Her: original, divertida, pero en el fondo es lo mismo.

Hace rato mientras estaba viendo "Her", estaba al tiempo discutiendo con mi comadre sobre la misma (ella ya la había visto). Al final, para variar, terminamos teniendo posiciones diferentes con respecto al filme. Por más que uno trate de reseñar una película y dar una crítica, sea positiva o negativa, y por más que se trate de hacer un análisis bastante imparcial, es imposible hacerlo, ya que es un producto, como las otras ramas del arte, destinado a despertar una emoción en quien lo ve y es meramente imposible "cualificar" de manera ordinal una emoción con respecto a la de otra persona, ya que las experiencias de vida que dieron lugar a esta, no son iguales en todos.

En otras palabras, una crítica es una opinión personal, que puede aplicar a la mitad del mundo, pero a la otra no y por consiguiente, muy válida refutarla o aceptarla. Claro, hay ciertos aspectos que si deben ser criticados, ya que demuestran la calidad de un producto (desde su concepción hasta la fotografía, como la música, etc. etc., que en algunos casos son horrendos y otros preciosos). Sin embargo, como en el caso de esta película, las diferencias pueden ser variadas. En algo estoy de acuerdo: es un filme original, divertido y con puntadas de genialidad, pero su médula, a mi parecer, me sigue pareciendo predecible en muchos sentidos. Y vamos a ver porque.


Ficha técnica: Her (Ella)
Países involucrados: EUA.
Año:20013
 Productora: Annapurna Pictures
Distribución: Warner Bros.
Idioma: Inglés. 
Dirección: Spike Jonze.
Guión: Spike Jonze.

Argumento: en un futuro cercano, donde los avances tecnológicos han llegado a cierto nivel, donde inclusive se ha podido crear una cierta clase de inteligencia artificial, un hombre llamado Theodore, un talentoso escritor de cartas (Joaquin Phorenix), decide comprar uno de estos productos, para tratar de pasar el momento luego de un difícil divorcio que esta viviendo. La entidad, llamada Samantha (Scarlett Johansson), comienza por convertirse en apoyo para Theodore, no solo a nivel racional, sino también emocionalmente, al grado que su amistad no tarda en convertirse en amor.

Historia: Aquí es donde va a sacar chispas la cosa. "Her" se convirtió en la ganadora del Óscar en el 2014 por mejor guión. La crítica la alabo y no voy a negar que el planteamiento de la película, no solo es original y bastante contundente, sino te lleva por bastante rincones, tanto emocionales como racionales (en especial la parte donde vemos que Samantha se va expadiendo y creciendo, junto con las otras inteligencias artificiales). El problema, al menos personal, es que la historia se cimenta sobre un argumento harto conocido y es la de una relación de pareja, como la viven sus protagonistas, desde sus inicios hasta el final. Theodore es un hombre atormentado y solitario, luego del divorcio y cuando encuentra a Samantha, su vida vuelve a tomar un giro de 180 grados. El detalle es que dicha inteligencia esta programada para "servirle" y entenderlo (tal como ingeniosamente se metió la pregunta de "¿Cómo era la relación con tu madre?"). El salto del argumento es que Samantha no se queda como una "maid", sino va evolucionando y va creando una personalidad muy propia, aunque muy inestable también debido a su matriz primaria. Por lo tanto, se vuelve un personaje más y no cae en el cliché que hemos visto, donde el androide altamente evolucionado, sigue siendo una máquina y se sujeta a tales campos. Esto es una metáfora de lo que ocurre con una pareja común y corriente, cuando luego de una pelea, si ambos estan sincronizados o son lo suficientemente maduros, van a crecer luego de dicho encuentro y van a expandirse para no chocar uno contra el otro y a la vez, seguir conectados. Por supuesto, Samantha experimenta ese crecimiento, pero a una velocidad mucho mayor (lógico, siendo una inteligencia artificial) al grado que se da cuenta que la relación con

Theodore no puede seguir, ya que él en cierta manera lo restringe. Si lo vemos así, es una bonita parabola de lo que ocurre con muchas relaciones estables, pero que terminan acabándose. Es imposible evitar el crecimiento de una manera u otra y es bueno cuando ese va en una misma dirección. Pero ¿Qué sucede cuando no es así?
Sin embargo, esta genialidad a un servidor le parece predecible. Y es que mi trabajo, sin querer, me termina inmunizando en parte de esto. Lo veo diario y me toca muchas veces "puntuar" eso o resaltarlo para que la pareja lo recuerde (o la persona) y vea porque llego a ese trayecto. Hay compañeros que viven de esto y les fascina, pero con mi forma de ser, luego de un rato me termina fastidiando, por lo cual cuando llego a ver una película, busco algo fuera de lo común para quitarme el hastío. Por eso digo que para la mayoría, el argumento es sólido y original, pero en el fondo, sigue contando el mismo cuento (y que para colmo, ya lo vi implícitamente en otra película que me pareció más divertida, al menos cómicamente, que es "500 días con Summer").

Actores: Me hizo un tanto de gracia ver a Joaquin Phoenix, rodeado de tanta belleza (Olivia Wilde, Amy Adams, Rooney Mara, hasta la voz de Scarlett Johansson), aunque cada una cumple con su papel de manera congruente y bastante bien (lo que me quejaría un poco, a nivel personal, es lo delgada que se ve Olivia Wilde, eso no me gusto). Pero el que brilla, lógico, es el buen Joaquin, que no solo su interpretación, sino su caracterización, es harto convincente. Theodore se nos muestra como un hombre emocional, y eso se ve por el tipo de camisas que utiliza (el color sobre todo), hasta su bigote y sus anteojos. Realmente llegas a empatizar con él y vivir su drama a cada momento. Sin embargo, la que si se me hizo sobrada en actuación, curiosamente, fue la Johansson. No sé, su personaje no estaba bien escrito o ella se paso a nivel emocional. Pero por momentos no la vi como la chica "ideal" de la cual me enamoraría. Digo, es cuestión de gustos.

Diseño de arte, fotografía, edición: Hoyte van Hoytema hace un trabajo estupendo con la cámara, donde lejos de hacernos unos escaneos formidables, se enfoca más en hacernos vivir lo que pasa con los personajes y con sus emociones. La escena donde vemos desde arriba la expresión de Theodore, mientras esta en la entrada del Metro hablando con Samantha es formidable. Es como si nosotros estuvieramos "viendo" que hace y porque está tan angustiado y asustado. Pero también a la par es capaz de captar las expresiones de emoción de los personajes sin que sean acercamientos tan de frente, que a veces, más que empatizar, puedes ver el pedazo de pan que se embutió el actor antes de la grabación. Aparte, la edición de la película, mezclando dialogo con escenas retrospectivas, puramente emocionales, es arte puro.

Música: Arcade Fire hace un trabajo bastante convincente y emblemático con la cinta. Sin caer en momentos demasiado melodramáticos, realmente te hace levantar ciertos instantes de una manera u otra. Sumamente atinada.

Doblaje: por supuesto (y para los nervios de mi comadre), la vi doblada y luego un tanto subtitulada. Me gusto el doblaje, ya que vi a Don Goku (Mario Castañeda) haciendo a Joaquin Phorenix y me agrado bastante. Mayra Arellano que había doblado a Olivia Wilde en House, repite papel, igual que Romina Marroquin como Amy Adams, que es casi su actriz de doblaje oficial. El detalle vino con la Johansson, ya que la había estado doblando Rosalba Sotelo, pero acá vemos a la polifacetica de Mireya Mendoza haciendo los honores. Me habría gustado, pero no sé, su actuación no fue taaan sincronizada con la de Mario Castañeda.

A título personal: "Her" era una película que le había puesto el ojo desde su inicio, tanto por su primicia como crítica. Sin embargo, la mencionada y hastiante crisis económica no me permitió ir al cine con mi mujer a verla y ya un día, harto de eso, me puse a descargarla. Sin embargo, pasaron dos meses hasta que me decidí a verla. Por suerte, escogí un momento adecuado (jeje) y valió bastante la pena. Aparte de ser un ejercicio de reflexión bastante bueno, también me hizo ver que pese a que tengo alma de niña por momentos, aun sigo siendo hombre macho pecho peludo que se respeta y por ello, las películas de acción siguen siendo lo mío jojo. Tal vez, a nivel muuuy personal, lo que si me molesto fueron las escenas de "cybersexo", que bueeeeno, si me pareció bien que quisieran dar explicítamente el nivel de conexión que pueden tener dos amantes, sin tener algo físico, peeeero, de repente me sentí en el cine de arte, donde el sexo es un gancho o un tabú freudiano muy presente en el director.

En conclusión, "Her" es una película recomendable, diferente y muy original. Sin embargo, si te gusta descifrar tramas, te parecera un tanto predecible. Digo, en mi particular caso, me la pase muy bien, pero el desarrollo como el final me parecieron bastante normalones y hasta sin ninguna inovación (bueno, salvo un detalle que me hizo carcajearme un rato, pero eso ya tienen que verlo ustedes).

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Saludos a mi esposa :3 que adoro, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Super Punch Out!: Un clásico del NES en grande para la SNES

Hay clásicos que nunca mueren y pueden pasar los años y aun así, los sigo jugando no importa la cantidad de veces. Lamentablemente con las nuevas tecnologías y la cantidad de juegos que salen, la existencia de ese tipo de videojuegos ya son casi nulos. Uno se tiene que conformar con un montón de sagas o de secuelas para que llene ese espacio que antes los clásicos llenaban al instante.

Sí, hablo de uno de los más grandes juegos que aparecio primero en el NES y luego emigró al SNES: Punch-Out.
Ya en otra entrada hablaré del mítico juego de la consola de Nintendo de 8 bits (eso y lo que sucedió con lo de Mike tyson). Mi enfoque irá dirigido hacia la traslación de SNES. Claro, lo lógico sería hablar de su antecesor, pero ambos juegos aunque tiene el mismo sistema de juego, en realidad son muy distintos uno del otro. Aparte de que el sentimiento ligado a cada uno es harto distinto.


Super Punch Out!! (スーパーパンチアウト!!) es un videojuego de boxeo para la Super Nintendo. También fue lanzado en Japón para el cartucho Nintendo Power Flash RAM de la serie, así como el Super Famicom, la versión japonesa de la Super NES. En la saga Punch-Out!!, tiene lugar después del juego Mike Tyson's Punch-Out!!. Al igual que el protagonista de los títulos arcade y de NES, el protagonista del juego de SNES es el boxeador Little Mac trabajando en su camino hasta llegar a los cuatro circuitos de la NVBA (Nintendo Video Boxing Association). Se enfrenta a una serie boxeadores ficticios, que culminará en una pelea con el invicto Nick Bruiser.


Luego del brutal éxito que tuvo Punch-Out!, el productor del juego, Genyo Takeda decidió hacer una traslación de su joya hacia la recien salida NES. Sin embargo, el juego tuvo retrasos importantes en su desarrollo desde un principio. Originalmente estaba proyectado para salir a lo máximo, un año después de la salida de la consola al mercado, pero Nintendo y Takeda vieron problemas sobre que hacer con dicho videojuego.

Takeda quería hacer una copia casi exacta del juego de Arcadia (que lamentablemente no se puedo adaptar de buena manera para la NES, resultando en un juego un poco más rústico a nivel gráfico, pero igualmente divertido y con una altísima dificultad), pero en lugar de optar por los personajes clásicos, se decidió por unos nuevos y dejar solo los peleadores más emblemáticos (como Mr. Sandman, BadBull o SuperMachoMan). También, se dejo de lado el utilizar un peleador famoso (ya que Mike Tyson les había dado un horrendo dolor de cabeza por las cuestiones del nombre y de derechos) y dejar en su lugar un boxeador inédito, pero bastante potente (Nick Bruiser).

También se hicieron modificaciones al sistema de juego. En el Arcade como en el NES, los rounds eran de 3 minutos y estos llegaban hasta ser 12, lo cual a veces era agotador para el jugador. En cambio, en esta versión se redujo a un solo round de tres minutos, lo cual hacía más dinámico el juego. También se suprimió el uso de "ganar estrellas", los cuales se lograban luego de dar un buen golpe al oponente. Ahora se cambio a un marcador de poder, donde luego de conectar varios golpes seguidos, accedías a la máxima potencia y con lo cual podías conectar un poderoso derechazo o varios puñetazos rápidos en sucesión (claro, cuando el oponente te llegaba a dar uno, perdías dicha habilidad y había que recuperarla nuevamente). Curiosamente, en algún momento de la pelea, la velocidad y potencia de los golpes llegaba a aumentar por unos cuantos segundos, lo cual podía darte un extra en ataque y defensa.

Otro detalle que se incorporo fue el poder utilizar el famoso "counter" o contragolpe, algo muy socorrido en el boxeo actual y es la capacidad de dar un golpe un segundo antes de que te impacte el ataque del contrario. Esto ayuda mucho para generar combinaciones y ganar poder durante el combate. Por cierto, otro detalle curioso del juego es los rivales que tienes enfrente. Takeda siguió manteniendo a luchadores marrulleros, mucho más poderosos que tú y que tienen tácticas de pelea no solo superiores, sino también en pegada como velocidad. Sin embargo, el sistema mencionado es capaz de encontrar un punto débil en estos ataques y como sacar provecho para tumbarlos en 3 ocasiones o en un solo golpe que provoque el K.O.

Con estas modificaciones, la historia es casi la misma: Little Mac vuelve a los encordados y ahora debe convertirse en el campeón mundial. Para ello, debe luchar en 4 diferentes circuitos, los cuales cada uno tienen 4 peleadores que van subiendo en dificultad. Como homenaje a las sagas anteriores, Bad Bull, Mr. Sandman y Super Macho Man son los jefes de estos circuitos, para llegar al cuarto, donde están lo más tozudos (y tramposos) peleadores: Mr. Prince, Hoy Quarlow, Rick Bruiser y su hermano, el imbatido Nick Bruiser.

La música del juego estuvo a cargo de Takashi Kumegawa y Masaru Sakakibara, que hacen una maravilla brutal en todos sentidos. Los BGM que cada circuito son estupendas, pero quien se lleva las palmas, son los "intros" que tienen cada peleador, que van desde aspectos muy orientales (Dragon Chan) hasta un tono casi marcial como el de Nick Bruiser (que en broma, mi hermano y yo le decíamos "Terminator"). A tal grado me gusto el OST que baje varias rolas y las tengo en mi biblioteca musical.

Otro detalle de alto nivel fueron la incorporación de voces y chillidos, no solo para el protagonista (son geniales las frases que se avienta cuando vence con facilidad o cuando están a punto de ganarle) sino también para los rivales, donde sus gritos son íconicos. Todo esto, estuvo a cargo del genial Charles Martinet (seh, la voz oficial de Mario).

Con todo esto, Super Punch Out! vio la luz en América el 1 de octubre de 1994, en Europa a principios de 1995 y curiosamente, en Japón no vio su salida hasta 1998 como parte de un periférico para el ya casi extinto SNES y la Game Boy. El juego tuvo una excelente crítica en cuanto al control, gráficos y música, pero lo que le bajo puntos fue la dificultad media a baja del mismo. Comparado con su antecesor, realmente es un juego fácil y es que técnicamente puedes llegar al cuarto circuito sin demasiados problemas. El último si esta complicado, pero siguiendo cierta rutina, puedes terminarlo sin tapujos. El detalle viene cuando quieres hacer record, porque allí, la cosa si se pone harto dificultosa.

A título personal: ¿Por qué recuerdo con tanto cariño este juego? Como ya he comentado, debido a ciertas cuestiones, no pude tener la consola, el SNES, en su momento y tuvieron que pasar unos años para que pudieramos disfrutar todos los juegos como era debido. Para cuando logramos alquilar el Super Punch Out! ya era principios de 1997 y el SNES estaba casi de salida ante la llegada de la poca valorada Nintendo 64. Sin embargo, debo decir que me encanto el juego y cuantas veces que pude, lo alquile, inclusive una última vez en mi cumpleaños (y que esta próximo a la entrada a la universidad). Debo decir que este juego fue de lo último que me toco disfrutar antes de salir de casa y técnicamente llego a marcar mi salida para ir a un mundo más grande.

Curiosamente, no volví a jugarlo hasta años después, cuando pude comprar mi primera portatil y luego de descargar el emulador correspondiente, me la pasaba en el trabajo, en los tiempos libres, tratando de imitar los trucos y otras formas de vencer a los oponentes en un tiempo record. Debo decir que pase de ser un simple aficionado a ser un auténtico experto (sin ser modesto), ya que lograba derrotar inclusive al imbatible Nick Bruiser en menos de 30 segundos, cuando en su momento, apenas si lograba sacarle la tercera caída en los últimos 10 segundos.

Como detalle extraño, hay un peleador rival de origen mexicano, Masked Muscle, aunque bastante estereotipado. 

En fin, Super Punch Out! Es de esos juegos recomendables, no solo por su diversión, sino también por la multitud de detalles que lo adornan. Digo, las patadas de Dragon Chan, los ademanes de Mr. Sandman o la actitud narcisista de Super Macho, no tienen comparación.

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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos.

For All Seasons: un estupendo cómic del Hombre de Acero

La Órbita de Endor se ha convertido en mi faro de referencia actual. Gracias, no solo a los últimos programas, si no a los que he escuchado desde que empece a escucharlos (que eso será ya tres años más o menos). Sin embargo, no puedo negar que los podcasts que he tenido el gusto de escuchar de 6 meses para acá son los que más me han impulsado a leer o ver productos nuevos o clásicos que no había tenido el gusto de disfrutar.

Justamente uno de esos programas fue el "mega" metapodcast dedicado al Hombre de Acero, Superman para los cuates. No solo se dedicaron a hablar de los orígenes y películas del Azuloso, sino también a mencionar algunos de sus cómics más emblemáticos.

Aquí puedo hacer ver que tenía muchos prejuicios contra las aventuras de Superman, al menos en el formato de papel. A diferencia de un personaje como Batman, pensé que sus despliegues serían mucho más sosos y poco contundentes. Por suerte, el dichoso podcast me hizo ver que había algunas joyas entre las diferencias colecciones. Una de ellas fue la ya reseñada "Identidad Secreta". Sin embargo, esta colección se enfocaba en una versión alterna de Superman, con la cual se podía jugar o ampliar de manera mucho más rica.

Por ello, "For All Seasons" la considero una auténtica genialidad, ya que se enfoca en Superman y explota las muchas aristas de este personaje, no solo de manera original, sino también muy contundente. Por lo tanto, esta entrada va dedicada a esta mini-colección que desde ahora lo digo, es altamente recomendable.


Jeph Loeb nos trae esta maravillosa historia del Hombre de Acero, ademas de contar con el arte de Tim Sale, quien también acompaña a Loeb en importantes historias de Batman como en Long Halloween y en Dark Victory.
Superman for All Seasons es un comic imperdible contado a través de las cuatro estaciones del año, y por cuatro personajes/narradores que sin duda definen la humanidad de Superman: Jonathan Kent, Lois Lane, Lex Luthor y Lana Lang.


Antes de hablar del cómic, hay que hacer una pequeña reseña de su autor y su dibujante.

Jeph Loeb es un afamado guionista, que no solo se encargó de hacer la historia de estos tomos, sino también del afamado arco "El Largo Halloween" (que ya nos toco hablar en otra entrada) y aparte escritor de muchos episodios de series como Smallville, Heroes o Lost. Actualmente se desempeña como el cabecilla de la división de Marvel enfocada en su parrilla televisiva (como series de animación, de drama o comedia).

Tim Sale como dibujante, le ha tocado guionizar muchas de las mejores historias de Loeb y también en series de Hulk, Superman y Catwoman.

La dupla Sale/Loeb ya habían tenido un trabajo descollante para una de las mejores mini-series del Hombre Murciélago en 1996 y 1997, el denominado arco "El Largo Halloween". Ya había comentado cuando hice la reseña de este cómic, no solo el guión estupendo, sino el desarrollo de los personajes y una buena reinterpretación del origen de Two-Face. Sin embargo, esto no se pudo haber logrado sin el estupendo arte de Sale. Claro, en su momento me queje de las facciones y del estilo de este último, ya que por momentos parece más una viñeta de cómics de los años cincuenta, aunque un tanto modernizada (bueeeeno, si vemos a la Catwoman que Sale se avienta).

Un año después, Loeb parece que quiso intentar una historia con el Azuloso y es justamente "For All Seasons" que apareció en 1998 y que se compuso de una mini serie de 4 tomos, cada uno enfocado en un diferente personaje del universo de Superman y narrando al mismo tiempo, los inicios del superhéroe. Pero vamos a dar más datos al respecto.

El argumento de For All Seasons es sencillo: se narra los inicios de la carrera de Superman, desde la óptica de cuatro personajes y cada uno, representando una temporada del año. El primero va desde la perspectiva de Jonathan Kent, padre adoptivo de Superman, el cual nos narra como Clark comenzó a asimilar sus poderes y también el hecho de ser diferente, así estar bajo la tutela de los Kent. El segundo es desde la perspectiva de Louise, donde la reportera nos habla del recien llegado "Villachica" Clark Kent, donde aparte ya comenzamos a visualizar el enfrentamiento entre él y Lex Luthor. Por supuesto, el tercer tomo va desde la visión del supervillano y como logra meter en una trampa a Superman y hacerlo dudar de sus habilidades y ética. El último, que vendría a ser dedicado a Lana Lang, la novia de Clark en el Instituto y que le ayuda a este a recuperar la confianza en él mismo. 

Como se comento, cada "arco" representa una estación, por lo cual Jonathan sería la primavera, Louise el verano, Luthor el otoño y Lana el invierno. Esta forma tan original de trazar esta mini-serie le da un toque no solo distinto, sino también asombroso. Loeb, de la mano de los lápices de Sale, va narrando la disyuntiva de Clark para convertirse en Superman y luego su partida hacia Metrópolis, donde conoce a una atractiva Louise Lane (que por su diseño me recordó mucho a la Catwoman de Batman) y como va compaginando su vida como reportero del diario El Planeta con su labor como superhéroe. Por supuesto, también vemos como Lex Luthor aparece y como tiene sus propias motivaciones para odiar a Superman, al grado de ponerle una trampa bastante funesta, que lo obliga a retirarse derrotado moralmente. Sin embargo, la forma de resolver dicho arco, cuando vuelve a Villachica y se reencuentra con Lana, es formidable.

A nivel guionismo, el cómic es excelente. Loeb es capaz de sacar un montón de aristas como de detalles de la vida de Superman y conjuntarlos de tal manera que se te hace creíble lo que lees. Generalmente se nos muestra un Superman cuasi perfecto y con motivaciones muy pro-yanquis. Sin embargo, acá Clark esta lidiando con su origen y también como convertirse en Superman. Se le ve indeciso, con miedo y hasta desconfiado, pero sin dejar de hacer su trabajo. Claro, no caemos en una dicotomía tan grande como en Batman, pero Loeb sabe desarrollar un personaje complejo en todos sentidos.
Lo mejor de todo es que Superman resulta ser el personaje secundario de la historia, ya que el guionista se enfoca en las 4 personas ya mencionadas y como ellos también perciben a dicho personaje. La primera parte, con papá Kent es muy emotiva y nos muestra a un Jonathan preocupado pero a la vez reacio con su hijo. En el caso de Louise la cosa no es tan buena, pero se compensa con la aparición de Lex Luthor, que lo vemos como un villanazo de primer nivel, en especial en el arco de otoño. Sin embargo, el remate con el tomo de Lana es absolutamente genial. Me había quejado mucho del final de "Identidad secreta". Sin embargo, acá es lo contrario y el final de esta mini-serie se lleva las palmas. Vaya forma que tiene Loeb de recuperar a un héroe que se ve conflictuado por todos los flancos.
Curiosamente, sería esta historia la que motivaría a Loeb a crear Smallville y al hacer al menos el primer arco de la historia. 

Por supuesto, lo que también ayuda a la potencia de la historia, es el dibujo de Sale. Aquí me gusto muchísimo más que en El Largo Halloween, ya que no solo utiliza unos colores más brillantes y unos trazos mucho más definidos, sino también a través de su dibujo, hace resaltar cada estación, haciendonos ver el paso del tiempo mientras uno esta leyendo. Curiosamente, aunque me encantó el último tomo, es donde menos me gusto el dibujo, ya que me recuerda un tanto el cómic de Batman.

Como punto extra a este cómic es la fragilidad con la cual Superman está hecho. A muchos les chocará, pero me gusta como Loeb toca ciertas fibras del Hombre de Acero y lo hace ver más complejo como rico en personalidad. Una referencia en el arte es una imagen que se repite varias veces, donde vemos al buen Clark tumbado sobre su cama, primero en su casa, luego en su departamento en Metrópolis y nuevamente en su casa, pero ya sin tantos tiliches como cuando era joven.

En conclusión, "For All Seasons" es un cómic altamente recomendable (como había dicho en un principio), no solo de Superman, sino del mundo comiquero. Un dibujo estupendo y una historia muy agradable es lo que lo hace tan potente. Lastimosamente en México no se puede conseguir dicha historia de manera actualizada, ya que un tiempo la tuvo Editorial Vid y la estuvo compartiendo con Editorial Norma hace un bueeeen de tiempo. Ahora lo más cercano son scans en la red (que es al final como lo consigue y me decidí leerlo hace más o menos como dos meses) así que si alguien lo tiene, es una joya en todos los sentidos.

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Saludos a mi Louise ^^, así a quienes gustan de los cómics del Hombre de Acero.

El Castillo Ambulante: el libro que inspiró a Miyazaki

Si algo me impresiono de mi esposa cuando la conocí fue la cantidad de similitudes pero a la vez de diferencias que teníamos respecto de uno con el otro. Para empezar, nos gustaba el anime y el manga, pero en diferente grado y en diferente tópico. Gracias a ella pude chutarme en su momento mangas que hubiese dejado de lado, como Karekano o Fruits Basket. Y este ejemplo puede servir de referencia, no solo a esta afición, sino también a otras, como el cine, la comida o la forma de ver la vida.

Sin embargo, un tema que tocamos insistentemente al inicio de nuestra relación, fue el gusto que teníamos por las películas del estudio Ghibli. Por supuesto, para la mayoría de las parejas que gustan del buen cine y aun más del tipo nipón, es un tema obligado y por suerte, mi mujer pronto hizo ver una de las cualidades por las cuales me case con ella y ha sido su capacidad para hacer una crítica lo bastante amplia de las cosas sin tomar demasiados apasionamientos. Por lo tanto, como he comentado hasta el hartazgo, siempre se convierte en un punto de referencia para hacer una crítica de cine (y de allí que mis comentarios varíen cuando veo una película a solas, a cuando lo hago con ella).

¿Para que echar tanto este rollo? La razón es que esto me sirve de preámbulo para hablar de una franquicia que marco nuestra relación. Sí, como hay canciones que muchos novios al escucharla les recuerda a ellos, en este caso, "El Castillo Ambulante", se convirtió en uno de los temas de conversación recurrentes desde entonces hasta la fecha, la cual se vio reforzada cuando la Editorial Berenice decidió traer los libros de Wynne Jones. Muy en especial ese que inspiro a Hayao Miyazaki a realizar una de sus obras más exitosas: El Castillo Vagabundo.


El castillo ambulante (título original: Howl's Moving Castle) es una novela fantástica de la autora británica Diana Wynne Jones, publicada por primera vez en 1986. En 1990 se publicó una secuela, titulada Castle in the Air. Una segunda secuela, House of Many Ways apareció en junio de 2008.


Hace un par de años, un domingo cualquiera, mi mujer y un servidor decidimos quedarnos a comer en casa y mientras lo hacíamos, decidí poner una de las películas que habíamos adquirido recientemente y que era parte de un pack de Ghibli que ahora se venden de manera corriente en varias tiendas del país. La elegida, fue "El castillo Vagabundo".

La sobremesa fue bastante amena y de repente mi esposa me pregunto si Miyazaki se había inspirado en algo para hacer dicha película. Así como buen curioso, no tarde en buscar en la red y me lleve la sorpresa de que había tomado como base, el libro de una renombrada escritora inglesa.

Por supuesto, comencé a ver como conseguir dicha obra, nuevamente por mera curiosidad y resulta que en México ya se vendía. Así que no tarde en adquirirlo y regalárselo a mi mujer. Al principio tuvo un tanto de reticencia al leerlo, porque sabemos que los libros varían demasiado con respecto a las películas y tenía miedo de que una de sus películas favoritas se viese perjudicada. Sin embargo, se llevo una sorpresa muy agradable y vamos a ver porque.

"El Castillo Ambulante" forma parte de una trilogía de libros escritos por la inglesa Diana Wynne Jones.

Nacida en 1934, le tocó los rigores de la guerra de manera bastante cruda, mientras sus padres, dos educadores, llevaban a ella y a sus dos hermanos menores por varias ciudades de Inglaterra, hasta que finalmente se establecio en Thaxted en Essex. Estudio la universidad en una de las escuelas afiliadas al conjunto de Oxford y en ese tiempo fue cuando asistió a las conferencias de C.S. Lewis y de J.R.R. Tolkien, lo cual le ayudo a afilar un tanto el estilo literario que luego mostraría. Se caso en 1956 con John Burrow, un estudiante de filosofía medieval. Estuvo del tingo al tango entre Oxford y Bristol, hasta que se establecio oficialmente en esta ciudad hasta el día de su muerte, la cual acontenció en el 2011.

La escritora se enfoco en los libros de corte juvenil, de los cuales destacaron dos sagas: la de Chrestomanci y la del Castillo Ambulante de Howl. Esta última se compone de tres libros, los cuales salieron a la venta en 1986, 1990 y en el 2008. Por supuesto, la primera es la que nos compete al momento y es la del Castillo Ambulante.

¿Y de qué va esta cosa?  
En un reino muy lejano, donde la magia existe de manera palpable, una jovencita tímida llamado Sophie se encuentra como regente de una tienda de sombreros que le pertenece a su madre. En una salida, se encuentra con un poderoso y carismático mago llamado Howl y Sophie se siente atraída hacia él. Sin embargo, debido a su carácter, vuelve otra vez a la tienda sin animarse a nada más. En el trajín, conoce a la Bruja Calamidad, que le embruja, volviéndola una anciana de casi 90 años. Acomplejada por esto, Sophie se embarca en una aventura para romper el hechizo, mientras vuelve a encontrar a Howl y su misterioso Castillo Ambulante. 

Cuando mi esposa me dió el libro (luego de chutarselo en un tiempo record), en una frase me resumió la esencia del mismo: "Es ameno y fácil de leer".
Una de las cualidades que muestra la autora con esta obra es una prosa limpia, sin muchos tapujos y sin tantas descripciones, con unos dialogos bastante divertidos y sobre todo, con unos personajes muy carismáticos (si Calcifer en la película es carismático, en el libro es una botana). Cierto que el libro es de tipo juvenil, es decir, que esta enfocado para edades más noveles y por lo tanto, su escritura no es nada laboriosa. Sin embargo, Wynne Jones sabe construir no solo una excelente trama, si no también personajes que son complejos y a la vez fáciles de entender.
Aparte, se nota la influencia de muchos autores de literatura inglesa, ya que el libro tiene referencias por doquier, desde nombres de tipo arturíco, hasta de la trilogía del Señor de los Anillos de Tolkien. 

Cuando me di cuenta, la primera vez que comencé a leerlo acabe hasta la página 90. No porque fuese sencillo de leer, sino porque estaba emocionado con la trama. Es cierto que ya conocía un tanto (gracias a la película del buen Miyazaki), pero aun así, te entretiene tanto el libraco que no te das cuenta y deseas leer más y más (inclusive mi comadre me lo confirmó cuando le prestamos el libro). Lamentablemente, pese a la cantidad de cualidades que tiene esta obra, también tiene unas fallas bastante fuertes.

Para empezar, los dos primeros tercios del libro son extremadamente potentes, pero en el último, no sé que pasa, pero se desinfla todo de manera muy fuerte. Tal vez la autora no sabía como terminarlo o el final resulta demasiado prototipo y por ello desentona de manera profunda con el resto del libro. Aparte, hay una buena cantidad de subtramas que la autora también deja de lado y que tenían un altísimo potencial (como el ayudante de Howl o lo sucedido con otros magos que existen). Esto se agudiza, sí, otra vez en el último tercio y te deja con un extraño sabor de boca. Desgraciadamente, parece que la cosa termina así, porque a que pese los siguientes libros son una especie de continuación, a la vez no, por lo cual uno se queda con varias dudas.

Ahora, ¿Qué diferencias hay entre el libro y la película? Antes de comenzar, debo decir que en su momento, Hayao Miyazaki fue directamente con la autora a pedirle autorización para adaptar su obra. Wynne Jones se mostró reticente en su momento, pero terminó aceptando. Como agradecimiento, Miyazaki le llevo una copia del filme antes de su estreno para verla en casa y la autora quedo sorprendida como contenta con dicha adaptación.

Como es lógico, la película es una versión recortada del libro, ya que al menos la primera mitad esta casi idéntica entre ambas obras. Por supuesto, muchos detalles de la vida de Sophie no pudieron plasmarse en la película, pero Miyazaki hace un gran trabajo al sintetizar en algunos momentos, el origen de la personalidad de la protagonista. En cambio, la segunda parte es la que más varía, ya que mientras Miyazaki tomo un derrotero netamente militar/pacífista, la obra de Wynne Jones continua las andanzas de Sophie en compañía de Howl, no solo para solucionar sus problemas, sino los que tiene Howl con medio mundo, lo cual un final, que ya como comente, es medio extraño.

Un punto que si varió drasticamente fue el corte o cambio de bando de algunos personajes. Por ejemplo, una de las hermanas de Sophie fue recortada de la película, mientras que Sulaimán no solo cambiaría de sexo, sino también de intenciones. Pero el que más cambio fue el ayudante de Howl, que mientras en la película era un simpático chámaco, en la novela es un joven un tanto despistado.
Sin embargo, ambas obras son espectaculares a su manera de ver. Y aquí es donde se demuestra el genio de Hayao Miyazaki, ya que supo adaptar y hacer una obra a su estilo, pero sin perder el espíritu del libro, el cual también es bastante potente.

En conclusión, "El Castillo Ambulante" es un libro estupendo. Fácil de leer, pero muy entretenido y con unos personajes entrañables. Aunque muchos se alejan de este, porque es una novela juvenil, en realidad es muy disfrutable. Altamente recomendable.
En México se puede conseguir en cualquier librería, mediante la editorial Berenice. Por cierto, abajo dejo una entrevista que le hicieron a la autora con respecto a la película de Miyazaki. Vale la pena verla (y esta subtitulada).

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Saludos a mi Sophie ^^, así a quienes gustan de este tipo de libros.

Fin de semana de películas: Tora Tora Tora! y Zodiac

Luego de un tranquilo fin de semana, al fin pude ponerme al tiro con varias películas que tenía pendientes desde hacía un buen tiempo. Una inclusive la había comprado hace un par de años y allí la tenía guardada en su estuche y sin tocar. En cambio, la otra la descargue apenas hace un par de meses, pero igual, le tocó verse enlatada dentro de la memoria de la PC por un buen rato.

Por suerte, estos días al fin pude ponerme a tiro y reseñar algo de buen cine gringo. Sí, los norteamericanos de vez en cuando tienen sus perlas y las dos películas que voy a reseñar son un buen ejemplo de eso. Debo decir que me la pase muy bien viendo ambas y por suerte, lograron borrar muchos de mis prejuicios que tenía con respecto a ambas. Así que vamos de la más vieja a la más reciente (por así decirlo).


-Tora! Tora! Tora!

Ficha técnica
Países involucrados: EUA y Japón.
Año: 1970.
Productora: 20th Century Fox.
Idioma: Inglés y japonés.
Dirección: Richard Fleischer y Kinji Fukasaku.
Guión: Ladislao Farago y un montón de colaboradores.

Argumento: Recreación del bombardeo japonés a Pearl Harbor en 1941, que provoco la entrada de los EUA a la Segunda Guerra Mundial. La película narra desde los antecedentes a dicha guerra hasta las conclusiones niponas a dicha acción luego del bombardeo.

Historia: Es una tristeza que las generaciones actuales hayan tenido que ver un bodrio tan horrendo como Pearl Harbor de Michael Bay. En su momento, cuando fui a ver esta película, con toda la esperanza del mundo, me encontré con una porquería cuasi romántica que mezclaba un conflicto tan serio como el bombardeo de Pearl Harbor con un dramón barato. No es que me moleste demasiado el romance insulso, pero las opiniones, críticas y demás cosas que Bay puso con respecto al bombardeo japonés, tanto antecedentes como consecuencias fue pésimo. Técnicamente dejo a los nipones como los villanos nominales y como sujetos harto sanguinarios. Claro, mi objetivo no es tampoco defender al país del Sol Naciente (que no hay que negar que junto con Alemania, se llevo las palmas en violación de todo tipo de derechos humanos durante el conflicto), pero si al menos dar una explicación racional de lo sucedido, en especial al lego. Y tuvo que venir una película de hace 45 años para lograr tal cometeido. Sí, esta película es más que eso, se enfoca en ser un documental bastante correcto sobre el ataque, mostrando las motivaciones niponas a realizarlo, como reaccionaron los americanos, antes, durante y después del bombardeo. Lo que me sorprende es como una película de los años setentas, donde todo era más conservador, tuviese tanta acertividad en cuanto a su referencia histórica. Por supuesto, no puedo negar que los americanos dejan de lado la teoría de "nos dejamos bombardear a propósito" y se enfoca en los muchos (pero veraces) errores humanos que tuvo la cadena de mando de la Marina y el Ejército, para desestimar un ataque japonés. Pero lo maravilloso fue lo bien realizado que estuvo la contraparte nipona (ya que la película se va alternando entre los mandos de ambos países) donde no solo vemos las motivaciones de Yamamoto, Genda, Fuchida, sino también las actitudes y razones que tuvieron para sus acciones. En conclusión, es una maravilla de película que pese a tener sus años, es capaz de ser altamente instructiva en todos sentidos. En este mismo apartado, podría ubicar a los personajes, que aunque ninguno destaca, el carisma de algunos actores es tan brutal (en especial los que hacen los comandantes Fuchida y Genda), que te hace tomarles cariño. Por supuesto, pese a la maravilla de la película, no niego que es una producción de su época y por consecuencia, el ritmo como explicaciones que se da son poco fluidas y para las personas de este siglo, podría resultarles lenta y hasta soporífera. Sin embargo, para un freak militar, es altamente instructiva.
Diseño técnico: uno de los mejores apartados del filme. Como dije, pese a tener sus buenos años, los efectos especiales son espectaculares y no desmerece en ningún momento. No en balde, en su momento inclusive se hicieron modelos de los acorazados hundidos en una escala de 1:35, lo cual permitió no solo recrear adecuadamente las explosiones, sino ver el hundimiento de los barcos atacados. En fin, hoy en día, dichos efectos se mantienen bastante vigentes. Por cierto, como dato curioso, debido a la falta de cazas Zero originales, se emplearon aviones T-6 Texans americanos, muy parecidos a sus contrapartes nipones.
Música: Jerry Goldsmith cumple con una adecuada banda sonora, donde destaca muchísimo la contraparte japonesa, donde escuchamos una melodía nipona muy característica, mientras que en la parte americana, esta es casi inexistente.
Doblaje: Como siempre, elegí la opción de escucharla doblarla y no me decepciono en absoluto. Me toco escuchar de las mejores voces que aquella época ofrecía (Narciso Busquets, Alvaro Tarcicio, Esteban Siller, Jesús Barrero, Jorge Roig, Victor Mares, Arturo Mercado, Jesús Brock, Blas García, Maynardo Zavala, etc. etc.). Por supuesto, de repente los actores repetían papeles, con diferentes tonos de voz, pero era normal. Así se manejaba el doblaje en aquellos años. Sin embargo, es de una calidad altísima.

A título personal: Tora! Tora! Tora! (así se denomino a la clave que indicaba que el bombardeo a Pearl Harbor había sido éxitoso) es de esas películas que siempre quise ver en su momento cuando comence a disfrutar del cine de los años sesentas y setentas (con producciones como Patton, El día más largo, los Cañones de Navarone, etc. etc.), pero mientras otras eran buenos productos de su época, a esta película le tenía un poco de miedillo. Aunque Pearl Harbor de Bay sea un asco en muchos sentidos, la batalla aeronaval si estuvo bastante bien (y es lo único que veo cuando la ponen en la TV de repente). Así que ver un producto de hace más de 40 años, en materia de efectos especiales, si me iba a costar. Aun así, aproveche un día que estaba a menos de 30 pesos en un botadero y decidí comprarla. Sin embargo, tuvieron que pasar dos años para que pudiera verla. Y vaya Zaz en toda la boca que me dio. El filme es divertido a su manera, es sumamente imparcial y sabe ir de la historia japonesa con la americana, sin inclinarse por un lado o por el otro, tanto en el aspecto de cantidad de metraje como de crítica hacia la actitud de ambos bandos.

En conclusión, Tora! Tora! Tora! es una película bastante buena, de un calibre tanto técnico como actoral impecable y sobre todo, es un documental sobrio sobre la batalla de Pearl Harbor. Nominada a 5 premios de la Academia, termino ganando el de Mejores Efectos Especiales. Sin embargo, debido a su fecha de exhibición así como el ritmo de narración que tiene, es obvio que no es para todo público. Como ya comente, a las nuevas generaciones les resultará algo aburrida y tediosa. Aun así, es recomendable para quienes gustan de este tipo de cine y por mucho.



-Zodiac

Ficha técnica
Países involucrados: EUA.
Año:2007.
Productora: Phoenix Pictures/Road Rebel.
Distribución: Warner Bros.
Idioma: Inglés. 
Dirección: David Fincher.
Guión: James Vanderbilt.

Argumento: la película narra los eventos que rodean a la figura del Zodiaco, un asesino en serie que rondo en California durante los años sesentas y setentas, que aparte nunca fue capturado. Se enfoca sobre todo en la vida de tres personas que estuvieron dentro de la investigación: Robert Graysmith, caricaturista del San Francisco Chronicle (donde se recibieron las primeras cartas del Zodiaco), su editor, Paul Avery y el detective a cargo, David Toschi.

Historia: Aun no entiendo como hay gente que opina que Zodiaco es una película aburrida. Si, no niego que si es bastante larga y tuve que pausar por momentos para ir a buscar algo para comer mientras la veía. Sin embargo, el ritmo me pareció adecuado y la cantidad de información más que contundente. Tal vez este es el mayor problema para el espectador promedio y es que aunque la película no es un rollo total, si es un tanto más pesada que la mayoría, por la cantidad de datos, fechas y personas que manejan los protagonistas, en especial el encarnado por Jake Gyllenhaal y Mark Rufallo (Graysmith y Toschi respectivamente). Varias veces si tuve que pausar la película y ponerme a escribir sobre los distintos datos que manejaban los personajes, en especial con los referidos con el sospechoso número uno, Arthur Leigh Allen. También otro punto a favor y a la vez en contra es la misma dinámica de la película. Lamentablemente, series de TV como CSI, Mentes Criminales o inclusive Bones, nos acostumbran a lo espectacular de resolver casos o encontrar asesinos seriales. Sin embargo, la realidad está muy lejos de ser así y la investigación criminal en forma es mucho más árida y divertida de lo que parece. Justamente, esta película muestra ese aspecto, lo cual la hace bastante realista, muy detallada y aparte que el buen Fincher sabe darle un ritmo bastante adecuado. Pero como dije, para quienes gustan de algo más espectacular o rápido, la película si les puede resultar un tanto sosa y lenta como caracol.
Personajes: Esta película sirvió para catapultar a algunos actores que ya iban de capa caída, como Robert Downey Jr. Técnicamente, si uno ve esta película luego de Avengers y la saga Ironman, notarán que el personaje de Avery es una calca de Tony Stark. Se nota como el susodicho disfrutó bastante su papel, al grado que verlo medio ebrio y drogado cuando lo vuelve a encontrar Graysmith, se le vio divertido. En cuanto al Gyllenhaal, muchos aplaudieron su actuación, pero siento que Fincher supo sacar al máximo su capacidad limitada y fue también ponerlo en un papel adoc a él (un sujeto aparentemente tranquilo, pero con cierta vena de obsesivo). En cuanto a Mark Ruffalo, se vio bastante bien como un personaje dramático y dejando de lado su faceta de galán en películas románticas. Por cierto, fue agradable ver a Anthony Edwards (E.R.) y Elias Koteas (Tortugas Ninja 1, 2 y 3) en escena.
Diseño técnico: Fincher se recreo de manera estupenda con los años setentas de EUA, lo cual se vió no solo en los peinados, las ropas, sino también en el uso de vehículos de aquellos años. Lo único que si me parecio un poco exagerado, fue el uso de las ropas con las cuales se identificaban supuestamente al asesino del Zodiaco. No sé, me parecieron un tanto descuadradas con el tipo de tela que existía en aquellos años.
Música: David Shire no es nada conocido, pero debo decir que hizo buenas puntadas con la banda sonora. Primero, incluyendo canciones típicas de aquellos años como música de fondo, cuando los personajes pasaban y ciertos movimientos musicales bastante enfáticos, en especial cuando se hablaba del asesino del Zodiaco o los personajes llegaban en un momento clímax. Aunque por momentos parecían acordes de una película de terror, llegaron a pegar de buena manera con esos instantes.
Doblaje: Nuevamente, opté por ver la película doblada y las voces en la película no me decepcionaron en absoluto. Mario Castañeda ya siendo la voz habitual de Ruffalo, así como Luis Daniel Ramírez en el caso de Jake Gyllenhaal. Inclusive, se respeto la voz de Anthony Edwards, que en ER era doblado por Pedro de Aguillón Jr.

A título personal: El asesino del Zodiaco es tal vez de mis tópicos favoritos sobre asesinos seriales. Todo comenzó cuando hace varios años (justo a principios de la década de los noventas), cuando en el programa de "Misterios sin Resolver", hablaron de dicho sujeto de tal manera que aparte de provocarme un montón de pesadillas en noches subsecuentes, me hizo interesarme en este tipo de crimenes. Por ello, cuando en el 2007 me enteré de que iban a estrenar esta película, quise ir a verla. Pero entre la falta de dinero en aquellos tiempos, como por las críticas un tanto mixtas (en especial por el ritmo y que el filme se enfocaba en la investigación más que en el mismo asesino), tuve que dejarla pasar. Sin embargo, en varias ocasiones estuve a punto de alquilarla, pero tampoco. Sin embargo, hace unos meses, no se que mosco me pico y decidi bajarla. Debo decir que fue una decisión afortunada, ya que la película me gusto y bastante.

En conclusión, "Zodiac" es una buena película de David Fincher. Cierto que tiene una cantidad de datos bastante pesada por momentos, pero allí es donde reside más su debilidad, ya que el ritmo es adecuado y sobre todo, el director (con el guionista) hace maravillas para resumir un libro (el escrito por Graysmith sobre el caso) en dos horas y media sin tantos problemas. ¿Recomendable? Bueno, es como la anterior, tienes que tener cierto gusto por este tópico, sino, si te parecera pesada y hasta un tanto engorrosa.

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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Umi Ryuuzaki: el coraje de las Guerreras Mágicas

He estado leyendo varios artículos y editoriales sobre el "fracaso" de Sailor Moon Crystal en los últimos meses. Todo mundo coincide con fallas en la animación como en una adaptación demasiado rígida del manga. Curiosamente, los extras y los fillers que recibió la serie antigua le hicieron bastante bien a la misma, al grado que hoy en día, se extraña ese aire simplón y romántico.

Curiosamente, Guerreras Mágicas también fue objeto de dicho cambio, donde se adapto casi de manera integra el primer arco (que termina con la muerte de la princesa Esmeralda), solo agregándole un personaje como Nova. En cambio, el segundo arco fue el que tuvo más modificaciones, pero para bien, ya que le dio un impacto renovado a dicha temporada. Curiosamente, en México está tardo en ver a la luz, ya que la primera temporada se repitió al menos un par de veces cuando comenzó su transmisión en el verano de 1996. Fue hasta agosto de dicho año, cuando inicio la transmisión del último arco. Sin embargo, ya la tradición de Tv Azteca de interrumpir las series se manifestaba, porque la serie fue interrumpida y vuelva a comenzar. Por suerte, para la segunda vez, la serie si lograron terminarla, de manera emotiva, a finales de septiembre de dicho año.

Sin embargo, pese al furor que causo el anime (en mi clase se hablaba de él, inclusive más que de Sailor Moon), la serie solo tuvo una repetición más y para diciembre de aquel inolvidable año, decidieron sacarla del aire, más cuando se estaban haciendo maratones completos de la misma. El anime trataron de emitirlo en dos ocasiones más en Azteca 7, pero de manera muy reducida, al grado que solo sacaban 3 o 4 episodios y luego para afuera. Lo cual es una lástima, ya que quedo en la misma posición que Las Aventuras de Fly, otro clásico de la cadena

Ya en la anterior entrada habíamos hablado de mis inicios con la saga de las Guerreras Mágicas y un análisis sobre una de las tres protagonistas, Hikaru. Ahora le toca al turno a Umi Ryuuzaki (Marina para los cuates latinos), la guerrera del mar.


(龍咲　海, Ryuzaki Umi, significa "Océano del Dragón Naciente") (Marina Santana en Latinoamérica) Es una joven perteneciente a una familia adinerada, aunque es muy hermosa y posee una larga cabellera azul es de carácter fuerte y al principio solo piensa en abandonar Céfiro y volver a su mundo original, ya que debe participar en un torneo de Esgrima. Pero luego reordena sus prioridades, y al despertar a su Mashin, Ceres, se da cuenta de cuánto necesita a sus amigas, y decide pelear por el futuro de Céfiro con ellas. Siempre pelea con Mokona (llamada Nikona en Latinoamérica) y discute con Guru-Clef. Su elemento es el agua. Siente atracción por Ascot en la segunda temporada (manga), aunque realmente está enamorada de Guru-Clef.


Umi Ryuuzaki es una chica de 14 años, cursa el octavo año de la escuela media elemental (que sería el equivalente al segundo año de secundaria en nuestra región). A diferencia de Hikaru y Fuu, es la más alta de las cuatro (mide 1.58 cms, lo cual se considera una estatura bastante elevada para su edad respecto a la media japonesa), de carácter huraño y quejumbroso, pese a su apariencia aristocratica. Es la hija única de una familia adinerada y su personalidad contrasta de manera importante con la de sus padres, que suelen ser bastante cursís en su trato.

Su primera aparición es en la Torre de Tokio, cuando en un viaje por parte de su escuela, en un momento se encuentra con Fuu y Hikaru de manera incidental. Sin embargo, al momento de verse, esto provoca que las tres viajen al mágico mundo de los Céfiro. Al principio es la que pone la nota cómica entre el dichoso trío, ya que como se comento, su personalidad es bastante árisca, al grado que desea volver a Tokio lo más pronto posible, sin importarle las consecuencias de lo que tenga que hacer. Aparte de que no deja de gruñirle a sus dos nuevas amigas por sus comentarios o decisiones. Inclusive, el encuentro con Guruclef es bastante divertido, ya que al momento de presentarse, está lo acusa de ser un niño y que no tiene derecho a hablarles de tal manera. En el anime esta relación se explotaría de una manera mucho más profunda, al grado que Umi se terminaría enamorando del mago y estaría a un tris de declararsele.

Conforme avanza la serie, se va viendo que la chica es la intermedia en aprender y/o desarrollar su fuerza y magia. Primero, su arma consiste en un estilete o en una espada de esgrima, lo cual confirma que era una de sus habilidades cuando vivía en Tokio (como buena "señorita"). En el caso de la magia, como es obvio, su elemento es el agua y su primer ataque es el Mizu no Ryu (Dragón de Agua). En el manga y anime la forma de aprender dicho ataque es variable, ya que Alcione aun sigue viva en el anime y es quien recibe el ataque, mientras en el otro, es Ascot contra el quien pelea para desarrollar su ataque.

La fuerza de Umi se va amplificando en la serie, ya que luego desarrolla dos ataques más (Espadas de Hielo y Tornado Azul, este último siendo más una especie de hechizo defensivo y contención). En cuanto a su Mashin, primero se manifiesta como un enorme dragón y luego como una especie de mecha con las mismas características, de color azul.

Curiosamente, Umi es quien consigue primero a su Mashin, Ceres, el cual se encuentra en una cueva submarina, la cual se encuentra dentro del mar. Obviamente, el diseño de dicho Mashin es la de un Dragón y es quien comienza a poner una serie de pruebas a la dichosa adolescente para obtenerlo.
Sin embargo, el egoísmo de Umi aun sigue siendo bastante patente hasta los finales de la serie, ya que tiene la idea de volver a Tokio tan pronto sea posible ("Quiero volver a ese torneo de esgrimaaa"). No obstante, dicho carácter le termina ayudando a poner un "alto" a Ascot y hacerlo reflexionar sobre su conducta (lo cual provoca que el muchacho se termine enamorando de ella).

Es la muerte de la princesa Esmeralda lo que hace que Umi madure en cierta manera y se plantee su existencia, así como la consecuencia de sus actos. Esto provoca que se disculpe personalmente con Clef sobre su conducta previa y que le ayude a madurar a Tata, una de las princesas de Cizeta, que busca convertirse en el Pilar de Céfiro. Pese a que Umi se vuelve un tanto más seria para la segunda temporada, su vena cómica se mantiene bastante patente en toda la serie (en especial una parte cuando se vuelve a calzar su guante de combate y comenta que ha subido de peso, ya que no le ajusta bien), sobre todo por los comentarios que tiene hacia los Mashins de Cizeta. Sin embargo, también pasa de ser una chica bastante perspicaz y despierta, a ser un tanto distraída, ya que no se da cuenta de los sentimientos que tiene Ascot hacia ella.

Otro punto que se mantiene es las constantes luchas que tiene con Nikona (Mokona) ya que Umi considera que el animalejo es capaz de transportarlas nuevamente a su mundo sin tantos problemas. Inclusive, se ve en algunas escenas como la chica lo persigue con un mazo en las manos.
Lamentablemente, la participación de la joven se ve diluida en el último tercio de la serie, cuando es rescatada por Ascot (bueno, eso entre comillas, porque luego Ascot es quien es rescatado por ella), ya que en el anime como en el manga, su participación baja en demérito de Hikaru, que se convierte en la real protagonista de la historia.

Finalmente, luego de derrotar a Debonair con ayuda de sus amigas, es cuando vuelve a Tokio. Sin embargo, en el último momento trata de declararsele a Clef, sin mucho éxito (esto solamente en el anime, ya que en el manga, no hace mucho caso de este y de Ascot).

A título personal: A diferencia de Hikaru, el carisma de Umi era bastante patente. Su carácter arisco y gruñón, la hacía un personaje mucho más complejo y divertido, aparte de que su físico elegante hacía un contraste bastante marcado. Por ello, generalmente cuando tenía un cambio de humor, la dibujaban de manera chibi, para hacer más destacable su actitud infantil. Aunque su forma de ser era difícil por momentos, esto sin embargo, le permitia ser el termometro emocional del grupo y decir cosas que las demás no podían hacer.

Lamentablemente, a diferencia de Fuu o Hikaru, su evolución en el segundo arco fue de más a menos, ya que le quitaron un tanto su sentido del humor y la hicieron mucho más seria. Claro, era inevitable por la muerte de la princesa Esmeralda, pero en algunos momentos fue tan marcado que llegaba a ser un tanto chocante. Para colmo, su presencia se fue diluyendo para mal y un personaje tan carismático quedo de lado en muchos sentidos.

Sin embargo, Umi no se volvió mi personaje favorito y la razón es que era una distraída de primera, más en la cuestión amorosa. El personaje le restaba carisma, ya que pese a ser bastante precoz por momentos, que en esto no tuviese dos dedos de frente, era algo extraño y poco congruente. Aun con esto, Umi no dejaba de mostrar atractivo, elegancia y una personalidad que hizo que muchas fans de la serie se decantaran por este singular personaje.

Curiosamente, el atractivo de Umi era tan patente, que ella lucía los trajes más reveladores o sexys en su momento, como su traje de batalla final, donde no usa falda como el resto de sus compañeras o cuando es secuestra por las princesas de Cizeta, donde tuvo un vaporoso vestido árabe con el ombligo descubierto.

El doblaje en su momento volvió a dar dolores de cabeza a los fans, ya que Angelines Santana fue su voz para Latinoamérica. Como se había comentado en la entrada anterior, se llego a barajear un montón de actores para su voz, pero hasta hace pocos años, cuando se vio que su voz correspondía a dicha actriz (y que también le toco doblar en su momento, a la Jenny de Forrest Gump).

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Saludos a mi Guerrera mágica ^^, así a quienes gustan de esta serie.

Anime semanal: Pocos animes, pero de muy buena calidad

Ya estamos por entrar a la temporada de anime de primavera del 2015 y se avecinan series potentes como Digimon, Saint Seiya, así como otros animes que prometen mucho, a diferencia de la temporada de Invierno que fue bastante escueta, pero aun así, tuvo unas cuantas joyas de enorme calidad. Aparte de que muchos animes que venían de otoño o de temporadas más lejanas apenas van terminando. Esto hace que el resumen de esta temporada sea un tanto más rico y no tan pobre como esperaba.

Pero bueno, ya suficiente de jaleos y vamos a darle átomos al asunto.


-Log Horizon

Detalle técnico: El anime esta basado en las novelas ligeras escritas por Mamare Touno, que narran las aventuras de un grupo de jugadores de RPG en línea, que quedan atrapados en dicho videojuego y buscan la manera de salir adelante en un mundo lleno de batallas e incognitas. La primera temporada fue animada por el estudio Satelight y se emitió en la temporada de otoño del 2013 teniendo 25 episodios. La segunda temporada, el estudio Deen tomo el relevo con también 25 capítulos en la temporada homónima, pero del 2014.

Crítica: Log Horizon viene a representar la contraparte de Sword Art Online. En su momento, muchas consideraron que este anime venía a ser una copia o que quería aprovechar el éxito de SAO. Sin embargo, desde un primer momento, busco desmarcarse y lo hizo con bastante éxito, mostrando muchos aspectos y de manera muy rica (como el aspecto de la gente del pueblo, así los raids de batalla mucho más elaborados e intensos). Así que cuando dijeron que habría una segunda temporada, no dude en chutarmela semanalmente sin parar.

El problema es que esta segunda parte tiene un bajón en muchas líneas. Para empezar, el diseño y la animación son mucho más pobres (el cambio de estudio si afecto mucho la serie) y esto hace que la historia sea menos fluida (los personajes solo hablan, hay poca acción e interacción, lo cual demuestra que el estudio se enfoco en ahorrar dinero o esfuerzo). Para rematar, el guión tampoco ayuda mucho. Técnicamente, la temporada se puede resumir en 4 arcos argumentales: el raid de Shiroe/el entrenamiento de Akatsuki, la aventura de los 4 novatos de Log Horizon, el ataque hacia la gente del pueblo y el Raid final.

Mientras el primer arco es bastante potente, alternando la batalla de Shiroe con el desarrollo de Akatsuki, el segundo y tercer arco resultan pobres en acción, en trama y para colmo, introducen un montón de personajes y subtramas de lo más aburridas y sosas. Claro, algunas se nota que tendrán más relevancia (si Touno-san continua las novelas), pero la mayoría resultan abrumadoras, al grado que muchos y buenos personajes se diluyen con el paso de los episodios. Por supuesto, hay momentos de brillantez, como la historia personal de Isuzu, pero son pocos y terminan de ser poco contundentes. A tal nivel me resulto esto que en las últimas semanas, Log Horizon era de las series que dejaba al último para ver, ya que me dejaban bostezando o fastidiado. Por suerte, la cosa se recompuso con el cuarto arco, la batalla final, que es donde volvimos a ver el espíritu de la serie. Lamentablemente, el cortón resulto muy brusco y eso también le resto calidad.

En conclusión, "Log Horizon 2" se queda muy corta con respecto a su anterior temporada y se necesita una cierta dosis de paciencia como de tiempo libre para verla. Parece que el autor quiso abarcar tantas subtramas, que la serie se le escapo de las manos. Una lástima (y poco recomendable, ya que muchos se sentirán ofendidos por la baja de calidad).


-Shirobako

Detalles técnicos: una serie creada exclusiva para el anime, fue dirigida por Tsutomu Mizushima (conocido por ser el rector de productos como Genshiken Nidaime, Big Windup! o XXXholic) y fue una co-producción de WB Japan y el estudio P.A. Works. El anime se estreno en octubre del año pasado y tuvo en total 24 episodios.
La historia se enfoca en cinco chicas de preparatoria que tenían un club audiovisual y que buscaba emular un estudio de animación en forma. Al momento de la graduación, las protas juran volverse a encontrar y trabajar todas en el diseño y creación de un anime.
Han pasado los años y cada quien ha seguido su sueño: Miyamori se ha convertido en asistente de producción, Ema se ha convertido en animadora, Shizuka en seiyuu, Misa en animadora 3D y Midori en una aspirante a guionista. Por una feliz coincidencia, todas comienzan a cruzar sus destinos dentro del carismático pero pequeño estudio de Musashino.

Crítica: El anime revelación de la temporada de otoño (e inclusive de la que acaba de terminar). En sí, la serie es un slice of life, un anime de corte costumbrista, donde el realismo es la carta predominante del mismo, ya que la primicia es narrar las patoaventuras de un estudio de animación, desde el momento en que un proyecto le he es encargado hasta el momento de exhibirlo en las pantallas niponas. Si lo comparamos con otra obra, sería como el "Bakuman del anime". Y aun así me quedo corto porque Bakuman era un poco más relax, pero acá Shirobako se tomo en serio la producción de una animación en toda la regla. En lo personal, me encanto, ya que no solo veíamos los problemas y líos de los personajes, sino también ver como caían en reflexiones de honda importancia, pero sin abusar del sentimentalismo. Algunos tramos eran tan potentes que me despertaban un montón de emociones, desde alegría hasta tristeza (la parte donde Shizuka busca destacar en el mundo del Seiyuu me hizo sentirme identificado).

Tal vez el problema más grande que tiene este anime es que tienes ser un poco más geek de lo normal para poder disfrutarlo. Si te gusta más lo sencillo o un tópico muy específico, puede que te resulte muy pesado y hasta por momentos tedioso, ya que no hay acción, ni batallas, mucho menos romance. Todo se enfoca en ver como se saca a la luz un anime sin retrasos y con la mayor calidad posible. Léase, es una serie muy técnica y para muchos puede resultarle poco atractiva. Sin embargo, como a mi me encantan estas cosas, me la pase bomba y fue de esas series que esperaba con ansia cada semana, al grado que me deje de ver dos episodios seguidos para disfrutarlos con un tercero en un mini-maratón muy divertido.

En conclusión, "Shirobako" es divertida, amena, pero no es para todo público. Así que si te gusta lo técnico, te agradara y por mucho.


-Shigatsu wa kimi no uso.

Detalles técnicos: basada en el manga creado por Naoshi Arakawa, el cual fue editado por Kodansha y tuvo 11 volúmenes recopilatorios (el último salio a la venta en febrero de este año, un mes antes de que acabase el anime), la serie fue producida por el estudio A-1 Pictures y tuvo 22 episodios. Inicio su transmisión en la temporada de otoño del 2014.

Argumento: Kosei Arima es un chico de 14 años que en un tiempo fue un pianista prodigio. Sin embargo, por cuestiones del pasado, dejo esto por la paz y ahora se dedica a dormitar en la sala de música en sus tiempos libres. Un día, es llevado a la fuerza a una cita cuadruple, donde se encuentra con una preciosa chica, llamada Kaori y que es violinista. La personalidad, empuje y carisma de Kaori hace que Arima comience a salir de su caparacho y se considere el volver a tocar, aun pese a los fantasmas del pasado que lo acosan a cada momento.

Crítica: Este habría sido mi anime favorito de la temporada, sino hubiese sido por el final taaan horrendo que tuvo. Para colmo, el autor se encargo de fregarle la vida a Arima en todos sentidos. Al principio no lo noté, pero cuando un visor de la misma serie comenzó a quejarse de esta situación, fue cuando caí en cuenta de los deseos enfermizos de que el protagonista estuviese sufriendo por cada situación y todo por despertar su talento oculto o peor, para ir superando los problemas que había pasado previamente.
Para colmo, el último arco (el cual fue animado de manera integra del manga), es un vaivén en donde por momentos hay esperanza y luego nada. No sé, me parecio por momentos un tanto cruel y hasta masoquista. Hubo el chance de que el anime siguiese una línea argumental diferente, pero no fue así.

En fin, pese a esto, el anime es bastante potente y tiene unos personajes bastante bien desarrollados, pasando por el mismo protagonista, Kaori, Tsubaki y así otros secundarios que son formidables. Sin embargo, el que se lleva las palmas es la madre de Arima, que se nos muestra como un demonio pero luego vemos que no es así y tiene sus motivos para presionar a su hijo hasta un límite abrumador. Por cierto, el romance es algo común en este anime y lo vemos, no solo de manera diluida a cargo de Arima y Kaori, sino también a cargo de Tsubaki, que nos muestra un romance bastante precioso, de como se va gestando hasta completarse al final (de las pocas cosas buenas de ese desenlace bastante horrendo).

En conclusión, "Your Lie in April" es un buen anime, sin embargo, cae en ese rubro de series que son lacrimogenas y se justifica demasiado en este punto, sacrificando otras subtramas que eran igualmente potentes, como el romance entre los protagonistas, así el desperdicio de ciertos secundarios que tenían mucho punch (como la alumna de Arima, Nagi). Igual el autor planea una continuación (lo cual si ayudaría y bastante), solo que si es así, ojalá limite un poco el drama, porque por momentos si llego a ser excesivo. ¿Recomendable? Para quienes les guste chillar (como un servidor), les encantará.


-Saekano

Detalles técnicos: Basada en la novela ligera de Fumiaki Maruto, el anime de 12 episodios (el 11 y 12 emitidos de manera consecutiva en la semana pasada) fue producido por el estudio A-1 Pictures y apareció en las pantallas japonesas en enero de este año.

Argumento: Tomoya Aki es un otaku medio chiflado y bastante engreído, y es que tiene como sueño hacer un videojuego de citas, luego de ver a una preciosa chica en la cima de una colina. Por lo tanto, se da a la tarea de reclutar a Sawamura (una chica mitad japo, mitad extranjera que es bastante linda pero en sus tiempos libres es una dibujante de doujinshis de tipo erótico), así a Utaha (estudiante ejemplar pero que oculta su identidad como escritora de novelas ligeras un tanto picantes) como a Kato Megumi (la chica que vió en lo alto de la colina, pero que lejos del prototipo, es una chica normal pero con mucho sentido común) y finamente a Michiru (la prima guapa y curvilínea pero que sabe hacer música). Todo esto para crear el mejor juego de citas de la historia.

Crítica: Este fue uno de los tres animes que vi en esta temporada (sí, solo tres y para colmo, uno que es bastante bueno no lo podré reseñar, ya que aun no acaba). Y aunque Saekano puede caer en el tópico del harem común y corriente, en realidad es bastante divertido y la forma de desarrollar la trama es muy agradable, ya que los personajes son muy dispares entre sí. Aparte, al fin vemos un protagonista mucho más movido, listo y entusiasta que el promedio (que generalmente solo es un pedazo de carne, un bulto que es manoseado y acosado por todas las chicas). Sin embargo, el punto más fuerte viene a recaer sobre Kato-san. Aunque ella se convierte en la chica a idealizar, en realidad como ya comente, es una joven común y corriente, bastante tranquila y relajada. Con su personalidad, ayuda a ser una contraparte a la vorágine en que los demás personajes se meten. Sin embargo, también tiene sus puntadas de pícardia o de humor, lo cual hace impredecible al personaje y a la vez sumamente carismático.

El problema viene a ser algo común en esta serie: el fanservice. Sí, algunas tomas son eróticas y tienen su pegue, pero cuando las ves cada 10 segundos, la cosa se pone horrenda y hasta fastidiosa. Esto se ve sobre todo en los episodios donde aparece Michiru, donde la situación es tan repetitiva que tuve que ponerme a avanzar el capítulo en contadas ocasiones, porque solo veíamos los atributos de la chica y el dialogo era meramente irrelevante (o peor, con doble sentido). Lamentablemente, este rubro le termino restando punch a un anime que tenía buenos elementos para ser brillante o para aprovechar muchas subtramas que aparecían de repente.

En conclusión, "Saekano" es una serie harem brillante, divertida, pero que abusa demasiado de algunos cliches (en especial del fanservice), pero que fuera de eso, tiene unos personajes muy carismáticos, un protagonista que realmente hace honor a su posición y una chica como Kato, que no cae en algún rubro conocido, lo cual la hace única en muchos sentidos. ¿Recomendable? Bastante y lo peor, es que puede gustarle a cualquiera (digo peor, porque muchos irán por el fanservice, mala idea, pero bueno).


-Kamisama Hajimemashita 2

Detalles técnicos: La segunda parte del éxitoso manga de Julietta Suzuki, la primera temporada se estreno en la temporada de otoño del 2012. TMS fue el estudio que se encargo de animar tanto la primera como la segunda tempora, está que vio la luz en la temporada reciente en enero de este año.
Como dato curioso, la serie tuvo tal empuje que en México fue comprada por Kora Internacional y pronto saldra en formato casero en el país.
El argumento ya es harto conocido: Nanami es una chica que es expulsada de su casa debido a las frecuentes deudas de su padre. Llega a un templo, del cual el Dios de la Tierra es el regente. El susodicho le entrega su poder y las llaves de dicho lugar para que ahora sea una diosa. Claro, no cuenta conque ahora tenga un familiar bastante gruñón llamado Tomoe, que le ayudará a lidiar con sus nuevas funciones como entidad celestial.

Crítica:La primera temporada de esta serie me parecio buena, pero a secas. La autora se apegaba a muchos clichés harto conocidos en los shoujos (chica inocente, coprotagonista atractivo pero gruñete, situaciones cómico-románticas escatalónicas, bishonen por todos lados, etc. etc.). Pero como tengo gustos de chiquilla, me termino gustando, así que me agrado cuando anunciaron una segunda temporada.

Sin embargo, debo decir que está es muchísimo mejor que la primera. Y es algo lógico, ya que la predecesora sirvió para presentar a los personajes y ahora se enfocan en el desarrollo y debo decir que la autora lo hace bastante bien, a base de subtramas y arcos argumentales que tienen bastante potencia, incluyendo uno donde vemos el origen de Kurama. También la autora comienza a darle más pegue a Nanami, no solo por su lindeza e inocencia, sino en ver su crecimiento como diosa, al incluirle un shikigami como Mamoru, con el cual es capaz de amplificar su fuerza y ayudar en labores de purificación.

Sinceramente, disfrute muchísimo esta temporada y de repente algunos episodios tenían un aire muy shonen, lo cual le daba un plus no solo a la misma serie, sino a los personajes. A diferencia de la anterior temporada que cada capítulo me costaba un tanto verlo, acá era de los primeros en verme y lo hacía con gran gusto. Tal vez por momentos se caía en los clichés de siempre, pero estos eran mucho más esporádicos y aparte combinados con otras situaciones que los hacían divertidos.

En conclusión, "Soy una Diosa y ahora que? 2" (no voy a chutarme todo el título en japo) fue una agradable sorpresa y aunque algunas subtramas podrían resultar predecibles, en realidad la autora las recicla de buena forma y logra un producto mucho más redondo. Ahora a ver cuando sale la tercera temporada. Recomendable para los fans del shojo, pero también para quienes tienen un criterio más amplio.

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Ya espero en una próxima entrada reseñar tres animes que me faltaron, pero por cuestiones que comentare en su momento, no pude hacerlo.

Saludos a mi Nanami ^^, así quienes gustan del anime.