series del Hombre Murciélago en 1996 y 1997, el denominado arco "El Largo Halloween". Ya había comentado cuando hice la reseña de este cómic, no solo el guión estupendo, sino el desarrollo de los personajes y una buena reinterpretación del origen de Two-Face. Sin embargo, esto no se pudo haber logrado sin el estupendo arte de Sale. Claro, en su momento me queje de las facciones y del estilo de este último, ya que por momentos parece más una viñeta de cómics de los años cincuenta, aunque un tanto modernizada (bueeeeno, si vemos a la Catwoman que Sale se avienta).

Un año después, Loeb parece que quiso intentar una historia con el Azuloso y es justamente "For All Seasons" que apareció en 1998 y que se compuso de una mini serie de 4 tomos, cada uno enfocado en un diferente personaje del universo de Superman y narrando al mismo tiempo, los inicios del superhéroe. Pero vamos a dar más datos al respecto.

El argumento de For All Seasons es sencillo: se narra los inicios de la carrera de Superman, desde la óptica de cuatro personajes y cada uno, representando una temporada del año. El primero va desde la perspectiva de Jonathan Kent, padre adoptivo de Superman, el cual nos narra como Clark comenzó a asimilar sus poderes y también el hecho de ser diferente, así estar bajo la tutela de los Kent. El segundo es desde la perspectiva de Louise, donde la reportera nos habla del recien llegado "Villachica" Clark Kent, donde aparte ya comenzamos a visualizar el enfrentamiento entre él y Lex Luthor. Por supuesto, el tercer tomo va desde la visión del supervillano y como logra meter en una trampa a Superman y hacerlo dudar de sus habilidades y ética. El último, que vendría a ser dedicado a Lana Lang, la novia de Clark en el Instituto y que le ayuda a este a recuperar la confianza en él mismo. 

Como se comento, cada "arco" representa una estación, por lo cual Jonathan sería la primavera, Louise el verano, Luthor el otoño y Lana el invierno. Esta forma tan original de trazar esta mini-serie le da un toque no solo distinto, sino también asombroso. Loeb, de la mano de los lápices de Sale, va narrando la disyuntiva de Clark para convertirse en Superman y luego su partida hacia Metrópolis, donde conoce a una atractiva Louise Lane (que por su diseño me recordó mucho a la Catwoman de Batman) y como va compaginando su vida como reportero del diario El Planeta con su labor como superhéroe. Por supuesto, también vemos como Lex Luthor aparece y como tiene sus propias motivaciones para odiar a Superman, al grado de ponerle una trampa bastante funesta, que lo obliga a retirarse derrotado moralmente. Sin embargo, la forma de resolver dicho arco, cuando vuelve a Villachica y se reencuentra con Lana, es formidable.

A nivel guionismo, el cómic es excelente. Loeb es capaz de sacar un montón de aristas como de detalles de la vida de Superman y conjuntarlos de tal manera que se te hace creíble lo que lees. Generalmente se nos muestra un Superman cuasi perfecto y con motivaciones muy pro-yanquis. Sin embargo, acá Clark esta lidiando con su origen y también como convertirse en Superman. Se le ve indeciso, con miedo y hasta desconfiado, pero sin dejar de hacer su trabajo. Claro, no caemos en una dicotomía tan grande como en Batman, pero Loeb sabe desarrollar un personaje complejo en todos sentidos.
Lo mejor de todo es que Superman resulta ser el personaje secundario de la historia, ya que el guionista se enfoca en las 4 personas ya mencionadas y como ellos también perciben a dicho personaje. La primera parte, con papá Kent es muy emotiva y nos muestra a un Jonathan preocupado pero a la vez reacio con su hijo. En el caso de Louise la cosa no es tan buena, pero se compensa con la aparición de Lex Luthor, que lo vemos como un villanazo de primer nivel, en especial en el arco de otoño. Sin embargo, el remate con el tomo de Lana es absolutamente genial. Me había quejado mucho del final de "Identidad secreta". Sin embargo, acá es lo contrario y el final de esta mini-serie se lleva las palmas. Vaya forma que tiene Loeb de recuperar a un héroe que se ve conflictuado por todos los flancos.
Curiosamente, sería esta historia la que motivaría a Loeb a crear Smallville y al hacer al menos el primer arco de la historia. 

Por supuesto, lo que también ayuda a la potencia de la historia, es el dibujo de Sale. Aquí me gusto muchísimo más que en El Largo Halloween, ya que no solo utiliza unos colores más brillantes y unos trazos mucho más definidos, sino también a través de su dibujo, hace resaltar cada estación, haciendonos ver el paso del tiempo mientras uno esta leyendo. Curiosamente, aunque me encantó el último tomo, es donde menos me gusto el dibujo, ya que me recuerda un tanto el cómic de Batman.

Como punto extra a este cómic es la fragilidad con la cual Superman está hecho. A muchos les chocará, pero me gusta como Loeb toca ciertas fibras del Hombre de Acero y lo hace ver más complejo como rico en personalidad. Una referencia en el arte es una imagen que se repite varias veces, donde vemos al buen Clark tumbado sobre su cama, primero en su casa, luego en su departamento en Metrópolis y nuevamente en su casa, pero ya sin tantos tiliches como cuando era joven.

En conclusión, "For All Seasons" es un cómic altamente recomendable (como había dicho en un principio), no solo de Superman, sino del mundo comiquero. Un dibujo estupendo y una historia muy agradable es lo que lo hace tan potente. Lastimosamente en México no se puede conseguir dicha historia de manera actualizada, ya que un tiempo la tuvo Editorial Vid y la estuvo compartiendo con Editorial Norma hace un bueeeen de tiempo. Ahora lo más cercano son scans en la red (que es al final como lo consigue y me decidí leerlo hace más o menos como dos meses) así que si alguien lo tiene, es una joya en todos los sentidos.

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Saludos a mi Louise ^^, así a quienes gustan de los cómics del Hombre de Acero.

El Castillo Ambulante: el libro que inspiró a Miyazaki

Si algo me impresiono de mi esposa cuando la conocí fue la cantidad de similitudes pero a la vez de diferencias que teníamos respecto de uno con el otro. Para empezar, nos gustaba el anime y el manga, pero en diferente grado y en diferente tópico. Gracias a ella pude chutarme en su momento mangas que hubiese dejado de lado, como Karekano o Fruits Basket. Y este ejemplo puede servir de referencia, no solo a esta afición, sino también a otras, como el cine, la comida o la forma de ver la vida.

Sin embargo, un tema que tocamos insistentemente al inicio de nuestra relación, fue el gusto que teníamos por las películas del estudio Ghibli. Por supuesto, para la mayoría de las parejas que gustan del buen cine y aun más del tipo nipón, es un tema obligado y por suerte, mi mujer pronto hizo ver una de las cualidades por las cuales me case con ella y ha sido su capacidad para hacer una crítica lo bastante amplia de las cosas sin tomar demasiados apasionamientos. Por lo tanto, como he comentado hasta el hartazgo, siempre se convierte en un punto de referencia para hacer una crítica de cine (y de allí que mis comentarios varíen cuando veo una película a solas, a cuando lo hago con ella).

¿Para que echar tanto este rollo? La razón es que esto me sirve de preámbulo para hablar de una franquicia que marco nuestra relación. Sí, como hay canciones que muchos novios al escucharla les recuerda a ellos, en este caso, "El Castillo Ambulante", se convirtió en uno de los temas de conversación recurrentes desde entonces hasta la fecha, la cual se vio reforzada cuando la Editorial Berenice decidió traer los libros de Wynne Jones. Muy en especial ese que inspiro a Hayao Miyazaki a realizar una de sus obras más exitosas: El Castillo Vagabundo.


El castillo ambulante (título original: Howl's Moving Castle) es una novela fantástica de la autora británica Diana Wynne Jones, publicada por primera vez en 1986. En 1990 se publicó una secuela, titulada Castle in the Air. Una segunda secuela, House of Many Ways apareció en junio de 2008.


Hace un par de años, un domingo cualquiera, mi mujer y un servidor decidimos quedarnos a comer en casa y mientras lo hacíamos, decidí poner una de las películas que habíamos adquirido recientemente y que era parte de un pack de Ghibli que ahora se venden de manera corriente en varias tiendas del país. La elegida, fue "El castillo Vagabundo".

La sobremesa fue bastante amena y de repente mi esposa me pregunto si Miyazaki se había inspirado en algo para hacer dicha película. Así como buen curioso, no tarde en buscar en la red y me lleve la sorpresa de que había tomado como base, el libro de una renombrada escritora inglesa.

Por supuesto, comencé a ver como conseguir dicha obra, nuevamente por mera curiosidad y resulta que en México ya se vendía. Así que no tarde en adquirirlo y regalárselo a mi mujer. Al principio tuvo un tanto de reticencia al leerlo, porque sabemos que los libros varían demasiado con respecto a las películas y tenía miedo de que una de sus películas favoritas se viese perjudicada. Sin embargo, se llevo una sorpresa muy agradable y vamos a ver porque.

"El Castillo Ambulante" forma parte de una trilogía de libros escritos por la inglesa Diana Wynne Jones.

Nacida en 1934, le tocó los rigores de la guerra de manera bastante cruda, mientras sus padres, dos educadores, llevaban a ella y a sus dos hermanos menores por varias ciudades de Inglaterra, hasta que finalmente se establecio en Thaxted en Essex. Estudio la universidad en una de las escuelas afiliadas al conjunto de Oxford y en ese tiempo fue cuando asistió a las conferencias de C.S. Lewis y de J.R.R. Tolkien, lo cual le ayudo a afilar un tanto el estilo literario que luego mostraría. Se caso en 1956 con John Burrow, un estudiante de filosofía medieval. Estuvo del tingo al tango entre Oxford y Bristol, hasta que se establecio oficialmente en esta ciudad hasta el día de su muerte, la cual acontenció en el 2011.

La escritora se enfoco en los libros de corte juvenil, de los cuales destacaron dos sagas: la de Chrestomanci y la del Castillo Ambulante de Howl. Esta última se compone de tres libros, los cuales salieron a la venta en 1986, 1990 y en el 2008. Por supuesto, la primera es la que nos compete al momento y es la del Castillo Ambulante.

¿Y de qué va esta cosa?  
En un reino muy lejano, donde la magia existe de manera palpable, una jovencita tímida llamado Sophie se encuentra como regente de una tienda de sombreros que le pertenece a su madre. En una salida, se encuentra con un poderoso y carismático mago llamado Howl y Sophie se siente atraída hacia él. Sin embargo, debido a su carácter, vuelve otra vez a la tienda sin animarse a nada más. En el trajín, conoce a la Bruja Calamidad, que le embruja, volviéndola una anciana de casi 90 años. Acomplejada por esto, Sophie se embarca en una aventura para romper el hechizo, mientras vuelve a encontrar a Howl y su misterioso Castillo Ambulante. 

Cuando mi esposa me dió el libro (luego de chutarselo en un tiempo record), en una frase me resumió la esencia del mismo: "Es ameno y fácil de leer".
Una de las cualidades que muestra la autora con esta obra es una prosa limpia, sin muchos tapujos y sin tantas descripciones, con unos dialogos bastante divertidos y sobre todo, con unos personajes muy carismáticos (si Calcifer en la película es carismático, en el libro es una botana). Cierto que el libro es de tipo juvenil, es decir, que esta enfocado para edades más noveles y por lo tanto, su escritura no es nada laboriosa. Sin embargo, Wynne Jones sabe construir no solo una excelente trama, si no también personajes que son complejos y a la vez fáciles de entender.
Aparte, se nota la influencia de muchos autores de literatura inglesa, ya que el libro tiene referencias por doquier, desde nombres de tipo arturíco, hasta de la trilogía del Señor de los Anillos de Tolkien. 

Cuando me di cuenta, la primera vez que comencé a leerlo acabe hasta la página 90. No porque fuese sencillo de leer, sino porque estaba emocionado con la trama. Es cierto que ya conocía un tanto (gracias a la película del buen Miyazaki), pero aun así, te entretiene tanto el libraco que no te das cuenta y deseas leer más y más (inclusive mi comadre me lo confirmó cuando le prestamos el libro). Lamentablemente, pese a la cantidad de cualidades que tiene esta obra, también tiene unas fallas bastante fuertes.

Para empezar, los dos primeros tercios del libro son extremadamente potentes, pero en el último, no sé que pasa, pero se desinfla todo de manera muy fuerte. Tal vez la autora no sabía como terminarlo o el final resulta demasiado prototipo y por ello desentona de manera profunda con el resto del libro. Aparte, hay una buena cantidad de subtramas que la autora también deja de lado y que tenían un altísimo potencial (como el ayudante de Howl o lo sucedido con otros magos que existen). Esto se agudiza, sí, otra vez en el último tercio y te deja con un extraño sabor de boca. Desgraciadamente, parece que la cosa termina así, porque a que pese los siguientes libros son una especie de continuación, a la vez no, por lo cual uno se queda con varias dudas.

Ahora, ¿Qué diferencias hay entre el libro y la película? Antes de comenzar, debo decir que en su momento, Hayao Miyazaki fue directamente con la autora a pedirle autorización para adaptar su obra. Wynne Jones se mostró reticente en su momento, pero terminó aceptando. Como agradecimiento, Miyazaki le llevo una copia del filme antes de su estreno para verla en casa y la autora quedo sorprendida como contenta con dicha adaptación.

Como es lógico, la película es una versión recortada del libro, ya que al menos la primera mitad esta casi idéntica entre ambas obras. Por supuesto, muchos detalles de la vida de Sophie no pudieron plasmarse en la película, pero Miyazaki hace un gran trabajo al sintetizar en algunos momentos, el origen de la personalidad de la protagonista. En cambio, la segunda parte es la que más varía, ya que mientras Miyazaki tomo un derrotero netamente militar/pacífista, la obra de Wynne Jones continua las andanzas de Sophie en compañía de Howl, no solo para solucionar sus problemas, sino los que tiene Howl con medio mundo, lo cual un final, que ya como comente, es medio extraño.

Un punto que si varió drasticamente fue el corte o cambio de bando de algunos personajes. Por ejemplo, una de las hermanas de Sophie fue recortada de la película, mientras que Sulaimán no solo cambiaría de sexo, sino también de intenciones. Pero el que más cambio fue el ayudante de Howl, que mientras en la película era un simpático chámaco, en la novela es un joven un tanto despistado.
Sin embargo, ambas obras son espectaculares a su manera de ver. Y aquí es donde se demuestra el genio de Hayao Miyazaki, ya que supo adaptar y hacer una obra a su estilo, pero sin perder el espíritu del libro, el cual también es bastante potente.

En conclusión, "El Castillo Ambulante" es un libro estupendo. Fácil de leer, pero muy entretenido y con unos personajes entrañables. Aunque muchos se alejan de este, porque es una novela juvenil, en realidad es muy disfrutable. Altamente recomendable.
En México se puede conseguir en cualquier librería, mediante la editorial Berenice. Por cierto, abajo dejo una entrevista que le hicieron a la autora con respecto a la película de Miyazaki. Vale la pena verla (y esta subtitulada).

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Saludos a mi Sophie ^^, así a quienes gustan de este tipo de libros.

Fin de semana de películas: Tora Tora Tora! y Zodiac

Luego de un tranquilo fin de semana, al fin pude ponerme al tiro con varias películas que tenía pendientes desde hacía un buen tiempo. Una inclusive la había comprado hace un par de años y allí la tenía guardada en su estuche y sin tocar. En cambio, la otra la descargue apenas hace un par de meses, pero igual, le tocó verse enlatada dentro de la memoria de la PC por un buen rato.

Por suerte, estos días al fin pude ponerme a tiro y reseñar algo de buen cine gringo. Sí, los norteamericanos de vez en cuando tienen sus perlas y las dos películas que voy a reseñar son un buen ejemplo de eso. Debo decir que me la pase muy bien viendo ambas y por suerte, lograron borrar muchos de mis prejuicios que tenía con respecto a ambas. Así que vamos de la más vieja a la más reciente (por así decirlo).


-Tora! Tora! Tora!

Ficha técnica
Países involucrados: EUA y Japón.
Año: 1970.
Productora: 20th Century Fox.
Idioma: Inglés y japonés.
Dirección: Richard Fleischer y Kinji Fukasaku.
Guión: Ladislao Farago y un montón de colaboradores.

Argumento: Recreación del bombardeo japonés a Pearl Harbor en 1941, que provoco la entrada de los EUA a la Segunda Guerra Mundial. La película narra desde los antecedentes a dicha guerra hasta las conclusiones niponas a dicha acción luego del bombardeo.

Historia: Es una tristeza que las generaciones actuales hayan tenido que ver un bodrio tan horrendo como Pearl Harbor de Michael Bay. En su momento, cuando fui a ver esta película, con toda la esperanza del mundo, me encontré con una porquería cuasi romántica que mezclaba un conflicto tan serio como el bombardeo de Pearl Harbor con un dramón barato. No es que me moleste demasiado el romance insulso, pero las opiniones, críticas y demás cosas que Bay puso con respecto al bombardeo japonés, tanto antecedentes como consecuencias fue pésimo. Técnicamente dejo a los nipones como los villanos nominales y como sujetos harto sanguinarios. Claro, mi objetivo no es tampoco defender al país del Sol Naciente (que no hay que negar que junto con Alemania, se llevo las palmas en violación de todo tipo de derechos humanos durante el conflicto), pero si al menos dar una explicación racional de lo sucedido, en especial al lego. Y tuvo que venir una película de hace 45 años para lograr tal cometeido. Sí, esta película es más que eso, se enfoca en ser un documental bastante correcto sobre el ataque, mostrando las motivaciones niponas a realizarlo, como reaccionaron los americanos, antes, durante y después del bombardeo. Lo que me sorprende es como una película de los años setentas, donde todo era más conservador, tuviese tanta acertividad en cuanto a su referencia histórica. Por supuesto, no puedo negar que los americanos dejan de lado la teoría de "nos dejamos bombardear a propósito" y se enfoca en los muchos (pero veraces) errores humanos que tuvo la cadena de mando de la Marina y el Ejército, para desestimar un ataque japonés. Pero lo maravilloso fue lo bien realizado que estuvo la contraparte nipona (ya que la película se va alternando entre los mandos de ambos países) donde no solo vemos las motivaciones de Yamamoto, Genda, Fuchida, sino también las actitudes y razones que tuvieron para sus acciones. En conclusión, es una maravilla de película que pese a tener sus años, es capaz de ser altamente instructiva en todos sentidos. En este mismo apartado, podría ubicar a los personajes, que aunque ninguno destaca, el carisma de algunos actores es tan brutal (en especial los que hacen los comandantes Fuchida y Genda), que te hace tomarles cariño. Por supuesto, pese a la maravilla de la película, no niego que es una producción de su época y por consecuencia, el ritmo como explicaciones que se da son poco fluidas y para las personas de este siglo, podría resultarles lenta y hasta soporífera. Sin embargo, para un freak militar, es altamente instructiva.
Diseño técnico: uno de los mejores apartados del filme. Como dije, pese a tener sus buenos años, los efectos especiales son espectaculares y no desmerece en ningún momento. No en balde, en su momento inclusive se hicieron modelos de los acorazados hundidos en una escala de 1:35, lo cual permitió no solo recrear adecuadamente las explosiones, sino ver el hundimiento de los barcos atacados. En fin, hoy en día, dichos efectos se mantienen bastante vigentes. Por cierto, como dato curioso, debido a la falta de cazas Zero originales, se emplearon aviones T-6 Texans americanos, muy parecidos a sus contrapartes nipones.
Música: Jerry Goldsmith cumple con una adecuada banda sonora, donde destaca muchísimo la contraparte japonesa, donde escuchamos una melodía nipona muy característica, mientras que en la parte americana, esta es casi inexistente.
Doblaje: Como siempre, elegí la opción de escucharla doblarla y no me decepciono en absoluto. Me toco escuchar de las mejores voces que aquella época ofrecía (Narciso Busquets, Alvaro Tarcicio, Esteban Siller, Jesús Barrero, Jorge Roig, Victor Mares, Arturo Mercado, Jesús Brock, Blas García, Maynardo Zavala, etc. etc.). Por supuesto, de repente los actores repetían papeles, con diferentes tonos de voz, pero era normal. Así se manejaba el doblaje en aquellos años. Sin embargo, es de una calidad altísima.

A título personal: Tora! Tora! Tora! (así se denomino a la clave que indicaba que el bombardeo a Pearl Harbor había sido éxitoso) es de esas películas que siempre quise ver en su momento cuando comence a disfrutar del cine de los años sesentas y setentas (con producciones como Patton, El día más largo, los Cañones de Navarone, etc. etc.), pero mientras otras eran buenos productos de su época, a esta película le tenía un poco de miedillo. Aunque Pearl Harbor de Bay sea un asco en muchos sentidos, la batalla aeronaval si estuvo bastante bien (y es lo único que veo cuando la ponen en la TV de repente). Así que ver un producto de hace más de 40 años, en materia de efectos especiales, si me iba a costar. Aun así, aproveche un día que estaba a menos de 30 pesos en un botadero y decidí comprarla. Sin embargo, tuvieron que pasar dos años para que pudiera verla. Y vaya Zaz en toda la boca que me dio. El filme es divertido a su manera, es sumamente imparcial y sabe ir de la historia japonesa con la americana, sin inclinarse por un lado o por el otro, tanto en el aspecto de cantidad de metraje como de crítica hacia la actitud de ambos bandos.

En conclusión, Tora! Tora! Tora! es una película bastante buena, de un calibre tanto técnico como actoral impecable y sobre todo, es un documental sobrio sobre la batalla de Pearl Harbor. Nominada a 5 premios de la Academia, termino ganando el de Mejores Efectos Especiales. Sin embargo, debido a su fecha de exhibición así como el ritmo de narración que tiene, es obvio que no es para todo público. Como ya comente, a las nuevas generaciones les resultará algo aburrida y tediosa. Aun así, es recomendable para quienes gustan de este tipo de cine y por mucho.



-Zodiac

Ficha técnica
Países involucrados: EUA.
Año:2007.
Productora: Phoenix Pictures/Road Rebel.
Distribución: Warner Bros.
Idioma: Inglés. 
Dirección: David Fincher.
Guión: James Vanderbilt.

Argumento: la película narra los eventos que rodean a la figura del Zodiaco, un asesino en serie que rondo en California durante los años sesentas y setentas, que aparte nunca fue capturado. Se enfoca sobre todo en la vida de tres personas que estuvieron dentro de la investigación: Robert Graysmith, caricaturista del San Francisco Chronicle (donde se recibieron las primeras cartas del Zodiaco), su editor, Paul Avery y el detective a cargo, David Toschi.

Historia: Aun no entiendo como hay gente que opina que Zodiaco es una película aburrida. Si, no niego que si es bastante larga y tuve que pausar por momentos para ir a buscar algo para comer mientras la veía. Sin embargo, el ritmo me pareció adecuado y la cantidad de información más que contundente. Tal vez este es el mayor problema para el espectador promedio y es que aunque la película no es un rollo total, si es un tanto más pesada que la mayoría, por la cantidad de datos, fechas y personas que manejan los protagonistas, en especial el encarnado por Jake Gyllenhaal y Mark Rufallo (Graysmith y Toschi respectivamente). Varias veces si tuve que pausar la película y ponerme a escribir sobre los distintos datos que manejaban los personajes, en especial con los referidos con el sospechoso número uno, Arthur Leigh Allen. También otro punto a favor y a la vez en contra es la misma dinámica de la película. Lamentablemente, series de TV como CSI, Mentes Criminales o inclusive Bones, nos acostumbran a lo espectacular de resolver casos o encontrar asesinos seriales. Sin embargo, la realidad está muy lejos de ser así y la investigación criminal en forma es mucho más árida y divertida de lo que parece. Justamente, esta película muestra ese aspecto, lo cual la hace bastante realista, muy detallada y aparte que el buen Fincher sabe darle un ritmo bastante adecuado. Pero como dije, para quienes gustan de algo más espectacular o rápido, la película si les puede resultar un tanto sosa y lenta como caracol.
Personajes: Esta película sirvió para catapultar a algunos actores que ya iban de capa caída, como Robert Downey Jr. Técnicamente, si uno ve esta película luego de Avengers y la saga Ironman, notarán que el personaje de Avery es una calca de Tony Stark. Se nota como el susodicho disfrutó bastante su papel, al grado que verlo medio ebrio y drogado cuando lo vuelve a encontrar Graysmith, se le vio divertido. En cuanto al Gyllenhaal, muchos aplaudieron su actuación, pero siento que Fincher supo sacar al máximo su capacidad limitada y fue también ponerlo en un papel adoc a él (un sujeto aparentemente tranquilo, pero con cierta vena de obsesivo). En cuanto a Mark Ruffalo, se vio bastante bien como un personaje dramático y dejando de lado su faceta de galán en películas románticas. Por cierto, fue agradable ver a Anthony Edwards (E.R.) y Elias Koteas (Tortugas Ninja 1, 2 y 3) en escena.
Diseño técnico: Fincher se recreo de manera estupenda con los años setentas de EUA, lo cual se vió no solo en los peinados, las ropas, sino también en el uso de vehículos de aquellos años. Lo único que si me parecio un poco exagerado, fue el uso de las ropas con las cuales se identificaban supuestamente al asesino del Zodiaco. No sé, me parecieron un tanto descuadradas con el tipo de tela que existía en aquellos años.
Música: David Shire no es nada conocido, pero debo decir que hizo buenas puntadas con la banda sonora. Primero, incluyendo canciones típicas de aquellos años como música de fondo, cuando los personajes pasaban y ciertos movimientos musicales bastante enfáticos, en especial cuando se hablaba del asesino del Zodiaco o los personajes llegaban en un momento clímax. Aunque por momentos parecían acordes de una película de terror, llegaron a pegar de buena manera con esos instantes.
Doblaje: Nuevamente, opté por ver la película doblada y las voces en la película no me decepcionaron en absoluto. Mario Castañeda ya siendo la voz habitual de Ruffalo, así como Luis Daniel Ramírez en el caso de Jake Gyllenhaal. Inclusive, se respeto la voz de Anthony Edwards, que en ER era doblado por Pedro de Aguillón Jr.

A título personal: El asesino del Zodiaco es tal vez de mis tópicos favoritos sobre asesinos seriales. Todo comenzó cuando hace varios años (justo a principios de la década de los noventas), cuando en el programa de "Misterios sin Resolver", hablaron de dicho sujeto de tal manera que aparte de provocarme un montón de pesadillas en noches subsecuentes, me hizo interesarme en este tipo de crimenes. Por ello, cuando en el 2007 me enteré de que iban a estrenar esta película, quise ir a verla. Pero entre la falta de dinero en aquellos tiempos, como por las críticas un tanto mixtas (en especial por el ritmo y que el filme se enfocaba en la investigación más que en el mismo asesino), tuve que dejarla pasar. Sin embargo, en varias ocasiones estuve a punto de alquilarla, pero tampoco. Sin embargo, hace unos meses, no se que mosco me pico y decidi bajarla. Debo decir que fue una decisión afortunada, ya que la película me gusto y bastante.

En conclusión, "Zodiac" es una buena película de David Fincher. Cierto que tiene una cantidad de datos bastante pesada por momentos, pero allí es donde reside más su debilidad, ya que el ritmo es adecuado y sobre todo, el director (con el guionista) hace maravillas para resumir un libro (el escrito por Graysmith sobre el caso) en dos horas y media sin tantos problemas. ¿Recomendable? Bueno, es como la anterior, tienes que tener cierto gusto por este tópico, sino, si te parecera pesada y hasta un tanto engorrosa.

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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustan de este tipo de películas.