Carros de Fuego: en pleno ciclo olímpico.

Hace un rato México aseguró su primera medalla olímpica en estos Olímpicos de Río 2016. Que cambio de temporada, porque hace cuatro años, cuando apenas iniciaba este blog es cuando informaba de la gloria que había logrado el Tri sub-23 en lograr el Oro en fútbol. Ahora, un ciclo después, las cosas eran todas desastrosas para la Delegación mexicana. Por supuesto no pienso amargarme hablando de porque las cosas están así. Igual es la única medalla en todo este ciclo y es que desde el 2000 hasta la fecha, los mexicanos nos acostumbramos a ver ganar a los nuestros más que en anteriores juegos. Un servidor es de esa generación que creció con las vergüenzas de Seúl 88, Barcelona 92 y Atlanta 96. Lógico, no esperaba que esta situación se repitiera nuevamente, cuando parecía que habíamos aprendido. 

Lejos de esto, hace unos días tome la determinación de ver nuevamente "Carros de Fuego". Sí, la típica película "olímpica" que todo mundo debe ver. Ya la ha visualizado hace más de veinte años, cuando la dieron en Canal 5 con motivo de los juegos Olímpicos de Atlanta de 1996. Como lo único que conocía era la famosa fanfarria que compusó Vangelis para la cita, pensé que sería algo inolvidable. 

De forma lamentable, el filme me resultó aburrido hasta el cansancio y aunque lo acabe, fue entre parpadeos y bostezos incontables, al grado que después de tanto tiempo, la termine olvidando. Por supuesto, en aquellos años era un mocoso en todo el sentido de la palabra y muchas películas que considero obras maestras ahora, en su momento me parecieron una basofia enorme. 

No obstante, debo decir que le temía un tanto volver a ver esta película. La razón es que antes del cine de los ochentas, la mayoría de las películas se contaban en otro ritmo y en otra forma, siendo mucho más lentas y carentes de un momento cumbre que te acelere a 100 kilómetros por hora. Por ello, no quería dar razón a mi aburrimiento de adolescente y hacerla ver como un "Ciudadano Kane". Ese tipo de filmes que uno dice que es maravilloso, pero que en realidad son bastante aburridos. 

No digo que "Carros de Fuego" se haya salvado de dicha quema, pero debo decir que a su manera, es bastante buena y sobre todo, narra a su propia manera lo sucedido con dos atletas británicos que dieron la última gloria olímpica posguerra que luego Estados Unidos no tardaría en arrebatárselas de manera definitiva. 

Argumento: El filme narra la vida y lucha de dos ganadores británicos de medallas olímpicas en París 1924. Por un lado tenemos a Harold Abrahams, un estudiante de leyes de origen judío que entra a Cambridge, pero que debido a su religión, es excluido por la sociedad inglesa conservadora de aquellos años. Para demostrar su valía, comienza a correr en el equipo de la Universidad, llegando a ser de los mejores del país. Por otro lado, tenemos a Eric Liddell, un pastor cristiano que aparte de dar estupendos sermones en Escocia, también es un buen corredor, lo cual hace que se enfoque en las Olimpiadas de 1924, creyendo en que es un don que Dios le ha dado. El cruce entre ambos corredores dará pie a una rivalidad que se mostrará más adelante.

Comentario personal: De antemano lo digo. "Carros de Fuego" no es mala. Hasta debo decir que es entretenida. Claro, sí lo ves con los ojos del tiempo en que fue hecha y también porque es una producción enteramente inglesa. El cine de este tipo suele ser un tanto más frío, que se enfoca más en las actuaciones y en tener una concordancia casi milimétrica. No es como el americano que depende más de subidones de adrenalina o de describir momentos de gran importancia a un nivel narrativo que raya la velocidad de la luz. 

No, el cine británico es más pausado y tranquilo. Falta ver películas como "Hot Stuff" o "Love Actually" para ver que ellos se toman con calma las cosas y donde el ritmo va en segundo plano. Lo que cuenta son los diálogos y las interpretaciones. Aquí es donde "Carros de Fuego" se lleva las palmas por mucho y que aparte sale bastante bien aventajado con una historia que se cuenta bien y sin demasiadas florituras. Tampoco insultan la inteligencia del espectador, al no redundar en algunas cuestiones (como el racismo y el prejuicio) y te dan detalles bastante elocuentes de lo que sucede en ese momento. 

Generalmente cuando cuentas la historia de dos personas en una película, siempre hay una inclinación hacia alguno, más cuando son tan diferentes uno del otro. Por un lado tenemos la lucha de Abrahams por ser reconocido pese a su origen y luego la de Liddell y su pasión por Dios como por todo lo que representa. A primeras cuentas, la historia de Abrahams parece más exquisita (su historia personal, caracterizada por su pasado judío en una sociedad inglesa ultra-conservadora), pero luego vemos que Liddell también tiene mucha tela de donde cortar, en especial cuando se le pone al brinco a su hermana que desea verlo convertido en misionero o el carisma con el cual enfrenta a las personas por su Fe hacia Dios (y a sus reglas). 

Así que el filme, pese a su ritmo semilento, en realidad se lleva bastante bien, alternando las tramas de uno y de otro, donde vemos el talento que tiene uno (y en que Liddell sale ganador, ya que llega a batir a Abrahams en una competencia), pero también el tesón del otro para sobrepronerse a la derrota y seguir entrenándose. Aquí, el personaje del entrenador, interpretado por un joven Ian Holm, saca el momento tipo "Rocky", pero muy a su manera y que llega a ser muy ameno, tanto sus intervenciones en diálogos como en lo que le pide a Abrahams para mejorar. 

Sin embargo, lo que le daría la nota sobresaliente son ciertas escenas que llegan a niveles geniales, como cuando Abrahams es confrontado por dos decanos de Cambridge, o el momento que Liddell lidia con los organizadores del Comité que le instan a participar en domingo, aunque este se niega, ya que lo considera un día santo y que no se debe laborar en absoluto. Las resoluciones y consecuencias de esto van marcando la película y dan un final bastante seco, donde la competencia final se ve muy apachurrada, aunque sin quitarle mérito a la victoria de ambos contendientes en la pista. 

Y es que "Carros de Fuego" debería verse más como una película motivacional y existencialista. No es el típico filme de deportes norteamericano donde una persona y/o equipo se van superando, llegando a la gloria en un partido dramático. Habla más de la forma de pensar de una persona y que lo hace seguir hacia adelante. En el caso de Abrahams, es el deseo de victoria y aceptación, mientras Liddell es el de corresponder a Dios por el talento que le proveyó. Este pretexto inclusive llega a meter a los protagonistas en líos, pero lejos del dramatismo barato de que lo han perdido todo por llegar allí, tampoco es así y menos los hace dudar para lograr el sueño de una medalla olímpica.

Ahora, la parte que sí me shockeo y mucho fue el tema de Vangelis. No tengo nada en contra de este, ya que lo considero genial en todos sentidos. Sin embargo, ya con mayor edad y experiencia quería hacer un análisis del resto de la banda sonora...claro, sí existiese una. Sí, hay instantes donde se escucha el sintetizador del compositor griego, pero salvo momentos muy puntuales, esta no existe. Lo único fabuloso es el tema de inicio y salida, el cual es el mismo (hasta con esa emblemática escena donde el equipo británico de atletismo se entrena en alguna fría playa de Inglaterra). Pero fuera de allí, nada de nada. Sí, el tema vale un Óscar, pero no el resto de la insípida banda sonora. 

La película no esta exenta de errores o de cuestiones que hacen que muchos la vean como medio aburrida. El primero, el más clásico, es la correlación con la realidad. Algunas cosas fueron alteradas a propósito para darle dramatismo (como la protesta de Liddell de no correr en domingo) y también con ciertos momentos en la vida de ambos protagonistas. Otro punto es que la edición de repente me chocaba y pasabas demasiado a prisa de un escenario a otro, llegando a confundirme en que sí estábamos hablando de Liddell o de Abrahams, aparte de que las escenas filmadas en 1978 (fecha del fallecimiento de Abrahams) están filmadas de tal manera que no sabes sí es un tiempo más presente o pasado. 

En cuestiones más "subjetivas", repito, el ritmo del filme es semilento y también la forma de enmarcar muchos hechos memorables es bastante seca. Es cine inglés y por consiguiente, no tiene ese nivel de narrativa loco al que estamos acostumbrados los americanos. 

En cuestiones de posproducción, el doblaje que en su momento estuvo a cargo de Procineas, hace un trabajo bastante decente y donde podemos escuchar voces que hoy están consagradas como Gabriel Pingarrón o Magdalena Leonel. Lo que sí me pareció curioso fue que Víctor Trujillo estuviese haciendo a Abrahams en una voz bastante juvenil. Claro, el actor/payaso/showman estuvo en este rubro antes de entrar directamente en la Televisión años después, justamente Imevisión. 

En conclusión, "Carros de Fuego" es una buena película, tanto a nivel interpretativo como en narrativa. No es de esos filmes que van envejeciendo conforme pasan los años y su fotografía como caracterización de los años veinte es bastante buena. La historia de los dos protagonistas es bastante interesante y pese a carecer realmente de elementos dramáticos (salvo la repulsión que Abrahams despertó por su condición de judío), la forma de contarla es bastante adecuada. 

Claro, para las generaciones actuales les resultara un poco sosa, pero considero que es una fiel hija de sus tiempos (tanto por la época que nos describe como en que fue hecha) y que unida a un genial leimotiv como el que hizo Vangelis, es una película que se disfruta. Recomendable para los que les gusta este tipo de cine. 

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Saludos a mi mujer ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas. 

Ghostbusters: no es tan mala como decían.

El año pasado la prensa, fans y medios especializados hicieron trizas a "Los 4 Fantásticos", no solo por las desafortunadas declaraciones de Trank, sino también por los líos que tuvo la producción, actores y las batallas entre el director con la productora Fox. Por supuesto, en su momento no vi la película en cine y me espere al formato casero para visualizarla. Debo decir que allí no podía hacer nada por Trank, ya que el filme, pese a tener cosas positivas, realmente en el fondo sí era un bodrio en muchos sentidos. 

Ahora, en este año, Ghostbusters versión 2016 estuvo en el ojo del huracán por lo mismo: el director se engancho en una pelea con los fans. Las actrices trataron de sacar agua del pozo como pudieron y hubo una guerra de declaraciones la cual culminó con uno de los trailers menos gustados en los últimos años. Para colmo, hubo un fenómeno extraño cuando se estreno la película en EUA, donde los críticos le dieron buenas notas, desatando una serie de críticas hacia sí rottentomatoes y otros sitios no se han vendido a las productoras. Esto a la par que la película dividió a los fans, diciendo unos que no esta mal, pero otros que es un bodrio hecho y derecho.

Así que este sábado, fui con mi mujer al cine luego de un buen rato para ver si esto era cierto o no. De todas formas, ya desde el año pasado tenía la cosquilla de visualizarla. Los Cazafantasmas es de las franquicias que más le tengo cariño y no tanto por las películas, sino por la serie animada. Por ello, sentía que mi nostalgia no me iba a poner el pie y que realmente iba a pasarla bien. Extraño pero cierto. Sí me la pase bien y debo decir de antemano que el filme no es nada malo. Es más, supera con mucho a otros bodrios que he visto este año y pese a sus muchos defectos, también tiene buenas cualidades que voy a enumerar a continuación.

Antecedentes: Los Cazafantasmas es un concepto que Dan Aykryod desarrolló con Harold Ramis a principios de los años ochentas. Justo con Bill Murray y Ernie Hudson, sacaron una franquicia que en aquellos años y posteriores, creo todo un mito, aunado a su canción emblema, interpretada por Ray Parker Jr. 

Luego de dos películas y varias series animadas, en especial una producida por el maestro J. Michael Straczynsk, su fama se fue diluyendo con el tiempo, hasta que a mediados de la década pasada se hablo de una tercera parte, donde los originales volverían. Sin embargo, las negativas de Bill Murray como de Sigourney Weaver frenaron las intentonas de ponerlo en marcha. Para colmo, la muerte de Harold Ramis hace dos años parecieron frenar de manera definitiva el proyecto.

No obstante, Sony lo volvió a echar andar, pero esta vez con un recambio generacional que no tuviera nada que ver con los originales. Esto se verifico el año pasado cuando se hablo de que ahora sería un grupo de chicas. Claro, un servidor como muchos pensaron que sería un proyecto más "serio", así que la entrada de Wiig, McCarthy y más compinches del mismo estilo hicieron temblar a los fans. Lo cual se vino a confirmar con un trailer nada pero nada honroso, que llego a ser de lo más odiado en youtube en aquella temporada. Esto provoco la ira de su director, Paul Feig, que casi ordena linchar a los fans. Esto dio una guerra de declaraciones por ambos lados que le creo esa misma mala fama que Trank tuvo en el 2015.

Por ello, las incorporaciones en forma de cameos de los viejos Ghostbusters como Ernie Hudson, Weaver o Murray provocaron más problemas. Finalmente, la película se estreno el 15 de julio del 2016. Pese a una crítica mixta, mayormente positiva, el daño parece haber golpeado al filme, al grado que la recaudación no ha sido tanta e inclusive su temática la alejó del poderoso mercado chino.

Argumento: Erin Gilbert es una profesora y doctora en física que busca ser títular en la universidad de Columbia. Sin embargo, la publicación de un libro sobre fantasmas que hizo con su amiga Abby Yates, provoca que vaya a buscarla por subir el escrito a la red. Allí conoce los planes que ha hecho Abby para encontrar fantasmas en compañía de una científica discola, Jill Holtzmann. Las tres comienzan a investigar sobre extraños fenómenos paranormales que rondan la ciudad de Nueva York, donde una simpática trabajadora del metro, Patty Nolan, no tarda en unirse al equipo. 

Comentario personal: el problema de todas las películas que está involucrada Melissa McCarthy es su abuso excesivo de chistes malos, palabrotas y de acciones que rondan en lo ridículo. El único filme donde ella sale y que esta relativamente bien, es otro compartido con Kristen Wiig ("Brides Maids"). Pero McCarthy parecía haberse salido de ese nicho y tomar el relevo de Adam Sandler como el típico cómico bufonesco, ridículo y para colmo, grosero. 

Claro, esto no significa que esta película se haya salvado de eso, ya que por momentos ese humor tan horrendo aun continua, pero esta mucho más minimizado y sobre todo, no se roba el protagonismo de la historia. Sí, para quienes pensaron que la trama de este nuevo filme sería malo, en realidad está bien hecho y construido. Por supuesto, toma mucho de la película original de 1984, en especial con el primer tercio, pero luego se va por su propio camino y lo hace bastante decente hasta el último tercio, donde la batalla final me parece un tanto excesiva y hasta cae en momentos demasiado fantasiosos y ridículos. 

Por supuesto, varios podrán rebatir que siendo una película de fantasmas esto podría sonar de más, pero debo decir que pese al tono, la película tiene un inicio bastante decente y una presentación de los personajes que me sorprendió, amén de incorporar auténticas escenas de sustos. En los personajes, sí, las cuatro siguen el prototipo de los originales, pero hechos a la manera actual y a su propia manera. Erin es la típica nerd que se siente presionada por su carrera, mientras Abby es más destrampada y pese a ser también lista, sabe dar ese empuje (la buena combinación que hacían Peter y Ray en la original). En cuanto a Jill, pese a tener reminiscencias del Egon original (en especial en el peinado), toma otro rumbo al hacerla mucho más discola, irreverente pero igualmente genial en su forma de actuar. En cambio, el personaje de Patty revoluciona al original de Winston y le da un toque mucho más gracioso, práctico, pero sin caer tampoco en la payasada y el estereotipo "negro" que habíamos visto en el trailer.

Es decir, yo esperaba que los personajes estuviesen exagerados y que la trama solo fuese un pretexto. Sin embargo, las pocas libertades que se toma con respecto a la original le adosan más fuerza (como el hecho de crear un supervillano y no hacer ver que la actividad paranormal solo era algo circunstancial o producto de un villano fantasmal). Esto hace que la historia sea más dinámica, divertida y que pese a tener comedia tonta, tampoco sea un truño o un pretexto para lo barato. 

Aquí es donde debo ponerme de parte de este filme, en especial con respecto a la de 1984. Sí, Cazafantasmas es parte de mi generación, pero debido a mi edad y características, conocí la franquicia por la TV, por la serie de animación. Las películas ya las vi un poco más grande y debo decir que salvo momentos de la segunda, la primera no me pareció tan buena como muchos decían. Diría que es hasta por momentos era aburrida. Esto hace que el factor nostalgia baje y pueda ser más imparcial con esta película. Aparte, debo decir que el filme de 1984 ha envejecido de forma importante y verlo hoy es motivo de mucha casposidad. 

¿Eso significa que este filme del 2016 es bueno? Sí, pero a secas. Tampoco es una maravilla, ya que como comenté, hay demasiados chistes bobos y el último tercio es bastante malillo, ya que la incorporación de la acción es demasiado artificiosa y allí si de plano me sentí hasta incomodo ver como las chicas peleaban contra fantasmas, pero en lugar de capturarlos, lo desintegraban o los volvían a una forma ectoplásmica básica. Aquí es cuando el concepto original de la serie se perdía, en aras de darnos algo mucho más simplón. 

Seh, el fanservice para niñas.

No obstante, reitero que la presentación de los personajes y el desarrollo inicial de la película me gusto y mucho. Explican mejor la aparición de los fantasmas, el nacimiento y luego mejoramiento de las armas de protones, así como los personajes se van uniendo poco a poco. No se puede negar que la química entre las cuatro actrices era bastante buena y que eso hacía que la película se disfrutase de muchísimas maneras. 

Tal vez el punto que llegue a causar más problemas es la aparición de Chris Hemsworth en el filme. Sí, el sujeto es para que las chicas se den un bonito taco de ojo, puro fanservice. El punto bueno es que le dieron una personalidad medio tonta, lo cual lo hacía un chiste fácil para ciertos momentos. No obstante, no se puede negar que por eso las críticas femeninas les encanto la película. 

Otro detalle que fue punto de polémica fueron los efectos especiales. A diferencia del color menos brillante de las anteriores películas, aquí los fantasmas como los rayos de protones eran demasiado coloridos, al grado de desentonar (pese a estar bien hechos) con el ambiente. Esto sobre todo se vio con cierto dibujo animado del logo de los Cazafantasmas que me pareció muy exagerado. Y aquí igual con la canción original. Sí, se hizo un remake de la misma y que nadie gusto. Parece que esto sí fue escuchado por parte de la productora, ya que solo se oye en una parte del filme, pero en el resto usamos la tonada original creada por Ray Parker Jr. 

Aparte, debo agregar que la música instrumental de fondo estuvo adoc a la misma y llegó a resaltar por momentos en la película, cosa más curiosa. 

Ahora, otro punto en el que me había quejado de manera fuerte en anteriores filmes era el doblaje. Sin embargo, aquí Gaby Cárdenas hace un gran trabajo, tanto como directora como en el papel de McCarthy, haciendo que el filme sea muy ameno y que las voces cuadren de manera perfecta, aparte de no tener startalents. El único detalle es que de repente sí había ciertas frases con groserías que pese a remarcar el punto, sonaban muy artificiosas. 

En conclusión, "Ghostbusters 2016" no me pareció tan mala como se veía o se parecía. En realidad es una película decente en muchos puntos y hasta divertidas. Sí, no niego que se desinfla un tanto al final y que los chistes llegan a ser horrendos y sosos, pero se defiende bastante bien y tiene un argumento que no te aburre en ningún momento, que se llega a sostener por sí solo y sin necesidad de tanta acción o chiste para mantenerlo. Lo mejor es que supieron explotar la química entre las protagonistas y no dejarlas tan simplonas o como meros estereotipos. Por supuesto, comparada con la primera aun se queda corta, pero siento que aquí hay que dejar el factor nostalgia un poco de lado y disfrutarla como un producto de este tiempo. Así siento que se valora aun más y que es una buena adaptación (a secas, pero buena). 

Y claro, el mejor termómetro fue mi esposa, ya que se llegó a reír genuinamente con los chistes que había en escena, así disfruto de buena forma el filme. 

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Saludos a mi mujer :3 que me acompaño a verla, así a quienes gustan de los Ghostsbusters. 

Tortugas Ninja 3, el proyecto Manhattan: los últimos coletazos del NES.

Hace unas semanas se anunció la salida de una nueva versión del viejo Nintendo de 8 bits, pero en tamaño compacto y que traería una buena cantidad de juegos, aunque su accesibilidad a la red hizo que soltará uno que otro una buena crítica al respecto. Personalmente, no puedo molestarme con esta decisión, ya que soy un nostálgico de peso y fondo de aquellos años. Así que traer un proyecto como este, no hace sino emocionarme y ahorrar para comprármelo cuando salga a finales de este año.

No obstante, mi cariño hacia el Nintendo no siempre fue así. En su momento llegué a aborrecerlo, pero más que nada porque sentía que si mi hermano y un servidor hubiésemos planeado mejor nuestra movida, habríamos tenido un SNES desde un principio, ya que en las épocas en que adquirimos la Nintendo, esta ya estaba de salida y la nueva consola de 16 bits estaba por incursionar de manera grandiosa en el incipiente mercado de los videojuegos.

Como todo, los programadores comenzaron a sacar sus mejores cartas antes de trasladarse a la SNES y Konami no fue la excepción, en especial con una de sus franquicias maestras de aquellos años: Las Tortugas Ninja.

Ahora tocará hablar de la tercera parte de una franquicia que luego se movió hacia otros derroteros con gran éxito, aun pese a que ya iba de bajada en la cuestión comercial y televisiva.

Datos técnicos: Teenage Mutant Ninja Turtres III, The Manhattan Project, apareció en Norteamérica en la primavera de 1992 (En Japón había llegado 3 meses antes, casi a la par que la Super Nintendo). Desarrollado por Konami, tuvo la peculiaridad que este juego no estuvo basado en ningún juego de Arcadia como su predecesor o los que le siguieron en la SNES o en otras consolas.

En su momento, su aparición en el mercado fue ampliamente criticado por algunos sectores progresistas, achacando que su salida era una pérdida de tiempo y recursos para Konami, ya que los programadores y sus compañías estaban enfocándose hacia la nueva consola de 16 bits. No obstante, la compañía se arriesgo y el proyecto tuvo cierto éxito, considerándolo mucho mejor que su antecesor, no solo en gráficos sino también en movilidad y así agregar muchos más escenarios como enemigos al respecto. La crítica tuvo una buena aceptación con el juego y aunque algunos comentaron que solo era un "beat´em up" más, también se decantaron por su buen diseño y música que luego se volverían un hitazo en su sucesor (el famoso TMNT IV).

Como dato curioso, hay un villano con forma de Triceratops en la portada del juego, pero este ni aparece ni de chiste en el videojuego.

Argumento: Las tortugas se encuentran vacacionando de lo lindo en Florida, mientras ven un programa de Abril O ´Neil y como el crimen se disparó de forma dramática. Justo en ese momento la comunicación se corta y aparece Shredder, el cual lanza su típica diatriba sobre la dominación mundial, pero acompañado de un hecho contundente, haciendo que la isla de Manhattan se eleve por los cielos. Ante esto, los quelonios no tienen otra opción que empacar el traje de baño y salir volando hacia Nueva York para detener a su archienemigo una vez más. 

Comentario personal: Tuve mis dudas sí hablar de este juego o no, ya que el anterior me costó bastante sacarle jugo. La razón es que conforme envejezco, mi memoria sobre ciertos hechos se va perdiendo en el tiempo y justamente el tiempo que me tocó disfrutar este excelente cartucho no está muy clara en mi cabeza. No obstante, últimamente volví a jugarlo y con ello, vinieron muchísimos recuerdos a mi cabeza. En especial aquel donde mi hermano y un servidor comenzamos a hacer trampas para avanzar, de una forma u otra.

Como siempre, este juego lo llegamos a jugar gracias al estanquillo de videojuegos que era harto común a principios de los noventas, donde por una módica cantidad (10,000 pesos de aquel entonces, por día) podías alquilar un videojuego y disfrutarlo desde 24 hasta 72 horas, dependiendo la demanda y el capital que tuvieras disponible. Curiosamente, pese a ser un juego que se hablaba mucho de el, en el lugar casi no lo alquilaban, porque como ya se dijo, coincidió con la salida del SNES. Por ello, pudimos alquilar el cartucho varias ocasiones.

La primera fue para probar el famoso cheat secreto que no solo nos daba un montón de vidas, sino también la capacidad de movernos de escenario y llegar hasta el mismísimo Super Shredder. Así que al primer intento, salió el código y ya estábamos peleando con el último jefe a tope. Esto nos dio la oportunidad de disfrutar el juego sin forzarnos a llegar al final.

El juego como se menciono, es el típico "golpeo y avanzo" donde comandas a dos de las cuatro tortugas (en el caso de ser dos jugadores) a través de diferentes escenarios, desde las playas de Nueva York hasta el mismo Manhattan que se encuentra flotando como si nada. En esta línea, es muy parecido al juego anterior, ya que primero debes rescatar a Abril, la cual se encuentra secuestrada dentro del Canal 6, solo que el rival a vencer es Shredder, el cual se parece mucho en habilidad al del su predecesor (salvo que no se multiplica). Al derrotarlo, debes ir a una base aérea donde se encuentran los enemigos más fuertes.

Sin embargo, aquí es donde el juego muestra mayores dotes y originalidad. Para empezar, los Soldier Foots son mucho más variados y tienen diferentes habilidades. Desde aquellos que son simples "karatekas" hasta los que lanzan estrellas o inclusive arena. Esto aparte de los Stone Warriors y de otro tipo de enemigos como androides o los "ratoneros" que te atacaran a granel. Otra variante fue el utilizar jefes finales clásicos como Bebop o Rocksteady, pero incorporar rivales de la serie animada como Slash y Lagartón. El juego también mete elementos de los filmes, en especial de la segunda película como Tokka y Razar, así la última transformación de Shredder.

Estos detalles hacían que el juego fuese mucho más empático que sus anteriores entregas, ya que si recordamos la primera es más una derivación del cómic de Eastman mientras el segundo juego era cuasi una calca de la serie animada.

Otra cualidad para los personajes es que se le incorporo un "ataque especial", el cual podía ser invocado presionando el botón de ataque y salto al mismo tiempo, así de un ataque medio "tramposo", en el cual podías enganchar a un enemigo en turno y aventarlo encima de ti. Esto era muy útil con los Foots y también te permitía liquidarlos no solo de un golpe, sino lanzarselo a un rival atrás de ti. También se incorporo "cineticas" que eran bastante fieles a la serie animada y que le daban algo más de realismo al juego.

Pero no todo es bueno en el juego. La dificultad se mantiene bastante alta en el mismo y no tanto por los jefes finales, sino por la cantidad inherente de enemigos que tienes enfrente, al grado que llegan a poblar la pantalla por momentos. Aparte, los escenarios son bastante largos y después de un rato ya comienzas a sentirte fastidiado por la longitud del escenario. Aun recuerdo como mi hermano y un servidor empezamos a jugarlo para luego de un rato estar moviendo las manos para quitarnos el entumecimiento por estar apretando los botones a cada momento. Y es que no fuese divertido, ya que la música era bastante rítmica, sino porque las variantes en los stages eran muy limitadas y te cansabas de estar tundiendo a los enemigos. 

En conclusión, "Tortugas Ninja 3, El proyecto Manhattan" es un buen juego para la antigua NES. Con reto, con un buen control y unas sorprendentes gráficas para aquellos años, llegó también a revolucionar la franquicia al incorporar los ataques especiales y algo parecido a lo que serían los agarres en la versión posterior. Sin embargo, al ser un juego demasiado parejo, no destacaba mucho en alguna cosa y por ello no llegó a ser tan relevante como sus antecesores, pese a ser técnicamente inferiores. Igual tampoco ayudó la aparición de la SNES en su momento. 

De manera curiosa, los comerciales que Citoh dedicó a este juego fueron los últimos antes de que la SNES tomase el control, así que era común ver mezclado el promo dedicado a este juego junto con los de la nueva consola. Es una lástima que no pueda hablar más de aquellos tiempos, pero supongo que para mi edad, la parte de 1990-1992 esta bastante diluida, salvo por algunos detalles. No es que no fuese interesante ni emocionante, pero la tranquilidad que viví en ese tiempo es destacable (no en balde dicen que las tristezas se recuerdan más que las alegrías).

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Saludos a mi esposa :3, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos

Doctor Who: dos grandes episodios de la Octava Temporada

Ya es noticia vieja eso de que Doctor Who no tendrá aparición para este 2016, debido a los cambios que se harán en la serie, como en la salida del showrunner de los últimos años, Steven Moffat. Esto, aunado a la salida de Jenna Coleman de la serie, ha creado un montón de rumores de todo tipo, desde que Peter Capaldi abandonaría Doctor Who junto con Moffat hasta los nombres rumorados para la última "companion", que resultó ser ni más ni menos que Michelle Gomez, la cual fue presentada en un corto junto con Capaldi y el regreso de los villanos más clásicos de la serie: Los Daleks.

En fin, mientras esto pasa, me he estado poniendo al corriente poco a poco con la serie moderna. Claro, no como antes, esto debido a que el trabajo ha ido en aumento (y espero siga así) y el tiempo libre se me ha visto reducido de forma importante. No obstante, pasa el tiempo y he estado ya reafirmando mis gustos. Entre ellos, que el Décimo Doctor (David Tennant) y el Duodécimo (Capaldi) definitivamente son mis favoritos y superando con mucho al de Matt Smith. Aunque me agrada más la complejidad de Tennant, Capaldi ha bordado los episodios más dramáticos que he visto y lo hace de manera estupenda, gracias a su mezcla de un niño y un viejo gruñón.

Así que volvemos con esta encarnación y dos episodios. Uno emblemático y otro que me agradó mucho pese a ser un tanto predecible.

-Listen

Datos técnicos: Cuarto episodio de la octava temporada, fue emitido el 13 de septiembre del 2014. El guión estuvo a cargo del genial Steven Moffat y la filmación del mismo se dio en febrero de dicho año. Es considerado por los críticos, como el mejor episodio de Moffat, tanto a nivel de terror como con tintes conmovedores muy destacados. Este capítulo hizo levantar la niebla que había caído la serie luego de la introducción de Capaldi en la misma.

Argumento: Clara termina peleándose con Danny en su primera cita y vuelve a su casa bastante molesta. Al tiempo, el Doctor ha estado inquieto debido a que ha sentido una presencia "familiar" pero a la vez temible que inclusive ha escrito algo en su pizarrón (Listen). Esto hace que se vea con Clara y busque gente que ha estado en la misma situación. Como hayan poco o nada, El Doctor decide usar a Clara para buscar un momento en su pasado donde ella haya pasado lo mismo. Sin embargo, como sigue molesta con Danny, esto hace que la Tardis los teletransporte a un momento de la vida del susodicho en lugar de la de Clara.

Comentario personal: Una de las cosas que me hizo ver ya de manera definitiva a Doctor Who, fue el especial que La Órbita de Endor le dedicó en la temporada pasada. Los datos que proporciono Antonio Monfort hicieron que me interesase por la serie una vez más, en especial cuando este junto con Antonio Runa, alabaron precisamente este capítulo.

De antemano, no puedo definir de forma concreta el episodio, ya que es una mezcolanza increíble de muchas intenciones. Comienza como un episodio de terror, pero luego acaba con un tono nostálgico que te rompe en dos el corazón. A diferencia del efecto que nos tiene acostumbrados Moffat, donde tiene un inicio lento y medio cansino, para luego meternos en una espiral tremenda, acá eso se diluye, ya que cada parte del capítulo cuenta para saber la supuesta identidad del monstruo que está acechando, no solo al Doctor, sino a un joven y luego maduro Danny Pink. Clara se convierte en la observadora directa de este "monstruo" que es ni más ni menos que el propio miedo que habita en nosotros.

Sin embargo, la forma tan metafórica que tiene Moffat de describirlo es sublime. He comentado de manera previa que este tipo de estilo me fastidia, me harta, pero acá el guionista lo hace de manera tan magistral que me tenía no solo enganchado al episodio, sino también intrigado por ver quien era el supuesto villano que los atormentaba. Pese a que en el guión puede resultar muy sencillo, las actuaciones como la edición y la música, te atrapan de manera inmediata y no te das cuenta ya hasta que acaba el episodio por donde van las cosas. Inclusive, esto tiene repercusiones sobre la propia Clara, que acepta tener una relación con Danny, superando sus propios miedos.

Un punto que me agrado a la par, fue como tocaron el pasado del Doctor, así como conectaron lo del "Doctor Guerrero". Ese guiño como la escena, donde está el aparato para destruir toda Gallifrey, me pareció excepcional, mientras se escucha el "speech" que le dice Clara a un jovencísimo Doctor, haciendo esos últimos 5 minutos entrañables en todo sentido. Por supuesto, no puedo dar más detalles, ya que sería desvelar más de lo que he dicho, pero este capítulo sencillamente hay que verlo sin mayores tapujos.

En conclusión, "Listen" es un capítulo memorable de la serie moderna. No solo de los mejores de Capaldi, sino diría inclusive de las anteriores reencarnaciones. Lo tiene todo, desde terror, comedia, romance, amistad y hasta una pizca de nostalgia que están tan bien conjuntados que no notas que vas volando de una emoción a otra. Al menos, los últimos minutos te harán soltar una que otra lágrima, ya que repito, el "speech" de Clara es tan potente, tan llegador, que ejemplifica al pie de la letra no solo las cualidades del protagonista, sino su deseo de ayudar a todos...pese al miedo.

- The Caretaker

Datos técnicos: el sexto episodio de la octava temporada, se emitió el 27 de septiembre del 2014. Gareth Roberts y Steven Moffat fueron sus guionistas y fue filmado en Cardiff en marzo de aquel año. El episodio recibió críticas mixtas, destacando las positivas por la calidez del mismo y cierto nivel de intimidad.

Argumento: Clara decide tomarse un descanso de las aventuras con el Doctor y retoma su vida de maestra así su relación con Danny. Sin embargo, en una junta del colegio, el Doctor aparece como el nuevo conserje. Clara comienza a preguntarle que diablos pasa, pero el Doctor un tanto resentido por la negativa anterior de Clara, le esconde lo sucedido mientras investiga una máquina que ha comenzado a atacar gente alrededor del colegio.

Comentario personal: este es de esos episodios de la serie que me encantan, tanto por su sencillez como ese estilo clásico que manejaba el viejo Doctor Who, donde se mezcla aventura, una búsqueda de la criatura maligna de turno así como cierto grado de comedia, que en esta ocasión recae sobre el propio protagonista. Por supuesto, no tenemos un nivel hilarante, tratando de ver al Doctor limpiando alguna esquina del salón, sin embargo la química entre Clara y él saca más de una carcajada, así la rivalidad que se establece con Danny.

Lo destacable es el nivel de importancia que llega a tomar Danny en el episodio, donde Clara tiene que lidiar con la inteligencia y curiosidad de su novio, así con la irascibilidad del Doctor, que obviamente no le cae bien el sujeto porque siente que le esta robando la atención de su companion. De manera curiosa, esto se resuelve bastante bien en el final, aunque dejándonos ver que Clara en el último momento siempre optará por irse con el Doctor.

Aunque a veces la criatura de la semana me llega a desesperar, debo decir que este robot que aparece y que es vestigio de una tecnología perdida me agrado bastante, pese a tener un dejo importante de los daleks, tanto en su forma de hablar como en la de recibir ordenes de un agente externo. Esto sirve de importancia para tener una resolución donde, gracias a Dios, el Doctor no sale victorioso en todos sentidos (y que le da chance a Danny de brillar un poco).

No obstante, la quien se lleva el episodio es la propia Clara. Jenna Coleman me agradaba su actuación (ni se diga su físico), pero aquí vemos el carisma y ángel que tiene como companion, donde no es la chica boba bonita o damisela en peligro, sino que se le ve con un carácter e inteligencia que la hace ganarse el cariño del propio Doctor. Ni se diga que es capaz de poner en su lugar a dos personajes como Danny y el Doctor que tienen su carácter bastante acentuado.

De modo personal, aquí es cuando la veo mejor y desarrolla una química excepcional con el personaje de Peter Capaldi, aun más de lo que he visto con Matt Smith. Esto se magnifico cuando al ver este episodio, los siguientes en visualizar fueron precisamente los de su partida, lo cual hizo que me doliera mucho estos últimos.

En conclusión, "The Caretaker" es un episodio sencillo, divertido, ameno de la octava temporada, donde más que la historia y el villano, destacan las actuaciones de los protagonistas del mismo y así con una chispa de humor involuntario que le hizo bastante ágil (lo cual he comentado bastantes veces, ya que algunos episodios de Doctor Who hay que verlos de manera lenta o tienden a ser pesados de repente, más cuando Moffat esta en los controles de la historia). Sin embargo, para los puristas sí les resultara un tanto soso, aunque como reitero, este tipo de capítulos son de los míos y por mucho.

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Saludos a mi propia Clara :3, así a quienes gustan de Doctor Who.

Siete cosas con sabor a nostalgia de los Ochentas y Noventas.

Hace unos minutos, mientras escuchaba un episodio del Frikipodcast, uno de sus geniales locutores, Carlos Estoico, hablo sobre ciertos libros que inspiraron su gusto por el tema de los dinosaurios. Entonces no pude evitar recordar que ese tipo de libros también los llegue a ver en su momento y que inclusive tuve uno de ellos, así como otros tantas cosas del mismo estilo. 

Ahora con la prevalencia de la tecnología, los juguetes o artilugios de este tipo han ido a la baja. En mi mismo trabajo lo veo, cuando le pregunto a algún chamaco que quiere para cumpleaños o navidad, rápidamente responde que una tablet o celular, lo cual sí, no niego las bondades del mismo, pero a la vez les resta mucha de la infancia que un servidor como otros tantos adultos tuvimos en su momento.

Por ello, la siguiente entrada va dedicada a aquellos albúmenes, juguetes, cachivaches o hasta libritos, que eran la sensación a finales de los ochentas y principios de los noventas. Algunos apenas los recuerdo pero otros formaron parte de la infancia tan buena que tuve y que en cierta manera forjó parte de mi carácter actual.

-La vuelta al Mundo de Sonrics

A finales de los ochentas, cuando Sonrics fue creado por Pepsico, se suponía la versión "confitera" de los refrescos rivales de la Coca-Cola. Decidieron entrar agresivamente al mercado y lo hicieron ni más ni menos, como parte de los patrocinadores de "En Familia con Chabelo". Esta alianza duro hasta finales de los noventas, cuando por motivos de salud que empezaban a verse más comúnmente, Chabelo decidió ya no aliarse con marcas dulceras o que podrían subir de peso. En ese periodo, Sonrics llegó a dominar el mercado de forma importante, no solo por sus dulces llenos de azúcar, sino también porque salían hasta en la sopa, en todo tipo de comerciales, pero sobre todo, en promociones donde daban juguetes o coleccionables muy originales.

Muchos recuerdan las cajitas, pero lo que un servidor más tiene memoria es de los vasos "mundiales" de Sonrics, que a finales de los ochentas eran extremadamente populares. El vasito era coleccionable con otros tantos que mostraban a la mascota del "Maguito" viajar por el mundo y dar datos culturales al respecto. Por supuesto, a mi me encantaban, pero también a mi madre, ya que entonces el buen Chabelo mandaba boletos para entrar a una rifa en un viaje al extranjero que sacaba en su programa. Así que mientras comía mis dulces, mis padres llenaban los dichosos boletitos. 

-Álbum Bimbo de Antropología e historia.

Este dichoso álbum llego a ser la fascinación de mi hermano. Claro, me gustaba la historia, pero a mi hermano siempre le agrado lo prehispánico y antiguo, por lo cual cuando esta cosa salió en 1990, fue un objeto de culto por parte de mi bro. Bimbo, siguiendo la tradición de Sonrics, decidió sacar este álbum por aquellas fechas y se basaba en las renovaciones que le habían hecho al Museo Nacional de Antropología e Historia, donde narraban o enmarcaban exposiciones de la misma, como el paso del hombre por el Estrecho de Bering o la Megafauna que existió en México antes de la última Glaciación.

Así que mientras yo era el "rogón" por Sonrics, mi hermano lo llegó a ser con Bimbo, al grado de que por varias semanas estuvimos comprando pan bimbo para cenar, donde mi hermano sacaba sus estampitas para pegarles en el dichoso álbum, que sea de paso, estaba grande y aparte con un excelente diseño (al grado que aguanto una empapada que tuvo por un accidente). Lamentablemente, no pudimos llenarlo en su momento y nos falto más de la Megafauna (pintura la cual se encuentra actualmente en el Museo integra), pero creo fue el primer adelanto de nuestro gusto por algo diferente.

-Tazos

El fenómeno de los Tazos es algo que se ha mantenido, sorprendentemente, con el paso de los años. Aun hoy en día veo a chamacos jugar tazos entre ellos o tenerlos solo como colección. En México comenzaron con gran fuerza entre 1992 y 1994, donde los primeros salieron cortesía de Looney Toons y que tenían diferentes clasificaciones, mostrando escenas emblemáticas de algunos cortos, pero donde destacaban los que tenían la efigie de un personaje. Al principio eran 50 y luego subieron a 100, para luego agregar 20 especiales que eran los supertazos, el doble de gruesos de los normales y que aparte tenían una simbología en especial. Estos últimos eran los mas difíciles de conseguir y que solo salían en bolsas grandes. 

No obstante, el fenómeno realmente se disparo con los tazos de Tiny Toons. Sí, los viejitos eran emblemáticos, pero los Tiny eran la caricatura del momento, así que los inspirados en dicha caricatura cobraron tal fuerza que inclusive había trueques horrendos por una edición de colección o robos a tiendas por parte de niños para conseguir un tazo. Ya he comentado que mi hermano y un servidor logramos conseguirlos todos y fue a base de tragar papas a cada rato y de pedirle dinero a nuestros padres hasta morir. Los que vinieron si eran buenos, pero ya fuera de mi tiempo.

-Muppets y Holanda

Los Baby Muppets fueron muy populares en México a mediados y finales de los ochentas. Mi hermano y un servidor no nos perdíamos la serie y era genial verla en horario vespertino, antes de la cena y de irse a dormir. Era una caricatura tierna y a la vez educativa, de la cual hablé extensamente en otra entrada. Su popularidad fue aprovechada por la heladería Holanda, que trataba de despuntar en el mercado, frente a otras como Danessa, que entonces era de las reinas en este rubro. Una de sus primeras puntadas, fue crear las famosas Muppaletas, las cuales tenían un sabor característico de acuerdo al muppet a elegir (como las de limón le correspondían a René o las de fresa a Peggy). Aparte de que eran dobles, también tenía una estampa, lo cual era motivo para comprarla sí o sí.

Luego, Holanda decidió sacar estampitas y un álbum que eran más unos screen shots que narraban algún episodio emblemático de la serie. De este, mi hermano y un servidor llegamos a ser bastante duros con nuestros padres, ya que cuando salíamos, en lugar de helado, nos compraban de estampitas, que pese a todo, no pudimos llenar el dichoso álbum (aunque tenía opción para colorear, lo cual mi hermano aprovecho para rayonear o pintar otros que luego consiguió).

-Tortugas Ninja

Como toda buena serie de animación, las Tortugas Ninja estuvieron respaldadas por un montón de mercadotecnia y productos derivados (entre ellos, una trilogía de películas con resultados mixtos, pero que cosecharon un buen dinero). Sin embargo, aparte de albúmenes musicales y de estampitas, así libros y coleccionables varios, lo más destacado en aquellos años, fueron los juguetes que Macplay saco en aquellos años y que debo decir eran de extraordinaria calidad y que pese a tener un diseño extraño (más apegado al cómic que a la caricatura), eran la sensación en aquellos años. Aun recuerdo que por mis calificaciones, mis padres nos regalaron a mi hermano y a un servidor las Tortugas Ninja de Leonardo y Donatello. Solo pedimos las restantes para esa navidad, pero los jefes se sacaron un diez y nos trajeron también a los malos como Bebop o Rockesteady y claro, el Destructor.

Claro, hubiésemos querido los vehículos como la Tortu-vagón, pero debo decir que esos años fueron bastante divertidos con dichos juguetes y constituyen uno de los mejores recuerdos de mi infancia. Aparte, como reitero, dichos "monitos" estaban bien hechos y aguantaban cada golpazo que les surtíamos a los pobres. 

-Monstruos de Bolsillo

Colección mítica que apareció a mediados de los noventas en México. Se vendía una cajita donde estaba el susodicho monstruo pero aparte una tarjeta que mostraba las habilidades de dicha criatura, la cual era variable. Era como el antecesor del Magic o de Yugi-Oh, ya que podías pelear con las habilidades y ganar la figura o la tarjeta del rival sí le superaba en un juego que era bastante divertido. Lo mejor es que en algunos lugares podías adquirir el genial volcán donde podías tener a los monstruos. Aun recuerdo criaturas tan geniales como Leviatán o Manticora que de acuerdo a su característica, podía ser uno más veloz o tener más ataque. En un momento se hizo tanta euforia en la escuela que las batallas y las colecciones de cartas pululaban por aquí y allá. 

El volcán al fin al cabo, no supe que paso con él ya cuando volví de la universidad en vacaciones (ya que mi hermano aun lo tenía por allí guardado). Sin embargo, aun me acuerdo de las figuras y en especial de Coatlicue, la diosa mexicana que había sido incluida y que era un monstruo especial, la cual solo se podía conseguir mediante trueques o de manera muy difícil en su cajita coleccionable. 

-Vasos Pepsi "Batman".

Pepsi sacó un montón de vasos conmemorativos a principios de los noventas, donde podías canjearlo por una cierta cantidad de corcholatas (luego taparoscas) con el tendero de turno y por cierta cantidad de dinero (De 500 a 1,000 pesos de aquel entonces). Los primeros vasos fueron los de Dick Tracy, pero los que realmente me llamaron la atención eran los de la película de Batman, que me parecían chulísimos en muchos sentidos. Lamentablemente, en la tienda del pueblo donde vivíamos, el tendero no tenía mucho surtido de dichos vasos y en su momento llegamos a tener dos de los más comunes, como el de Batman. Mi hermano, de nueva cuenta, tuvo que hacer su luchita hasta conseguir el vaso que tenía las Batialas, su vehículo favorito. En cambio, un servidor prefería el del Batmobile, que era un poco más sencillo de conseguir. 

El diseño de los vasos era bastante retro y agradable, muy de aquellos años. Eso me dió el gusto por coleccionar vasos hasta la fecha (como los que sacan los cines), aunque esto ha ido disminuyendo por cuestiones de espacio (y de la mirada que me dirige mi esposa por el estante lleno de vasos que a veces ni utilizo, jeje).

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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustan más de esta hermosa época. 

Mega Bodrio: La Era del Hielo 5 y Día de la Independencia 2.

Ah, como me esta costando ponerme a hacer esta entrada. La razón es que esta vez toca hablar de dos enormes bodrios, pero con "B" mayúscula. Lo peor es que esperaba que estuviesen mejor y fueron una decepción total, pese a las criticas en contra que habían tenido. Digo, es muy diferente a cuando vas preparado y otra, con ilusiones al respecto. Y es que la "Era del Hielo" como "Día de la Independencia" son dos franquicias que les tengo mucho cariño. Sin embargo, una se ha ido echando a perder con el tiempo y la otra, hubiese mejor que no la tocaran, pese a que uno realmente quería una secuela de la misma.

Por ello, la siguiente entrada será bastante corta y llena de mucho ácido como de bilis. Lo peor es que yo quería hablar bien de ambas, pero no se puede. Simplemente, no se puede. 

-La Era del Hielo 5: Choque de mundos.

Argumento: Scrat en un intento por conseguir su ansiada bellota, se sube a un platillo volador y este provoca, no solo la construcción del Sistema Solar como esta actualmente, sino también que un meteoro se dirija hacia la Tierra. Con ayuda de Buck, la manada de Manfred hará un viaje hacia un volcán que podría resultar la clave de la destrucción del mundo, esto mientras Morita expresa su deseo de independencia y crear su propia manada.

Comentario personal: La saga de la Era del Hielo ha ido perdiendo fuelle con el paso de sus diferentes secuelas. Mientras la primera es una joya en todo el sentido de la palabra, la segunda fue un poco más pobre, pero mantenía el espíritu de la primera. Lamentablemente, de la tercera en adelante, las cosas se fueron desmadrando, pese a la presencia de un personaje tan carismático como Buck. De forma lamentable, esta quinta película es la peor de todas.

El primer fallo es la falta de una historia coherente. Sí, hay un objetivo que es salvar el mundo, pero todo proviene de un deux machina que se encarna ahora en la ardilla Scrat, que paso de ser un personaje simpático, a un monigote de feria que encarna los peores clichés del mundo y que luego ni más ni menos, es el responsable de muchas cosas que tenemos en la actualidad. Mi esposa fue bastante elocuente al decir: "paso de ser simpático y tierno, a ser algo fastidioso". Así de sencillo.

Sí, luego tenemos la recuperación de Buck, que resultó ser la mejor inclusión de personaje luego del trío protagonista y de la propia Ellie. No obstante, también su forma de ser se ve muy disminuida, esto debido a que los guionistas tratan de darle realce a la relación de Manny y Ellie con Morita. Pero esto resulta tan insulso y hasta predecible que no termina de "prender". Para rematar, su pareja tampoco funciona muy bien y luego en el doblaje resulta peor, ya que fue interpretado por el "youtuber" Germán Garmendia que resulta sobreactuado y con una voz que no le pega en absoluto.

Lo peor es que los chistes no alcanzan para salvar los hoyos que tiene el argumento, que se sacan cosas de la manga e improvisan otras que resultan aun peor. No niego que algunos momentos son divertidos, en especial al principio, pero los utilizan tantos para cubrir las deficiencias del guión, que terminan por ser hartantes. Inclusive, hay una saga de relleno que es cuando visitan un lugar administrado por una llama que teme a envejecer. Allí conocemos a la pareja de Syd, que resulta bastante simpática a su manera, pero ese tramo me pareció de más y realmente aporto poco a la historia, solo para darle algo de alargue a la misma y así completar los 90 minutos reglamentarios. El final es altamente predecible y aunque tiene algo de originalidad con lo de los magnetos, tampoco me terminaba de cuajar y me dejo más que una sensación de épica, como de algo bastante hecho al vapor y sin mucho chiste.

Claro, no todo es malo, ya que la animación es impecable y el diseño de los personajes va mejorando con cada entrega, haciéndolo bastante realista. Lamentablemente, esto no tiene eco con la trama y la película termina siendo demasiado cliché y sosa, desaprovechando el carisma de los personajes principales, donde el más afectado es Diego, ya que pese a tener una pareja que tenía cierto potencial, solo se contentan con narrar su deseo de ser padres y hasta allí.

En conclusión, "La Era del Hielo 5" es un bodrio en todo el sentido de la palabra. Poca historia, poco desarrollo y con un estancamiento (hasta diría retroceso) en el concepto que tenía esta saga. Lo peor es que el aspecto de posproducción es igual de asqueroso y el hecho de incluir a startalents, en especial gente que ni siquiera es actor como Germán, resalta lo apresurado y mal hecho que está este producto. ¿Recomendable? No. En absoluto. 

-Día de la Independencia 2: el contraataque.

Argumento: 20 años han pasado desde que un grupo de alíenigenas quisieron conquistar la Tierra. Este hecho provoco que los gobiernos se unieran en uno solo, lo cual ha traído prosperidad y paz al planeta. No obstante, el miedo a una revancha esta presente y hay una estación lunar de defensa donde varios huérfanos de la guerra ayudan en su mantenimiento, como Jake Morrison. 

En la Tierra, Dylan Dubrow-Hiller recuerda a su padre adoptivo fallecido (Will Smith) en un experimento con tecnología extraterrestre, cuando un extraño objeto aparece en el aniversario del ataque. La base lunar logra detenerlo, pero esto provoca sospechas en el Dr. Levinson, que decide explorar una nave espacial enemiga destruida en el África, lo cual le hará ver que se alcanzó a mandar una señal de emergencia...hacia la reina Alien. 

Comentario personal: El cariño a esta saga era enorme, sigue siendo de mis películas favoritas de todos los tiempos y no entiendo como el director la llegó a echar a perder tanto. Tal como la anterior, las películas hechas por Roland Emmerich van a la baja. Desde "El Día después del Mañana", este buen director se ha ido perdiendo más en sus declaraciones y comentarios que en hacer bien las cosas, llegando a tener historias realmente infumables, donde el CGI predomina, así las escenas de acción a granel, pero que tienen una trama horrenda y poco funcional tras de ellas.

Y es que en serio, deseaba que Emmerich le diese vuelta a la tortilla y volviese a una historia sencilla, sí con tintes patrióticos o cliché, pero que no fuese la mayor complicación. No obstante, desde 10,000 a.C. esta obsesionado por contarnos tantas cosas, en un alarde de vanagloriar su historia y eso provoca que la trama sea tan confusa y tan densa que no tenga conexión entre sí misma y mucho menos con el público. 

Aquí es inevitable compararla con su antecesora. Mientras la del 1996 poseía una trama sencilla, muchos efectos especiales, pero personajes carismáticos y entrañables, esta nueva no tiene nada de eso. La historia empieza con las vidas de los supervivientes, en especial los protagonistas. Pero ninguno es carismático y todos son artificiosos, inclusive con las escenas que tienen. El más claro ejemplo es Liam Hemsworth que resulta insufrible y no tiene ni un ápice del carisma de Will Smith o de lo que era su personaje. Los jóvenes que le acompañan son iguales, en especial su mejor amigo que parece más el patiño del grupo y que no aporta nada a la trama más que gritos y expresiones de horror mal actuado. 

El detalle luego es que en lugar de irse a forma lineal, la historia se enfoca en la ida a la Luna de Levinson (Goldblum) que resulta igual que en la anterior y da cierta coherencia en la historia. No obstante, el ex presidente (Pullman) no da el empaque y lo ponen como un lisiado mental luego de la guerra. Para rematar, la presidenta no tiene su carisma ni nadie que le acompaña, resultando todos personajes demasiado clichés. 

Por supuesto, esto ya más o menos me lo olía, así que al menos esperaba que los efectos especiales o las batallas me levantaran el filme. Peor tantito. Las naves imponentes pierden su potencial, cuando Emmerich trae la nave madre, que resulta más grande que un mentado continente de la Tierra y lejos de ser impresionante, más bien se torna sosa y como un recurso inclusive aberrante. La destrucción tan bien filmada y llevada, aquí simplemente se sustituye con un campo magnético que lo manda a volar todo y sin razón. Lo peor es que esta tan mal editado y construido que la muerte de la madre de Dylan resulta sin punch y hasta forzada. 

De manera extraña, el profesor Okun vuelve (y hasta con otras tendencias) y por momentos resulta un personaje carismático, pero que igual se pierde con la acción final, que igual resulta interesante, pero solo hasta cierto punto. Sí, la aparición de la madre Alien es espectacular y le da un tono distinto a la anterior, pasando de ser batallas de cazas a ser una especie de Godzilla grotesco. Pero nuevamente esa falta de contexto o de buen hilvanamiento de la historia provoca que inclusive la aparición de "otro enemigo" resulte muy forzado y sin chiste. 

Los detalles de posproducción no ayudan. La música de Harald Kloser no ayuda en nada al filme y solo usando los temas originales de David Arnold, la cosa levanta un poco, pero hasta allí. El doblaje me pareció igualmente horrendo y lo peor, es que no pudieron recuperar todas las voces originales, lo cual se extraño más a Humberto Vélez como el Dr. Levinson. Los otros actores no logran tampoco levantar la película y por momentos algunos diálogos se escuchan falsos o carentes de emoción.

En conclusión, "Día de la Independencia 2" me resulto otro bodrio y de los mayúsculos. Sí la esperaba mala, pero NO tanto y aunque trataron de conectar ambas películas, esta resulta muy inferior y no solo en comparativa. Realmente tiene una historia floja, muy densa y poco coherente, así con unos personajes planos como tabla de planchar y con nula interacción. Solo llegan a brillar los personajes originales (en especial también el padre del Dr. Levinson) y es por chispazos. Para rematar, el final me pareció tan de serie B que salí del cine bastante desilusionado. Una tristeza, ya que Día de la Independencia, pese a sus defectos, era un producto muy completo. Esto lo desvirtua totalmente. 

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Saludos a mi mujer, que aguantó ver estas cosas con verdadero estoicismo, así a quienes...bueno, solo no las vean con expectativas. 

Seconds: entre Charles Dickens y Scott Pilgrim.

Hace un par de meses, menos o más, mi comadre realizó una estupenda reseña sobre la más reciente novela gráfica de Bryan Lee O'Malley. "Seconds" y que esta había generado un éxito tanto de crítica como de aficionados a este tipo de arte. El susodicho es ni más ni menos que el creador de Scott Pilgrim, esa saga que hace unos pocos años llegó a cimbrar el mundo del frikismo en todos sentidos, al grado que generó una película homónima que también lanzó al estrellato a su director, Edgar Wright. 

La crítica y lectura a su obra más reciente, hizo que me interesase por conseguirla. Sin embargo, debido a las siempre mencionadas cuestiones económicas, tuve que retrasar su adquisición por un tiempo, hasta que hace unos días, mi comadre me regaló la novela debido a cierto evento que es mejor no mencionar. En fin, que la deje apartada junto a lo que tengo pendiente, pero este sábado finalmente me abrió la curiosidad y aprovechando que mi esposa y un servidor estábamos sin nada que hacer en la noche, finalmente decidí chutarmela junto con ella. Mientras que mi mujer le agrado bastante la historia, yo salí un tanto menos entusiasmado. Las razones, he aquí adelante. 

Argumento: Katie es una exitosa chef que esta por lograr su mayor sueño y es la de tener su propio restaurante. Sin embargo, la llegada de su ex con su actual pareja, es el preámbulo de una serie de situaciones duras que ponen a la protagonista en un aprieto. Es cuando encuentra unos "hongos" en el lugar donde renta (justo encima del Seconds, el restaurante donde trabaja) que según una nota, al ingerirlos le permitirá regresar el tiempo y corregir algún chasco. Katie, extrañada, termina ingiriendo uno y voula! Al día siguiente todo se ha solucionado. Esto mete en una espiral aparentemente feliz a la chica, hasta que se da cuenta que esto tiene una consecuencia...como todo.

Comentario personal: generalmente siempre inició con una reseña sobre el autor, pero en este caso, el buen Lee O´Malley no necesita nada más, ya que hable del susodicho en la entrada sobre Scott Pilgrim. 

"Seconds" apareció en el 2014, cuatro años después de la última publicación de Scott Pilgrim y su salida generó una excelente crítica por medios especializados y por los fans. Aunque conserva el mismo arte que su "opera prima", la historia que se manda en esta ocasión es totalmente distinta y apenas con cierto toque de "magia". 

Como ya vimos en el argumento, Katie es una joven talentosa pero que las dificultades de la vida la comienzan a abrumar y como todos, busca la opción de escapar de eso y salir airosa, lo cual consigue en su momento, pero luego cae en cuenta que tiene que pagar por los errores cometidos. En cierta manera, es la típica historia que habla sobre la consecuencia de tus acciones (algo que la misma Katie detesta, tal como se lee en un bocadillo de la obra). Esto que podría resultar tan moralino y hasta soso, O´Malley lo cuenta de una manera estupenda, tanto en su arte como en las referencias que menciona a cada momento. 

Tal vez por eso "Seconds" no me pareció la genialidad de las que muchos dicen y es porque la idea central la he ido viendo en muchas historias (la más clara, es "Cuento de Navidad" de Charles Dickens, donde Katie es una especie de Scrodge, ya que vive una existencia un tanto egoísta y que le cuesta asimilar por los errores que ha tenido, al grado que los vive y recuerda, no solo en su memoria, sino también con su actitud y sus acciones). La preciosidad del producto reside en su forma, lo cual repito, me pareció muy original y teniendo dejes de excelencia, tanto en las metáforas como en las viñetas. 

O´Mailley sigue con ese arte de Pilgrim y nos ofrece unos personajes encantadores, con harto carisma y que aparte son muy humanos. La primera en esa lista es Katie, la cual es una jovencita muy talentosa, pero que en el fondo es inmadura como una chiquilla en otros aspectos, lo cual hace que su vida sea un vaivén, demostrándose en la forma que va metiendo la pata y como las cosas se le van saliendo de las manos, en un vano intento de no sufrir o batallar. 

Los secundarios como Hazel o Max también son harto simpáticos y aportan dinamismo a la trama (ni se diga de Lis, que viene a ser una chica adorable pese a su cara de enojada todo el tiempo), así como una forma de las propias consecuencias de Katie, pasando a mutar de acuerdo a la ruta que va cambiando y que el autor ejemplifica con las ramificaciones de un árbol que va perdiendo algunas de sus ramas y luego se crean otras, pero ocasionando que lo está encima de dicha rama, también se pierda (como el hecho de que Katie no quiera asumir la deuda inicial de 12,000 dólares, pero pensando que al tener a su novio de cuenta, esto se arreglará, en realidad sube a 18,000 dólares).

De manera simplista, podría ser como Aladino y la consecuencia de pedir tres deseos, los cuales deben ser cuasi perfectos o el protagonista tendrá problemas. No, en realidad es más como el orden "cósmico" que tiene la vida. Aunque muchos se quejen de que pueden tener problemas, en realidad las bendiciones se reparten por igual y es más, lo primero nos sirve de experiencia para disfrutar lo mejor que tenemos a lado y/o enfrente. El problema es que la vida actual nos da la oportunidad de "no sufrir" y como es un trance doloroso, preferimos evitarlo, pero claro, eso conlleva a consecuencias, porque al final al cabo, todo se paga.

Y es curioso, porque en "Cuento de Navidad", el propio Scrooge sabe que su destino esta escrito, por todas las sombras que ha provocado con sus acciones. Es decir, no puedes esperar a salir librado, no porque hablemos de justicia o de equidad, sino porque el alterar un orden, también alteras él de los demás. Esto también se vuelve significativo cuando al final (sí, ya saben que mis reseñas siempre tienen spoilers), Hazel continua siendo amiga de Katie, pese a todas las dizque modificaciones que hizo. Es otro mensaje doble pero muy potente en la historia: nuestros deseos vienen de un egoísmo y entre menos nos aferremos a este, más podremos salir avantes. La protagonista es egoísta y no quiere batallar, por lo cual inclusive llega a pasar encima de los demás (entre ellos, del pobre Andrew, su ayudante/amante) para salir avante de la situación. Sin embargo, esto conlleva a alimentar una parte de nosotros que tarde o temprano se nos volverá en contra (la cual está estupendamente dibujada en forma de ese monstruo que Katie va alimentando de manera inconsciente).

Como ven, "Seconds" es una obra que tiene una forma compleja pero a la vez divertida, de mostrar el duro camino del crecimiento, el cual no consiste en no tener problemas, sino en saber aceptar las cosas tal y como son (y que se resumen en una estupenda frase que tiene el jefe de Katie en un cuadro encima de su cabeza). Inclusive, con los comentarios del susodicho, se hace ver que él igual pudo haber pasado por lo mismo que Katie (aun cuando al final, todo parece haber sido un sueño, tal como "Cuento de Navidad"). Sin embargo, viéndolo fríamente, el "plot" central es bastante sencillo y predecible, lo cual se suma a un final mucho más predecible y hasta insulso. Por supuesto, aquí nuevamente lo comparó con la obra de Dickens, ya que igual el viejo Scrooge salía de su travesía sin problemas y con la finalidad de ayudar a todos los que perjudico. Katie tiene el mismo trayecto, pero sí me hubiese gustado ver un poco más de "la consecuencia final" de sus acciones (que personalmente, me habría agradado más que se quedase con Andrew que con Max, que siendo el galán de la serie, me pareció un personaje muy soso de repente).

En conclusión, "Seconds" es una excelente novela gráfica de O´Malley. Predecible por momentos, pero el arte como algunas analogías son de lo mejor que he visto en este tipo de historias, aparte de tener unos personajes muy carismáticos y sobre todo, muy humanos. Aparte, de que la trama y su forma invita a reflexionar hondamente sobre el tema, no solo sobre las consecuencias de tus actos, sino que algunas cosas son sencillamente inevitables. 

Todo un giro de 180 grados con respecto a lo que vimos en Scott Pilgrim. Debido a esto, muchos pudieron quejarse, pero el autor supo dar otro giro a sus tramas y salir bien librado de esta (a diferencia de lo que se dice con Ernest Cline y su novela "Armada"). Repito, ampliamente recomendable.

Aquí en México ya se puede conseguir por diferentes librerías, pero su precio sí esta un tanto cariñoso, ya que oscila a 20 a 25 dólares (para el tipo de cambio actual). Tiene 300 páginas y fue editada por "Debolsillo". El problema es que al menos mi edición, dos a cuatro páginas estaban mal impresas y se veían enturbiadas. Pensé que era para darle realce a la escena, pero el pie de página también se veía extraño. Lástima por la edición, ya que los dibujos son preciosos. 

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Saludos a mi esposa, así a mi comadre en especial por regalarme esta obra, así a quienes gusten de las novelas de este autor.