jueves, 21 de abril de 2016

Star Wars Manga: Una nueva Esperanza.

A estas alturas, Starwars se ha convertido en una especie de franquicia monstruo, debido a sus múltiples ventas en sus diferentes ramos y la popularidad que tienen tanto sus tramas como personajes. Inclusive, mi esposa que no es nada fan de la serie, sabe quien es Han Solo, Chewbacca, Luke Skywalker o Darth Vader. Lo que ha hecho George Lucas con su franquicia, fue incorporarla al canon cultural que muchas personas, independientemente de sus edades, tienen hoy en sus vidas.

Sin embargo, hace 19 años, la serie estaba a un punto de pasar a mejor vida, ya que era considerada una franquicia antigua, perteneciente a tiempos mejores. Nuevamente Lucas se encargaría de revivirla cuando dio un comunicado diciendo que haría una nueva trilogía, que adaptaría el pasado de Anakin Skywalker antes de ser Darth Vader. Nuevamente Starwars volvería al imaginario colectivo y se convertiría en la franquicia que hoy en día es, al grado que Disney ha decidido explotar esta nueva gallina de los huevos de oro, sacando películas del universo en los siguientes 3 a 4 años de manera continua, así sacando un montón de mercadotecnia a sus espaldas.

Hoy ser fan de Starwars es motivo de orgullo y hasta de reconocimiento. Pero en aquellos años, en los finales de los noventas, era sinónimo de ser geek o un freak. Solo los intelectuales jugaban con sables de luz o se disfrazaban para ir a las convenciones como un stormtrooper o un cazarrecompensas. Nuevamente George Lucas en su momento tuvo que ver con eso, al ampliar dicho universo a otras ramas y que para malas y buenas, tuvo una gran aceptación. Uno de estos rubros, fue el terreno del manga, el cual curiosamente, también estaba a punto de lanzarse a un alcance mundial.



Datos técnicos: Como parte de una agresiva campaña, Lucasfilm decidió expandir el pulso de Starwars a cuanto producto tuviese a la mano. Desde productos multimedia hasta la literatura y los cómics, todo esto entre el año de 1997 y 1999. Los viejos cómics de la Marvel fueron reeditados por Dark Horse y muchas tramas como novelas fueron creadas, como Sombras del Imperio, el cual se consideraría un apendice de la trama original, pero que sería tan aceptada y aclamada por los fans, que se convirtió en una novela, un cómic y un videojuego.

Mientras los fans esperaban la llegada de la nueva trilogía, el universo SW se fue expandiendo a todos lados. El manga, como ya se comentó, también se vio beneficiado y Lucasfilm permitió la adaptación en este formato de las tres películas principales del canon. Tres artistas o mangakas fueron los elegidos, siendo el primero Hisao Tamaki, que en cuatro tomos (los cuales fueron publicados por Tokyopop en 1998) se encargo de "Una Nueva Esperanza", Toshiki Kudo de "El Imperio Contraataca" y Shin-Ichi Hiromoto de "El Regreso del Jedi", teniendo el mismo número de volúmenes para desarrollar dichas adaptaciones.

El impacto que tuvo dicha adaptación fue bastante bueno, al grado que la publicación gano un premio Eisner por mejor material extranjero en el rubro del cómic en aquel año. Debido a esto, la editorial Planeta, la cual es dueña de los derechos de Starwars en ese nivel en España, decidió traducir dicha obra y publicarla en aquel país, teniendo el mismo número de tomos por película. El manga se publicó entre finales de 1998 y mediados de 1999, siendo un objeto de colección así de culto entre los fans actuales del universo.

Un detalle de la publicación en español, fue que se decidió invertir el orden de lectura. Siendo mangas, se lee de derecha a izquierda, pero como aquel rubro no se seguía bien en Occidente por aquellos años, los editores españoles decidieron cambiarlo, lo cual suscitaba alteraciones importantes, al menos a nivel visual, de como se tomaban las armas y también de la toma en que se enfocaba la acción o el diálogo.


Otra rareza de la edición española es que las portadas fueron cambiadas totalmente. En lugar de mantener las japonesas/americanas, sacaron litografías de las películas y las pusieron enfrente. Esto saca bastante de onda, ya que uno piensa que son libros-libros, cuando es todo lo contrario (mi esposa se llevo dicha sorpresa, ya que cuando quiso leerlos, creyó que eran cómics americanos).
Una curiosidad más, es que algunos tomos tienen extras y son más que nada, comentarios editoriales, donde se comenta sobre el origen del manga y sus adaptaciones, sobre el universo de Starwars y claro, de la entonces inminente llegada del Episodio I. Algunos son muy ilustrativos y son una fuerte referencia a como se veía el mundo en aquellos años.

Posteriormente, un año y medio después, el famoso Kia Asamiya haría la adaptación del Episodio I en dos volúmenes (A diferencia de los otros tres autores, Asamiya era una figura renombrada en aquellos años en Japón). Lamentablemente, las malas críticas al filme, parece que provocaron una reorganización de la franquicia en muchos rubros y el mismo Lucas detuvo tanto novelizaciones como adaptaciones de más (lo que provoco que la castellinización de las novelas oficiales ya no se hiciesen como había sido con el Episodio I), privando a muchos fans de lengua no inglesa, el disfrutar del universo Starwars. Esto también afecto las adaptaciones del Episodio II y III, por lo cual se quedaron sin el fabuloso formato manga.


Comentario personal: Es curiosa la historia de como esta obra llego a mis manos. Sí, físicamente la tengo allí bien guardada en mi estantería, pese a que ya tiene algunos daños, causados tanto por el tiempo como cierto incidente que comentare más adelante.

Haciendo constancia a lo comentado en muchas entradas, mi vida siempre ha tenido etapas de muy buena salud (en término generales), como de vacas flacas (que la mayoría, han sido provocadas por las decisiones estúpidas de un servidor). 1998 lo consideraría un año bipolar, tal como el 2006 o el 2002, donde una parte casi viví en la gloria, mientras la otra caía en un infierno de manera literal.
Por suerte, 1999 vino a ser un año totalmente distinto, muy tranquilo, divertido y hasta gratificante.

En aquellos meses, previos y posteriores al Episodio I, estaba en mi mejor relación con mi familia, traía buenas calificaciones de la universidad y comenzaba a tener amigos muy importantes para un servidor (incluyendo a mi comadre). Pero sobre todo, algo que me ayudo a sentirme mejor conmigo mismo, fue el que comencé a escribir fanfics y eso me permitió globalizarme de alguna forma. Fue gracias a estas historias que conocí a mucha gente valiosa (algo que sigue hasta la fecha) pero también a personas que me hicieron sufrir de un modo u otro.

Por suerte, ocurría más lo primero y un par de personas maravillosas fueron las hermanas Checa. Conocidas en el fandom castellano como escritoras de fanfics, especialmente de Sailor Moon o Saint Seiya, tenían un modo único de relatar dichas historias, alejándose de la grandilocuencia de los autores gringos o de las "comidas para pollos" que entonces eramos los escritores latinoamericanos. Sin embargo, tuve suerte de que leyeran alguna de mis historias y así fue como nos hicimos amigos, en especial de Barbara Checa, ya que Nemain entonces estaba por entrar en una etapa de la vida que absorbía mucho y que hace a muchos escritores dejar el negocio: la terminación de la universidad.

En cambio, Barbara apenas entraba y eso permitió darle unos años más. Curiosamente, las dos eran fans de Starwars de las buenas y los temas para charlar por los correos electrónicos eran interminables. Allí fue cuando las chicas me comentaron de los mangas de Starwars. No sé como notaron mi interés, que sin más, se ofrecieron a comprármelos y enviármelos por paquetería. Lógico, no me lo creí, ya que pensaba que enviar un paquete por correo era carísimo, así tomarse las molestias por un sujeto que vivía al otro lado del mundo, me parecía totalmente extraño.

Sin embargo, en las vacaciones de semana santa del año 2000, un anuncio llegó a la casa donde entonces residía. Un paquete había llegado a la oficina de correos, pero como era de España, tenía que ir a verificarlo para recogerlo. Aun recuerdo que ese día estaba con una fiebre del demonio, pero aun así, tomé un taxi y me fui derechito a la oficina (ya que se encontraba muy lejos de donde vivía, al menos para ir a pie y en el estado físico que me encontraba) por él. Medio muriéndome, llegue a la casa con dicho paquete, el cual no solo contenía los mangas de Starwars, sino inclusive las famosas "fotocopias", que las chicas me habían hecho el favor de enviarme, que tenían trazos de mangas conocidos en España: City Hunter y Marmalade Boy. De esto último ya comentare en otra entrada.

Antes que nada, debo decir que la adaptación tiene dos puntos a discutir: historia y arte. En el primer rubro, el manga sigue casi al pie del dedillo lo ocurrido en las películas. Sin embargo, quien más incorpora elementos novedosos, es Tamaki-sensei, quien se encarga de agregar escenas o momentos que no se ven en la película original, pero que en su momento fueron filmadas por Lucas, pero desechadas en el último momento. Una de estas, es cuando Luke observa la batalla entre la Lanzadera rebelde donde va Leia y el Destructor Imperial, mientras otro es cuando Biggs y Luke tienen una discusión sobre el futuro de ambos y su entrada a la Academia Imperial. Aparte, también incorpora escenas que en ese momento, Lucas había modificado en la trilogía original, como la aparición de Jabba en el hangar de Mos Eisley donde esta el Halcón Milenario.

Este punto hizo que me encantase el manga, ya que aparte de estos agregados, el ritmo de las viñetas es bastante bueno, contando en pocas imágenes, escenas que tenían su duración en la película. Aparte, la división de la historia en los cuatro tomos se hace bastante bien, dejando con un pequeño desenlace que sirve perfecto de enganche para el siguiente tomo. Curiosamente, esta edición se ve un poco más mejorada en el "Imperio Contraataca" y en el "Regreso del Jedi", donde aunque no se agregan nuevas cosas, la historia se cuenta de manera genial y con el mismo ritmo, pese a las variaciones de arte entre los tres autores.

Y es que el punto a criticar, tanto positiva como negativamente es el dibujo. Tamaki-sensei tiene un estilo de dibujo sumamente manga, siendo del típico shonen. Sin embargo, las variaciones que se permite con los diseños de los personajes es bastante patente. Por ejemplo, los personajes se ven más pequeños en edad, casí como si fuesen adolescentes, lo cual se nota sobre todo en Han Solo, que inclusive un agregado de un tomo se critica este punto. El otro, son las variaciones en los diseños, donde la que mejor sale librada es Leia. El autor mantiene su peinado de pan de rosca, pero le agrega unas caídas en el pelo en la parte posterior, lo cual le da un aire mucho más moderno y hasta atractivo al personaje. Los diseños de las naves y demás escenarios son excelentes, llegando a dibujar paisajes emblemáticos de manera cuasi parecida al filme (en especial cuando Luke ve hacia los soles gemelos o cuando llega a su casa luego de ser destruida por los soldados imperiales). Curiosamente, pese al diseño muy juvenil, el dibujo de Vader es soberbio y realmente se le ve imponente por momentos.

Kudo-sensei tiene un dibujo diametralmente opuesto al anterior. Mientras Tamaki se enfocaba en el diseño de personajes y su dinamismo, el dibujante del Imperio Contraataca, se va sobre dibujar a los personajes de manera mucho más adulta, cuasi teniendo un toque shoujo, en especial con Leia, que nuevamente es las más favorecida del dibujo, haciéndola no solo atractiva, sino teniendo un aire de dulzura y energía por momentos. Sin embargo, Han se ve mucho más adulto y la figura de Darth Vader es aun más imponente, donde los trazos no son tan detallistas (llegando a tener más sombras y retazos), pero eso le da un aire mucho más oscuro y maduro a estos tomos. Personalmente, no me gustaba al principio este arte, pero luego le fui agarrando bastante gusto. Curiosamente, los fondos de escenarios son muy escasos, aunque compensados por las viñetas y unos personajes dibujados de manera formidable.

Con quien sí me voy a desquitar es con Hiromoto-sensei. Su arte es sencillamente malo, nada de mi gusto. Su tipo de dibujo esta más enfocado en cierta tendencia que tuvieron algunos dibujantes npones a principios de los noventas, que trataron de alejarse de los grandes ojos y de los trazos preciosistas, por un dibujo mucho más rudo, agresivo y hasta sucio por momentos. He escuchado que algunos les gusta, pero sinceramente, jamás ha sido de mi agrado y este manga me costo muchísimo leerlo, ya que los diálogos de repente no existen y son dibujo tras dibujo, que de repente se salta de sus proporciones, llegando ser más caricaturesco que manga. Curiosamente, quien mejor sale librado del diseño es Han Solo, que se le dibuja como un auténtico truhán y su sonrisa con dientes afilados, sí me sacaba más de una carcajada. Extrañamente, el diseño de las naves es formidable y es de lo mejor de las tres adaptaciones, viéndose en especial con la batalla de Endor, donde Hiromoto-sensei realmente se regodea con las acciones.

En conclusión, "Star Wars manga", es una excelente adaptación de la trilogía original al dibujo nipón. La historia está bien plasmada y es una manera fácil como dinámica de contar la historia de Luke Skywalker y compañía en solo doce tomos. El problema es la variación del arte entre los tres autores y que en algunos sí les puede pesar (como un servidor), así que la edición española tiene los cuadros invertidos, lo cual también sería un tanto frustrante sí estas acostumbrado a leer a la manera japonesa. Fuera de ello, es sumamente recomendable.

En lo particular, sigue siendo uno de mis grandes tesoros. Lamentablemente, en su momento estuve a punto de perderlos, cuando una ex-casera dejo mis cosas fuera de mi habitación en una ocasión y estuvo lloviendo. Cuando rescate lo que pude, dos tomos sí llegaron a mojarse. Por suerte, el papel es bastante resistente y se secaron sin que hubiera desgarramientos, aunque sí quedaron un tanto arrugados.

Por cierto, no hable de la adaptación manga de Episodio I, porque sencillamente no tengo el formato físico del manga y en segundo, porque no quise. Aunque la he leído, parece que Kia Asamiya no pudo adaptar totalmente el espíritu de la película y el manga se lee medio aburrido, aun pese a tener un arte muy bueno (la que resalta, para variar, es Amidala). También aquí se notan ciertas deficiencias en la historia, ya que las viñetas están muy cargadas de diálogos y se hacen pesadas por momentos.


Lamentablemente, este manga no se puede conseguir en México y tampoco en España. Aunque se pueden ver algunos tomos sueltos en librerías selectas de la madre patria, Planeta no ha vuelto a reeditar dichos tomos y hoy en día, se consideran joyas de auténtica colección (y que por suerte, están en mis manitas, jojo).

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Saludos a mi propia Amidala :3, así a quienes gustan de Starwars.

martes, 19 de abril de 2016

Inuyasha: un antes y después en la época del anime.

Hace una semana se anunció el tan esperado doblaje de los episodios faltantes de la serie Inuyasha. Este asunto, que ya llevaba años en boca de los fans, que inclusive generó un sinfín de leyendas urbanas, finalmente se aclaro hace poco tiempo, cuando los actores de doblaje que trabajaron en la serie, comentaron que solo habían doblado los primeros 160 episodios, obviando los últimos y los llamados "especiales" de TV, que consistían en episodios dobles, siendo al menos tres en tanda. Un servidor fue participe de tales "diatribas" entre los freaks, al grado que se argumento que Cartoon Network los había escondido o que eran tan violentos o extraños que no podían ser exhibidos.

Por suerte, con lo del doblaje se termino por echar por tierra eso, pero también acallo una polémica que se dio durante la emisión de la serie, cuando la actriz de doblaje de Kagome, Ana Lobo, fue reemplazada en un poco menos de la mitad, por Leyla Rangel. Este relevo ocasiono también una división entre los fans, viendo quien era mejor (personalmente, prefiero un poco más a Leyla, no solo porque su voz me parece muy peculiar, sino porque le daba un tono de falsete harto cómico y divertido al personaje. Ana Lobo se escuchaba más tierna y enérgica, lo cual tampoco demérito. Por ello, es cuestión de meros gustos, sin querer ofender a nadie).

Con esto, podemos ver que Inuyasha no solo fue famosa, sino también creó polémica, siendo una digna heredera de las obras de Rumiko Takahashi en todos sentidos, ya que aparte de esto, tuvo una historia bastante buena (aunque desinflo un poco al final), con una música excepcional y un diseño de personajes que se apegaba bastante al manga, pero mejorandolo a la par (lo cual la hacía diferencia con Ranma, cuyo diseño era mucho más simpático y empático). Por lo tanto, me pareció justo hablar de la serie que vino a ser el gran "hit" de principios de la década pasada y que aumento la cantidad de fans hasta la estratosfera.




Aspecto técnico: el manga original, cortesía de la gran mangaka Rumiko Takahashi, comenzó su andanza en noviembre de 1996, unos pocos después de que la autora había concluido Ranma 1/2, justamente editado en la Shonen Sunday, de la editorial Shogakukan. El manga comenzó a tener un impacto mediático a partir de 1998 y esto propicio que la casa animadora Sunrise, adoptara la serie en un anime de 167 episodios entre el año 2000 y el 2004. Posteriormente, sacarían cuatro películas hasta el año 2009, cuando nuevamente Sunrise animo los últimos tomos del manga, titulando dicha serie como "Kanketsu-hen" que duro alrededor de 26 episodios y termino en el 2010.

El manga se serializo hasta el 2008, teniendo 56 tomos recopilatorios. Curiosamente, este manga tendría cierta edición en México, por parte de Editorial Vid. Sin embargo, la crisis económica y los malos manejos detuvieron su publicación para el 2006, teniendo apenas menos de 10 mangas en total.

Las diferencias de esta serie con respecto a otras obras de la autora son bastante marcadas. Pese a que hay un obvio reciclaje en el diseño de los personajes (como el caso de Inuyasha, que tiene un parecido endiablado con Ranma Saotome), la historia y el tono de la misma son totalmente diferentes, siendo mucho más seria y oscura. Por supuesto, hay chistes y tono de comedia, pero en sí, la trama maneja asesinatos, traiciones, conspiraciones y otros temas que bien podrían entrar entre un cuento de hadas escabroso hasta de tipo novela negra.

Otro punto que también se cambió, fueron las escenas pícantes o ecchi. Los desnudos se hicieron casi ausentes y también el exhibicionismo de las feminas casi desaparecio. Inclusive, una de las peticiones que hizo la autora, tanto para dibujar el manga como para que se permitiera la animación, fue que Kagome jamás se le vieran las pantaletas o tuviese alguna escena de este tipo, rompiendo con lo visto en las series anteriores (Ranma y Urusei Yatsura). Otra curiosidad es que la autora no tenía ni idea de como terminar el manga. A diferencia de sus otras obras, donde ya había un plot final, acá Takahashi sensei confesó que no sabía como darle un fin, a lo cual se nota bastante en especial con los últimos tomos, donde la historia y los personajes se sienten un tanto forzados.

La emisión del anime en Latinoamerica, fue casi exclusivamente por Cartoon Network. Siendo una de las series más "laureadas" en ese momento (se había emitido en la señal gringa, con gran éxito unos meses antes), el canal de paga anunció con bombo y platillo su estreno, en el bloque Toonami, para el 2 de diciembre del 2002. Inmediatamente, las tasas de rating se dispararon hacia las nubes y aunque muchos argumentaban que se parecía en exceso a Ranma, la serie poco a poco fue tomando su propio rumbo. Lamentablemente, luego de acabar con los 160 episodios que tenía la empresa Televix (que entonces se encargaba de la distribución de la serie en la región de Latinoamérica), se dio una leve retransmisión en Cartoon Network por unos meses más, para salir definitivamente del aire en la primavera del 2005.

Canales como Tv Azteca trataron de pasarla, pero precisamente por la violencia que había, parece que esto echo para atrás a los olmecos y solo llegaron a pasar unos cuantos episodios. Actualmente, se transmite en algunos canales de Centroamérica y en Sudamérica, por el canal chileno EtcTV. Como dato extra, las cuatro películas fueron dobladas en Venezuela y actualmente las tiene Netflix dentro de su repertorio de series de anime.


Argumento: Es la época Sengoku e Inuyasha, un joven mitad demonio y mitad humano (hanyou) ha robado la poderosa perla de Shikon, la cual es capaz de conceder el deseo que sea a su portador. Sin embargo, en la huida es atacado y encerrado por la sacerdotisa guardiana de dicha joya, Kikyo, la cual muere y en su entierro, es incinerada con la dichosa perla. 500 años después, una joven llamada Kagome Higurashi, junto con su familia, regenta un templo donde se encuentra el árbol donde fue sellado Inuyasha. Al momento de ir por su gato, Kagome cae dentro de un pozo sellado que la transporta a la vieja Era, donde se encuentra sellado Inuyasha. Debido al ataque de un monstruo, Kagome quita la flecha y eso permite a Inuyasha despertar, el cual aniquila al monstruo. Sin embargo, en el trajín, Kagome destruye la perla con una flecha y los pedazos se dispersan por todos lados. Ahora, con el apoyo de Inuyasha, la chica debe recuperar dichos fragmentos para custodiar la perla de Shikon. 


Comentario personal: Es curioso como esta serie tuvo el efecto contrario a lo vivido con Ranma en su momento. Ya en una anterior entrada, había comentado como Ranma vino a ser un paradigma muy importante en mi vida, pero que con el paso del tiempo, había perdido empuje, al grado que el final de la serie siempre me pareció muy insulso (y no solo hablo en la cuestión de la animación e historia, sino también que me toco en una etapa que estaba sumamente apático con todo y todos). Eso me dejo con un sabor de boca un tanto agridulce en general con cualquier obra de Rumiko Takahashi.

Para el año 2001, Inuyasha ya se había convertido en un "boca a boca" en el naciente mundo de la Internet. Había páginas que hablaban un montón de la serie, sobre sus personajes y las tramas que entonces se estaban entretejiendo. Lamentablemente, el entonces diseño que estaba tomando la serie me hacía por momentos alejarme de la misma, siendo más parecida a los dibujos del manga. Aparte, el tono de comedia estaba bastante reducido (según los comentarios) y eso hacía la serie mucho más violenta y seria, lo cual en aquel entonces, provocaba una división importante entre los fans.

Lamentablemente, el 2001 sería uno de los años más "bipolares" que jamás hubiese vivido. El primer semestre fue una época feliz en todos sentidos, mientras el siguiente casi me di un tiro por todas las tonterías que había incurrido (no literalmente) y que lo hicieron muy desgraciado. El anime fue uno de los más grandes afectados y por ello, mi memoria emocional de aquellos tiempos es bastante reducida. Fue hasta principios del 2002 cuando las cosas comenzaron a cambiar, pero como no había aprendido la lección, como buen muchachito, volví a regar el tepache por el suelo y ese año igual termino como uno de los más difíciles de mi existencia.

My Will...

Por ello, el estreno del anime casi paso sin pena ni gloria para un servidor. Por suerte, esas navidades pude ir con mi familia y disfrutar del cable como en otros tiempos, pero entre mis decisiones y amargura, ese tiempo fue horrendo en muchos sentidos. Sí apenas vi un episodio de la serie y lo obvie en todos sentidos...salvo por el ending. Sí, el primer ending, "My Will" (Mi Voluntad) interpretado por Gabriela Vega, me dejo tal impresión que hoy en día, sigue siendo de mis canciones preferidas del anime en el idioma de Cervantes.

Para el 2003, las cosas cambiaron radicalmente. No solo fue un año diferente (al grado que los Bucaneros de Tampa Bay ganaron su primer y único Super Tazón hasta la fecha), sino también me ayudo a sanar las heridas previas. Lo primero que hice a principios de aquel año fue ponerme a grabar los episodios de anime que estaban pasando en Cartoon Network (que eran Yu Yu Hakusho, Gundam Wing e Inuyasha) en un bloque vespertino bastante potente. Por ello, le pedí un amigo de aquellos tiempos (que estaba casado y tenía cable, jeje) que me grabara algunos, claro, prestandole la VHS que tenía. Así obtuve mis primeros episodios de las tres series, pero en especial me toco unos bastante cómicos y que hicieron que me encantara la saga.

Aunque no quise incluirla en el conteo de "animes que mejoraron al manga", debo decir que el enfoque le dieron los de Sunrise fue bastante acertado. Sí, mantuvieron la violencia y la sangre (la cual fue censurada, a tal grado que algunos frames fueron enlentecidos para no mostrar todo el desparramiento de vísceras), pero añadieron una dosis muy oportuna de comedia, lo cual favoreció terriblemente a la serie. Había episodios muy serios y dramáticos, como cuando el grupo conoce a Sango, intercalados con comedia y parodia pura (cuando Kagome regresa a casa e Inuyasha va trás ella, teniendo momentos hilarantes en el mundo actual), lo cual los hacía muy rítmicos y divertidos. Algo también bastante acertado fue reducir el rubro de "galán de telenovela barato" al protagonista y darle un triángulo amoroso bastante importante: Kikyo-Inuyasha-Kagome, que provoco también una polémica división entre los fans de uno y/o otro personaje.

Este tenor en los episodios y en la serie en general, es lógico que agradase a la mayoría, al grado que Inuyasha se volvió una serie "hitazo" entre ese 2003 hasta finales del 2005. Como siempre, el anime se emitió en al menos tres tandas distintas. La primera, fue la que se repitió en varias ocasiones, llegando hasta el episodio 79-80, que es la derrota de Naraku luego del ataque del renovado Colmillo de Acero que podía romper campos de energía. Posteriormente, hubo otra tanda que involucraba más a un grupo de sujetos revividos por los fragmentos de Shikon y finalmente, la tercera que se emitió en el otoño del 2004, junto con otros animes como Kaleido Star (aunque en horarios diferentes, ya que esta última era en la tarde, mientras Inuyasha ahora tenía un horario nocturno, casi a las doce de la noche).
Comedia, un punto fuerte del anime.

Pese a esto, la serie creo un fandom increíble (el cual me adherí sin chistar) y se convirtió en serie de culto por aquellos años. Puntos que la hicieron tan emblemática, fue su gran música, a cargo de un inspirado Kaoru Wada (muchas de las melodías las tengo en mi biblioteca musical) y la animación a cargo de Sunrise, que era de una manufactura bastante alta para aquellos años.

Otro rubro, en posproducción que hizo que me encantara la serie, fue el estupendo doblaje de la misma, la cual estaba a cargo del actor Gabriel Gamma, que ya había tenido apariciones importantes, siendo la voz de Kuno Tatewaki en Ranma y la de Yoh Asakura en Shaman King. Curiosamente, yo esperaba que la serie repitiese doblaje, escuchando a Carlos Hugo Hidalgo como Inuyasha y a Rossy Aguirre como Kagome. Sin embargo, un elenco comandado por Enzo Fortuny, Ana Lobo, Liliana Barba, Alfredo Gabriel Basurto, Laura Torres y claro, Gabriel Gamma, hicieron genialidades con la serie, dotándola de su propia frescura. Posteriormente, los actores comentaron que Televix no quería emular el éxito de Ranma, por lo cual pidieron voces totalmente diferentes, pese a que el seiyuu de Ranma e Inuyasha (Kappei Yamaguchi) era la misma persona.

Pese a esto, el doblaje tuvo muchas similitudes con su anterior, ya que escuchamos las voces estelares de Ranma, pero ahora como actores secundarios (una siendo una de las mejores amigas de Kagome, mientras otro era de los camaradas de Kouga). El que "repitió", fue Daniel Abundis, que volvió a darle su voz a la pulga Myoga, la cual pese a su parecido físico con Happossai, tenía un rol totalmente diferente. Otro punto que se trabajo y creo un paradigma en sí, fue la traslación del nombre de Kagome, que aquí en Latinoamérica fue traducida como Ahome. La razón, es que dicha palabra invitaba mucho a malentendidos (el albur, como es conocido en México). De allí que los fans menos avezados, aun le sigan diciendo de dicha forma al personaje.

La calidad del doblaje también alcanzo el opening y ending, que llegaron a ser de las melodías más populares de aquellos años (y que inclusive hoy continua), al grado que en un tiempo los fans trataron de contactar a los interpretes de dichas rolas, como Gabriela Vega, que inclusive ha tenido un renacimiento gracias a las rolas que cantó para la serie.

En esta cuestión, es cuando nació la leyenda negra de Inuyasha, cuando se emitió el último episodio que se vio en Cartoon Network, el 160. Al día siguiente, esto lo estuve checando en red, ya que el fandom se expresaba mediante foros (como pikaflash) de lo ocurrido. Muchos dijeron que era un parón y que los últimos 6 episodios se emitirían, como los especiales...algo que no ocurrió. Finalmente, hasta tiempo después, como se comentó, los actores dirían la verdad y como Televix no mando a doblar la serie de manera completa. La razón, es que el dinero se estaba acabando y la serie había perdido impulso en EUA.

Curiosamente, esta pérdida del impulso también se vería en el fansub. Aquí es cuando los animes emitidos por la TV menguaron ya de manera definitiva, mientras el arte de subtitular las series comenzaba de manera definitiva. Este punto se vería con muchas series, e igual alcanzaría el famoso Kanketsu-hen, el cual fue seguido de manera fervorosa por los fans entre el 2009 y el 2010. En este punto no puedo hacer muchos comentarios, porque no seguí esta nueva etapa de la serie con tanta devoción como antes. No es que no me gustase la serie, al contrario, sigue siendo de mis favoritas. Sin embargo, como con Sailor Moon Crystal y Super Dragon Ball, las series venidas del pasado ya no son como antes y algo que tuvo Sunrise al adaptar este manga, es que dejo de lado el "filler" tan esplendoroso que habían tenido y se puso solamente a adaptar, lo cual nos deja con unos 26 episodios muy fríos, rítmicos eso sí, pero con tan poca esencia que se nota inmediatamente los problemas que tuvo la autora para darle fin a la serie (la cual, termino un año antes).

Por supuesto, mi visión de esta segunda parte cambiaría mucho sí realmente lo doblen, como se rumora por allí, ya que precisamente las voces del doblaje le dieron mucho de su encanto (como olvidar el "Za Za Za" de cierto episodio donde todos se emborrachan), pero también coincidió con una época mucho más emotiva para un servidor. Finalmente, para el 2003-2004 (así el 2005), al fin tuve una racha de estabilidad bastante marcada. Claro, hubo cosas "bajas", pero en general todo iba para arriba y la serie era un fiel reflejo de eso. Aun recuerdo las visitas con la novia de aquellos tiempos para comentar la serie o cuando iba con mi familia y me veía la serie los sábados en la mañana (ya que la dejaba grabando en el cuarto de mi hermana la noche anterior). Lamentablemente, tan pronto el fandom de la serie se fue apagando, también esa racha, la cual vendría con el polémico 2006. Pero eso ya ha sido contado y será contado para otras historias.

Pero te peinas, cuñao!

Inuyasha es una de las series que más tengo cariño, recuerdos y también, curiosamente, me ayudo a darme cuenta del enorme fandom que rodeaba el Internet. Había gente que colgaba episodios completos, pese al riesgo de tirarselos, antes de que el "tubo" se popularizara, así personas que adaptaban las canciones de la serie como Dios les daba a entender. Sí lo ponemos en términos prácticos, fue la primera serie de anime tipo "millenium" que arrastraría una nueva forma de ver las cosas y un fandom totalmente distinto al visto en los años noventas. Sobra decir, que es bastante recomendable, sobre todo la primera etapa. Esos 160 episodios doblados (y ahora 7 más), son toda una joyita.

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Saludos a mi Kagome ^_^, así a quienes gustan de este tipo de series.

sábado, 16 de abril de 2016

Mana: ¿Y donde jugaran los niños?

Siempre he pregonado que la década de los Ochentas fue una época feliz en mi vida. Por supuesto, es fácil crear dicho pensamiento, ya que toco toda mi infancia y también porque mis recuerdos de aquellos años están bastante distorsionados por el paso del tiempo. En cambio, los Noventas siempre los he visto como una época difícil, de muchos cambios y de no tanta creatividad como los años anteriores. Sin embargo, sí más minucioso, en realidad esos tiempos también fueron muy buenos, en especial la primera mitad de la década, que aun traía los coletazos y el impuso de los Ochentas, teniendo picos importantes de creatividad en todos los ámbitos, desde animación hasta la música.

Tal vez esos años de manera más dura, ya que fue cuando pase de ser un chiquillo a un adolescente. Pase de jugar canicas y andar en bicicleta, a importante la opinión de los demás y claro, fijarme en las personas del sexo opuesto, que hace tan poco consideraba como mis enemigas mortales (jeje). Esto sobre todo me dolió bastante, ya que pensaba que me traicionaba a mí mismo y muchas veces juré en mi inocencia infantil que no caería bajo las redes de una filibustera de ojos bonitos y cabello largo. Por ello, los sentimientos que tenía en aquellos años no podía manejarlos de una forma que me hubiese gustado. Fue así como nació mi "manía" de ser escritor.

Claro, la mayoría a mi edad y en mi posición, se hubiesen puesto a escribir poesía. Pero como esta expresión siempre me ha parecido demasiado complicada, mejor me enfocó en la prosa. Así fue como comenzaron a nacer las primeras historias en mi cabeza, que luego serían base para muchos fanfics posteriores. Y aquí también mi gusto por la música fuera del contexto de la animación. Todo gracias a un cassette que mi madre compró por aquellos años y que era del grupo de rock pop mexicano, llamado Maná. Dicho albúm, "¿Donde jugaran los niños?", marco a una generación como un servidor. Por ello, la siguiente entrada es una dedicatoria a las mejores canciones de Maná antes y durante ese álbum. Es una lástima que luego de esto, ya no hayan hecho algo mejor.



-Rayando el Sol


Esta rola, perteneciente al segundo álbum de la agrupación, "Falta Amor", fue el primer hit de la misma y les ayudo a catapultarse al éxito. Curiosamente, aunque la canción me agradaba, no le termine agarrando gusto hace hace pocos años, cuando estaba haciendo una recopilación de canciones de Maná que me gustaban. Ahora, es de esas que tengo en mi mp3teca, ya que no me fastidia tanto y ese ritmo muy noventero, como la letra añeja, me trae muy buenos recuerdos de los años noventas. Curiosamente, también marcaría el estilo en que Fher y compañía harían el resto de sus melodías, con mayor o menor variación (y que lamentablemente con los siguientes álbumenes, se terminaría por quedar de manera inherente y poco innovadora). 


-De Pies a Cabeza


Una de mis canciones preferidas de la agrupación y por mucho. Claro, parte de ese engreimiento es debido a la telenovela colombiana que la utilizó como intro por aquellos años, teniendo otra connotación, siendo más como un tema futbolístico. Sin embargo, antes de eso, me parecía una melodía sumamente romántica donde el galán de turno hace manifiesto su amor no solo en sus sentimientos sino en las acciones hacia la persona que ama. Me encantaba sobre todo cuando tenía dos tiempos la canción, uno bastante lento tipo balada y claro, ese rockero donde se aceleraban todos. Algo muy típico de aquellos años.


-Oye mi Amor


Otra canción que venía a presentar la tendencia cambiante de los años noventas, donde cierto sector pedía que los estereotipos donde una mujer se fijaba en el típico chico reprimido, ahora voltease a otro tipo de personas un poco más liberadas. En lo particular me gustaba la canción, ya que precisamente por ese tópico, me servía para idear historias donde había un triángulo amoroso. Lamentablemente, es de las que más han sufrido con el paso del tiempo y ahora me parece una canción un tanto regular, con una letra bastante repetitiva por momentos. 


-Huele a Tristeza


Uh, de las primeras canciones que me hacían literalmente chillar o ponerme en un estado de depresión total (algo muy común en la adolescencia, más cuando no tenías un motivo poderoso). Claro, ahora que la escucho me parece una rola bastante sencilla, pero en aquellos años me pegaba muchísimo (demasiado diría yo). Es de esas melodías para cortarse las venas con galletas de animalitos. Por supuesto, hoy en día ya cosas mucho más pesadas, pero como me encantaba el grupo en aquellos años, pensé que no se podía escuchar algo más fuerte (y me doy cuenta de lo cerrado que era mi mundo por aquellos tiempos). Puro efecto nostálgico. 


-Como diablos


Esta rola me gustaba bastante, porque tenía ese aire bastante "citadino", tanto en el ritmo como en la letra. La mayoría de las rolas de Maná tenían una instrumentación de un rock-pop muy noventero, pero esta tenía cierta instrumentación que recordaba más a las canciones del rock citadino muy común en el México de los años setentas y ochentas. La letra, nada fuera de lo normal, típica rola romántica cursi, pero el tipo de instrumentos utilizados, la hacía una de mis favoritas de aquellos tiempos. Aunque en su momento me gustaba como Fher entonaba las rolas, aquí se le hizo una manía en "dar un push" a su voz que me fastidiaría posteriormente. 


-La Chula


Otra rola que rompía el pop cursi del grupo, teniendo un ritmo más tropicalon. Nuevamente, al escucharla hoy en día, veo que las letras eran bastante horrendas, pero en aquel tiempo me encantaban y le daban un aire diferente a lo que se escuchaba por aquellos años. Curiosamente, pese al título, las connotaciones sexuales eran nulas y eran mucho más románticas, hasta diría ñoñas, de acuerdo a los parámetros actuales. Sin embargo, nuevamente la instrumentación de la melodía es bastante buena y es de las pocas cosas rescatables del Maná de aquellos años.


-Te lloré un río


Lamentablemente, esta melodía, pese a ser tan estupenda en aquellos tiempos, terminaría por marcar mucho el estilo posterior de Maná y del cual Fher jamás se soltaría, siendo una balada medio lenta, con una letra medio cursí y repetitiva, con una instrumentación excéntrica. Claro, en su momento esta rola me parecía de lo mejor y ahora, cuando la vuelvo a escuchar, notó que no me pega ya como antes. Es cuando caes en cuenta que algunas cosas, es mejor dejarlas como están. Por supuesto, también hay que verlo con retrospectiva, ya que estas primeras canciones del grupo en aquellos años, eran toda una innovación. 

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Saludos a mi princesa ^^ (aunque de cabello corto), así a quienes gustan de este tipo de canciones.

jueves, 14 de abril de 2016

Star Fox: Chip super FX

Los primeros años de la década de los noventas fueron de intenso brillo para la compañía Nintendo. Luego del abrumador éxito que habían tenido con la primera consola de 8 bits que se apropio del mercado por aquellos tiempos, su sucesora resultó ser aun más espectacular y a muchos nos introdujo de lleno al mundo de los videojuegos. Con un sonido fantástico y unas gráficas que inclusive igualaban o superaban las de las Arcadias, uno podía tener una cantidad de cartuchos increíbles para estar no solo una tarde, sino varios meses.

Nintendo trato de llevar el concepto aun más, haciendo y provocando mejoras en los cartuchos, no solo a nivel de programación, sino también en el hardware. Por ello, cuando Shigeru Miyamoto anunció la salida del juego Star Fox con el poderoso chip "Super FX", la fanaticada, incluyendo a un servidor, se puso de pie y aplaudió. Con gráficos poligonales, tipo 3D, pretendían dar un golpe de autoridad y claro que lo lograron. Lamentablemente, ahora en retrospectiva, esto se vió como una forma desesperada de ocultar un evento que marcaría el destino de Nintendo y de la compañía Sony: La Playstation.

Por supuesto, esta entrada no quiere entrar en elucubraciones respecto a la ruptura de Nintendo con Sony, pero no puedo dejar de mencionar dicho hecho, ya que al año siguiente, a finales del 1994, la Playstation comenzaría su reinado, destronando lamentablemente a Nintendo poco a poco. Star Fox fue de sus últimas joyas de la corona, junto con Donkey Kong 64, Yoshi Island 2 y claro, Super Mario RPG. Así que comencemos con los primeros de los últimos grandes coletazos que tuvo la compañía en su momento.



Star Fox (スターフォックス Sutā Fokkusu?) es un videojuego que apareció en 1993 para Super Nintendo e inició la saga del mismo nombre. El juego fue publicado como Starwing en Europa. Se caracteriza por ser unos de los mejores del género de disparos en naves espaciales, mostraba gráficos en tres dimensiones gracias a un chip especial llamado Super FX incluido en el cartucho de juego, llegando a vender 4 millones de copias en todo el mundo. Fue programado por el equipo inglés Argonaut Software para Nintendo.



Desarrollo: Aunque la idea y concepto de Star Fox es meramente japones, en realidad la programación del mismo vino de la compañía inglesa Argonaut Games. Esta comenzó a colaborar con Nintendo a principios de los noventas y este fue justo su segundo juego para la compañía. Antes habían laborado, desde mediados de los ochentas, haciendo juegos para la Commodore y la AMIGA como Atari, adaptando películas como Alien o Days of Thunder.

Debido a la salida del chip Super FX, Nintendo le encargo a Argonaut el desarrollo de un juego que pudiese utilizar gráficos poligonales y cuasi en 3D. Lo  lógico, fue hacer un personal shooter, pero en la perspectiva que tomamos una nave que avanza a través de un escenario con dichos gráficos. Shigeru Miyamoto, el gran genio de Nintendo, junto con Katsuya Eguchi, fue quien hizo la historia, mientras Takaya Imamura se encargo del diseño de los personajes. Curiosamente, la música estaría a cargo de Hajime Hirasawa, un novato que luego tomaría las riendas de la musicalización en otros juegos, como Smash Brothers.

La ubicación del chip en la placa del cartucho.

La salida del chip Super FX venía a representar la joya del cartucho. Diseñado como un co-procesador de 22 Mhz (aunque en su inicio, solo operaba la mitad del mismo), se encarga de hacer el diseño poligonal del juego y mejoraba la velocidad del mismo. Por ello, inclusive las superficies de contacto del cartucho estaban aumentadas para poder cargarlo sin problemas. En su momento se le alabo por el diseño que proveían al sistema (al grado que la Club Nintendo le dedico varias portadas de revista al susodicho chip). Lamentablemente, con dos juegos más, el chip Super FX quedaría de lado con la inminente salida del Nintendo 64. Y claro, del Playstation.

El juego fue anunciado en diciembre de 1992 y finalmente salió a la venta en febrero de 1993 y un mes después en América, siendo distribuido por Nintendo. Fue elegido el mejor "Best Shooter" de aquel año, aunque las críticas del mismo hablaban de un juego regular, con un novedoso diseño y con unos personajes carismáticos, aunque sin ser algo fuera de otro mundo. Posteriormente, serviría de base para el lanzamiento de una franquicia que aun se mantiene viva hoy en día.

Por cierto, ¿De qué va la historia del juego?

Andross, un reconocido científico del planeta Corneria (el cual pertenece al sistema Lylat), debido a sus intentos de conquistarlo, es expulsado por el general Pepper, comandante militar del planeta. Años después, Andross ha creado una armada de robots y subordinados con el cual planea invadir Corneria. Ante el ataque y la poca profesionalización de sus fuerzas, Pepper decide contratar los servicios de un grupo mercenario llamado Star Fox, para que acabe con la invasión y derrote a Andross de manera definitiva. 

El equipo Star Fox estar compuesto por Falco Lombardi, un halcón antropomorfo (como todos los personajes), Peppy Hare (un conejo y viejo amigo del padre de Fox), Slippy Toad (lógico, una rana, el técnico pero más debilucho del grupo) y claro, Fox McCloud, un zorro que tiene ciertas cuentas pendientes con Andross. 


Modo de juego: Star Fox es un sencillo "Personal Shooter", donde la nave que comanda el protagonista, Star Fox, debe moverse a través de diferentes escenarios, tratando de destruir las naves enemigas y otro tipo de robots que ha enviado Andross para detenerte. Hay diferentes escenarios, desde combatir en Corneria, el planeta sede del sistema Lylat hasta en un cinturón de asteroides, donde no solo debes destruir al enemigo, sino evitar que alguno te golpee.

Curiosamente, de acuerdo a los puntos que registres o las metas que logres, podrás acceder a diferentes "rutas", la cual cada una tiene su nivel de dificultad, siendo tres en total. Aunque todos inician en Corneria y terminan en Venom, el planeta sede de Andross y donde nos espera, los planetas o zonas donde combates pueden ser distintas y dificultades diferentes.

Para avanzar, usas la Arwing, una nave prototipo muy veloz que aparte tiene un aguante diferente a las demás. Gracias a los giros que puedes hacer con ella, puedes esquivar disparos sin que te bajen la barra de energía. Un detalle peculiar es que tus tres compañeros estarán contigo en el escenario, pero no podrás controlarlos. El problema es que a veces son más un estorbo que una ayuda y que ellos tienen un nivel de vida. Sí les disparas o los matan, será de manera definitiva y esto influye mucho en el puntaje que puedas tener al final. Aparte, sus diálogos (que aquí son más a base de sonidos que de una auténtica habla, como luego veremos en Star Fox 64) son de lo más chispeante de repente, sacándote comentarios, como para regañarte o para elogiarte, así para pedirte ayuda.

La nave también puede ser optimizada como dañada en el proceso. Si recibes muchos impactos en las alas, perderás una o las dos, dejando a la nave muy desnivelada, lo cual dificultara su movimiento. En cambio, sí recibes un "mejorador", podrás tener disparos mucho más potentes que bajaran más energía. A la par, puedes coleccionar una cantidad limitada de bombas que al lanzarlas, barren con todo el escenario que hay frente a ti. Por supuesto, estas no son tan efectivas con el enemigo final de cada escenario, que puede ser una nave enorme que busca derribarte por cualquier medio. Otro detalle es que tenías un punto de "booster", el cual podía hacer que la nave tomara velocidad o al contrario, se frenara de golpe, lo cual ayudaba a salir corriendo o esquivar un ataque.

Otro detalle, es que tienes el chance de cambiar de "vista", es decir, ver la nave desde afuera y en otras, meterte directamente en la cabina y solo ver una "mira" que te permite localizar al enemigo y dispararle. En ocasiones, dicha vista cambiara de acuerdo a cierto enemigo y no podrás modificarla, lo cual puede ser una dificultad o una facilidad, de acuerdo a como te vayas acomodando.


Comentario personal: Debo decir que Star Fox es una de las más grandes decepciones que sufrí en el mundo de los videojuegos. No hablo en general de la franquicia, la cual me parece estupenda en muchos sentidos (al grado que le dedique un fanfiction en su momento, llamado Lylat Wars) y que llego a su punto máximo con Star Fox 64, el cual considero a la fecha, uno de los mejores personal shooters de naves que me ha tocado jugar. El problema es que su antecesor, justamente esta, me parece un juego de lo más normal, nada más.

Tal vez el hecho de que me haya decepcionado, es que lo que se hablaba en su momento del cartucho, antes de su salida, eran cosas equivalentes al Valhalla. Como he comentado, la Club Nintendo se enfocó en hablar del chip Super Fx y de Star Fox como 400 veces, llegando a saturar las páginas de la revista con comentarios, todos positivos, sobre el tema. Claro, en su momento me emocione, ya que veía a la Club Nintendo como casi la Biblia del videojugador.

Sin embargo, cuando me toco jugarlo en uno de esos "probadores" de antes (es decir, una maquinita que tenían en alguna tienda comercial, con el videojuego de moda), me lleve cierto chasco. Los gráficos eran estupendos, pero estaban hechos de tal manera que me confundían y a veces no sabía si le había acertado en el blanco o no. Aparte, tampoco podías ver cuando te atacaban y ya solo sentías el impacto. La movilidad era bastante buena, pero había cierta rareza cuando te movías a los costados, ya que la pantalla no se movía lo suficiente y sentías que la "jalabas", lo cual provocaba que no te sintieras cómodo.

Lo peor, es que tendían a repetir escenarios, como el hecho de moverte entre paneles que se cerraban o abrían, lo cual era emocionante al principio, pero luego utilizaban en otro modo y ya te terminaba hartando.

En otras palabras, "Star Fox" fue un juego con el cual jamás me sentí cómodo. A mi hermano le encantaba y más de una vez lo termino alquilando en su momento. Sin embargo, a mi no me emocionaba tanto. Claro, le agarre un nuevo cariño cuando salió el Star Fox 64, aunque aun hoy en día solo me gusta jugar el primer nivel y ya. Una de las razones, es que la música del juego de SNES era bastante buena, sino excelente, para la época. El tema "Corneria" es uno de mis favoritos, al grado que lo extrañe en la versión de Nintendo 64.


En conclusión, "Star Fox" es un buen juego, un agradable personal shooter y una forma de ver como se definían los gráficos en aquellos años. Que a mi no me haya gustado, es simplemente cuestión de gusto. La razón de reseñarlo es que inevitablemente es el predecesor de uno de los mejores juegos que he tenido el honor de ver y disfrutar, pero claro, eso ya será para otra entrada. Honor a quien honor merece.

Como dato curioso, ya para acabar, el nombre que tomo el videojuego en Europa no fue este, sino "Starwing". Por cuestiones de derecho, ya habían acaparado el nombre y Nintendo tuvo que cambiar el título.

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Saludos a mi Krystal :3, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos.

martes, 12 de abril de 2016

Mr. Holmes y Amadeus: un par que sí tienen algunas cosas en común.

Volvemos con otra entrada dedicada al séptimo arte. Debo decir que tengo un montón de filmes atorados en la computadora, pero por cuestiones de tiempo no he podido chutarmelos como quisiera. Por suerte, los recientes gustos de mi esposa hacen que termine por adelantar fechas y plazos, por lo cual el número de publicaciones relacionadas con el cine no dejan de aumentar. Y aunque quisiese hablar de otros temas, no puedo negar que el cine es uno de mis preferidos. Por suerte, las copias libres de impuestos me han ayudado en ese rubro, porque entre dinero y espacio, la cosa estaría peliaguda.

En este caso, quise elegir dos películas totalmente opuestas entre sí. No solo en género, sino también en tiempo. Una apenas exhibida el año pasado y otra que ya tiene sus buenos años, siendo considera un clásico no solo de los años ochentas, sino que actualmente es considera una película de culto, tanto por su arte, dirección como por sus actuaciones. Curiosamente, ambas son una especie de biografía con tintes ficticios bastante marcados. Sin embargo, consideradas ambas como un recurso literario para contar una historia que debo decir, en ambas son bastante interesantes.

Sí, hablamos del clásico "Amadeus" y de la más reciente película de Ian Mckellen, "Mr. Holmes".



-Amadeus

Argumento: Salieri es internado en un hospital psiquiátrico luego de un intento de suicidio. Un sacerdote va a verlo y le pregunta porque rayos hizo eso. Entonces, el otrora compositor de la corte, le comenta que él fue responsable de la muerte del genio, Wolfang Amadeus Mozart. Así inicia un sabroso relato sobre la vida del músico de acuerdo a su punto de vista, donde le vemos no solo su interaccionar con la gente, sino también como llegó a crear las composiciones que lo hicieron famoso, a la par que vemos la amargura y dolor de Salieri, por no tener su talento.

Comentario personal: esta película la vi hace bastante tiempo por el Canal 5, por allá a principios de los noventas. Por supuesto, trate de verla en su momento, ya que siempre me había llamado la atención de Mozart. Un genio infantil que se fue desarrollando hasta la madurez, teniendo una de las muertes más polémicas y tristes de la historia de la música (y en general). Sin embargo, obviamente me saco totalmente de onda y solo pude seguirla un rato, porque me termino entre aburriendo y fastidiando. Y aunque en muchos lugares, incluyendo la Órbita de Endor, la alababan en cierta manera, a mi me había dejado un recuerdo bastante ingrato.

Fue hasta un mes, cuando mi esposa se le ocurrió verla (más cuando estabamos hablando de algunas melodías de Mozart). Así que la terminamos visualizando durante un par de días luego del trabajo y debo decir, que quien más la disfruto fue mi mujer y a mi, me cambio un tanto la perspectiva que tenía sobre el filme.

Para empezar, hay que hacer el énfasis de que esta película no es una biografía en todo el sentido estricto de la palabra. Muchos en su momento comenzaron a hacer un mito sobre la vida de Salieri y su supuesta rivalidad ante Mozart, lo cual es absolutamente falso. Salieri, es más, admiraba personalmente al músico y aparte jamás llegaron a convivir tan íntimamente como se ve en el filme. Por supuesto, sí hay detalles más apegados a la historia, como la risa estridente de Mozart, así su comportamiento destrampado y derrochador, así teniendo una esposa un tanto exigente. Pero fuera de ello, el resto de la película se puede considerar una verdad a medias, exagerada a propósito, con el hecho de contar una historia de una manera bastante original.

Y he aquí el mejor punto del filme, donde en lugar de tener una biografía aburrida (como el mismo Milos Forman pensaba, antes de ver la obra de teatro que inspiro el filme), es una especie de anécdota llena de vida, pasión y sobre todo, sentimientos, que permite dimensionar la importancia de Mozart, más que sus hechos más mundanos. El mejor ejemplo es mi esposa, que es bastante exigente con el ritmo de la trama así como se va desenvolviendo. Ya para la media hora de película, estaba emocionada, no solo con la música que servía para recalcar ciertos momentos, sino la interacción entre el propio Salieri y la presencia de Mozart.

Las dos horas y media de la película se pasan volando, pese a que cuando uno acaba la película, nos damos cuenta de que nos han narrado un montón de hechos, desde la llegada de Mozart a la corte real hasta su muerte. Sin embargo, algo que ayuda, es como algunas narraciones se hacen con composiciones originales del músico y que narran de cierta manera, como él llegaba a percibir la música. Por supuesto, no es un musical, pero se le acerca bastante pero sin llegar a ser ñoño o aburrido. La edición del filme también es soberbio y nos encuadra a momentos para darnos ejemplos. Uno que me gusto en especial es cuando Mozart no sabe como hacer la "Flauta Mágica", pero al escuchar a su suegra soltar una diatriba poco amable sobre él, se la imagina cantando y así conectamos con el precioso canto que hace la Reina de la Noche en dicha obra.

Este uso tan formidable de la metáfora, siendo sencilla pero sin abusar de ellas, hace bastante llevable la película. Por supuesto, Forman lleva a poner a Salieri como un auténtico diablo, no solo con sus blasfemias, sino también con sus acciones, al grado de terminar tal como empezó. Sin embargo, también nos da una pequeña moraleja, ya que en el momento que este ayuda a Mozart, en su lecho de muerte, a querer terminar el requiem, por momentos llega a contactar con esa aura "divina" que rodea a Mozart. Sin embargo, como esta tan ofuscado con vencerlo y con su propia amargura, que jamás llega a percibirlo, más que el propio espectador.

Curiosamente, la parte más débil de la película es Tom Hulce, como Mozart. No solo por la elección del actor, que sí lo vemos en pinturas, es diametralmente opuesta, sino también como su papel es escrito, llegando a tener sobreactuaciones enormes, nuevamente por la cuestión del guión. Claro, se nos muestra como una caricatura, pero los momentos donde se torna serio, en especial cuando hace sus obras sobre la mesa de billar, son sublimes. Sin embargo, sale de ese rubro y se vuelve un personaje muy pálido, comparado al de F. Murray Abraham. Este actor termino ganando el Oscar por este filme, pero en parte porque su personaje brillaba (de forma maligna, pero lo hacía) comparado al de Amadeus, llegando a opacarlo en ocasiones y no tanto por su actuación, sino más por como estaba descrito.


Otro punto débil, sería la veracidad histórica, que esta por los suelos. Claro, sabiendo cual era la verdadera vida de Mozart, este se puede obviar, pero si ves el filme para tener datos históricos verídicos, para nada. Es más un recurso narrativo que una biografía en sí, al igual que ciertas modas y vestidos que se muestran. Como dato raro, aun pese a esto, inspiró a hacer cierta rola que se hizó famosa un año después: Rock Me Amadeus, de Falco.

En conclusión, Amadeus es una excelente película, que pese a tener sus años, no ha perdido su frescura, tanto en ritmo como en argumento. Debido a que es un filme de película, es bastante atemporal y puede verse hoy sin problemas. Las actuaciones están bastante bien y tiene un buen desarrollo. Sin embargo, sí no te gusta la música clásica, puede resultar un tanto pesada por momentos. En mi parte, me ayudo a refrescar mi opinión del filme y ver que sí tenía ciertas partes bastante divertidas. En el caso de mi esposa, cuasi se hizo fan de Mozart (a cada rato escucha ciertas partes de la "Flauta Mágica"). Así que recomendable por donde uno la vea.



-Mr. Holmes

Argumento: Es el año de 1946, el otrora investigador Sherlock Holmes, ya de 93 años, se encuentra retirado de la vida pública, viviendo en una campiña inglesa cuidando de sus abejas. Sin embargo, el paso del tiempo ha comenzado a cobrarle factura y sus facultades mentales van disminuyendo. El encuentro con el hijo de la casera comenzara a cambiar su forma de ver la vida y le hará recordar el caso que le obligó retirarse mientras a la par se enfoca en un tercero que ocurrió en sus tiempos más lozanos.

Comentario personal: Generalmente soy muy crítico y duro con los "spin-offs" de este personaje. Sherlock Holmes se considera uno de mis pilares en toda la extensión de la palabra, así que cualquier adaptación que se aleje del canon creado por Sir Arthur Conan Doyle como el que se hizo posterior, donde veíamos a un Watson gordito y el famoso sombrero de cazador, me choca bastante, ya que siento que quienes tratan de hacer un producto "derivado", muchas veces tratan de obviar una parte fundamental del personaje porque lo consideran fuera de lugar. Y es tal vez el problema que estamos teniendo con las adaptaciones actuales, donde muchos puntos importantes de un personaje o serie, se dejan de lado, ya sea porque interfieren con el concepto actual o simplemente porque entorpecen la trama.

En este caso, lamentablemente sí tenemos este último caso y la película se aleja mucho de la personalidad "canonica" del protagonista, haciéndolo mucho más humano y hasta con ciertos grados de arrepentimiento y culpa, lo cual siempre estaba fuera del personaje. En la serie de Sherlock le dieron un título (Sociopata de alto funcionamiento), mientras en los libros lo ven más como un detective tan enfocado en su trabajo que considera lo demás como superfluo o poco interesante.

Por lo tanto, que el fracaso (que pese haber sido grave) en un caso lo llevase a dejar su carrera y luego fuese redimido por la bondad de un niño, me pareció una historia predecible y totalmente fuera del canon holmesiano (lo cual curiosamente, también he visto que se critica de la primicia del libro en que se inspiró la película). Sin embargo, pese a que le quitan valor y potencia a un personaje como Sherlock Holmes, debo decir que la película es sumamente entretenida y bien llevada hasta el fin.

Holmes ya es un hombre de 93 años, que se dedica cuidar con ahínco a sus abejas. Tiene una casera que tampoco lo aprecia demasiado por ser tan quisquilloso y malhumorado. Sin embargo, su hijo se lo va ganando a base no solo de ser bastante listo y observador, sino admirarlo. El chamaco cumple perfectamente el papel de un nuevo Watson, lo cual debo decir que es uno de los mejores aciertos de la película, ya que la trama gira alrededor de ellos, no solo por lo que sucede con las abejas, sino que el chico le ayuda a salir de su ostracismo y limpiar sus propias asperezas del pasado, enfocado en dos casos muy diferentes. Uno donde tiene que ayudar a salir de la depresión a una dama y otro donde es invitado a Japón para esclarecer la identidad de un sujeto que abandono a su familia.

La edición como la forma de contar la historia son de lo mejorcito que he visto últimamente, ya que la película cuenta tres arcos de manera conjunta y conectados que no resultan para nada fastidiosos, sino todo lo contrario. Ves como la historia se va entretejiendo de tal manera que es un misterio que se resuelve poco a poco y no de sopeton. Claro, no se resuelve de la manera del canon holmesiano, pero la forma de desarrollarlo es muy bueno. Cuando comencé a verla, aunque el inicio es algo muy predecible, sobre todo con la estupenda actuación de Ian Mckellen (donde se le ve como un anciano de 93 años y luego como una versión más joven de unos sesenta del personaje) pero precisamente ese ritmo es lo que permite hacer diferencias en los siguientes minutos. Mckellen como Holmes me convence y muchísimo, no solo por su forma de expresarse, sino también de desarrollar al personaje.

Aquí también aplaudo la actuación de Milo Parker (Roger) que tiene ese charming muy característico de muchos chamacos ingleses en películas, donde tienen una dosis de picardía, subordinación pero también de inteligencia. Tal vez el personaje más chocante, es de Laura Linney, la madre de Roger. Sí, tiene que servir de cierto antagonismo, pero sus motivaciones para estar a disgusto con el protagonista no están bien aclaradas y tampoco se entienden muy bien aun cuando nos dicen de su apego excesivo a su hijo. Contrariamente, la estancia de Sherlock en Japón y lo que sucede con su último caso, los personajes están bastante bien y sobre todo, sorprende lo sucedido con la dama que el detective va siguiendo, ya que aunque su acto es bastante poderoso, me suena a un recurso un tanto sencillo, no solo para encadenar el exilio de Holmes, sino también lo sucedido con Watson y los demás.

Extrañamente, aunque me quejaba de ciertos datos de discontinuidad, el viaje de Holmes a Japón no me pareció en absoluto extraño, más cuando esta buscando un remedio para superar su incipiente demencia. Y aunque al final la trama me seguía sonando un poco extra, el desenlace le da un punto de continuidad muy bueno, aunque un tanto atípico, sirviendo de una suerte de reinicio del personaje y una forma de conciliar sus demonios. Nuevamente, a nivel película resulta muy bien, pero si lo concateno con lo que conozco de Sherlock Holmes, sí me suena un taanto de lugar. Pero claro, es mera opinión mía en este caso.


En conclusión, "Mr. Holmes" me parece una película muy disfrutable, amena y con una buena dosis de misterio. Sin embargo, sí trato de meterla en el canon holmesiano, sí me chirrea un poco, ya que salta muchos puntos básicos del personaje (como su frialdad, impasibilidad y claro, perspicacia). Pero sí no eres muy exigente con el personaje, el filme resulto bastante bueno y entretenido. En las críticas lo dejaron muy alto y yo tampoco puedo negar su trama como ritmo. Son de esas pelis que en un futuro, espero ponerle a mi señora (más porque adora a Ian Mckellen como actor). Bastante recomendable por donde uno la vea.

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Saludos a mi Irene Adler ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.

domingo, 10 de abril de 2016

Animes que superaron a su obra original: Desde Sailor Moon hasta Guerreras Mágicas.

En los tops o conteos siempre es común ver "los mejores animes de todos los tiempos" o "los mejores mangas de la historia". Sin embargo, cuando estaba buscando cierta información, me dí cuenta que solo un foro (al menos en nuestro idioma) llegó a tocar un tema que es un tanto espinoso: ¿Cuando una serie de anime es mejor que su obra original? Es de ley que el manga siempre supera en amplitud argumental al anime, y a veces también en arte.

Sin embargo, también hay casos donde ocurre totalmente lo contrario, donde las series animadas resultan ser mucho mejores que el manga en que se inspiraron, superándolas no solo en arte, sino también en el desarrollo de la historia, llegando a simplificarla o cambiándola por otra mucho más rica y mejor planeada. Por ello, decidí hacer una entrada sobre esos animes tan legendarios. Claro, no voy a usar a animes que luego inspiraron mangas ni tampoco los basados en novelas ligeras o libros. Sencillamente, aquellas franquicias que nacieron en el manga y luego se volvieron animes.

Por supuesto, varios se quejaran de las series que puse aquí, pero no se puede negar que la calidad del anime llego a opacar al manga en muchos momentos y que muchos hoy en día recuerdan dicho producto más que el original. Así que a darle átomos.


-Magic Knight Rayearth

Nacida del talentoso grupo Clamp en 1993, es bien conocida la lentitud en su hechura de sus mangas, por lo cual se tardaron dos años en completar el manga, que abarco apenas 3 volúmenes. Al mes de que acabo la serie, la antigua TMS decidió hacer una adaptación al anime de 49 episodios en 1995. El impacto que tuvo el anime fue lo que catapulto el éxito de las llamadas "Guerreras Mágicas" (Luchadoras de Leyenda, como fue conocida en España). No solo en la cuestión de arte, que por momentos superaba al de las propias Clamp, sino también en la historia. Mientras en el manga, los hechos de la segunda venida de las 3 chicas a Céfiro apenas se toca, teniendo más un duelo dialéctico con las tres naciones, los productores del anime se aventaron un encuentro con un villano llamado Deboner, que forzó una poderosa batalla final y con un final un tanto más abierto.

La decepción que me supo el manga cuando al fin pude leerlo en una ocasión fue más que evidente. Aunque sabía que Deboner era una invención para el anime, en realidad también una muy buena e interesante parte de la historia también se fue con ella. Es decir, el manga termina muy mocho (aunque con un final mucho más feliz) y no termina por convencer las pláticas que tienen las chicas con Águila, Aska y las princesas de Cizeta. Definitivamente, el anime es una obra maestra y que supera por mucho a su canon original.


-Saint Seiya

El manga ilustrado por Masami Kurumada y que inició su andanza en 1986, tuvo su adaptación al anime, curiosamente un mes después de iniciada su publicación. Por ello, la libertad que se tomaron los guionistas y el director de la serie fueron bastante amplias, llegando a cambiar mucha parte del argumento original y creando unas subtramas que se podrían catalogar como "fillers" hoy en día. Sin embargo, estos cambios, aunado a un preciosista arte a cargo de Shingo Araki, hizo que el anime fuese una obra de arte en muchos sentidos. Superando el burdo arte de Kurumada e inclusive creando una historia mucho más hilvanada y preciosista, el anime de Saint Seiya se volvió terriblemente famoso y abrió la puerta a este producto en otras partes del mundo. Claro, el anime perdió fuelle en el último año y solo se pudo adaptar hasta cierta trama del manga.

Sin embargo, esta situación fue compensada con la programación de los OVAS que salieron en un período entre el 2002 y 2007, con excelentes resultados, sobre todo en el resto del mundo. Claro, muchos son fans del manga, pero no podemos negar que su arte e historia palidecen en demasía ante del anime, donde inclusive el modelo de las armaduras (cloths) era sencillamente fantástico.


-Chrno Crusade

Este comentario puede provocar polémica, ya que no se puede negar el gran arte de Daisuke Moriyama y cierto arco argumental que hace con esta serie. Sin embargo, el anime que adapto el manga de 8 volúmenes (que abarco entre 1998 y el 2004), también tuvo que remar contra corriente ante la situación de hacer su propio final, ya que la serie termino al mismo tiempo que el manga. En opinión personal, la trama que maneja el anime es mucho mejor, ya que no solo es más contundente, sino también bastante explícita (contrario al manga, donde el final es bastante abierto, pese a que en ambos, Rosette muere debido al contrato que tiene con Chrono). Curiosamente, aunque la batalla final en el manga es más épica, está no termina de convencer y sobre todo se nota entre la relación entre Joshua con su hermana.

En el anime, Joshua es un personaje mucho más impactante y su relación con Ion es más directa, al grado que este villano igual tiene una presentación como final más potentes, al grado que vemos una escena muy fuerte cuando se le relaciona directamente con el atentado hacia el Papa Juan Pablo II. Por un final mucho más definido y original, así como una línea argumental más estable, considero mejor el anime que el manga de Moriyama sensei.


-Hungry Heart

Este se considera la segunda obra de soccer de Yoichi Takahashi, luego de Captain Tsubasa. Publicado en la Akita Shonen, fue en el período en que el autor andaba de broncas con la Shueisha e hizo una obra paralela, inclusive con un patrocinador distinto (Puma, en lugar de Adidas). Tuvo una duración de 6 tomos y fue publicado entre el 2001 y 2004. Un anime decidió adaptar parte del manga publicado en el 2002, teniendo una duración de 53 episodios. Como siempre, el argumento del anime se enfoca en los capítulos publicados en aquel entonces, para luego tomar su propio camino. La serie fue emitida en el canal Animax ya hace algunos años e inclusive tuvo un redoblaje que solo se ha escuchado en algunos países de centroamérica.

Aunque coincido con la mayoría de que el arte de Captain Tsubasa es horrendo, el manga en cambio es mucho más potente en muchos sentidos, ya que el anime sí llego a lastimar a la serie, creando fillers interminables (las canchas de más de 10 kilómetros de largo). En cambio, Hungry Heart no solo mejoraba nuevamente el arte del autor, sino también creo una historia por sí sola mucho más interesante y divertida que la del manga, lo cual se ejemplifica cuando el equipo de Kyosuke pierde en las eliminatorias y una nueva generación aparece para el siguiente torneo. Con una animación formidable y una música igual de estupenda, este es de los animes que superan con creces a su obra original.


-Full Metal Alchemist

Llegó el momento de la polémica. No puedo negar que el manga de Hiromu Arakawa es estupendo y su historia aun más, lo cual se refleja perfectamente en "Brotherhood", la segunda serie de anime que duro más de 60 episodios y que apareció en el 2010. Pero el manga, que se alargo entre el 2001 y 2010, tuvo una animación previa en el 2003 y duro alrededor de 52 episodios. Como los ejemplos anteriores, la serie se sostuvo de lo publicado por la autora y luego termino siguiendo su propio camino, esto a partir del entrenamiento de los hermanos Elrich con su antigua tutora. Siendo sinceros, luego de esta parte, me desconecte bastante del anime y es que la trama resultaba un tanto predecible y medio aburrida, llegando a un final medio extraño pero con tintes épicos, donde Edward se sacrifica para traer a su hermano de vuelta.

¿Entonces por qué está en este conteo? Sencillamente porque el remate de la serie, la película "El Conquistador de Shambala", es una joya en todos los sentidos de la palabra, ampliando el final de dicha serie y haciéndola inolvidable. Edward viaja a "nuestro" tiempo" a cambio de recuperar el cuerpo de Alphonse y tiene que adaptarse a un mundo sin alquimia ni automails, mientras su hermano lo sigue buscando. Esta inclusión en un periodo tan crítico como la Alemania pre-guerra, ha sido de los mejores desarrollos en una trama tipo "filler". Por supuesto, tienen opción de refutarmelo, ya que esto es mero gusto mío. 


-Sailor moon

Y llegamos con la serie "reina" que supero al manga en muchos sentidos. Cierto que el manga de Naoko Takeuchi (publicado entre 1992 y 1997) tiene cierto punch y reformó mucho el género shoujo de aquellos años, pero el anime tomó un rumbo distinto, lo cual le granjeo no solo un público más amplio, sino un sinfín de críticas positivas. No podemos negar que los fillers dentro de esta serie son bastantes, al grado de tener una trama dentro de la saga R y luego en la Super S. Sin embargo, estas no resultaban fastidiosas, sino todo lo contrario, aligeraban mucho el tono de la seria y mostraban más matices de las protagonistas. Curiosamente, el exacerbamiento de algunos detalles de las Sailor Seishi, las hizo mucho más populares que sus versiones del manga. 

Como prueba de ello, hay que comparar no solo la historia y arte de la antigua serie con la actual, la famosa Sailor Moon Crystal, que en un intento de modernizar y adaptar lo mejor posible el manga, ha tenido bastante tropiezos, no solo por su animación y diseño de personajes muy rara (personajes flacos hasta morir) sino también en la historia que tiene un ritmo atrozmente lento y con pocas aportaciones de los personajes, haciéndolos demasiado monotemáticos por momentos (Usagi es la única que destaca, mientras las Sailor Seishi solo son aliadas de operetera con poca utilidad en la trama. Es curioso como una serie que trataron de infantilizar, resulto ser más potente que una "más madura".

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Saludos a mi Makoto :3, así a quienes gustan más del anime que del manga. 

viernes, 8 de abril de 2016

Venganza: una novela sobre La Cólera de Dios

El pasado mes de septiembre se conmemoró los 43 años del ataque terrorista de una antigua organización palestina llamada Septiembre Negro, a las instalaciones de la villa olímpica durante los Juegos Olímpicos de Munich 1972. El resultado de dicho atentado, fue la muerte de 11 atletas israelíes, durante el asalto y luego intento de rescate por parte de las inexpertas autoridades alemanas. En esos días, estaba en el trabajo leyendo sobre el ataque en la Wikipedia, pero me dí cuenta de que el artículo, como siempre, era bastante escaso y quería leer más al respecto. Entre las referencias me encontré con un libro que ha sido un best seller, desde su salida en el año de 1984: "Venganza".

Lo interesante de esta obra, aparte de ser harto conocida como una especie de puente entre una novela histórica y una de ciencia ficción, es que inspiró una película bastante polémica del 2005, "Munich", la cual fue dirigida por Steven Spielberg. Lejos de la polémica que creo entre los círculos judíos por su excesiva humanización de los palestinos involucrados en el terrorismo, para un servidor es de esas películas infumables que ha tratado de ver, pero que entre el ritmo semilento y la cara de desconcierto que tiene Eric Banna, protagonizando a Avner, el personaje principal, literalmente me hicieron salir corriendo de la pantalla.

Con dicha impresión, es lógico que le tuviese cierto recelo al libro, pero me dedique a leer varias reseñas y lo ponían en un escalón bastante alto, tanto en contenido como narrativa. Así que no tarde en buscarlo en existencia en el país. Para variar, no ha sido editado en este lado del charco, por lo cual recurrí a la típica versión electrónica. En aquel entonces, como tenía varios libros pendientes, lo deje de lado, hasta que a mediados de enero de este año, le dí una hojeada y debo decir que no pude parar de leerlo. En la siguiente entrada vamos a ver porque.



Antes que nada, comencemos con una breve semblanza del autor y luego una reseña del libro.

George Jonas fue un periodista de origen húngaro y con nacionalidad canadiense que nació en 1935. De familia judía, mientras estudiaba en el gimnasium (una suerte de preparatoria en algunos países de Europa), se desempeño como director de una radio en su país natal. La revolución húngara de 1956 le obligó a emigrar a Canadá, donde comenzó a chambear como reportero en diferentes periódicos. Casado en segundas nupcias, su entonces esposa le echo la mano para escribir una especie de libro biográfico sobre una actriz canadiense que fue asesinada en los años setentas, Christine Demeter. El éxito de la obra parece que le ayudo para escribir la vida y obra de Juval Aviv, un ex-miembro del Mossad (el grupo de inteligencia y espionaje israelí) que fue el responsable del asesinato de 9 terroristas palestinos, que tuvieron que ver con el atentado de Munich de 1972. 

Debido al secretismo de aquel entonces, Aviv utilizó un seudónimo (Avner) para identificarlo. Jonas, mediante entrevistas durante un periodo de un año, le sirvió para crear el libro llamado "Venganza", el cual se convirtió en un rotundo éxito de ventas, pero que no fue exento de polémica, entre ellos, de varios miembros del Mossad que criticaron la veracidad de los hechos y que comentaron que el libro solo era una historia ficticia de lo sucedido. Aun con esto, Jonas se vendió bastante bien, ya que unos pocos años después, se hizo una adaptación televisiva llamada "La Espada de Gedeon" en 1987 y posteriormente, la mencionada película de Spielberg, "Munich", en el 2005, con Eric Banna como protagonista. 

Jonas fallecería el pasado enero a los 80 años, enfermo de Parkinson desde hace tiempo.


Argumento: La obra es un relato de la vida de Avner antes de los hechos de Munich, primero como miembro de un cierto sector de la población judía que tiene una forma de pensar y de hacer las cosas muy diferentes a los otros, llamados galicianos. Esta diferencia lo irá marcando para bien y para mal, pero sobre todo se enfocará en ver a su padre, el cual también formó parte del Mossad en sus épocas de juventud. El talento de Avner en el ejército y el pasado de su padre, hará que el Mossad le eche el ojo y sin querer queriendo, el protagonista terminara por integrarse a dicha organización, para luego ser parte de un grupo anexo que será el encargado de tomar venganza por los hechos de Munich.

El autor.

Comentario personal: aunque el libro tiene varios capítulos con un título bastante sólido para identificar de lo que se va a hablar, desde mi experiencia, puedo dividirlo en cinco partes bastante bien diferenciadas.

El primero es una breve pero cruda semblanza de los hechos ocurridos durante la Olimpiada, cuando miembros de Septiembre Negro se meten a la villa olímpica para secuestrar a atletas israelíes y canjearlos por prisioneros palestinos. La cosa sale mal cuando varios atletas y profesores se les ponen al brinco y terminan muriendo, logrando escapar varios pero capturando a los demás. Las negociaciones fracasan y al momento de la emboscada, la policía alemana, inexperta y necia, provoca una masacre.

La segunda se enfoca en el origen y la vida de Avner, su visión del mundo judío y de su nación, pero sin meterse en diatribas sobre la legitimidad de Israel en territorio palestino, así como su incursión en la rama militar y su entrada al Mossad. También vemos como su padre formaba parte del mismo, pero ha terminado como una persona amargada y triste. Desobedeciendo los consejos del viejo, Avner se convierte en espía, aunque todo alcanza un nuevo nivel cuando ocurre la matanza de Munich.

La tercera es el relato de Avner sobre la misión del "Equipo", una suerte de comando sin relación con el Mossad, que se encargara de ejecutar "La Cólera de Dios", un operativo para liquidar a los cabecillas del terrorismo palestino, donde Avner tendrá éxito inicialmente, pero todo se irá complicando conforme vayan acabando con sus blancos.

El cuarto, que debo es de lo más crudo pero potente del libro, es como Avner y su equipo se topan con la realidad, costandoles no solo su confianza y credibilidad, sino también la muerte de varios miembros. Avner finalmente deberá tomar una decisión al respecto que desatara un final bastante fuerte por momentos.

Finalmente, la quinta es un breve epílogo de lo sucedido con los terroristas que quedaron vivos (sí, no se cargan a todos) y como vivió Avner el resto de su vida hasta la escritura del libro, así una propia semblanza del autor sobre la personalidad y psicología del protagonista.

Mi primer comentario del libro es bastante positivo al respecto. Generalmente, una falla que tienen muchos periodistas convertidos en escritores, es una narrativa bastante atada al periodismo, lo cual hace ver una obra escrita por ellos, como una suerte de un artículo bastante extenso que se puede encontrar en cualquier periódico. Esto tiene la consecuencia de que es harto aburrido de leer y que estas leyendo más un teletipo que nada. Sin embargo, Jonas solventa esto con una estupenda narrativa, que pese a tener ciertas elipsis, hacen mucho más sencillo leer y presentar un panorama más claro de lo que sucede.

Curiosamente, para ser un libro de espías (porque así lo es), los detalles son dados de buena manera, ni muy pocos ni demasiados. No porque haya una censura de lo que entonces Aviv (Avner) no pudiese contar, sino donde Jonas se muestra más como un narrador que un crítico de lo sucedido, no solo con relación a lo de Munich, sino a la operación posterior. En realidad, el libro se enfoca en lo sucedido con Avner, su forma de ver las cosas y su motivación, no solo para con el Mossad y la misión, sino en general. De allí que podamos hacer un vistazo a su vida cuando era pequeño, cuando se dedicó a viajar a Europa debido al trabajo de su padre y claro, cuando él hizo lo propio trabajando para la inteligencia israelí. El autor lo hace de tal manera que la vida de Avner se hace harto interesante y por momentos uno se olvida de que la trama principal del libro aun no es tocada (lo cual se tarda para llegar, al menos unas 80 o 90 páginas, casi un tercio del libro).

Aparte de la narrativa, ese trasfondo también tiene su razón, ya que el autor enumera la mentalidad judía respecto a las amenazas exteriores y su forma de verlas, lo cual sirve para reafirmar la operación "Cólera de Dios". Sin embargo, aquí es donde hay una cierta crítica al autor, ya que aunque trata de mantenerse imparcial en el libro (lo cual logra con creces, ya que toca temas y situaciones bastante delicadas), por momentos si deja entrever que dicha operación sí fue justificada y aunque por un momento, más en la cuarta parte, Jonas hace más hincapié en las metidas de pata por cuestiones de suerte que por un motivo equivocado. Claro, esa aparentemente era la visión del equipo y trato de plasmarla, pero por un momento el autor critica levemente que no pudo ser así, pero no ahonda más en el tema.

Esto último, fue lo que más se critico de la película de "Munich", ya que Spielberg altero esa situación, poniendo a un Avner que pierde la fe y la brújula, lo cual provocó la ola de críticas por parte de la comunidad judía (y que obligo al autor a declarar que moriría por su patria, sí fuese necesario). Por supuesto, sí te lees el libro sin buscar paradigmas, no sale a relucir, pero es un vicio mental que tengo, el cual consiste en tratar de ponerme en los dos lados de la cerca (por mi trabajo), así que es un fallo personal que encuentro en la novela. Claro, el otro sería la veracidad, ya que por momentos los hechos son tan novelescos que crees que puede ser invención (aunque la vida real ha demostrado ser superior a la ficción).

Aunque el libro es soberbio en contar la vida de Avner con soltura y narrar la épica para asesinar a varios terroristas, también tiene otras fallitas y es que de repente el ritmo se pierde, cuando el autor divaga, lo cual concuerda cuando el equipo de Avner no encuentra los blancos a modo. Sin embargo, el libro pega un subidón, lamentablemente con la primera muerte de uno de los operativos y que hace que la trama caiga en una espiral que fue la que me hizo terminarme lo que faltaba en dos días.

En conclusión, "Venganza" es un libro que se lee muy fácil, no solo por la narrativa del autor, sino por como están estructurados los hechos. Hay momentos que parece demasiado fantástico y que chirría con respecto a la realidad, pero como está no es conocida, bien puede ser cierta. Aparte, ciertos apuntes que se hacen sobre el terrorismo en aquellos años, son bastante factibles (hasta hoy en día, más con los lamentables casos en Francia y Bélgica). Eso sí, el libro no busca polémica ni hacer una crítica sobre lo sucedido en 1972 y los hechos posteriores. Simplemente es una narración sobre lo sucedido.

Por ello, sí vas con el chip de buscar motivaciones, sí puede decepcionarte un poco. Sin embargo, si solo vas a leer sobre lo que pudo haber ocurrido, es bastante recomendable y ameno. Aparte, se puede leer de una sentada y sin problemas (a mi me demoró por cuestiones laborales). Por mi parte, lo disfruté muchísimo y me sirvió como una fuente de cultura para ver la mentalidad israelí, no solo de aquel tiempo, sino actual.
 Lamentablemente, como ya comenté, no hay edición en México, así que conseguirlo por medio físico, solo en importación. Hay el formato electrónico, el cual se lee bastante bien en cualquier dispositivo.

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Saludos a mi mujer ^^ que adoro, así quienes gustan de este tipo de libros.