sábado, 4 de abril de 2015

Umi Ryuuzaki: el coraje de las Guerreras Mágicas

He estado leyendo varios artículos y editoriales sobre el "fracaso" de Sailor Moon Crystal en los últimos meses. Todo mundo coincide con fallas en la animación como en una adaptación demasiado rígida del manga. Curiosamente, los extras y los fillers que recibió la serie antigua le hicieron bastante bien a la misma, al grado que hoy en día, se extraña ese aire simplón y romántico.

Curiosamente, Guerreras Mágicas también fue objeto de dicho cambio, donde se adapto casi de manera integra el primer arco (que termina con la muerte de la princesa Esmeralda), solo agregándole un personaje como Nova. En cambio, el segundo arco fue el que tuvo más modificaciones, pero para bien, ya que le dio un impacto renovado a dicha temporada. Curiosamente, en México está tardo en ver a la luz, ya que la primera temporada se repitió al menos un par de veces cuando comenzó su transmisión en el verano de 1996. Fue hasta agosto de dicho año, cuando inicio la transmisión del último arco. Sin embargo, ya la tradición de Tv Azteca de interrumpir las series se manifestaba, porque la serie fue interrumpida y vuelva a comenzar. Por suerte, para la segunda vez, la serie si lograron terminarla, de manera emotiva, a finales de septiembre de dicho año.

Sin embargo, pese al furor que causo el anime (en mi clase se hablaba de él, inclusive más que de Sailor Moon), la serie solo tuvo una repetición más y para diciembre de aquel inolvidable año, decidieron sacarla del aire, más cuando se estaban haciendo maratones completos de la misma. El anime trataron de emitirlo en dos ocasiones más en Azteca 7, pero de manera muy reducida, al grado que solo sacaban 3 o 4 episodios y luego para afuera. Lo cual es una lástima, ya que quedo en la misma posición que Las Aventuras de Fly, otro clásico de la cadena

Ya en la anterior entrada habíamos hablado de mis inicios con la saga de las Guerreras Mágicas y un análisis sobre una de las tres protagonistas, Hikaru. Ahora le toca al turno a Umi Ryuuzaki (Marina para los cuates latinos), la guerrera del mar.


(龍咲 海, Ryuzaki Umi, significa "Océano del Dragón Naciente") (Marina Santana en Latinoamérica) Es una joven perteneciente a una familia adinerada, aunque es muy hermosa y posee una larga cabellera azul es de carácter fuerte y al principio solo piensa en abandonar Céfiro y volver a su mundo original, ya que debe participar en un torneo de Esgrima. Pero luego reordena sus prioridades, y al despertar a su Mashin, Ceres, se da cuenta de cuánto necesita a sus amigas, y decide pelear por el futuro de Céfiro con ellas. Siempre pelea con Mokona (llamada Nikona en Latinoamérica) y discute con Guru-Clef. Su elemento es el agua. Siente atracción por Ascot en la segunda temporada (manga), aunque realmente está enamorada de Guru-Clef.


Umi Ryuuzaki es una chica de 14 años, cursa el octavo año de la escuela media elemental (que sería el equivalente al segundo año de secundaria en nuestra región). A diferencia de Hikaru y Fuu, es la más alta de las cuatro (mide 1.58 cms, lo cual se considera una estatura bastante elevada para su edad respecto a la media japonesa), de carácter huraño y quejumbroso, pese a su apariencia aristocratica. Es la hija única de una familia adinerada y su personalidad contrasta de manera importante con la de sus padres, que suelen ser bastante cursís en su trato.

Su primera aparición es en la Torre de Tokio, cuando en un viaje por parte de su escuela, en un momento se encuentra con Fuu y Hikaru de manera incidental. Sin embargo, al momento de verse, esto provoca que las tres viajen al mágico mundo de los Céfiro. Al principio es la que pone la nota cómica entre el dichoso trío, ya que como se comento, su personalidad es bastante árisca, al grado que desea volver a Tokio lo más pronto posible, sin importarle las consecuencias de lo que tenga que hacer. Aparte de que no deja de gruñirle a sus dos nuevas amigas por sus comentarios o decisiones. Inclusive, el encuentro con Guruclef es bastante divertido, ya que al momento de presentarse, está lo acusa de ser un niño y que no tiene derecho a hablarles de tal manera. En el anime esta relación se explotaría de una manera mucho más profunda, al grado que Umi se terminaría enamorando del mago y estaría a un tris de declararsele.

Conforme avanza la serie, se va viendo que la chica es la intermedia en aprender y/o desarrollar su fuerza y magia. Primero, su arma consiste en un estilete o en una espada de esgrima, lo cual confirma que era una de sus habilidades cuando vivía en Tokio (como buena "señorita"). En el caso de la magia, como es obvio, su elemento es el agua y su primer ataque es el Mizu no Ryu (Dragón de Agua). En el manga y anime la forma de aprender dicho ataque es variable, ya que Alcione aun sigue viva en el anime y es quien recibe el ataque, mientras en el otro, es Ascot contra el quien pelea para desarrollar su ataque.

La fuerza de Umi se va amplificando en la serie, ya que luego desarrolla dos ataques más (Espadas de Hielo y Tornado Azul, este último siendo más una especie de hechizo defensivo y contención). En cuanto a su Mashin, primero se manifiesta como un enorme dragón y luego como una especie de mecha con las mismas características, de color azul.


Curiosamente, Umi es quien consigue primero a su Mashin, Ceres, el cual se encuentra en una cueva submarina, la cual se encuentra dentro del mar. Obviamente, el diseño de dicho Mashin es la de un Dragón y es quien comienza a poner una serie de pruebas a la dichosa adolescente para obtenerlo.
Sin embargo, el egoísmo de Umi aun sigue siendo bastante patente hasta los finales de la serie, ya que tiene la idea de volver a Tokio tan pronto sea posible ("Quiero volver a ese torneo de esgrimaaa"). No obstante, dicho carácter le termina ayudando a poner un "alto" a Ascot y hacerlo reflexionar sobre su conducta (lo cual provoca que el muchacho se termine enamorando de ella).

Es la muerte de la princesa Esmeralda lo que hace que Umi madure en cierta manera y se plantee su existencia, así como la consecuencia de sus actos. Esto provoca que se disculpe personalmente con Clef sobre su conducta previa y que le ayude a madurar a Tata, una de las princesas de Cizeta, que busca convertirse en el Pilar de Céfiro. Pese a que Umi se vuelve un tanto más seria para la segunda temporada, su vena cómica se mantiene bastante patente en toda la serie (en especial una parte cuando se vuelve a calzar su guante de combate y comenta que ha subido de peso, ya que no le ajusta bien), sobre todo por los comentarios que tiene hacia los Mashins de Cizeta. Sin embargo, también pasa de ser una chica bastante perspicaz y despierta, a ser un tanto distraída, ya que no se da cuenta de los sentimientos que tiene Ascot hacia ella.

Otro punto que se mantiene es las constantes luchas que tiene con Nikona (Mokona) ya que Umi considera que el animalejo es capaz de transportarlas nuevamente a su mundo sin tantos problemas. Inclusive, se ve en algunas escenas como la chica lo persigue con un mazo en las manos.
Lamentablemente, la participación de la joven se ve diluida en el último tercio de la serie, cuando es rescatada por Ascot (bueno, eso entre comillas, porque luego Ascot es quien es rescatado por ella), ya que en el anime como en el manga, su participación baja en demérito de Hikaru, que se convierte en la real protagonista de la historia.

Finalmente, luego de derrotar a Debonair con ayuda de sus amigas, es cuando vuelve a Tokio. Sin embargo, en el último momento trata de declararsele a Clef, sin mucho éxito (esto solamente en el anime, ya que en el manga, no hace mucho caso de este y de Ascot).

A título personal: A diferencia de Hikaru, el carisma de Umi era bastante patente. Su carácter arisco y gruñón, la hacía un personaje mucho más complejo y divertido, aparte de que su físico elegante hacía un contraste bastante marcado. Por ello, generalmente cuando tenía un cambio de humor, la dibujaban de manera chibi, para hacer más destacable su actitud infantil. Aunque su forma de ser era difícil por momentos, esto sin embargo, le permitia ser el termometro emocional del grupo y decir cosas que las demás no podían hacer.

Lamentablemente, a diferencia de Fuu o Hikaru, su evolución en el segundo arco fue de más a menos, ya que le quitaron un tanto su sentido del humor y la hicieron mucho más seria. Claro, era inevitable por la muerte de la princesa Esmeralda, pero en algunos momentos fue tan marcado que llegaba a ser un tanto chocante. Para colmo, su presencia se fue diluyendo para mal y un personaje tan carismático quedo de lado en muchos sentidos.

Sin embargo, Umi no se volvió mi personaje favorito y la razón es que era una distraída de primera, más en la cuestión amorosa. El personaje le restaba carisma, ya que pese a ser bastante precoz por momentos, que en esto no tuviese dos dedos de frente, era algo extraño y poco congruente. Aun con esto, Umi no dejaba de mostrar atractivo, elegancia y una personalidad que hizo que muchas fans de la serie se decantaran por este singular personaje.


Curiosamente, el atractivo de Umi era tan patente, que ella lucía los trajes más reveladores o sexys en su momento, como su traje de batalla final, donde no usa falda como el resto de sus compañeras o cuando es secuestra por las princesas de Cizeta, donde tuvo un vaporoso vestido árabe con el ombligo descubierto.

El doblaje en su momento volvió a dar dolores de cabeza a los fans, ya que Angelines Santana fue su voz para Latinoamérica. Como se había comentado en la entrada anterior, se llego a barajear un montón de actores para su voz, pero hasta hace pocos años, cuando se vio que su voz correspondía a dicha actriz (y que también le toco doblar en su momento, a la Jenny de Forrest Gump).

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Saludos a mi Guerrera mágica ^^, así a quienes gustan de esta serie.

miércoles, 1 de abril de 2015

Anime semanal: Pocos animes, pero de muy buena calidad

Ya estamos por entrar a la temporada de anime de primavera del 2015 y se avecinan series potentes como Digimon, Saint Seiya, así como otros animes que prometen mucho, a diferencia de la temporada de Invierno que fue bastante escueta, pero aun así, tuvo unas cuantas joyas de enorme calidad. Aparte de que muchos animes que venían de otoño o de temporadas más lejanas apenas van terminando. Esto hace que el resumen de esta temporada sea un tanto más rico y no tan pobre como esperaba.

Pero bueno, ya suficiente de jaleos y vamos a darle átomos al asunto.


-Log Horizon

Detalle técnico: El anime esta basado en las novelas ligeras escritas por Mamare Touno, que narran las aventuras de un grupo de jugadores de RPG en línea, que quedan atrapados en dicho videojuego y buscan la manera de salir adelante en un mundo lleno de batallas e incognitas. La primera temporada fue animada por el estudio Satelight y se emitió en la temporada de otoño del 2013 teniendo 25 episodios. La segunda temporada, el estudio Deen tomo el relevo con también 25 capítulos en la temporada homónima, pero del 2014.

Crítica: Log Horizon viene a representar la contraparte de Sword Art Online. En su momento, muchas consideraron que este anime venía a ser una copia o que quería aprovechar el éxito de SAO. Sin embargo, desde un primer momento, busco desmarcarse y lo hizo con bastante éxito, mostrando muchos aspectos y de manera muy rica (como el aspecto de la gente del pueblo, así los raids de batalla mucho más elaborados e intensos). Así que cuando dijeron que habría una segunda temporada, no dude en chutarmela semanalmente sin parar.

El problema es que esta segunda parte tiene un bajón en muchas líneas. Para empezar, el diseño y la animación son mucho más pobres (el cambio de estudio si afecto mucho la serie) y esto hace que la historia sea menos fluida (los personajes solo hablan, hay poca acción e interacción, lo cual demuestra que el estudio se enfoco en ahorrar dinero o esfuerzo). Para rematar, el guión tampoco ayuda mucho. Técnicamente, la temporada se puede resumir en 4 arcos argumentales: el raid de Shiroe/el entrenamiento de Akatsuki, la aventura de los 4 novatos de Log Horizon, el ataque hacia la gente del pueblo y el Raid final.
Mientras el primer arco es bastante potente, alternando la batalla de Shiroe con el desarrollo de Akatsuki, el segundo y tercer arco resultan pobres en acción, en trama y para colmo, introducen un montón de personajes y subtramas de lo más aburridas y sosas. Claro, algunas se nota que tendrán más relevancia (si Touno-san continua las novelas), pero la mayoría resultan abrumadoras, al grado que muchos y buenos personajes se diluyen con el paso de los episodios. Por supuesto, hay momentos de brillantez, como la historia personal de Isuzu, pero son pocos y terminan de ser poco contundentes. A tal nivel me resulto esto que en las últimas semanas, Log Horizon era de las series que dejaba al último para ver, ya que me dejaban bostezando o fastidiado. Por suerte, la cosa se recompuso con el cuarto arco, la batalla final, que es donde volvimos a ver el espíritu de la serie. Lamentablemente, el cortón resulto muy brusco y eso también le resto calidad.

En conclusión, "Log Horizon 2" se queda muy corta con respecto a su anterior temporada y se necesita una cierta dosis de paciencia como de tiempo libre para verla. Parece que el autor quiso abarcar tantas subtramas, que la serie se le escapo de las manos. Una lástima (y poco recomendable, ya que muchos se sentirán ofendidos por la baja de calidad).


-Shirobako

Detalles técnicos: una serie creada exclusiva para el anime, fue dirigida por Tsutomu Mizushima (conocido por ser el rector de productos como Genshiken Nidaime, Big Windup! o XXXholic) y fue una co-producción de WB Japan y el estudio P.A. Works. El anime se estreno en octubre del año pasado y tuvo en total 24 episodios.
La historia se enfoca en cinco chicas de preparatoria que tenían un club audiovisual y que buscaba emular un estudio de animación en forma. Al momento de la graduación, las protas juran volverse a encontrar y trabajar todas en el diseño y creación de un anime.
Han pasado los años y cada quien ha seguido su sueño: Miyamori se ha convertido en asistente de producción, Ema se ha convertido en animadora, Shizuka en seiyuu, Misa en animadora 3D y Midori en una aspirante a guionista. Por una feliz coincidencia, todas comienzan a cruzar sus destinos dentro del carismático pero pequeño estudio de Musashino.

Crítica: El anime revelación de la temporada de otoño (e inclusive de la que acaba de terminar). En sí, la serie es un slice of life, un anime de corte costumbrista, donde el realismo es la carta predominante del mismo, ya que la primicia es narrar las patoaventuras de un estudio de animación, desde el momento en que un proyecto le he es encargado hasta el momento de exhibirlo en las pantallas niponas. Si lo comparamos con otra obra, sería como el "Bakuman del anime". Y aun así me quedo corto porque Bakuman era un poco más relax, pero acá Shirobako se tomo en serio la producción de una animación en toda la regla. En lo personal, me encanto, ya que no solo veíamos los problemas y líos de los personajes, sino también ver como caían en reflexiones de honda importancia, pero sin abusar del sentimentalismo. Algunos tramos eran tan potentes que me despertaban un montón de emociones, desde alegría hasta tristeza (la parte donde Shizuka busca destacar en el mundo del Seiyuu me hizo sentirme identificado).


Tal vez el problema más grande que tiene este anime es que tienes ser un poco más geek de lo normal para poder disfrutarlo. Si te gusta más lo sencillo o un tópico muy específico, puede que te resulte muy pesado y hasta por momentos tedioso, ya que no hay acción, ni batallas, mucho menos romance. Todo se enfoca en ver como se saca a la luz un anime sin retrasos y con la mayor calidad posible. Léase, es una serie muy técnica y para muchos puede resultarle poco atractiva. Sin embargo, como a mi me encantan estas cosas, me la pase bomba y fue de esas series que esperaba con ansia cada semana, al grado que me deje de ver dos episodios seguidos para disfrutarlos con un tercero en un mini-maratón muy divertido.

En conclusión, "Shirobako" es divertida, amena, pero no es para todo público. Así que si te gusta lo técnico, te agradara y por mucho.


-Shigatsu wa kimi no uso.

Detalles técnicos: basada en el manga creado por Naoshi Arakawa, el cual fue editado por Kodansha y tuvo 11 volúmenes recopilatorios (el último salio a la venta en febrero de este año, un mes antes de que acabase el anime), la serie fue producida por el estudio A-1 Pictures y tuvo 22 episodios. Inicio su transmisión en la temporada de otoño del 2014.

Argumento: Kosei Arima es un chico de 14 años que en un tiempo fue un pianista prodigio. Sin embargo, por cuestiones del pasado, dejo esto por la paz y ahora se dedica a dormitar en la sala de música en sus tiempos libres. Un día, es llevado a la fuerza a una cita cuadruple, donde se encuentra con una preciosa chica, llamada Kaori y que es violinista. La personalidad, empuje y carisma de Kaori hace que Arima comience a salir de su caparacho y se considere el volver a tocar, aun pese a los fantasmas del pasado que lo acosan a cada momento.

Crítica: Este habría sido mi anime favorito de la temporada, sino hubiese sido por el final taaan horrendo que tuvo. Para colmo, el autor se encargo de fregarle la vida a Arima en todos sentidos. Al principio no lo noté, pero cuando un visor de la misma serie comenzó a quejarse de esta situación, fue cuando caí en cuenta de los deseos enfermizos de que el protagonista estuviese sufriendo por cada situación y todo por despertar su talento oculto o peor, para ir superando los problemas que había pasado previamente.
Para colmo, el último arco (el cual fue animado de manera integra del manga), es un vaivén en donde por momentos hay esperanza y luego nada. No sé, me parecio por momentos un tanto cruel y hasta masoquista. Hubo el chance de que el anime siguiese una línea argumental diferente, pero no fue así.

En fin, pese a esto, el anime es bastante potente y tiene unos personajes bastante bien desarrollados, pasando por el mismo protagonista, Kaori, Tsubaki y así otros secundarios que son formidables. Sin embargo, el que se lleva las palmas es la madre de Arima, que se nos muestra como un demonio pero luego vemos que no es así y tiene sus motivos para presionar a su hijo hasta un límite abrumador. Por cierto, el romance es algo común en este anime y lo vemos, no solo de manera diluida a cargo de Arima y Kaori, sino también a cargo de Tsubaki, que nos muestra un romance bastante precioso, de como se va gestando hasta completarse al final (de las pocas cosas buenas de ese desenlace bastante horrendo).

En conclusión, "Your Lie in April" es un buen anime, sin embargo, cae en ese rubro de series que son lacrimogenas y se justifica demasiado en este punto, sacrificando otras subtramas que eran igualmente potentes, como el romance entre los protagonistas, así el desperdicio de ciertos secundarios que tenían mucho punch (como la alumna de Arima, Nagi). Igual el autor planea una continuación (lo cual si ayudaría y bastante), solo que si es así, ojalá limite un poco el drama, porque por momentos si llego a ser excesivo. ¿Recomendable? Para quienes les guste chillar (como un servidor), les encantará.


-Saekano

Detalles técnicos: Basada en la novela ligera de Fumiaki Maruto, el anime de 12 episodios (el 11 y 12 emitidos de manera consecutiva en la semana pasada) fue producido por el estudio A-1 Pictures y apareció en las pantallas japonesas en enero de este año.

Argumento: Tomoya Aki es un otaku medio chiflado y bastante engreído, y es que tiene como sueño hacer un videojuego de citas, luego de ver a una preciosa chica en la cima de una colina. Por lo tanto, se da a la tarea de reclutar a Sawamura (una chica mitad japo, mitad extranjera que es bastante linda pero en sus tiempos libres es una dibujante de doujinshis de tipo erótico), así a Utaha (estudiante ejemplar pero que oculta su identidad como escritora de novelas ligeras un tanto picantes) como a Kato Megumi (la chica que vió en lo alto de la colina, pero que lejos del prototipo, es una chica normal pero con mucho sentido común) y finamente a Michiru (la prima guapa y curvilínea pero que sabe hacer música). Todo esto para crear el mejor juego de citas de la historia.

Crítica: Este fue uno de los tres animes que vi en esta temporada (sí, solo tres y para colmo, uno que es bastante bueno no lo podré reseñar, ya que aun no acaba). Y aunque Saekano puede caer en el tópico del harem común y corriente, en realidad es bastante divertido y la forma de desarrollar la trama es muy agradable, ya que los personajes son muy dispares entre sí. Aparte, al fin vemos un protagonista mucho más movido, listo y entusiasta que el promedio (que generalmente solo es un pedazo de carne, un bulto que es manoseado y acosado por todas las chicas). Sin embargo, el punto más fuerte viene a recaer sobre Kato-san. Aunque ella se convierte en la chica a idealizar, en realidad como ya comente, es una joven común y corriente, bastante tranquila y relajada. Con su personalidad, ayuda a ser una contraparte a la vorágine en que los demás personajes se meten. Sin embargo, también tiene sus puntadas de pícardia o de humor, lo cual hace impredecible al personaje y a la vez sumamente carismático.

El problema viene a ser algo común en esta serie: el fanservice. Sí, algunas tomas son eróticas y tienen su pegue, pero cuando las ves cada 10 segundos, la cosa se pone horrenda y hasta fastidiosa. Esto se ve sobre todo en los episodios donde aparece Michiru, donde la situación es tan repetitiva que tuve que ponerme a avanzar el capítulo en contadas ocasiones, porque solo veíamos los atributos de la chica y el dialogo era meramente irrelevante (o peor, con doble sentido). Lamentablemente, este rubro le termino restando punch a un anime que tenía buenos elementos para ser brillante o para aprovechar muchas subtramas que aparecían de repente.

En conclusión, "Saekano" es una serie harem brillante, divertida, pero que abusa demasiado de algunos cliches (en especial del fanservice), pero que fuera de eso, tiene unos personajes muy carismáticos, un protagonista que realmente hace honor a su posición y una chica como Kato, que no cae en algún rubro conocido, lo cual la hace única en muchos sentidos. ¿Recomendable? Bastante y lo peor, es que puede gustarle a cualquiera (digo peor, porque muchos irán por el fanservice, mala idea, pero bueno).


-Kamisama Hajimemashita 2

Detalles técnicos: La segunda parte del éxitoso manga de Julietta Suzuki, la primera temporada se estreno en la temporada de otoño del 2012. TMS fue el estudio que se encargo de animar tanto la primera como la segunda tempora, está que vio la luz en la temporada reciente en enero de este año.
Como dato curioso, la serie tuvo tal empuje que en México fue comprada por Kora Internacional y pronto saldra en formato casero en el país.
El argumento ya es harto conocido: Nanami es una chica que es expulsada de su casa debido a las frecuentes deudas de su padre. Llega a un templo, del cual el Dios de la Tierra es el regente. El susodicho le entrega su poder y las llaves de dicho lugar para que ahora sea una diosa. Claro, no cuenta conque ahora tenga un familiar bastante gruñón llamado Tomoe, que le ayudará a lidiar con sus nuevas funciones como entidad celestial.

Crítica:La primera temporada de esta serie me parecio buena, pero a secas. La autora se apegaba a muchos clichés harto conocidos en los shoujos (chica inocente, coprotagonista atractivo pero gruñete, situaciones cómico-románticas escatalónicas, bishonen por todos lados, etc. etc.). Pero como tengo gustos de chiquilla, me termino gustando, así que me agrado cuando anunciaron una segunda temporada.

Sin embargo, debo decir que está es muchísimo mejor que la primera. Y es algo lógico, ya que la predecesora sirvió para presentar a los personajes y ahora se enfocan en el desarrollo y debo decir que la autora lo hace bastante bien, a base de subtramas y arcos argumentales que tienen bastante potencia, incluyendo uno donde vemos el origen de Kurama. También la autora comienza a darle más pegue a Nanami, no solo por su lindeza e inocencia, sino en ver su crecimiento como diosa, al incluirle un shikigami como Mamoru, con el cual es capaz de amplificar su fuerza y ayudar en labores de purificación.
Sinceramente, disfrute muchísimo esta temporada y de repente algunos episodios tenían un aire muy shonen, lo cual le daba un plus no solo a la misma serie, sino a los personajes. A diferencia de la anterior temporada que cada capítulo me costaba un tanto verlo, acá era de los primeros en verme y lo hacía con gran gusto. Tal vez por momentos se caía en los clichés de siempre, pero estos eran mucho más esporádicos y aparte combinados con otras situaciones que los hacían divertidos.

En conclusión, "Soy una Diosa y ahora que? 2" (no voy a chutarme todo el título en japo) fue una agradable sorpresa y aunque algunas subtramas podrían resultar predecibles, en realidad la autora las recicla de buena forma y logra un producto mucho más redondo. Ahora a ver cuando sale la tercera temporada. Recomendable para los fans del shojo, pero también para quienes tienen un criterio más amplio.

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Ya espero en una próxima entrada reseñar tres animes que me faltaron, pero por cuestiones que comentare en su momento, no pude hacerlo.

Saludos a mi Nanami ^^, así quienes gustan del anime.

domingo, 29 de marzo de 2015

Porco Rosso: la pasión de Miyazaki en los aviones

En los últimos años he vuelto a meterme en el universo de Ghibli de manera intensa. Técnicamente, me he chutado en el último año al menos 4 producciones del gran Hayao Miyazaki o de alguno de sus allegados. Sin embargo, creo que estaba cometiendo un error bastante común y era el no reseñar o hablar de algunas películas que había visto hace bastante tiempo. Justo, Porco Rosso, es una de ellas.

Así que sin perder tiempo, vamos a darle duro a esta reseña de una de mis películas favoritas del estudio, no solo por su trama, sino por el contexto de los hidroaviones y de la Italia Fascista de los años treinta.


Antecedentes: Porco Rosso viene a ser el séptimo largometraje del estudio Ghibli y el quinto en que dirigió personalmente el gran Hayao Miyazaki. Para 1991, luego del éxito que había tenido su compadre Isao Takahata con "Recuerdos del Ayer", Miyazaki ya preparaba una nueva producción, pero en este caso, un cortometraje que se iba a exhibir primeramente en Japan Airlines, como promoción. Este, estaba basado en un manga que había hecho un par de años antes, The Age of the flying Boat, donde ya vemos varios conceptos que le encantaban a Miyazaki: los aviones, los cerdos y las chicas inteligentes.
Sin embargo, Miyazaki vió el potencial de dicho corto y decidió ampliarlo a una película de al menos 90 minutos. Curiosamente, a Japan Airlines les gusto el nuevo proyecto e inclusive decidieron patrocinarlo. En su momento, el filme iba a ser un tanto cómico, pero justo en plena producción, comenzó la guerra de los Balcanes y Miyazaki decidió darle un tono un tanto más serio (esto debido a que la película se ubica en el Mar Adriático, una franja de agua que sirve de frontera natural para Italia y la península Balcánica, en especial a Yugoslavia y sus países), pregonando un mensaje antibelicista bastante marcado. Finalmente, la película se estreno en julio de 1992 con un éxito rotundo en su país natal. Fue tal el impacto que tuvo que en Europa, tanto en Francia como España, hubo emisiones reducidas de la película en festivales internacionales y gano distintos premios. Solo a partir del 2003, fue cuando EUA comenzó a tener distribución de la película (luego de que Miyazaki les perdonara la vida a raíz del chasco de Nausica). En México no pudimos disfrutarla en cartelera, solo su edición en video en el 2010. Sin embargo, fue emitida por la cadena HBO, esto a finales de la década de los noventas.

Argumento: Estamos en la Italia de los años treinta. Debido a la Gran Depresión, la gente decidió cambiar de gobierno por uno de corte fascista, que ha comenzado a reprimir a forajidos, cazarrecompensas y otros truhanes que viven del robo debido a la crisis económica. Uno de estos, es Porco Rosso (Marco Pagot), un hombre con cara de cerdo, que a bordo de su hidroavión de color rojo, ha logrado no solo escapar de la Fuerza Aerea, sino también de sus rivales de profesión. Un día, los piratas se hartan de él y deciden contratar a un americano llamado Donald Curtis, para que lo venza. En el enfrentamiento, el avión de Porco queda dañado severamente y no tiene opción que ir a Milán a reconstruirlo, gracias a la compañía Piccolo y al apoyo de Fio, la nieta del fundador.

Historia: Uno bien sabe que hablar de las películas de Ghibli, y en especial las de Miyazaki, es que pese a su preciosismo en muchas áreas, la historia no es uno de sus puntos más fuertes. Y para prueba de ello, lo comprobe con mi mujer, con la la cual la volví a ver hace unas horas. Cuando ella comienza a preguntar constantemente ¿Y por qué...? es que la historia tiene un montón de agujeros. Y es un defecto bastante "pronunciado" con las películas de Miyazaki, ya que el argumento tiende a ser un poco flojo y a veces solamente se crea para justificar algunos movimientos de cámara o momentos harto emblemáticos. Claro, muchos podrán argumentar que es una historia a la "japo" y que crear algo más coherente sería sacrificar la esencia de la obra, pero también me suena a una forma de justificar el inmenso amor que muchos le tienen a Miyazaki. Yo también se lo tengo y en su momento (hace unos años y ahora, cuando la volví a revisitar) pensé que era una joya, pero mi esposa me sirve de referencia objetiva y me hizo ver que efectivamente, la historia no tiene ni pies ni cabeza, así que su ritmo llega a ser lento por algunos momentos y en otros instantes, demasiado rápido. Eso no significa que sea complicada, pero se dejan muchos cabos sueltos y eso tiende a que un espectador promedio o con una onda diferente, se quede un tanto desconcertado. Si lo comparo con otras películas del estudio, lamentablemente Porco Rosso tiene algunas debilidades de historia bastante marcadas. Aun así, tiene momentos bastante memorables, como la estancia de Porco en Milán, que ejemplifican mucha de la filosofía del trabajo que tiene el buen Miyazaki.

Personajes: Ahora vamos con la contraparte del guión y es que en este filme tenemos unos personajes entrañables por donde uno se le vea. Para empezar, tenemos al protagonista, Marco Pagot, que es un piloto con tendencias pacífistas, que busca vivir tranquilamente y al límite, sin apegarse demasiado a algo (en parte por lo que ha vivido y en parte por como es). Curiosamente, para ser un protagonista masculino (algo raro en la baraja de Miyazaki), el personaje esta bien delineado y es muy carismático. Luego tenemos a Fio, la chcia "Miyazaki" por excelencia, que representa a una joven lista, inocente pero bastante enérgica. De allí nos vamos a Gina, Curtis, los piratas del aire, que aunque aparecen poco, van teniendo su rol y su protagonismo de manera entrañable. No es extrañar que muchos fans de la película y del estudio hayan pedido en su momento una continuación, ya que con estos pedazos de personajes, hay de donde exprimir y mucho.
Escenarios: Otro punto muy fuerte son los fondos, que destacan por su belleza, no solo natural (se nota que Miyazaki se paseo por todo el Mar Adriático) sino también por la tomas que se realiza de dichos paisajes. Las partes en que el avión de Porco es como un diminuto insecto mientras atraviesa el cielo, son brillantes. Aquí es donde se entiende la pasión del autor por los aviones.
Diseños: Otra genialidad de Miyazaki. Los aviones, pasando por el hidroavión de Porco hasta el de Curtis, son estupendos. Tal vez se pasa un poco de lanza con los aviones de los piratas, pero aun así, son bastante emblemáticos. Por cierto, el interior de los aviones esta muy bien retratado, en cuanto a su mecanismo, así el uso de madera contrachapada (y que inclusive aviones de la Segunda Guerra Mundial aun utilizarían ese tipo de material, como los Zero japoneses).
Música: Joe Hisashi se vuelve a poner a los controles y hace una delicada banda sonora, mucho más adoc a los años treinta, lo cual hace que las melodías y hasta el leimotiv de Porco sea bastante cadencioso. Tiene su originalidad, pero particularmente, no me gusto tanto, a diferencia de otras obras del mismo compositor.
Doblaje: Aquí vamos con un enorme dolor de cabeza. Ya en entradas anteriores de Ghibli había comentado de los dispares que estan varios doblajes de Ghibli en Latinoamérica. Tenemos bodrios como El Castillo en el Cielo, hasta genialidades como el Castillo Vagabundo. Lamentablemente, Porco Rosso entra en un término medio. La razón es que tenemos algunos buenos actores en el casting (Alan Miró como Porco Rosso o Carlos Becerril como Piccolo senior). El problema viene con el resto, inclusive con Marisol Castro (que en otros doblajes se escucha genial), no solo por las inflexiones emotivas, sino también por la sincronia de labios. Para colmo, las voces de fondo eran inexistentes, lo cual restaba algo de calidad a los momentos clímax.
Curiosamente, había un doblaje mexicano previo, hecho a mediados de los noventas, y que a un servidor le toco escuchar cuando vi la película por el canal HBO y que era estupendo. Lástima que no pudieron traerlo, porque habría sido genial. Tenía voces tan potentes como Carlos del Campo o Monica Estrada.
Curiosidades: Porco Rosso iba a ser un cortometraje, pero el entusiasmo de Miyazaki por el proyecto lo hizo convertirse en una película. La guerra de Yugoslavia lo obligo a poner la película en un tono más serio. Tuvo una limitada exhibición en Europa y fue hasta la década pasada cuando se dio su distribución mundial. En México estuvo a cargo de Zima y en el 2010 ya lo tenemos disponible en formato casero. En nuestro país llego a exhibirse en la TV de paga por el canal HBO Olé que transmitió la película unas cuantas veces a finales de los noventas. La película tuvo tal éxito que origino un manga de 10 tomos y a su vez, esta basado en un manga cortísimo del mismísimo Miyazaki que hizo en 1989.
Ahora, viene un asunto un tanto espinoso. Disney ha sido acusada de manera significativa de "robar" diseños de otros lados, sin comprobarse al 100%. Esto ya lo vimos con el Rey León (siendo su objetivo la obra de Ozamu Tezuka, Kimba el León blanco). En este rubro, tenemos a Tale Spin o Aventureros del Aire, donde es un remake de los personajes del Libro de la Selva, fusionados con el ambiente de los años treinta que manejan en Porco Rosso. Tale Spin apareció en 1992, un poco antes del estreno de Porco Rosso. Muchos dijeron que la película de Miyazaki se baso en esta serie, pero hay que recordar que el diseño de Porco Rosso viene de 1989. Así que no sabemos si ha sido una simple coincidencia o realmente una "adaptación".
Otro detalle potente es que Miyazaki se basa en nuestro mundo real para colocar a Porco Rosso. Claro, no retrata las hordas fascistas con su uniforme de siempre, pero si el diseño de los mismos y no se contiene en mencionar el fascismo y su desprecio de manera evidente.
A título personal: Porco Rosso fue de las primeras películas que vi del Estudio Ghibli (junto con la Tumba de las Luciernagas). Como ya he comentado, me toco verla en el extinto HBO Olé, aunque me costo entenderla, ya que en esos momentos me pareció lenta y con poca acción (aparte de pacifista, ya notan mis gustos en aquellos años). Por ello, me quedé con una imagen un tanto añeja de la misma. Fue hasta unos meses, cuando decidí bajarla (seh, lo siento) y verla nuevamente. Debo decir que me encanto y como algunas cosas se disfrutan mejor a ciertas edades. Sin embargo, si algo noté es que una película para fans, ya que cuando se la puse a mi esposa, no le gusto tanto y hasta le parecio un tanto incompleta. Y para que negarlo, si uno es muy estricto, Porco Rosso no tiene taaanto punch, ya que depende más de su estética y personajes para impresionar, ya que la historia no es tan potente como en otras producciones de Ghibli.


En conclusión, "Porco Rosso" es una película recomendable del estudio Ghibli. Tal vez no tenga la belleza gráfica de La princesa Momonoke ni el guión del Viaje de Chihiro, pero es una buena película de Miyazaki y tiene unos puntos altísimos, en especial en cuanto a sus personajes y el diseño de los aviones o cazas de combate. Aunque eso sí, tiene su punto de fanatismo bastante alto y por ello, al público en general le puede de repente chocar un poco. Bastante recomendable, pese a todo.

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Saludos a mi princesa =3, así a quienes gustan de las películas de Ghibli.

miércoles, 25 de marzo de 2015

La chica en la chimenea: un emblemático episodio de Dr. Who

Continúan mis andanzas con Dr. Who. Hace un par de meses que comencé a ver la serie y ahora ya llevo tres episodios del mismo (me refiero a los de la época moderna, porque de la viejita, como ya comente, me chute varios). El punto es que pensé en reseñar el especial de 50 aniversario, “El día del Doctor”, pero entrar en tales terrenos no me pareció lo más adecuado, ya que podría hacer una crítica como “lego” y sería bastante razonable, pero me quedaría fuera del paradigma de muchos fans de la serie y podría caer en errores de apreciación muy graves. Por ello opte por mejor en conocer más la serie moderna y ya teniendo más experiencia, no solo reseñar dicho episodio (que por cierto, me encanto) sino también el especial medio cómico que sacaron por esas fechas.

Por lo tanto, me he dedicado a ver más episodios de la serie, no de manera ordenada como es mi costumbre, sino salteados y dando especial enfoque en los favoritos entre los fans. Como detalle, he querido irme de “Doctor” en “Doctor”. Ya vi un par del décimo, interpretado por David Tennant, pero ahora quise irme con el noveno, que estuvo bajo la batuta de Christopher Eccleston. Debo decir que ahora Tennant es mi favorito (ya que la personalidad de Eccleston todavía no me pega lo suficiente, falta ver ahora en “Niño vacío”, el cual llevo un poco visto. Matt Smith tiene lo suyo, pero luego brincare hacia sus temporadas) y por mucho. Si ya en su escasa participación en “Parpadeo” me había llamado la atención, en el siguiente episodio que voy a reseñar, la cosa alcanza tintes de genialidad.


La chica en la chimenea (The Girl in the Fireplace) es el cuarto episodio de la segunda temporada moderna de la serie británica de ciencia ficción Doctor Who, emitido originalmente el 6 de mayo de 2006. Fue nominado para un Premio Nebula y ganó el premio Hugo 2007 a la mejor presentación dramática en forma corta.


Detalles técnicos: La chica en la chimenea (The Girl in the Fireplace) es el cuarto episodio de la segunda temporada de Dr. Who (de la serie moderna), teniendo a David Tennant como el décimo doctor y a Rose Tyler (Billie Piper) como la acompañante Rose Tyler y ya en compañía de su “peor es nada”, Mickey (Noel Clarke). Fue emitido el 6 de mayo del 2006.
La idea original vino del productor de la serie en aquel entonces, Russel T. Davis, que un año antes, había producido una serie costumbrista de la revolución francesa, así que decidió incorporar dicho instante en Dr. Who. Para el guión, estuvo a cargo el genial Steven Moffat, que tomo elementos de varias novelas para crear una línea de tiempo donde pudiese mezclarse una historia de amor y un personaje tan emblemático como Madame de Pompadur. Por cierto, la actriz que interpreto a dicho personaje histórico, fue la guapa Sophia Myles, que por aquellos tiempos, estaba saliendo con David Tennant (y que como comenta, no tuvo que hacer casting, sino le ofrecieron dicho papel). El episodio tuvo unas excelentes críticas y estuvo nominado a los premios Nebula y Hugo, del cual gano este último en el 2007.

Argumento: El doctor, Rose y Mickey se encuentran una nave abandonada en los confines del espacio. Luego de revisarla, se dan cuenta de que su tripulación ha desaparecido, pese a que la nave se encuentra funcional. Durante la revisión de la misma, se encuentran una misteriosa chimenea, donde la cual el doctor visualiza a una niña pequeña. Luego de unos momentos, se decide a investigar y se encuentra a la chiquilla ya un poco más grandecita, lo cual se va repitiendo en el resto del episodio, donde en los instantes que el Doctor regresa y va de la nave, la joven se convierte en una hermosa joven llamada Jeanne. Esta inmediatamente comienza a coquetear con él (a lo cual también corresponde), pero en el intervalo, unos villanos hechos de piezas de reloj tratan de capturar a la susodicha joven para robar su cerebro e instalarlo en la matriz central de la nave y así conquistar el universo. La susodicha chica, no es otra que la célebre amante de Luis XIV, Madame de Pompadur.



Opinión personal: luego de ver el mítico episodio de “Parpadeo”, pensé que había arruinado mi entrada a la serie, ya que este era considerado el mejor de los mejores de Dr. Who. Por lo tanto, el resto de los episodios, aun los recomendados por los fans, no tendrían una calidad tan alta y me terminaría aburriendo. Por suerte, me equivoque y por algo el “Doctor” sigue siendo una serie mítica, donde puedes encontrar genialidades a cada rato.  Como prueba este episodio, que aunque maneja cuestiones temporales muy al estilo de Moffat, es genial por donde lo veas.

Para empezar, el argumento es fabuloso, ya que mezcla dos ambientes totalmente distintos: uno al estilo de una nave como de Aliens y otro, donde nos movemos en las épocas clásicas de la Francia de Luis XV. Si algo admiro de Moffat (no solo por esta serie, sino lo que ha hecho con Sherlock), es la capacidad de conectar diferentes momentos, ambientes o estilos de tal manera que formen parte de una sola trama. Y aunque acá nos volvemos a encontrar uno de sus clichés favoritos, que son las líneas temporales, nadie las utiliza como él, dando a un episodio bastante rítmico y sumamente divertido, lleno de comentarios con mucho sci-fi y también de historia.

Sin embargo, si uno viese estos episodios con actores regulares a mediocres, las cosas no funcionarían tan bien. Por suerte, aca Tennant, Piper y Myles hacen genialidades con sus personajes. Ya había dicho que el décimo doctor se estaba convirtiendo en mi favorito, no solo por los geniales diálogos que le crean, sino también por la misma interpretación de Tennant. Cierto que por momentos se pasa un tanto de locuaz, pero la forma que tiene de resolver algunas situaciones y hacer creíble su personaje, no tiene comparación. Falta verlo en este episodio, donde oscila en muchas frecuencias de la actuación: romance, comedia, drama, etc. etc. Aparte, gracias a Dios, no lo veo con esa sobreactuación que le vi en Harry Potter siendo Barty Crouch Jr.
De la que no puedo dar mucha opinión es de Rose, que aunque muchos la describen como una de las mejores “companions”, acá si hace un buen papel, siendo más la mano derecha del doctor que una chica que se mete en líos (como estoy notando en la temporada del doctor de Eccleston).

Pero nuevamente, la protagonista invitada es la que se lleva las palmas, no solo por belleza, sino por su contundencia: Sophia Myles. Si ya Carey Mulligan me había hechizado en “Parpadeo”, acá Myles la mueve y muchísimo, mostrándose como una mujer segura pero a la par inteligente y con bastante carácter, pero sin perder ese aire de princesa que debe ser rescatada. No sé que tienen las actrices inglesas, que no rebozan una belleza física impresionante, pero en su forma de moverse y andar, son brutales. Aparte de que la química entre Tennant y la susodicha era bastante alta (como dije, eran pareja en aquel entonces). Lamentablemente el único que desentona es el pobre Mickey, que resulta ser un postizo demasiado pesado por momentos.
Nuevamente Moffat nos saca unos villanos bastante emblemáticos, que sin necesidad de tener un arma poderosa, su presencia y físico son lo suficientemente aterradores para que los veas como una amenaza constante (aun cuando de repente sacan una especie de navaja suiza como arma). A tal grado son tan potentes que basto que mi esposa los viera unos momentos para que no quisiera ver el episodio. Y pues sí, los condenados que intimidan, intimidan.

En conclusión, “La chica en la chimenea”, es un episodio formidable de la serie. Si “Parpadeo” había dejado la nota muy alta, este capítulo tampoco desmerece y personalmente me encanto. Curiosamente, pensé que el romance iba a fregarlo (aunque me gusta, queda un poco de más en las series de ciencia ficción), pero al contrario, le dio un toque muy nostálgico y hasta triste al final. Aparte, que a nivel personal me llego, debido a que soy un fan de la historia y cuando la sabes conjugar con algo de ciencia (no llegando tanto al estilo steam punk), es de llamar la atención. Altamente recomendable y aunque si necesitas saber un mínimo de Dr. Who (a diferencia del otro, que allí si podías entrar sin preámbulos), aun así, es bastante entendible y disfrutable.

¿Y ahora que sigue? Bueno, espero hacer una próxima entrada sobre “Niño vacío/Dr. Baila”, pero a ver si no me termino decantando por las temporadas de Matt Smith, porque insisto que Eccleston no me termina de convencer (eso y que la forma en que están hechos estos capítulos no me pegan tanto). Tal vez está pasando como decían en el podcast de la Órbita de Endor, donde Antonio Monfort comentaba que siempre habrá un doctor favorito para cada persona. A ver si Tennant es ese doctor. Eso lo veremos en un futuro.

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Saludos a mi esposa :3, así a quienes gustan de Dr. Who.

viernes, 20 de marzo de 2015

Rolas de los Ochentas: Una cuarta parte que tiene de todo

Los momentos de tristeza van y vienen. También las situaciones difíciles o los instantes donde uno piensa que todo se va al demonio y no hayas de donde agarrarte. Por suerte, siempre hay unos buenos balsamos (aparte de mi adorable mujer) que siempre te sacan a flote, aun estando con el ánimo por los suelos.

Por supuesto, hablo de la música de la década de los ochenta. No me canso en reafirmar que esos años dieron lo mejor en este rubro y que lo que vino después, no ha tenido la misma calidad. Muchos se quejan de lo artificioso de la composición, pero al fin al cabo, sento precedente para las décadas posteriores, al grado que muchos íconos de aquellos años se han vuelto a poner de moda. Los Ochentas eran, son y serán para siempre.

Por lo tanto, aquí va otra entrada dedicada a las mejores melodías de aquellos años, por una cuarta ocasión.


Kyrie - Mr. Mister


Mr. Mister es una agrupación poco conocida en estas latitudes, aunque no tanto en Chile, donde el grupo llego a tener una fuerte polémica con el entonces gobierno de Pinochet, cuando leyeron una declaración a favor de los perseguidos políticos en 1988. Pero en 1982, el grupo tuvo su mayor auge, cuando una rola, compuesta por John Lang, logró llegar a ser la número uno en la radio americana por espacio de dos semanas. Seh, hablamos de "Kirye", esa canción que tiene reminiscencias religiosas bastante marcadas (Kirye significa "Señor" y forma parte de los ritos cristianos orientales y algunos occidentales). Fuera de una letra marcadamente espectacular y un ritmo formidable en la instrumentación, personalmente no la conocía hasta que hace un par de años escuche un demo de la misma en un video compilatorio. Me enamore de la misma en ese momento y actualmente la escucho para levantarme el ánimo.


Twilight - Electric Light Orchestra


Electric Light Orchestra (ELO para los cuates) fue uno de los grupos de rock y luego electrónico más emblemáticos de los años setentas y parte de los ochentas en Inglaterra. Llego a tener un gran éxito con su album Discovery y trataron de repetir el éxito con "Time". Sin embargo, el cambio de estilo de ELO les costo varios fans y la crítica fue un tanto dura con ellos. La canción que más destaco de dicho albúm fue esta, Twilight y no precisamente en Europa (en EUA ni se diga, apenas llegaron al puesto 38 del Billboard), sino en Japón, donde la canción fue tan laureada que inclusive se utilizo en seriales y programas sin autorización. Parece que el legado continuo años después, porque precisamente llegue a escuchar esta formidable rola tecno-ochentera en el dorama "Densha Otoko", donde llego a ser el opening oficial de la dichosa serie. Con el tiempo, Twilight se ha convertido en una de las rolas más emblemáticas de los principios de los años ochentas.


Michael Bolton - How Am I Supposed To Live Without You 


Al fin tenía que aparecer una rola del emblemático Michael Bolton en este conteo. Este cantautor fue (y sigue) siendo un ícono de los años ochentas, por imprimir un estilo muy particular a sus canciones, de corte romántico lacrimogeno, al grado que varios de sus rolas protagonizaron los primeros lugares del Billboard, en especial cuando aparecían en las películas de aquellos años ("Cuando un Hombre ama a una mujer" por ejemplo). La historia de esta canción es rara. Bolton la escribio en 1983, pero otros cantantes, como Laura Branigan se encargaron de interpretarla a mediados de los ochentas, hasta que el mismo Bolton la saco en 1989 con su propia voz. En lo particular, la canción me gusta a secas. No es de mis favoritas y es que no tiene tanto ritmo, aunque la letra si es bastante llegadora (y lo cul demuestra que en el fondo, sigo siendo un cursí de primera).


Richard Marx - Right Here Waiting 


Richard Marx se ha convertido en uno de mis interpretes favoritos, no tanto por su voz, sino por el tipo de rolas que le ha tocado interpretar. Una de las rolas que me hizo acercarme a este cantautor, fue "At the Beginning", perteneciente al albúm de la película Anastasia. Sin embargo, Marx en los ochentas hizo sus pininos, primero como apoyo vocal para Lionel Ritchie, el cual le ayudo a sacar su primer albúm que tuvo un éxito moderado. Sin embargo, el segundo es donde se desprendió su "Hit Wonder", que es justamente esta melodía que se estreno en 1989. En aquel entonces, Marx compuso dicha canción para su entonces novia y luego esposa, Cynthia Rhodes. Aunque hace poco, ambos se separaron, el encanto de esta melodía es apabullador. La forma en que la conseguí, fue también en una temporada donde estaba idiotizado por una relación, así que esta rola se convirtió en mi himno de batalla en aquellos años.


Waiting a Girl Like You - Foreigner


 Es curioso como pasa el tiempo. Hace 15 años, esta melodía me tenía bastante traumatizado, al grado que la escuchaba hasta 10 veces al día. Un compañero de aquel entonces en el negocio de los fics, tenía una página con sonido que era esta rola en formato midi. El ritmo de la misma era tan genial que me termine descargando el mp3 con el topoderoso Napster. Técnicamente, se convirtió en una de mis primeras descargas de música. Lamentablemente, ciertos eventos de aquellos años, me terminaron por hacer que odiara la canción, aunque en tiempos actuales, esta teniendo una nueva renovación. Aunque el ritmo es cadencioso y un poco lento, su letra es formidable (y eso que me fijo poco en ese rubro en las canciones). Dejando el lado personal, esta rola aparecio en 1981, cortesía del grupo Foreigner en su albúm "4" y tuvo un éxito abrumador, convirtiendose en la rola emblema de muchas bodas en aquel entonces (y hasta la fecha).


Lionel Richie - All Night Long (All Night) 


Lionel Ritchie fue considerado de los últimos grandes coletazos que tuvo la disquera Motown. Aunque esta aun continua vigente hoy en día con buenos exponentes, los años sesentas y setentas fueron una época brillante para la productora, al grado que llegaron a dominar el mercado. Ritchie vino a darle un aire distinto y se mantuvo vigente durante toda la década de los ochentas con diversos éxitos. Uno de ellos, fue esta rola, que fue sacada en 1983 y que en su momento, llegó a competir directamente con el gran éxito de Billy Joel, "Uptown Girl". Curiosamente, el éxito de Ritchie no fue tanto en su propio país, sino en los países arabes, donde su ritmo llego a imponerse. Para esta canción, la instrumentación se baso en ritmos africanos, de allí que algunos coros tengan reminiscencias de ese continente. En lo personal, esta rola la consigue cuando hace unos 5 años, la escuche de oído en una radio ochentera y me encanto. Inclusive la utilice como inspiración para un fanfic posterior.


R.E.M. - Losing My Religion 


Aunque esta rola pertenece a 1991, en realidad siempre es enmarcada dentro de los años ochentas, ya que aun teníamos latigazos de aquellos años por esa época. Creada por el grupo de música alternativa R.E.M., vino a representar el paulatino cambio entre los plásticos ochentas con el nuevo sonido indy de los noventas. La canción fue objeto de los primeros llamados comerciales que hizo la cadena MTV, ya que la promoción que le dieron fue tan grande que rapidamente gano furor entre los escuchas, al grado que la canción estuvo en los primeros lugares del Billboard en 1991. Particularmente, está no me llama mucho. Sí, sonará extraño, ya que cualquiera conoce a REM por esta rola, pero en lo particular, tanto el sonido como la letra jamás me han impactado demasiado. No obstante, sigue siendo un clásico y por tal motivo, merece estar en esta entrada.


The Police - Every Breath You Take


Las palabras se quedan corta ante esta formidable rola, compuesta por Sting y que se estreno en 1983, cortesía del grupo The Police. Ganadora de inumerables premios, como un Grammy, represento el estirón en la carrera de Sting, que posteriormente dejaría la agrupación y se dedicaría a rolear en solitario. Como muchas canciones, me sorprendí mucho al escuchar la letra, ya que aunque tiene tintes románticos, por otro lado, parece una melodía digna de un tipo obsesivo y controlador (y con razón, Sting la escribió en un momento en que su matrimonio se venía abajo). Lo destacable, a modo personal, es la intensidad de la misma y también del excelente video que hizo el grupo para promocionarla, donde vemos a Sting tocando un contrabajo mientras canturrea la misma. En su momento llego a ser una de mis favoritas, pero supongo que la queme, ya que la escuchaba a cada rato y por ello, la deje un rato abandonada en el baúl.


Scorpions - Wind Of Change 


Ya con la rola 99 luftbaloons, vimos que los ochentas no solo fue una década de diversión, sino también de cambio. Fue la década en que los movimientos sociales lograron cambios importantes, con apenas unos cuantos tiros o nula violencia, como La Caída del Muro de Berlín. El grupo The Scorpions había cosechado un gran éxito en la naciente juventud soviética y quisieron repetir el éxito, con la salida de esta emblemática rola en noviembre de 1990. La potencia de la canción fue tal, que inclusive se grabo, no solo en español, sino también en ruso. Debo decir que fue otra de las primeras canciones que logre descargar del viejo Napster a finales de los años noventas en su versión original y luego logre conseguirla en español. Aparte de su ritmo bastante potente, la letra de la misma es emblemática a morir. Durante un tiempo, fue de las canciones que tenía en el reproductor o en el celular de turno.


Survivor - Eye Of The Tiger


Survivor llego de manera fortuita a manos de Stallone en 1983, cuando un jovencísimo Tony Scott le puso varias rolas del susodicho al protagonista de Rocky. Stallone notó que el estilo de Survivor le convenía a su saga, la cual iba a estrenar la tercera película y rapidamente le pidio un tema emblemático a la banda para ser el intro de Rocky III. Los compositores pusieron manos a la obra y "Eye of Tiger" se convirtió en Hit en aquel año, donde cosechó grandes éxitos y buenas críticas. La letra de esta rola es espectacular, ya que parece relatar la forma y estilo que tenía Rocky, donde "El más fuerte solo sobrevivirá". Como es lógico, esta es una de mis canciones favoritas de toda la saga del Semental Italiano (más cuando Rocky, no solo tiene un OST formidable, sino también unas vocales únicas). Técnicamente, esta canción se ha convertido en mi himno de batalla en los últimos meses y la pongo cada vez que ando deprimido o para levantarme el ánimo, previo al ejercicio.

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Saludos a mi mujer :3, así quienes gustan de las rolas ochenteras.

jueves, 19 de marzo de 2015

Hikaru Shidou: la guerrera de Fuego de Magic Knight Rayearth

El próximo año se cumplen ya 20 años de la primera emisión que tuvo el anime de las Guerreras Mágicas en nuestro país. Hablar de aquellos años, no solo es sacar una gran cantidad de recuerdos personales, sino también comentar de lo que se llamo la primera revolución del Anime en México.

Aunque Robotech, Voltron, Mazinger, Candy y otras series hicieron su cosecha en los años ochentas, fue la aparición de Saint Seiya lo que marco un hito definitivo para el establecimiento del anime en la región. Y aunque muchos dicen que Dragon Ball dio el banderazo, este no hubiera sido tan potente, sin el apoyo indirecto del género shoujo, el cual TV Azteca trajo por carretadas en 1996: primero con el estreno de Sailor Moon en marzo de aquel inolvidable año y luego en junio, de las Guerreras Mágicas.

Magic Knight Rayearth, lanzado a mediados de los noventas, se considero la punta de lanza del grupo CLAMP y que le permitió destacarse, no solo por el arte que tenía dicha obra, sino por la historia que mezclaba la acción, la magia, el romance y el drama, muy al estilo de un RPG (como la misma Fuu - Anaís - llega a comentar en un episodio). Claro, en el momento que se exhibió en México, de repente muchos vieron una rivalidad entre la obra de Naoko Takeuchi, la mencionada Sailor Moon. Sin embargo, aunque los mangas tienen ciertas similitudes, los animes se fueron por caminos muy distintos, creando un fandom muy específico para cada uno de ellos. Sailor Moon era una serie muy rosa, con tintes cómicos y con momentos ocasionales de drama, mientras Guerreras Mágicas era un anime más serio, con un romance un tanto más adulto y con cuestiones tanto filosóficas como éticas bastante marcadas.

Para un servidor, tal rivalidad era infundada y veía los dos seriales sin tapujos. Y aunque a la fecha, Sailor Moon se considera un ícono, Guerreras Mágicas también alcanzo un estatus de culto, más que nada en los viejunos como un servidor. Fue tal impacto de esta saga, que inclusive la Editorial Toukan en su momento trato de sacar el manga, con los resultados ya comentados en otra entrada, lo cual a mi parecer, se considero una medida acertada, ya que el manga era corto (apenas 6 tomos) y el fandom estaba muy fuerte en aquel entonces.

Por esto, creo que considero necesario hacer un análisis de "personaje por personaje", tal como lo estaba haciendo con las protagonistas de Sailor Moon. Claro, acá será un tanto más corto, pero si algo tenía a favor esta saga, eran los charas, que eran sumamente carismáticos y muy diferentes entre sí. Por lo tanto, el primer personaje a analizar, es Hikaru Shidou o Lucy González (para los cuates).


Hikaru Shidō (獅堂 光 Shidō Hikaru?) o Lucy González (Versión Angelina), es un personaje ficticio del manga y anime, "Magic Knight Rayearth".

Hikaru es una niña de Tokio, protagoniza una historia donde es transportada con otras dos chicas: Fū y Umi, a un mundo mágico al que deben salvar. Las chicas se hacen grandes amigas y pasan innumerables aventuras.



Hikaru Shidou es una chica de 14 años, cursa el octavo año de la escuela media elemental (que sería el equivalente al segundo año de secundaria en nuestra región). Es una adolescente de estatura corta (lo cual constantemente le recriminan durante la serie), bastante vivaz y alegre. Es practicante de kendou y su familia tiene un dojo bastante renombrado. Aparte, es la hermana menor de 4 hermanos (Satoru, Masaru y Kakeru. Obviamente no voy a decir la adaptación de sus nombres en español latino).

Su primera aparición es en la Torre de Tokio, cuando en un viaje por parte de su escuela, en un momento se encuentra con Umi y Fuu, lo cual provoca que las tres viajen al majestuoso mundo de Céfiro. Desde el principio, el optimismo de Hikaru va sacando adelante al grupo, al grado que es la primera en aprender la magia, por cortesía de Guruclef, siendo su ataque primario a base de fuego (Hono no Ya - Flechas de Fuego), con el cual logra derrotar a Alcione (Alanís). Durante el resto de los episodios, Hikaru se revela como una joven idealista, con un temperamento bastante templado, hasta por momentos inocente (lo cual se demuestra en el anime y en el manga, cuando algo la sorprende o no comprende, es mostrada como una chica gato).

Justamente es su carácter lo que termina haciendo que el personaje, al menos en la primera temporada, sea menos chocante, ya que mientras Umi se muestra irascible y Fuu como una estricta gruñona, Hikaru siempre esta contenta u optimista, lo cual lleva a verse como un personaje muy poco evolucionado. Sin embargo, aunque en el transcurso de la primera temporada es quien logra hacer una mayor evolución de su espada, es la última en conseguir a su Genio (Mashin), llamado Rayearth, que es un León de fuego (tal como se traduce su nombre del japones).


A partir de la muerte de la princesa Esmeralda, es donde vemos otro espectro de la personalidad de Hikaru, donde demuestra ser una chica extremadamente sensible, llegando a sentirse responsable directa por la muerte de Esmeralda. Aunque esta situación es más atenuada y compartida en el manga, en el anime se hace tan acentuada que los sentimientos de la chica la meten en un lío tremendo, primero al crear a un ser que resulta ser su contraparte (Nova/Luz), con el cual logra alimentar indirectamente a Debonair, la antagonista en el anime. Aquí es donde se vió el mayor potencial de Hikaru, ya que vemos que la segunda temporada narra el crecimiento emocional de la chica, pasando de ser una joven insegura y frágil (su carácter alegre y optimista resulto ser una fachada para ocultar su sensibilidad) a creer ferviemente en lo que ella siente (lo cual se demuestra cuando acepta sus sentimientos por Latis y también en creer que es un buen prospecto para el susodicho).

Aunque el manga y el anime mantienen diferencias importantes con el final, al fin a cuentas, Hukaru se convierte en el nuevo Pilar, pero en lugar de aceptar dicho puesto, decide que los habitantes de Céfiro sean quienes controlen su destino y el de su mundo, por lo cual, el sistema del Pilar es abolido. En el trance, Hikaru también establece una relación especial con Eagle Eyes, líder del planeta Autozam, que pretende tomar el control de Céfiro, convirtiéndose en el Pilar. En el manga, es notorio una especie de triángulo amoroso entre Hikaru, Eagle y Latis. Sin embargo, el anime, al menos en esta parte del charco, esa situación se vió disminuida, ya que Eagle fue transcrita como una chica, debido a la cantidad de contactos "homo-homo" que había de parte de él con Geo-Metro o con el mismo Latis.

Finalmente, Hikaru y sus amigas, luego de la batalla final, deciden volver a Tokio, aunque con la posibilidad de volver a Céfiro en una próxima ocasión (cosa diferente en el manga, donde las chicas podían moverse de un lugar a otro sin problemas).

A título personal: Hikaru, o Lucy, siempre me parecio el personaje menos carismático del trio protagonista. Como ya comente, su personalidad era demasiado extrovertida, al grado que resultaba chocante. Umi (Marina) era divertida de ver, ya que tenía unos cambios de humor bastante bruscos, mientras Fuu (Anaís) con su característica manera de ser, me termino ganando el corazón. El problema es que la evolución de Hikaru nunca fue tan uniforme y se denoto en especial cuando pasamos de la primera a la segunda temporada, donde ya me había acostumbrado al carácter de la pelirroja, que verla gimotear en un rincón, por Esmeralda, su destino o Latis, jamás me termino de convencer. Quizás se reinvindicó un poco cuando acepto a Nova y ambas se fusionaron. Allí sentí que el carácter de la chica volvió a ser un tanto como antes.

Curiosamente, de las mejores partes que tuvo fue cuando conoce a Geo y a Zaz, los lugartenientes de Eagle (en especial cuando le dan ese traje que Zaz le hizo, muy al estilo de su planeta). Aunque allí sigue moqueando, su manera de ser contrasta perfectamente con las personalidades de los chicos de Autozam e hizo el momento bastante divertido (aun más que los encuentros que tuvieron Fuu y Umi con Faren y Zizeta).


Aparte, en cuanto a su diseño, técnicamente era la menos atractiva de todos. Sin embargo, conforme avanza la serie, me agrada como la hacen más guapa (y para que negarlo, verla triste resalta mucho de sus rasgos). 

Por cierto, los poderes de Hikaru, aunque muy prototípicos (Flechas de Fuego / Rayos de Luz), son bastante espectaculares y más cuando se fusiona con su Mashin, el cual llega a inclusive a tener una especie de escudo de forma animalistica (como una garra de león), dandole un toque muy particular. Aparte de que su traje de batalla final era digno de una amazona.

En cuanto al doblaje, debo decir que en un primer momento, Hikaru sufrió bastante. No es que Ivette González no lo hiciese bien, sino el tono de voz que eligió para el personaje era demasiado chillón y por momentos hacía un tanto más insoportable al personaje. Sin embargo, con el paso del tiempo, se escucho mejor, al grado que me gustaba más escuchar su voz que la de Erika Robledo (que le sustituyo en algunos episodios. Como ejemplo de esto, tenemos a Sora Naegino de Kaleido Star, donde Shirley Marulanda le dio un tono extraño a su personaje, pero al tiempo, ahora no puedo escuchar la serie sin el doblaje colombiano).
A esto, hay que agregar que a finales de los noventas, hubo una fiebre del doblaje muy fuerte y lamentablemente, la información que se tenía entonces era a base de escuchar a los actores, más que de información oficial como se dispone hoy en día. Por lo tanto, los doblajes hechos en EUA tenían cada puntada. En su momento, las 3 actrices de doblaje se llegaron a intercambiar sus nombres y fue todo un lío.


Como dato curioso, la imagen de Hikaru fue reciclada por las CLAMP, siendo el modelo de Hikaru, la Angel de Misaki en Angelic Layer.

En conclusion, Hikaru cumple con el papel de cualquier protagonista principal de anime, siendo al principio la chica animosa y optimista, pero luego va revelando una personalidad mucho más compleja. El problema, recayo bastante en el asunto del cambio, que no se da de buena manera.

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Saludos a mi Fuu :), así a quienes gustan de las Guerreras Mágicas.

lunes, 16 de marzo de 2015

Al filo del Mañana: una adaptación diferente de All You Need is Kill

Ahora sí, vamos con la crítica completa sobre el serial de "All You Need is Kill", que empezamos hace unos días al analizar el manga de Takeshi Obata. No es que me haya hecho un fan incondicional de la franquicia, pero si me gusto mucho y los productos relacionados me han parecido muy correctos (incluyendo esta película, que tuvo muuuuchas curiosidades al respecto y que vamos a comentar).

Pero haciendo una rápida sinopsis, All You Need is Kill trata sobre un soldado raso atrapado en un bucle temporal: cada vez que muere, vuelve al día anterior a la batalla, lo cual a la larga le va ocasionando heridas mentales y la primicia de volverse más fuerte para escapar de dicho evento de una vez por todas.

El año pasado se exhibió la adaptación cinematografica, teniendo a Tom Cruise como protagonista y que ya venía tiempo cociendose, desde que Viz Media saco la novela en el 2009.


Antecedentes: Desde que Viz Media saco la novela original por el 2009, Warner Bros se intereso en hacer una adaptación en película gringa, mediante la productora de la editorial, 3 Arts. El problema fue el desarrollo del guión, que como se comentara más adelante, tuvo hasta 3 guionistas distintos y la metida de mano del mismo director durante la misma filmación. Para el 2011 se propuso a Brad Pitt en el papel principal, pero este declino la oferta, la cual acepto Tom Cruise sin problemas. La fotografía principal se realizo en los famosos estudios Leavesden, así en ciertas regiones de Doven, donde se filmo la batalla de playa, por su parecido a las regiones de Normandía. La fotografía principal duro todo el semestre final del 2012 y la edición a principios del 2013, inclusive con tomas extras en septiembre de ese año. Durante ese tiempo, se cambio el título de la película, pasando de "All you Need is Kill" a "Edge of Tomorrow". Finalmente, se estreno a finales de abril del 2014 con muy buenas críticas, pero una extraña y baja recaudación entre el público. En México pudimos disfrutarla a mediados de mayo del año pasado.
Historia: En un futuro cercano, la Europa continental se ha visto invadida de repente por una suerte de parásitos extraterrestres llamados "Mimics". Las fuerzas militares han sido barridas en un instante, pero gracias al rápido impulso de la tecnología, las Naciones Unidas en conjunto desarrollaron un traje de combate, un cyberesqueleto, que permite enfrentarse a los dichosos Mimics, lo cual conlleva a que los humanos tengan su primera victoria en Verdun. Ante esto, se prepara una nueva ofensiva en Londres y el promotor William Cage (Tom Cruise), una suerte de soldado de relaciones exteriores, se mete en un lío al hacer declaraciones poco afortunadas hacia el general Brigham, lo cual conlleva a que sea arrestado y enviado a la línea del frente. Durante la batalla, Cage es muerto a la par que es bañado por un extraño líquido, todo mientras ve frente a él, a Rita Vratasky, la perra infernal, un as de combate que tuvo su mayor lucimiento en Verdún. Cage despierta y vuelve al  instante en que fue llevado a las barracas y piensa que tuvo un sueño horrible, pero al morir, regresa a ese momento una vez, dándose cuenta de que esta atrapado en un horrible bucle temporal que le hace volver a la vida.
Guión: ya había expresado mi alabanza hacia la primicia de la historia, es que estupenda por donde uno la vea. Ahora, el objetivo de esta entrada es marcar las diferencias entre la versión original y la película. Aunque me cueste admitirlo, debo decir que los guionistas Christopher McQuarrie, Jez Butterworth y John-Henry Butterworth hicieron un buen trabajo, ya que mantuvieron mucho del espíritu original de la obra, pero dándole un toque más cómico al asunto (en especial en el entrenamiento que va pasando Cage para volverse más fuerte). Claro, esto en parte gracias a Doug Liman, el director de la película. Resulta que cuando leyó el guión original, le pareció demasiado crudo y oscuro, por lo cual fue haciendo modificaciones conforme hacia la fotografía principal. Debo decir que tales remedos si ayudaron a que el filme fuese mucho más llevable, ya que tanto la novela como el manga por momentos son bastante deprimentes. Inclusive, el final me pareció muy adecuado, aunque se desconecta totalmente del original, amén de que la explicación del bucle temporal me pareció un poco más contundente. El problema viene por la manufactura "gringa" y es que primero, el protagonismo recae absolutamente en Tom Cruise (lógico, es su película) y descuidan demasiado a un personaje tan potente como Vitratsky. El otro es el final, que a muchos no les gustará, aunque en mi particular, me pareció una buena manera de cerrar el filme.

Personajes: Si en las obras originales, los protagonistas y demás personajes tienen su cierto carisma, en esta película toooodo recae en Tom Cruise y su chara. Pero debo decir que no lo hace nada mal. Si en el "Último Samurai" el chara de Cruise era por momentos omnipotente, acá la cosa se rebaja y mucho, ya que Cage esta diseñado como un alfeñique y cobarde, que va evolucionando de manera formidable. El problema es que su contraparte, Rita, no tiene ese peso y se diluye rápidamente si no esta en la pantalla. Podría decirse que tampoco es problema del guión, sino de la misma Emily Blunt. Sí, muy guapa, pero pese a que se ve su compenetración con el papel, al tener los músculos necesarios, su porte es tan aristocrático que no la veo como Vatratsky. Lamentablemente, otro punto en contra es el desaprovechamiento del grupo de Cage que tenía harto potencial, pero quedan como unos secundarios muy cliches.
Fotografía: Dion Beebe hace un buen trabajo, pero a secas. Es un rubro poco potente de la película y es que hay demasiadas tomas cercanas. Lo ideal en películas de acción es hacer tomas abiertas para mostrar la grandilocuencia. Sin embargo, acá eso es casi nulo y el desembarco en Francia, se queda muy mocho, para la cantidad de efectivos que hay entre ambos contendientes. Sí, lo hace una película muy intimista, pero esto es acción, no un drama, pero bueno.
Efectos especiales: Uno de los mejores rubros de la película. No se nota demasiado el CGI y los exoesqueletos se ven muy bien (aparte de tener un sistema limitado de armas y de energía). Ni se diga los Mimics, que le dieron un aire mucho más mecánico. Por cierto, muchas tomas de los trajes o exoesqueletos eran reales. Se dieron a la tarea de hacer auténticas moles de 39 kilogramos que emulaban a dichos trajes.
Música: no destaca de manera particular partitura de Christophe Beck, pero se adecuada bastante bien al filme y no desentona en ningún momento.
Doblaje: Arturo Mercado Jr. vuelve a cumplir como la voz ya de Tom Cruise desde hace unos buenos años y el cast está bastante bien. Tal vez Rosalba Sotelo no me pareció la mejor elección para Emily Blunt (sigue sin buscarme mucho su voz o caracterización).
A título personal: Edge of Tomorrow era una de las películas que tenía planeada ver el año pasado, pero la falta de efectivo fue lo que me limito verla en su momento. Lo peor es que pese a la crítica taaan buena, la recaudación de la misma no lo fue tanto. Algo que me termino sorprendiendo, ya que la película es bastante buena, entretenida. Tal vez es porque Tom Cruise ya está algo quemado y los fans pensaron que era una pifia. Sin embargo, debo decir que es agradable de ver y tiene un buen ritmo. Cuando la baje, me puse a ver unos minutos y técnicamente me pase las siguientes dos horas disfrutándola sin parar.


En conclusión, "Al filo del Mañana", es una película bastante entretenida, divertida y que tiene unos tintes cómicos muy negros, pero bastante efectivos. Sin embargo, pese a la primicia, padece de ciertos fallos bien gruesos, como el protagonismo casi absoluto de Tom Cruise y algunas tramas que fueron aligeradas para que pudiesen ser asimiladas por un público de todas las edades. A mi me parecer es una película recomendable y que pueden disfrutar sin mayores tapujos. Tal vez decaiga en ritmo en el último tercio, pero por razones que uno verá conforme avance la película. Aparte, me pareció una buena adaptación de un producto japones y que no demerita en absoluto el producto original.

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Saludos a mi esposa ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas