Semana Ghibli: Mis Vecinos los Yamada y Susurros del Corazón

Hace unos meses, quien sabe porque, me comenzó una manía "Ghibli" bastante intensa. Me chute al menos una película del estudio nipón, 1 vez por mes y así pude ponerme al tiro con varios filmes que tenía pendientes o que hace mucho tiempo no revisitaba. Un ejemplo claro es el de "Porco Rosso".

Sin embargo, al terminar de ver este último, se me bajó el ánimo de seguir viendo Ghibli. La razón es que la última la vi con mi mujer (por tercera vez en el año) y debo decir que sali bastante mal librado de ella. La razón es que ella no le gusto dicho filme. Mi mujer es una persona bastante estricta con lo que ve, lee o disfruta. No es como yo, que técnicamente soy un "mercenario" y me contentó con cualquier cosa que me pongan enfrente. No, con ella la cuestión es darle algo de calidad, que la entretenga y que la disfrute totalmente. Lógico, no tardo en darme una crítica de la película bastante dura, pero cierta.

Esto no significa que Porco Rosso sea mala, pero ya había comentado de las debilidades estructurales de dicha película y que la hacen un tanto tediosa, si no eres fan obseso de los aviones como Miyazaki. Así que al ver su expresión de hastío, dude en presentarle otra película que me había encantado, "Susurros del Corazón". Por suerte, la cosa fue totalmente distinta y debo decir que recupere mi confianza para mostrarle cosas (entre ellas, "Ore Monogatari", pero eso, es otra historia). Así que aquí vamos, con la crítica, no solo a esta, sino a la cómica pero divertida, "Mis vecinos los Yamada".

Ficha técnica: Susurros del Corazón.
País involucrado:Japón.
Año:1995
Productora: Studio Ghibli.
Idioma: Japonés.
Dirección: Yoshifumi Kondo.
Guión: Hayao Miyazaki.

Argumento: Shizuku es una adolescente que está a punto de entrar en la preparatoria. Sin embargo, en lugar de dedicarse al estudio como sus compañeras, se dedica a leer libros de fantasía. En una de sus visitas a la biblioteca, encuentra que un chico ha sacado los mismos libros que ella, lo cual le despierta bastante curiosidad. Precisamente esto, provoca que siga a un gato hasta una tienda de antigüedades, donde ve la figura del "Barón", un gato vestido como un gentleman y que tiene unos hermosos ojos esmeralda. El encuentro con dicha figura y con el propietario de la misma, hará que comience a cambiar, no solo su rutina, sino la perspectiva que tiene de la vida misma.

Historia: Tal vez de las mejores películas del estudio Ghibli. Hago constar que el filme fue guionizado por Hayao Miyazaki (adaptado de un manga shojo hecho por Aoi Hiiragi), pero dirigido por el gran Yoshifumi Kondô. Obvio, esta información la recabe posterior al terminar de visionar el filme y me lleve mi buena sorpresa. La razón es que hace unos meses, mientras hablaba con otro fan del estudio Ghibli por twitter, caí en cuenta que tenía razón en algo: Miyazaki está demasiado sobrevalorado. Que muchos freaks o fans digan que es lo mejor de lo mejor, es sencillamente por querer parecer cool, pero si pongo en contexto sus argumentos o historias, estos resultan muy pálidos, con poca conexión y para colmo, repletos de momentos oníricos. Tal vez por eso me gusto tanto "Se levanta el Viento", porque pese a tenerlos y en buena cantidad, es mucho menor a otras películas como el Viaje de Chihiro, Ponyo o Momonoke. La razón que Totoro no abuse de esto, menos aun Nausicaa, es porque el buen Miyazaki aun iniciaba en estos deberes. En cambio, si vemos "El castillo Ambulante", es curioso ver las partes que Miyazaki incorporó, donde el onirismo está en su máximo esplendor. Claro, no lo veo como algo malo, pero a mi particular impresión, le resta mucha potencia. Esto provoca que mucha gente haga muecas al ver películas del estudio y tacharlas de aburridas, mientras que la de otros directores, como Takahata, les resulte más divertidas o amenas.
Por ello, que Miyazaki haya guionizado esta película, me sorprendió, ya que la película es la historia "realista" de una jovencita que está en las viscicitudes de la juventud, entre ser alguien más del montón o buscar su propio destino, a costa de lo que los demás digan. Debo decir que la película empieza lento, pero a partir del minuto 20, la cosa se acelera y a un nivel soberbio. Como prueba, mi mujer que soltó un par de bostezos al principio, no puro parar, aun cuando teníamos muchos pendientes en casa, pero ella era de "no, no le apagues todavía, quiero seguir viendo". Y es que el viaje en que se mete Shizuku es tan impresionante, pero apegadísimo a lo que uno le acontede a diario. Y los momentos que parecen enlentecerse, están llenos de detalles y guiños. Es como un director como Kondo hacía de las suyas, al meter esos instantes de animación soberbios. Aparte, la historia del "Barón" me pareció preciosa, única. Lástima que en la película que trataron de emularlo por segunda vez, no salieran las cosas tan bien.

Personajes: Si la historia es formidable, los personajes son aun más carismáticos. Shizuku parece ser al principio la típica chica de "Ghibli", pero luego la vemos más insegura, más indecisa, pero hace que el abanico de su personalidad se amplie por todos lados. Me sorprendió ver su crecimiento, tanto emocional como de carácter, al grado que verla los últimos 10 minutos, no podía dejar de admirarla. Para rematar, la contraparte, Seiji, es igualmente carismático. Aunque también parece el típico varón "Ghibli", luego vemos que tiene complejidad y se hace un personaje no solo revelante en el crecimiento de la protagonista, sino ser una historia aparte. Por supuesto, los secundarios son estupendos y ver a la familia de Shizuko o el abuelo de Seiji, es una delicia.

Animación: Yoshifumi Kondô demostró porque en su momento era la mejor promesa del estudio y es que la animación de esta película es brillante. Se aleja un tanto de algunos movimientos tan estereotipados del estudio (como esas secuencias de correr con los brazos extendidos) y crea un modo distinto de animar los movimientos de los personajes, lo cual de repente me ubicaba en una película Ghibli y a la vez "no Ghibli". Por supuesto, si se mantuvieron los paisajes, el modo de enfocarlos, pero para nada me desagrado dicho efecto y ya como he dicho en otras películas del estudio, le da un "plus" al filme.

Música: Yuji Nomi hizo un buen soundtrack, pero lo mejor son los "corales" de la misma. Para esta ocasión, Miyazaki pidió utilizar la rola de Olivia Newton John que hizo famosa a su manera: Country Roads (original de John Denver), la cual es la melodía central del filme y que luego se escucha su versión japonesa y que es brutalmente buena. Digo, la primera vez que la escuche, no pude quitarmela de la cabeza por días y es que no solo pegaba en el filme, sino en el momento que la utilizaron. Es cuando la música se vuelve una forma de "contar" y no solo un recurso más.

Doblaje: Ya me he quejado del doblaje que han hecho en México sobre varias películas del estudio Ghibli. Sin embargo, este filme tiene no solo unas voces "indicadas", sino hacen una estupenda interpretación. Desirée Sandoval hace un gran trabajo como Shizuku. Tal vez el único detalle extraño fue escuchar la voz de "Bones" (Clemen Larumbe) en personajes muy jóvenes, lo cual me desentono un tanto.

Curiosidades: Susurros del Corazón fue la séptima película del estudio Ghibli y salió en 1995, posterior al estreno de Pompoko en 1994. Yoshifumi Kondô fue el encargado de dirigirla y su estreno tuvo un gran éxito en Japón. Sin embargo, también fue durante la época en que Miyazaki seguía peleado con Disney, lo cual motivó que su estreno fuese muy limitado y solo en años recientes, fuese dada a conocer de manera internacional. Kondo se enfiló como la nueva estrella de Ghibli a raíz del éxito de este filme, pero su muerte repentina en 1998, por un aneurisma (supuestamente desarrollado por el estrés debido al trabajo), provocó que Miyazaki se retirase parcialmente en 1998, luego del estreno de la Principe Momonoke.
El tema central de la película, el comentado Country Roads, es una canción muy laureada en Japón, lo cual provocó que la melodía tuviese un segundo aire en dicho país, al momento de su estreno (inclusive, hoy en día en el tubo se puede encontrar un video original de Olivia Newton John interpretando dicha rola, con subtítulos en japonés).

A título personal: ¿Qué puedo decir? Junto con el Castillo Ambulante, Totoro y la Colina de las Amapolas, este filme es de mis cinco favoritos del estudio Ghibli. Y para colmo, el mentado filme no apela a la fantasía excesiva o el onirismo clásico del estudio, mucho menos al dramatismo tan pesado de Takahata. Al contrario, vemos una historia realista, con personajes muy complejos y la pequeña dosis de fantasía, solo sirve para reforzar más la realidad que vivimos. No sé, cuando la termine de ver (mientras limpiaba la casa), me dejo muy contento. Son de esas películas que la ves, la disfrutas y te deja esa sensación de satisfacción, como si pensarás: "este día valió la pena". Y lo mejor, es que al revisionarla con mi esposa, la sensación no menguaba. Creo el mejor momento de la película, es cuando Shizuku canta "Country Roads" en compañía de la banda del abuelo (con instrumentos renacentistas y toda la cosa) y del propio Seiji.

"Susurros del Corazón", en conclusión, es una película altamente recomendable. Es de lo mejorcito de Ghibli y para colmo, de las menos conocidas. Tal vez el hecho de ver en las imagenes promocionales a un gato vestido con traje y una chica con un vestido ornamental saque un poco de onda y crea prejuicios, pero está es de las películas más potentes y realistas del estudio. Cualquiera la puede disfrutar y sin problemas.

Ficha técnica: Mis Vecinos los Yamada.
País involucrado: Japón.
Año:1999
Productora: Estudio Ghibli.
Idioma: japonés.
Dirección: Isao Takahata.
Guión: Isao Takahata y Hisaichii Ichii. 

Argumento: la película sigue las "aventuras y desventuras" de la familia Yamada, integrada por el padre, la madre, sus dos hijos (uno mayor ya preparatoriano y la chiquita que apenas va en preescolar) y la abuela.

Historia: con el argumento que acabó de describir, uno diría que "Mis Vecinos los Yamada" fuese una película bastante simple. Y sí, lo es. Técnicamente el filme es como una versión más madura, menos cómica (aunque aun así es muy divertida) de Shin-chan. Sí, no solo hablo por la forma de describir el filme, donde se compone de varios "omakes" animados, que consisten en describir momentos bastante íconicos de la familia Yamada (por ejemplo, cuando a la madre le comienza a dar flojera y utiliza a su hijo para que haga la comida), con el hecho de despertarnos risas, vergüenza ajena o sencilla empatía. Esto se adosa porque los dibujos empleados en la película son bastante tipo "caricatura" y lógico, quienes somos de la generación del chamaco que enseñaba el trasero, nos traiga una pequeña reminiscencia al ver la película.
Debo decir que al principio me sorprendió, porque pensaba encontrarme una película muy dramática o seria, siendo Takahata el director (y también guionista, junto con Hisaichii Ichii, el caricaturista original de la familia Yamada). Pero en realidad la comedia rezuma por todos lados y más de una vez, no puedes evitar soltar la carcajada o mínimo la sonrisa complice, ya que cada personaje esta diseñado para que empatices con él (sea seas un hijo, padre o arrimado, jeje).
Sin embargo, Takahata parece que no puede evitar reprimir su manía seria y los inicios del filme, como el final del mismo, se pone demasiado serio, al grado que iniciarlo me costó (casi un mes) y terminarlo, no tanto, pero luego de ver un tercio medio magnífico, donde vemos al padre tratando de correr a unos moteros o como este se queja de su familia, pero luego como todos llegan a recogerlo afuera del supermercado, con paraguas en manos, casi pensé que había llegado con una de las mejores historias del estudio. Sin embargo, la historia se desinfla muy feo y ya no se hace tan disfrutable en su último tercio.

Personajes: Curiosamente, de las cosas que menos brillan, son los charas. Sí, te hacen reír, y hasta sufres con ellos, pero son bastante estereotipados y lógico, por el formato del filme, son muy cuadrados y no tienen evolución. Obvio cada uno cumple con un rol (el padre trabajador pero cobarde, la madre floja pero cariñosa, el hijo flojonazo pero soñador, la hija inteligente y la abuela sabia pero con un colmillo largo y retorcido) y precisamente por este, uno llega a verlos simpáticos, pero su nulo desarrollo y por momentos, el apego tan poderoso al rol, provoca que en los momentos que esperaba algo más, se quedan bastante cortos.

Música: Akiko Yano cumple con su papel y hace un BGM curioso, divertido, pero nada emblemático. Pasa a la historia sin problemas.

Animación: lógico, el diseño de personajes y sus movimientos quedan muy reducidos, debido al formato en que se desarrolla el filme (monigotes medio feos, con movimientos recortados, como si estuvieses viendo las comiquitas - cartoons - del periódico). Sin embargo, me gustó mucho que ese contexto se ampliase cuando el padre va a confrontar a los moteros, porque allí pusieron una animación bastante chula del asunto.

Doblaje: pensé que las voces de Cuernavaca no iban a empalmar, pero nuevamente me llevo otra agradable sorpresa. Escuchar a la gran Patricia Mainou como la "madre" y darle un tono entre jocoso y serio, fue espectacular. Igual Héctor Rocha lo hace genial con el hijo mayor, ni se diga Clemen Larumbe, que sabe encajar al chara de la abuela. El único que no me convenció tanto, fue Bernardo Rodríguez como el "papá".

Curiosidades: Mis Vecinos los Yamadas es una adaptación de una tira cómica emitada en periódicos japoneses por allá de 1991 y que tuvieron bastante éxito. La película fue la primera del estudio en realizarse totalmente en ordenador, aunque lamentablemente, no tuvo éxito económico esperado y fue una gran caída, con respecto a la princesa Momonoke. Fue la última película que dirigió Takahata, hasta la aparición de la princesa Kaguya.

A título personal: esta película le tenía ganas desde hacía mucho tiempo. La primicia, la animación y el diseño de los personajes me llamaba muchísimo la atención. Sin embargo, por x o y motivo siempre lo dejaba para después. Fue hasta que me dió una manía por ver películas de Ghibli hace unos 3 meses, que la descargue (sorry por la piratería) y comence a verla. Pero como dije, el inicio tan árido y extraño me hizo dejarla enlatada un mes, hasta que supere el minuto 17. De allí, la película se vuelve divertídisima, amena y te suelta una que otra carcajada. Lamentablemente, también como ya comenté, se truena en los últimos 10 minutos y todo termina de manera muy onírica (cuando el tono había sido bastante costumbrista).

En conclusión, "Mis Vecinos los Yamada" es una película buena, pero muy irregular. El tercio medio es estupendo, pero también de repente tiene unos "omakes" muy divertidos y otros no tanto. Y aunque me queje del inicio o el final, estos también tienen sus puntos buenos. En fin, es un problema normal, dado que la película se enfoca en exponer viñetas de máximo 5 minutos y cada una tiene diferentes puntos. Cierto que es original, pero el producto final en la pantalla, puede aburrir o ser tedioso por momentos. ¿Recomendable? Pues sí, pero solo para el público conocedor del estudio. A los legos, les parecerá un tanto extraña, más si no eres fan de las viscicitudes que se manejan en la cultura japonesa.

-----------------------------------------------------------------

Saludos a mi esposa ^^ que adoro, así a quienes gustan de este tipo de películas. Por cierto, arriba dejo el tema de Country Roads, para que lo disfruten.

El Castillo Ambulante: el libro que inspiró a Miyazaki

Si algo me impresiono de mi esposa cuando la conocí fue la cantidad de similitudes pero a la vez de diferencias que teníamos respecto de uno con el otro. Para empezar, nos gustaba el anime y el manga, pero en diferente grado y en diferente tópico. Gracias a ella pude chutarme en su momento mangas que hubiese dejado de lado, como Karekano o Fruits Basket. Y este ejemplo puede servir de referencia, no solo a esta afición, sino también a otras, como el cine, la comida o la forma de ver la vida.

Sin embargo, un tema que tocamos insistentemente al inicio de nuestra relación, fue el gusto que teníamos por las películas del estudio Ghibli. Por supuesto, para la mayoría de las parejas que gustan del buen cine y aun más del tipo nipón, es un tema obligado y por suerte, mi mujer pronto hizo ver una de las cualidades por las cuales me case con ella y ha sido su capacidad para hacer una crítica lo bastante amplia de las cosas sin tomar demasiados apasionamientos. Por lo tanto, como he comentado hasta el hartazgo, siempre se convierte en un punto de referencia para hacer una crítica de cine (y de allí que mis comentarios varíen cuando veo una película a solas, a cuando lo hago con ella).

¿Para que echar tanto este rollo? La razón es que esto me sirve de preámbulo para hablar de una franquicia que marco nuestra relación. Sí, como hay canciones que muchos novios al escucharla les recuerda a ellos, en este caso, "El Castillo Ambulante", se convirtió en uno de los temas de conversación recurrentes desde entonces hasta la fecha, la cual se vio reforzada cuando la Editorial Berenice decidió traer los libros de Wynne Jones. Muy en especial ese que inspiro a Hayao Miyazaki a realizar una de sus obras más exitosas: El Castillo Vagabundo.


El castillo ambulante (título original: Howl's Moving Castle) es una novela fantástica de la autora británica Diana Wynne Jones, publicada por primera vez en 1986. En 1990 se publicó una secuela, titulada Castle in the Air. Una segunda secuela, House of Many Ways apareció en junio de 2008.


Hace un par de años, un domingo cualquiera, mi mujer y un servidor decidimos quedarnos a comer en casa y mientras lo hacíamos, decidí poner una de las películas que habíamos adquirido recientemente y que era parte de un pack de Ghibli que ahora se venden de manera corriente en varias tiendas del país. La elegida, fue "El castillo Vagabundo".

La sobremesa fue bastante amena y de repente mi esposa me pregunto si Miyazaki se había inspirado en algo para hacer dicha película. Así como buen curioso, no tarde en buscar en la red y me lleve la sorpresa de que había tomado como base, el libro de una renombrada escritora inglesa.

Por supuesto, comencé a ver como conseguir dicha obra, nuevamente por mera curiosidad y resulta que en México ya se vendía. Así que no tarde en adquirirlo y regalárselo a mi mujer. Al principio tuvo un tanto de reticencia al leerlo, porque sabemos que los libros varían demasiado con respecto a las películas y tenía miedo de que una de sus películas favoritas se viese perjudicada. Sin embargo, se llevo una sorpresa muy agradable y vamos a ver porque.

"El Castillo Ambulante" forma parte de una trilogía de libros escritos por la inglesa Diana Wynne Jones.

Nacida en 1934, le tocó los rigores de la guerra de manera bastante cruda, mientras sus padres, dos educadores, llevaban a ella y a sus dos hermanos menores por varias ciudades de Inglaterra, hasta que finalmente se establecio en Thaxted en Essex. Estudio la universidad en una de las escuelas afiliadas al conjunto de Oxford y en ese tiempo fue cuando asistió a las conferencias de C.S. Lewis y de J.R.R. Tolkien, lo cual le ayudo a afilar un tanto el estilo literario que luego mostraría. Se caso en 1956 con John Burrow, un estudiante de filosofía medieval. Estuvo del tingo al tango entre Oxford y Bristol, hasta que se establecio oficialmente en esta ciudad hasta el día de su muerte, la cual acontenció en el 2011.

La escritora se enfoco en los libros de corte juvenil, de los cuales destacaron dos sagas: la de Chrestomanci y la del Castillo Ambulante de Howl. Esta última se compone de tres libros, los cuales salieron a la venta en 1986, 1990 y en el 2008. Por supuesto, la primera es la que nos compete al momento y es la del Castillo Ambulante.

¿Y de qué va esta cosa?  
En un reino muy lejano, donde la magia existe de manera palpable, una jovencita tímida llamado Sophie se encuentra como regente de una tienda de sombreros que le pertenece a su madre. En una salida, se encuentra con un poderoso y carismático mago llamado Howl y Sophie se siente atraída hacia él. Sin embargo, debido a su carácter, vuelve otra vez a la tienda sin animarse a nada más. En el trajín, conoce a la Bruja Calamidad, que le embruja, volviéndola una anciana de casi 90 años. Acomplejada por esto, Sophie se embarca en una aventura para romper el hechizo, mientras vuelve a encontrar a Howl y su misterioso Castillo Ambulante. 

Cuando mi esposa me dió el libro (luego de chutarselo en un tiempo record), en una frase me resumió la esencia del mismo: "Es ameno y fácil de leer".
Una de las cualidades que muestra la autora con esta obra es una prosa limpia, sin muchos tapujos y sin tantas descripciones, con unos dialogos bastante divertidos y sobre todo, con unos personajes muy carismáticos (si Calcifer en la película es carismático, en el libro es una botana). Cierto que el libro es de tipo juvenil, es decir, que esta enfocado para edades más noveles y por lo tanto, su escritura no es nada laboriosa. Sin embargo, Wynne Jones sabe construir no solo una excelente trama, si no también personajes que son complejos y a la vez fáciles de entender.
Aparte, se nota la influencia de muchos autores de literatura inglesa, ya que el libro tiene referencias por doquier, desde nombres de tipo arturíco, hasta de la trilogía del Señor de los Anillos de Tolkien. 

Cuando me di cuenta, la primera vez que comencé a leerlo acabe hasta la página 90. No porque fuese sencillo de leer, sino porque estaba emocionado con la trama. Es cierto que ya conocía un tanto (gracias a la película del buen Miyazaki), pero aun así, te entretiene tanto el libraco que no te das cuenta y deseas leer más y más (inclusive mi comadre me lo confirmó cuando le prestamos el libro). Lamentablemente, pese a la cantidad de cualidades que tiene esta obra, también tiene unas fallas bastante fuertes.

Para empezar, los dos primeros tercios del libro son extremadamente potentes, pero en el último, no sé que pasa, pero se desinfla todo de manera muy fuerte. Tal vez la autora no sabía como terminarlo o el final resulta demasiado prototipo y por ello desentona de manera profunda con el resto del libro. Aparte, hay una buena cantidad de subtramas que la autora también deja de lado y que tenían un altísimo potencial (como el ayudante de Howl o lo sucedido con otros magos que existen). Esto se agudiza, sí, otra vez en el último tercio y te deja con un extraño sabor de boca. Desgraciadamente, parece que la cosa termina así, porque a que pese los siguientes libros son una especie de continuación, a la vez no, por lo cual uno se queda con varias dudas.

Ahora, ¿Qué diferencias hay entre el libro y la película? Antes de comenzar, debo decir que en su momento, Hayao Miyazaki fue directamente con la autora a pedirle autorización para adaptar su obra. Wynne Jones se mostró reticente en su momento, pero terminó aceptando. Como agradecimiento, Miyazaki le llevo una copia del filme antes de su estreno para verla en casa y la autora quedo sorprendida como contenta con dicha adaptación.

Como es lógico, la película es una versión recortada del libro, ya que al menos la primera mitad esta casi idéntica entre ambas obras. Por supuesto, muchos detalles de la vida de Sophie no pudieron plasmarse en la película, pero Miyazaki hace un gran trabajo al sintetizar en algunos momentos, el origen de la personalidad de la protagonista. En cambio, la segunda parte es la que más varía, ya que mientras Miyazaki tomo un derrotero netamente militar/pacífista, la obra de Wynne Jones continua las andanzas de Sophie en compañía de Howl, no solo para solucionar sus problemas, sino los que tiene Howl con medio mundo, lo cual un final, que ya como comente, es medio extraño.

Un punto que si varió drasticamente fue el corte o cambio de bando de algunos personajes. Por ejemplo, una de las hermanas de Sophie fue recortada de la película, mientras que Sulaimán no solo cambiaría de sexo, sino también de intenciones. Pero el que más cambio fue el ayudante de Howl, que mientras en la película era un simpático chámaco, en la novela es un joven un tanto despistado.
Sin embargo, ambas obras son espectaculares a su manera de ver. Y aquí es donde se demuestra el genio de Hayao Miyazaki, ya que supo adaptar y hacer una obra a su estilo, pero sin perder el espíritu del libro, el cual también es bastante potente.

En conclusión, "El Castillo Ambulante" es un libro estupendo. Fácil de leer, pero muy entretenido y con unos personajes entrañables. Aunque muchos se alejan de este, porque es una novela juvenil, en realidad es muy disfrutable. Altamente recomendable.
En México se puede conseguir en cualquier librería, mediante la editorial Berenice. Por cierto, abajo dejo una entrevista que le hicieron a la autora con respecto a la película de Miyazaki. Vale la pena verla (y esta subtitulada).

-----------------------------------------------------------

Saludos a mi Sophie ^^, así a quienes gustan de este tipo de libros.

Porco Rosso: la pasión de Miyazaki en los aviones

En los últimos años he vuelto a meterme en el universo de Ghibli de manera intensa. Técnicamente, me he chutado en el último año al menos 4 producciones del gran Hayao Miyazaki o de alguno de sus allegados. Sin embargo, creo que estaba cometiendo un error bastante común y era el no reseñar o hablar de algunas películas que había visto hace bastante tiempo. Justo, Porco Rosso, es una de ellas.

Así que sin perder tiempo, vamos a darle duro a esta reseña de una de mis películas favoritas del estudio, no solo por su trama, sino por el contexto de los hidroaviones y de la Italia Fascista de los años treinta.


Antecedentes: Porco Rosso viene a ser el séptimo largometraje del estudio Ghibli y el quinto en que dirigió personalmente el gran Hayao Miyazaki. Para 1991, luego del éxito que había tenido su compadre Isao Takahata con "Recuerdos del Ayer", Miyazaki ya preparaba una nueva producción, pero en este caso, un cortometraje que se iba a exhibir primeramente en Japan Airlines, como promoción. Este, estaba basado en un manga que había hecho un par de años antes, The Age of the flying Boat, donde ya vemos varios conceptos que le encantaban a Miyazaki: los aviones, los cerdos y las chicas inteligentes.
Sin embargo, Miyazaki vió el potencial de dicho corto y decidió ampliarlo a una película de al menos 90 minutos. Curiosamente, a Japan Airlines les gusto el nuevo proyecto e inclusive decidieron patrocinarlo. En su momento, el filme iba a ser un tanto cómico, pero justo en plena producción, comenzó la guerra de los Balcanes y Miyazaki decidió darle un tono un tanto más serio (esto debido a que la película se ubica en el Mar Adriático, una franja de agua que sirve de frontera natural para Italia y la península Balcánica, en especial a Yugoslavia y sus países), pregonando un mensaje antibelicista bastante marcado. Finalmente, la película se estreno en julio de 1992 con un éxito rotundo en su país natal. Fue tal el impacto que tuvo que en Europa, tanto en Francia como España, hubo emisiones reducidas de la película en festivales internacionales y gano distintos premios. Solo a partir del 2003, fue cuando EUA comenzó a tener distribución de la película (luego de que Miyazaki les perdonara la vida a raíz del chasco de Nausica). En México no pudimos disfrutarla en cartelera, solo su edición en video en el 2010. Sin embargo, fue emitida por la cadena HBO, esto a finales de la década de los noventas.

Argumento: Estamos en la Italia de los años treinta. Debido a la Gran Depresión, la gente decidió cambiar de gobierno por uno de corte fascista, que ha comenzado a reprimir a forajidos, cazarrecompensas y otros truhanes que viven del robo debido a la crisis económica. Uno de estos, es Porco Rosso (Marco Pagot), un hombre con cara de cerdo, que a bordo de su hidroavión de color rojo, ha logrado no solo escapar de la Fuerza Aerea, sino también de sus rivales de profesión. Un día, los piratas se hartan de él y deciden contratar a un americano llamado Donald Curtis, para que lo venza. En el enfrentamiento, el avión de Porco queda dañado severamente y no tiene opción que ir a Milán a reconstruirlo, gracias a la compañía Piccolo y al apoyo de Fio, la nieta del fundador.

Historia: Uno bien sabe que hablar de las películas de Ghibli, y en especial las de Miyazaki, es que pese a su preciosismo en muchas áreas, la historia no es uno de sus puntos más fuertes. Y para prueba de ello, lo comprobe con mi mujer, con la la cual la volví a ver hace unas horas. Cuando ella comienza a preguntar constantemente ¿Y por qué...? es que la historia tiene un montón de agujeros. Y es un defecto bastante "pronunciado" con las películas de Miyazaki, ya que el argumento tiende a ser un poco flojo y a veces solamente se crea para justificar algunos movimientos de cámara o momentos harto emblemáticos. Claro, muchos podrán argumentar que es una historia a la "japo" y que crear algo más coherente sería sacrificar la esencia de la obra, pero también me suena a una forma de justificar el inmenso amor que muchos le tienen a Miyazaki. Yo también se lo tengo y en su momento (hace unos años y ahora, cuando la volví a revisitar) pensé que era una joya, pero mi esposa me sirve de referencia objetiva y me hizo ver que efectivamente, la historia no tiene ni pies ni cabeza, así que su ritmo llega a ser lento por algunos momentos y en otros instantes, demasiado rápido. Eso no significa que sea complicada, pero se dejan muchos cabos sueltos y eso tiende a que un espectador promedio o con una onda diferente, se quede un tanto desconcertado. Si lo comparo con otras películas del estudio, lamentablemente Porco Rosso tiene algunas debilidades de historia bastante marcadas. Aun así, tiene momentos bastante memorables, como la estancia de Porco en Milán, que ejemplifican mucha de la filosofía del trabajo que tiene el buen Miyazaki.

Personajes: Ahora vamos con la contraparte del guión y es que en este filme tenemos unos personajes entrañables por donde uno se le vea. Para empezar, tenemos al protagonista, Marco Pagot, que es un piloto con tendencias pacífistas, que busca vivir tranquilamente y al límite, sin apegarse demasiado a algo (en parte por lo que ha vivido y en parte por como es). Curiosamente, para ser un protagonista masculino (algo raro en la baraja de Miyazaki), el personaje esta bien delineado y es muy carismático. Luego tenemos a Fio, la chcia "Miyazaki" por excelencia, que representa a una joven lista, inocente pero bastante enérgica. De allí nos vamos a Gina, Curtis, los piratas del aire, que aunque aparecen poco, van teniendo su rol y su protagonismo de manera entrañable. No es extrañar que muchos fans de la película y del estudio hayan pedido en su momento una continuación, ya que con estos pedazos de personajes, hay de donde exprimir y mucho.
Escenarios: Otro punto muy fuerte son los fondos, que destacan por su belleza, no solo natural (se nota que Miyazaki se paseo por todo el Mar Adriático) sino también por la tomas que se realiza de dichos paisajes. Las partes en que el avión de Porco es como un diminuto insecto mientras atraviesa el cielo, son brillantes. Aquí es donde se entiende la pasión del autor por los aviones.
Diseños: Otra genialidad de Miyazaki. Los aviones, pasando por el hidroavión de Porco hasta el de Curtis, son estupendos. Tal vez se pasa un poco de lanza con los aviones de los piratas, pero aun así, son bastante emblemáticos. Por cierto, el interior de los aviones esta muy bien retratado, en cuanto a su mecanismo, así el uso de madera contrachapada (y que inclusive aviones de la Segunda Guerra Mundial aun utilizarían ese tipo de material, como los Zero japoneses).
Música: Joe Hisashi se vuelve a poner a los controles y hace una delicada banda sonora, mucho más adoc a los años treinta, lo cual hace que las melodías y hasta el leimotiv de Porco sea bastante cadencioso. Tiene su originalidad, pero particularmente, no me gusto tanto, a diferencia de otras obras del mismo compositor.
Doblaje: Aquí vamos con un enorme dolor de cabeza. Ya en entradas anteriores de Ghibli había comentado de los dispares que estan varios doblajes de Ghibli en Latinoamérica. Tenemos bodrios como El Castillo en el Cielo, hasta genialidades como el Castillo Vagabundo. Lamentablemente, Porco Rosso entra en un término medio. La razón es que tenemos algunos buenos actores en el casting (Alan Miró como Porco Rosso o Carlos Becerril como Piccolo senior). El problema viene con el resto, inclusive con Marisol Castro (que en otros doblajes se escucha genial), no solo por las inflexiones emotivas, sino también por la sincronia de labios. Para colmo, las voces de fondo eran inexistentes, lo cual restaba algo de calidad a los momentos clímax.
Curiosamente, había un doblaje mexicano previo, hecho a mediados de los noventas, y que a un servidor le toco escuchar cuando vi la película por el canal HBO y que era estupendo. Lástima que no pudieron traerlo, porque habría sido genial. Tenía voces tan potentes como Carlos del Campo o Monica Estrada.
Curiosidades: Porco Rosso iba a ser un cortometraje, pero el entusiasmo de Miyazaki por el proyecto lo hizo convertirse en una película. La guerra de Yugoslavia lo obligo a poner la película en un tono más serio. Tuvo una limitada exhibición en Europa y fue hasta la década pasada cuando se dio su distribución mundial. En México estuvo a cargo de Zima y en el 2010 ya lo tenemos disponible en formato casero. En nuestro país llego a exhibirse en la TV de paga por el canal HBO Olé que transmitió la película unas cuantas veces a finales de los noventas. La película tuvo tal éxito que origino un manga de 10 tomos y a su vez, esta basado en un manga cortísimo del mismísimo Miyazaki que hizo en 1989.
Ahora, viene un asunto un tanto espinoso. Disney ha sido acusada de manera significativa de "robar" diseños de otros lados, sin comprobarse al 100%. Esto ya lo vimos con el Rey León (siendo su objetivo la obra de Ozamu Tezuka, Kimba el León blanco). En este rubro, tenemos a Tale Spin o Aventureros del Aire, donde es un remake de los personajes del Libro de la Selva, fusionados con el ambiente de los años treinta que manejan en Porco Rosso. Tale Spin apareció en 1992, un poco antes del estreno de Porco Rosso. Muchos dijeron que la película de Miyazaki se baso en esta serie, pero hay que recordar que el diseño de Porco Rosso viene de 1989. Así que no sabemos si ha sido una simple coincidencia o realmente una "adaptación".
Otro detalle potente es que Miyazaki se basa en nuestro mundo real para colocar a Porco Rosso. Claro, no retrata las hordas fascistas con su uniforme de siempre, pero si el diseño de los mismos y no se contiene en mencionar el fascismo y su desprecio de manera evidente.
A título personal: Porco Rosso fue de las primeras películas que vi del Estudio Ghibli (junto con la Tumba de las Luciernagas). Como ya he comentado, me toco verla en el extinto HBO Olé, aunque me costo entenderla, ya que en esos momentos me pareció lenta y con poca acción (aparte de pacifista, ya notan mis gustos en aquellos años). Por ello, me quedé con una imagen un tanto añeja de la misma. Fue hasta unos meses, cuando decidí bajarla (seh, lo siento) y verla nuevamente. Debo decir que me encanto y como algunas cosas se disfrutan mejor a ciertas edades. Sin embargo, si algo noté es que una película para fans, ya que cuando se la puse a mi esposa, no le gusto tanto y hasta le parecio un tanto incompleta. Y para que negarlo, si uno es muy estricto, Porco Rosso no tiene taaanto punch, ya que depende más de su estética y personajes para impresionar, ya que la historia no es tan potente como en otras producciones de Ghibli.

En conclusión, "Porco Rosso" es una película recomendable del estudio Ghibli. Tal vez no tenga la belleza gráfica de La princesa Momonoke ni el guión del Viaje de Chihiro, pero es una buena película de Miyazaki y tiene unos puntos altísimos, en especial en cuanto a sus personajes y el diseño de los aviones o cazas de combate. Aunque eso sí, tiene su punto de fanatismo bastante alto y por ello, al público en general le puede de repente chocar un poco. Bastante recomendable, pese a todo.

-----------------------------------------------------------

Saludos a mi princesa =3, así a quienes gustan de las películas de Ghibli.

Umi ga Kikoeru: un producto atípico de la casa Ghibli.

Aprovechando ciertos huecos que tengo ahora por cuestiones de trabajo, me he enfocado en continuar y terminar varias series, así películas que había descargado hace tiempo y tenía guardadas en el baúl. Me gustaría seguir escribiendo, pero debido a las circunstancias actuales, no he podido hacerlo y por ello voy retrasado en los tiempos. No obstante, no he querido amargarme (no demasiado) y mejor he seguido terminando mis pendientes.

Uno de estos, fue ponerme al tiro con algunas producciones del estudio Ghibli. Ya en una entrada anterior había hablado de otra película, “La Colina de las Amapolas” y que me dejo un grato sabor de boca (así también a mi esposa). Así que comencé a ver que otra película del estudio no había tenido el honor de disfrutar. Cierto que aún no he visto en su totalidad la “Guerra de los Mapaches” o “Mis vecinos los Yamada”, pero decidí empezar por productos un poco más crípticos. Claro, “Cuentos de Terramar” por allí anda, sin embargo me enfoqué en una película inédita, al menos para la mayor parte del continente americano, y es “OceanWaves” o “Puedo escuchar el mar”, la única producción del estudio Ghibli para televisión.

Antecedentes: para 1993, el estudio Ghibli ya era un referente importante en Japón. Luego del éxito rotundo de Totoro y de la Tumba de las Luciérnagas, las cabezas y genios, Isao Takahata y Hayao Miyazaki decidieron emprender otro camino y fue cumplir un pedido de una cadena televisiva, el cual consistía en producir una película de corta duración y que fuese emitida por la caja idiota. Takahata y Miyazaki decidieron hacerse a un lado y dejar que las promesas jóvenes del estudio, no solo se encargaran de la dirección, sino también de la producción y animación. El peso de la dirección recayó sobre un jovenazoTomomiMochizuki.

Este, aun con 34 años en aquel entonces, ya había hecho algunos proyectos, como ser el encargado de la animación de la primera temporada de Ranma o de una película de la legendaria serie, Kimagure Orange Road. Posteriormente haría los ovas de DirtyPair y una de las temporadas del renombrado anime, CodeGeass.

El argumento de la película se basó en una novela de la autora japonesa, SaekoHimuro. La adaptación de dicho libro fue tan bien hecha, que cuando la película salió, eso disparo las ventas de la novela y le permitió a la autora hacer una continuación. Lamentablemente, Himuro-san fallecería en el 2006, víctima del cáncer.

Finalmente, la película se estrenaría el 5 de mayo de 1993, con una duración de 69 minutos. Las críticas de los fans y prensa especializada fueron buenas, sin embargo, la venta posterior de la película no resulto taaan buena y eso provocó que el estudio Ghibli tuviese perdidas. La razón aparte es que la producción de la misma fue bastante alta, casi como si estuviesen haciendo una película para cine.

Argumento: Taku Morisaki es un estudiante de preparatoria en la pequeña ciudad de Kochi. Vive su vida de manera tranquila y pragmática. En esas, se hace amigo de YutakaMatsuno, el cual se vuelve delegado de la clase. Gracias a eso, este último conoce a una recién llegada de Tokio, Rikako, que al principio se ve como una chica inteligente, linda y atractiva, lo cual despierta tanto fascinación como envidia en la escuela y en Kochi. Durante un viaje a Hawái, Rikako le pide dinero prestado a Taku supuestamente porque perdió el suyo. Sin embargo, luego se entera de que la susodicha lo estafo y que uso el dinero para regresar a Tokio y volver con su padre, el cual se ha divorciado recientemente de la madre de Rikako. Durante la travesía, Taku va conociendo más de Rikako, que se revela como una tsundere a la décima potencia: tímida, mal geniada, insegura y bastante borde, a la par que trata de conciliar las cosas con su mejor amigo, que también se ha enamorado de la chica.

Historia: esta película se sale totalmente del espectro que había y ha manejado el estudio Ghibli hasta la fecha. No solo por la propuesta de ser una película para televisión, sino que muchos elementos típicos que adornan otras producciones del estudio, no se encuentran aquí (el amor por la naturaleza, personajes fantásticos, una moraleja metida por debajo del agua, etc. Etc.). La película es una adaptación sencilla de la novela original y solo narra el triángulo amoroso de 3 preparatorianos. Por eso, a muchos que se topen (como un servidor) con dicha película, les parecerá extraño. Sin embargo, se nota la marca del estudio, ya que pese a que tiene un inicio un tanto lento, la cosa mejora extraordinariamente a partir del minuto 15 y de allí nos encarrilla a una suerte de situaciones y personajes harto complejos. El director le pega un ritmo estupendo y aunque el final pueda resultar muy japo, me gusto y mucho. La sencillez de la trama, la forma de contarnos las cosas y describirnos las reacciones de cada personaje, le da mucho carisma a la producción y resulta por momentos divertida y otras te sacará uno que otro coraje, en especial por cierto personaje.

Personajes: el punto más fuerte de la película. Aunque por momentos nos puedan resultar muy prototípicos, en realidad la complejidad de los tres protagonistas es muy diferente: Taku es, pese a ser el principal, quien nos pone en retrospectiva y es la visión del espectador. Es un personaje templado, muy pragmático y eso viene a revolucionar la vida de los otros personajes. Rikako aquí podría ser la prota/villana, ya que oscila entre una personalidad amable, linda y afectuosa, a ser un personaje muuuuy borde, insegura y aparte con un genio de la patada. Por momentos tuve ganas de agarrarla a guamazos y es que era desesperante, por momentos superficial y vana. Sin embargo, en eso radica la fortaleza de la película, donde llegas realmente a detestar un personaje, pero a la vez entiendes porque está haciendo eso. No se recurre a las tomas retrospectivas ni nada, solo mediante insinuaciones vemos el pasado de cada personaje y como es que llego a tal lugar. Tal vez el personaje más débilmente estructurado es Matsuno, pero es por su poca aparición en escena y también porque es medio insoportable por su fijación hacia Rikako. Por suerte, al final, se redime y de buena manera.

Animación y diseño:algunos movimientos, reacciones y claro, el diseño de los personajes, es demasiado Ghibli. Aunque la producción estuvo a cargo de las promesas jóvenes del estudio, es obvio que tiene su sello y las facciones son harto características. Sin embargo, parece que el director tiene algunas improntas del estudio y esto se ve en algunas producciones anteriores, como la primera temporada de Ranma (muchos planos de los personajes eran muy similares a la de dicha serie animada). Como sea, también me gusto la ambientación de la película, la cual parece ser en los años ochenta, tanto por la ausencia de aparatos electrónicos complejos como por la ropa así el diseño de Tokio y de Koichi.

Música:JoeHisashi no estuvo en los controles, pero ShigeruNagata hace un trabajo aceptable y aunque no vemos algún leitmotiv característico, la banda sonora es acorde a la película, sin desgraciar pero tampoco ensalzar algún momento importante.

Distribución mundial: he aquí un tema que quise retomar aparte. Muchos saben que en un tiempo, Ghibli tuvo contactos de distribución mundiales, mediante la empresa Buenavista, que es un apéndice de Disney. Sin embargo, cuando está “mutilo” a Nausica, Don Hayao los mando a volar y decidió que sus películas fueran distribuidas por su cuenta (claro, hace unos años a la fecha, Miyazaki volvió a tener relaciones cordiales con Buenavista y Disney). Por lo tanto, la aparición de las películas de Miyazaki, en aquellos años, fue muy variable. En México, aunque gracias al canal HBO, pudimos disfrutar Totoro, PorcoRosso o la Tumba de las Luciérnagas (que esta también fue emitida en la señal gringa de Cartoon Network), la primera película que se vendió del estudio Ghibli y en formato VHS, fue Kiki, entregas a domicilio (y la cual, gracias a mi hermano, tengo una copia). Con el éxito de “El viaje de Chihiro”, las cosas cambiaron y las pelis del estudio comenzaron a aparecer de manera gradual (Chihiro, El castillo Vagabundo, etc.). Ahora en el mercado, disponemos de “packs” o de películas en solitario, del estudio Ghibli. Sin embargo, hay algunas que aún permanecen inéditas en nuestro país y esta es una de ellas. Aunque se emitió en 1993 en su país natal, no fue hasta el 2008, cuando España logró conseguir los derechos de la misma y sacarla en formato DVD, así con su propio doblaje. Posteriormente, otros países de la mancomunidad europea como Suiza y Alemania también la emitieron, pero solo subtitulada. Ya a Gran Bretaña le tocó el honor de “doblarla” en inglés y también tener su distribución en su territorio. Hasta hace unos cuatro años, la película no había tenido presencia en América, pero en un festival de cine de Nueva York, fue emitida de manera subtitulada y limitada. Por lo tanto, para conseguirla, tuve que recurrir a la poco noble pero fructífera tarea de descargarla. Por lo consiguiente, no tiene doblaje latino y no puedo hacer crítica del mismo. Otro detalle es que debido a esto, la película oscila entre su nombre oficial (“OceanWaves”) y el dado por los fans (“Puedo escuchar el mar”), aunque este último, descalificado por el estudio.

A título personal: Aunque “Puedo escuchar el mar” se sale del contexto general de Ghibli, es una película que tiene su sello y aparte es entretenida. No tiene escenas de acción ni tampoco de trama importante. Es una historia cotidiana, la narración de un triángulo amoroso y como este se va desenvolviendo. Todo reside en la fortaleza de sus personajes y te llegas a compenetrar con ellos. Como dije, me tocó verla de jalón hace unos cuantos días y aunque el inicio me costó, el resto se va como agua y de manera muy divertida.

En conclusión, “OceanWaves” es una buena película de Ghibli. Claro, no será de las mejores, pero si llega a superar a algunas que tienen producción “más” potente y aparte de que cierra estupenda un ciclo, sin esperar a que haya realmente una continuación. Recomendable, no solo para los fans del estudio, sino también para los que gustan del anime en general.

----------------------------------------------------------

Saludos a mi mujer :3 que adoro, así a quienes gustan de este tipo de producciones.

La colina de las Amapolas: una buena película de Goro Miyazaki

Nuevamente volvemos con otra película del ciclo "Ghibli" a la casa. Haciendole caso a mi comadre (para que luego no diga que no la "pelo"), tuve que descargar vía internet una de las más recientes películas del estudio (esta bendita crisis económica), dirigida por el hijo del genio Hayao Miyazaki: Goro.

Ya al buen Goro Miyazaki le toco dirigir otra producción, "Cuentos de Terramar", con críticas mixtas, elogiando la buena dirección de animación, pero criticando la adaptación extraña de las novelas originales. Con esta película tuvo una mejor recepción, aunque a la vez fue criticada por la sencillez de la misma. Pero bueno, vamos a dar el análisis respectivo, aunque digo de antemano, que un servidor disfruto una de las mejores películas del estudio Ghibli.

Antecedentes: A principios del 2010, el estudio Ghibli dio el anuncio de una "nueva" película que se estrenaría en el 2011, "La colina de las Amapolas", que estaba inspirada en un manga shoujo creado y publicado entre 1979 y 1980 por la editorial Kodansha. La dirección recayo sobre Goro Miyazaki, el hijo del dueño del estudio, que ya había hecho sus pinitos con "Cuentos de Terramar". Sin embargo, el terremoto de 2011, retraso de manera seria el proyecto, al grado que se replanteo cancelarlo. Miyazaki jr. presiono a su equipo, que recupero el tiempo perdido (así algunos acetatos que se habian dañado durante el temblor), al grado de trabajar hasta en las noches. El mismo Goro estuvo ayudando en este proceso. La película pudo ser terminada y estrenada en junio del 2011, siendo distribuida por Toho en su país de origen.

Primicia:Umi Matsuzaki es una chica de 16 años que se encarga de una pensión para mujeres en el Yokohama de 1963. Su madre trabaja en EUA y su padre falleció durante la guerra de Corea, por lo cual es también responsable de su abuela y sus dos hermanos. Todos los días al amanecer, sube una serie de señales de bandera, tal como le enseño su padre y para hacerle homenaje a este. Sin embargo, su vida cambia cuando conoce a Shun, uno de los delegados de la escuela y que administra el periódico escolar, el cual esta instalado en un viejo edificio que va a ser derribado y donde se alojan el resto de los clubes escolares. La presión del comité estudiantil para impedir esto, hace que la relación entre Shun y Umi vaya avanzando hasta un punto que tocará el pasado de ambas familias.

Historia: Cierto que Goro no es como su padre, pero si algo tiene este, es la capacidad de darnos un ritmo adecuado. Miyazaki senior es un gran cuentista, con lleno de detalles y magia, pero sus obras siempre tienen un problema en el desarrollo. Como prueba, es la última película del genio, "El viento se levanta", donde hay muchos espacios muertos. En cambio, Goro te mantiene entretenido, pese a la cotidianidad o simpleza de la historia, y aquí abundamos en eso. Solo tenemos dos marcos, que es la lucha por la conservación del edificio y el desarrollo del romance entre ambos protagonistas. Historia muy predecible, y que hasta uno imagina desde el principio que rumbos va a tener. Lógico, esta basado en un shoujo y estos suelen ser demasiado clichés y poco complejos. Sin embargo, reitero lo divertida y amena que es. Goro sabe sacarle el mayor provecho a otras cosas, como la animación, los personajes, los paisajes, etc. etc. para que estemos entretenidos y el ritmo se mantenga sin sacrificar la trama. Por cierto, la parte cuando Umi sueña con su familia es bastante potente y tiene un componente onírico de primera. Realmente me conmovió ese momento y le da un cierto toque maduro a la misma película.

Personajes: Uno de los puntos fuertes de la historia, no solo por la complejidad de los charas principales, sino la forma en que son mostrados. Generalmente en este tipo de dramas, los charas suelen ser harto complicados e irse por las ramas. Acá Goro quita esa paja y nos muestra protagonistas limpios, sinceros y que tratan de hacer lo que les toca. Lamentablemente, su evolución es un tanto escasa y eso les resta fuerza, haciendo que brillen más los secundarios como el otro delegado de la clase, Shiro o la misma hermana de Umi.

Efectos especiales: Goro se fue un tanto más por la animación tradicional y se agradece. La combinación entre CGI y animación en otras películas de Ghibli a veces es demasiado forzada y parece que el director trato de minimizar eso. Acá la animación tradicional prevalece y lo cual se agradece, dandole bastante uniformidad al arte. Por cierto, aquí incluiría el diseño y arte, que es precioso a morir. Como saben, soy un anticuado y las épocas viejas siempre me han parecido mejores que las actuales. Ghibli se luce al retratar el Japón de los sesentas, siendo por momentos semirural y otras ya con una tecnología cercana a los Estados Unidos. El contraste entre Yokohama y Tokio es bastante acentuado, aunque hoy en día, ambas urbes casi forman una sola. Pero la fidelidad a este "momento" es tan buena, que los momentos que me permitía hacerlo, me la pasaba viendo los fondos con cierta nostalgia.

Música: No es Joe Hisashi, pero Satoshi Takebe da unos leimotivs bastante atinados y que resaltan de buena manera algunos momentos de la trama, en especial cuando Umi recuerda los momentos con su padre. También las vocales a cargo de Aoi Teshima, ya conocida de Ghibli, son destacables.

Doblaje: Tenía miedo en este aspecto. Los doblajes que han hecho con las películas de Ghibli han sido horrendos, desde que Estudios Paris (Cuernavaca) tomo los controles. Las voces estan bien, pero su dirección ha sido nefasta, así con varias omisiones en la traducción. Sin embargo, esta película es una de esas buenas excepciones y disfrute mucho el doblaje, teniendo voces atinadas, no sobreactuadas y bastante atinadas para el carácter de cada personaje.

A título personal: La vi con mi esposa apenas hace unas horas, aprovechando un tiempo muerto en un domingo sin mucho que hacer y ambos la pasamos muy bien, comentandola y riéndonos de algunas situaciones.

 Como dije antes, es de las mejores películas del estudio Ghibli, no tanto por su historia o por su aspecto técnico, sino por lo bien balanceada que esta la misma y como Goro Miyazaki logra imprimirle ritmo pese a ser tan cotidiana y sencilla. Sin embargo, eso no quita que tenga una calidad un tanto inferior a otras películas, como Ponyo, el Castillo Vagabundo o Chihiro.

¿Recomendable? Bastante, es una de las pelis infaltables. Tal vez sea un tanto más madura que las otras, pero aun así, se entiende bastante bien y sobre todo, se pasa volando.

-------------------------------------------------

Saludos a mi mujer ^^, mi Umi, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Leyenda urbana: los mitos del anime

Sep, generalmente suelo hacer una entrada por mes, de los diferentes tópicos que aborda este blog, pero hay algunos temas que me apasionan de más o sencillamente tengo más inspiración para escribir. Y uno de ellos, son las leyendas urbanas.

Sin embargo, en esta ocasión quise hacer una entrada distinta, siendo más un “combo” de las diferentes leyendas urbanas que circulan sobre el anime. Desde su concepción hasta la actualidad. Algunas son ciertas, otros solo rumores que ayudaron a darle más solidez a la susodicha serie y otros, son disparatadas que se inventaron grupos con mentalidades cerradas (por no decir enfermas).

-Doraemon

Aunque el éxito de este anime y manga en nuestro continente no halla sido tan grande, en Japón se sigue considerando una serie de culto, al grado que el anime que inicio a mediados de los sesentas, se ha emitido de manera continua (salvo por 3 parones cortos, donde se fue renovando el diseño y la animación) y está cerca de los 3,000 episodios. Es lógico que alguna historia extraña se haya entretejido alrededor del mismo.

Hay dos que son bastante peculiares. La primera tiene que ver con el “final” de la serie. Aunque el manga acabo en la década de los noventas, coincidiendo con el fallecimiento de uno de los autores, no ha habido un cierre definitivo. El que se rumora estuvo rondando por aquellos tiempos refiere que Doraemon fue dañado de manera accidental por un ratón, que al morder uno de los cables de su batería, ya no pudo seguir funcionando adecuadamente. La solución era resetear su memoria, pero como Nobita no quería perder los recuerdos con su amigo, decidió convertirse en científico y al pasar de los años, termina reparando a su amigo y mandándolo al pasado para cuidar de sí mismo.

Otro detalle es que se afirma que el protagonista humano, Nobita, es autista y esto se fundamenta en las reacciones que tiene, desde hacer rabietas de manera infantil, hasta su pobre capacidad de frustración. Inclusive se dice que Doraemon es un invento de su propia imaginación por este estado. Siendo sinceros, esta no es muy creíble, más porque Nobita siempre ha sido descrito como un niño caprichudo y con poco seso (y se los dice un especialista en la materia), así el autismo no te deja tener un "juego símbolico" apropiado como el que se ve en la serie. 

El resto de leyendas son un poco más torcidas: Una dice que Nobita en realidad esta en coma luego de un accidente y que todo lo que esta pasando con Doraemon forma parte de un sueño en estado vegetativo, pero que en un momento él despierta, a la par los protagonistas ven como su mundo se deshace en pedazos en medio de lagos de sangre (guacala).

Otra igual de escalofriante, comenta que cuando uno de los autores falleció en 1996, justo en la noche de aquel suceso, apareció un capítulo a medianoche de manera imprevista. Los televidentes no se pusieron de acuerdo, pero la mayoría afirmaba que solo se veía a Nobita de espaldas, caminando hacia un horizonte, que luego de 10 minutos de esto, se volvió para despedirse y la pantalla se torno en negro.

-Minky Momo

Esta era una de mis series favoritas cuando tenía menos de 10 años. La historia se centra en una princesa de un reino de fantasía, el cual esta en peligro de desaparecer. Minky (Gigi como se conoció en Latinoamérica), tiene que ir a la Tierra a ayudar a los humanos a restablecer la creencia en la fantasía y los buenos deseos. En el trayecto, se establece con una familia humana y tiene el apoyo de sus 3 amigos mascotas así de un bastón que le permite tener poderes y cambiar a una forma adulta.

El anime tuvo un gran éxito entre 1982 y 1983 en Japón, lo cual le permitió ser exportada a nuestro continente, donde en México tuvo resultados similares. Sin embargo, recientemente se ha visto una leyenda oscura relacionada y esta tiene que ver con los terremotos.

Para quien sepa, Japón es un país de alta actividad tectónica, donde los temblores son cosa de todos los días. Sin embargo, Minky Momo se llego a relacionar con la emisión de dos temblores en 1983, coincidiendo con dos episodios claves de la serie.

El primero fue cuando se emitió el episodio 46, donde en la pantalla apareció una alerta de sismo, que no paso a mayores. La cosa no sería tan fuerte, pero ese episodio muestra la “muerte” de la protagonista, a causa de salvar a un niño de ser atropellado.

Para quienes vieron ese anime, como un servidor, les habrá supuesto lo traumático de ese suceso, más que yo tenía unos 7 u 8 años y el concepto de morir aun no estaba procesado. Fue inclusive igual o más doloroso que la muerte del Señor Vitalis, en Remi.

Pero para acabar de rematar la situación, cuando el anime estaba ya en su último episodio, hubo otra alarma de sismo y este si estuvo fuerte, al grado que cobro la vida de varias personas. Y sí, esto se volvió a repetir, ya que el anime fue repuesto entre 1994 y 1995, donde la emisión de este capítulo, el 82, coincidió con el gran temblor de Hanshin de enero de 1995 (sep, para los conocidos, el famoso terremoto de Kobe).

-Totoro

Una leyenda torcida, aunque sorprendentemente efectiva, es la que recorre la película de “Mi vecino Totoro” de Hayao Miyazaki. Para quien no halla visto esta genial película del estudio Ghibli, trata la historia de dos niñas que se van a vivir con su padre al campo, mientras esperan la recuperación de su madre que se encuentra en un hospital de tuberculosis cercano.

La primera hora de la película es tierna y adorable, pero la última media hora tiene un tinte de dramatismo, cuando las niñas se enteran de que su madre ha tenido una recaída, por lo cual ambas terminan peleando. Mei, la más pequeña, se va corriendo al hospital a ver a su madre. Satsuki posteriormente la busca con desesperación, hasta que pide ayuda a Totoro, que con el apoyo del GatoBus, logran localizar a su hermana pequeña.

Hace un par de años, Totoro fue exhibida en esos festivales de cine “Anime” que ahora están de moda en el país. Sam nos consiguió los boletos y fui con mi esposa a verla. Aunque Totoro la disfrute en su momento por el canal HBO a principios de los noventas, casi no recordaba la trama, por lo cual me dedique previo a la función, a investigar todo sobre la película, y caí sin querer, en la leyenda urbana: resulta que Totoro no es un espíritu del bosque, sino un Shinigami, es decir, un dios de la muerte que ronda a las personas que están por morir. Esto quiere decir que Totoro puede ser visto por las niñas, ya que ellas pronto van a dejar este mundo. Aunque esto a primera vez no ocurre en la película, hay muchas sutilezas que nos muestran lo contrario: Mei desaparece al ir por su madre y no se le vuelve a ver. La sandalia que encuentran los lugareños en el lago es sorprendentemente parecida a la que tenía la chiquela y Satsuki se desquicia un momento para luego buscar a Totoro. Finalmente, ambos padres en el hospital hablan de manera extraña sobre sus hijas, llegando a insinuar que no están en este mundo. ¿Qué quiere decir esto? Parece que cuando Mei sale a ver a su madre, tiene un accidente y fallece ahogada, mientras Satsuki al enterarse de esto, muere de dolor y el final con los padres es un epílogo luego de haber aceptado su partida.

Claro, todo esto se desmiente de primera mano, cuando vemos los créditos finales, cuando Mei y Satsuki vuelven a los brazos de la anciana del pueblo o el tipo de sandalia, que no es el mismo que usaba la pequeña.

Curiosamente, al salir del cine en aquella ocasión, mi esposa comenzó a preguntarme datos de la película y no pude evitar contarle esta leyenda. Pensé me gruñiría por haberle arruinado la fantasía de la misma, pero se quedo un rato pensativa y me comento que había sacado una conclusión parecida al estar viendo el filme. Si ya leer eso en su momento, me había dejado un poco ciscado, escuchar a mi esposa (que generalmente es la ecuánime y tranquila de la relación) hizo que se me erizaran los pelos del cogote. Vaya a saber uno si es una mera coincidencia...o no.

-Pokémon

La serie imbatible de finales de los noventas y principios de la década pasada, que aun hoy en día sigue cosechando éxitos y manteniendo a flote la nave llamada Nintendo. Sin embargo, la franquicia no tardo en tener problemas de algún tipo, en especial macabro.

Ya en otra entrada había hablado de la música de Pueblo Lavanda y su efecto siniestro en la gente que lo jugaba. Pero los videojuegos no fueron los únicos afectados, sino también el anime, el cual suscito bastante polémica.

La primera fue con relación a una crisis epiléptica que llegaron a tener más de 600 chamacos japoneses cuando se emitió el episodio 38 de la primera temporada, donde un Pokémon llamado Porygon lanzaba unos misiles que Pikachu interceptaba con su Attack Trueno. Esto provoco una serie de explosiones y flashes que hizo que muchos niños convulsionaran en el acto. Fue tal la histeria, que cuando el anime fue emitido en nuestro continente, por 4Kids, este capítulo fue previamente censurado y luego de plano no emitido. El pobre Porygon tampoco tendría ya una participación en la serie animada por este suceso. Para colmo, el resto de los episodios de las dos primeras temporadas tuvieron tal censura que cuando había un destello, parecía que la TV se ponía en cámara lenta.

Respecto a esto, se ha comentado muchísimo sobre la aparición de episodios “fantasmas” en otros animes, pero Pokémon se los lleva a todos por la calle, no solo por la cantidad de estos, sino por tener un factor de realidad implicado.

Para empezar, la misma cadena que emitía la serie en Japón censuro 3 episodios, ya que estos coincidieron en su producción con ciertos terremotos de importancia en aquel país, por lo cual técnicamente fueron descontinuados.

En EUA la cosa estuvo más fuerte. Un episodio fue censurado de manera importante y es cuando Ash y compañía deciden participar en un concurso de bikinis. Allí James usaba unos implantes de senos de tamaño considerable, lo cual hizo que 4Kids lo cortara de sobremanera y que en Latinoamérica ni siquiera fuese distribuido o doblado.

Otro episodio importante, fue cuando Ash capturaba a 30 tauros en un Safari Pokémon. Para quienes vieron la serie por allá de 1998, se habrán sacado de onda, cuando Ash menciono que tenía al menos un bichajarro de estos para pelear en la Liga Pokémon. Momento, ¿De donde rayos los había sacado? Y es que resulta que ese episodio había sido censurado, por el excesivo uso de armas y aparte porque un villano le apuntaba al Ash con una pistola. Aun no entiendo la dureza, puesto que EUA permite la venta legal de armas, pero bueee…

Un episodio más sacado del aire por un tiempo fue el de la torre del terror, donde un enorme Tentacruel atacaba una serie de edificios, recordando los atentados del 11 de septiembre del 2011.

Y si la censura no fuese suficiente para los gringos, un episodio de una temporada adelantada, “Los maestros Pokémon”, fue retirado porque mostraban a Jynx como un “mal” estereotipo negroide. Para colmo, en Asia también fue retirado porque Brook llegaba a tener síntomas parecidos a los del SAR (seh, ese virus que causaba una gripe casi mortal).

-Slam Dunk

Sí, el famoso manga y serie de baloncesto de Takehiko Inoue también tuvo su leyenda urbana. Claro, ahora esta desmentida, pero en su momento causo mucho furor e hizo que más de uno chillara al ver al famoso pelirrojo protagonista. Como es un “fake”, en toda la extensión de la palabra, me daré el gusto de hacer copy/paste.

“… Hanamichi Sakuragi nació en 1968 en una familia de la clase obrera ordinaria. Su madre falleció cuando él era pequeño, sin amor de su madre él usó la violencia para resolver sus problemas. Desde pequeño fue muy alto a los 12 años media 1.75m, y su cuerpo se puso muy fuerte a través de sus peleas callejeras. Una vez, tuvo una riña con los estudiantes en la zona deportiva de la Universidad de Tokio; sus habilidades de lucha, velocidad y poder, atrajeron al entrenador del equipo de baloncesto, y él entró en el equipo menor.

En un partido de práctica, a los 17 años de edad, contra el Equipo Nacional de Japón, Hanamichi de 1.89m no estaba asustado por los profesionales y anotó 33 punto él solo. Y Aunque su equipo perdió con sólo 59 puntos, había sido un excelente primer partido para este joven. El baloncesto nacional estaba en caos, y él fue nombrado " La Esperanza del Baloncesto japonés.

Sin embargo, su padre cayó enfermo en el momento. Hanamichi iba de regreso a Tokio, y este camino le costaría todo. Él bajó del autobús y estaba a punto de cruzar la calle al hospital cuando un automóvil que iba muy rápido le pegó. Aunque él tenía cuerpo de acero, el impacto simplemente era demasiado fuerte. Se derrumbó, lo llevaron al hospital. Desgraciadamente fue demasiado tarde... antes de que le enviaran al quirófano murió por la gran hemorragia interna, tan solo con 18 años de edad.

El Mundo del Baloncesto japonés estaba completamente destrozado, llamaron esta pérdida, como colosal. El mangaka Inoue Takehiko creó Slam Dunk basada en la vida de este joven…”.

Como ven, es un fake de lejos y la razón es que esta inspirada en parte en las propias experiencias de Hanamichi antes de entrar a Shohoku, y esta relacionado con la muerte de su padre (flashback que aparece cuando el pelirrojo lleva al profesor Anzai al hospital por un desmayo). En su momento lo leí y también me rompió el corazón. Lo bueno es que el tiempo termino por desmentir esta cosa. 

----------------------------------------------------

Saludos a mi princesa, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.