Dr. Strange: entre la magia y las multidimensiones.

Luego de unos meses bastante amargosos en cuestión de cine, al fin me toco ver algo que me devolviese la "fe" en los blockbusters. Sí, hablamos de la última película de la saga Marvel: Doctor Strange.

Aunque este personaje es más conocido que Ant-Man y los Guardianes de la Galaxia, en realidad su presencia es poco conocida para el lego común y corriente. Y es que la personalidad de Strange hoy en día se queda un tanto pálida con respecto a otros sujetos como Tony Stark. Sin embargo, en los cómics, originalmente Strange era un sujeto egocéntrico, mientras Stark era más el típico "ingeniero" con gran conocimiento y un tanto perturbado por los problemas familiares de fondo (lo cual motivo una de sus mejores sagas: el demonio en una botella). Pero esta situación cambió cuando gracias a la personalidad de Downey Jr., Iron Man paso a ser el presumido de la serie.

Por ello también me urgía en ver como iba a manejar Marvel esta película, ya que tener a dos personajes muy similares podría provocar comparaciones innecesarias. Al fin al cabo, la productora no solo logró dicho objetivo, sino lograr darle su propio carisma a Strange y haciéndolo como un sujeto carismático y arrogante a su propia forma. Esto en parte gracias a la actuación que Benedict Cumberbatch y también a los propios poderes del personaje: La Magia.

Por mucho tiempo, Marvel se apego a un universo más realista y Doctor Strange vino a reformular esto, ampliándolo mucho más y dándole apertura a lo que sería la Guerra del Infinito, la cual veremos en dos años más. Por supuesto, la puerta a un multiverso tenía que funcionar y "Doctor Strange" logra tal objetivo con creces. Veamos porque más adelante...

Argumento: Stephen Strange es un prominente y talentoso neurocirujano. Sin embargo, su arrogancia lo ha hecho quedarse solo, salvo por Christine Palmer, una compañera de trabajo. Camino a una convención sufre un terrible accidente que lastima severamente sus manos. Pese a la rehabilitación, Strange ve que no es capaz de seguir operando, por lo cual herido y desesperado, se embarca en un viaje místico para sanarse y es cuando conoce al "Ancient One", una maestra en las artes místicas que no solo le enseñara las puertas a otros universos, sino a la magia, algo totalmente ajeno a la filosofía de Strange...hasta que él mismo es capaz de invocarla.

Comentario: En su momento pensé en correr ir al cine a verla al día siguiente de que la estrenaron. Sin embargo, debido a varios compromisos tanto de mi esposa como un servidor, tuve que retrasar la ida por una semana. Y aun así, el maldito cine estaba hasta el tope. La única opción fue verla en un horrendo 3D y en IMAX. Otro en mi situación se hubiese alegrado, pero el hecho de tener asientos disponibles hasta adelante y de lado fue horrendo para ambos. Mi mujer y yo salimos mareados y con los ojos adoloridos por tanto afocar. Para rematar, el 3D no valió la pena.

 

Por suerte, esta es de las pocas quejas que tengo con respecto al filme. Para empezar, uno de los miedos que tenía era el manejo del personaje y la inclusión de su universo en el de Marvel. Aunque Iron Man se considera la gran precursora y su legado sigue manteniéndose de buena forma hasta la fecha, el filme de Jon Favreau creo un paradigma que podía chocar con este filme.

 

El primero tiene que ver con su protagonista. Como ya comenté, el personaje narcisista de Marvel era Strange, no Tony Stark. Sin embargo, Favreau reformulo tanto el personaje que Stark alcanzo nuevas cuotas de carisma y complejidad en base a un narcisismo exagerado y bien interpretado por Robert Downey Jr. Por ello, traer al Hechicero Supremo parecería traer nuevamente este patrón y pro ello, podría acusarse de ser una copia. Por suerte, el guión como la dirección le hacen un gran favor al personaje y tenemos a un "diferente" tipo de narcisista.

¡Enséñame!

 

Sí, Strange y Stark son muy capaces en su campo, pero su forma de manejarlo es distinto, lo cual no solo hizo que el personaje cayera simpático, sino que su desarrollo fue bastante bueno. Mientras Stark va aprendiendo sobre el ser una buena persona, Strange lo es en el fondo, aunque la fama, el dinero y su talento le han obstruido esa parte de sí. Es en varias partes donde vemos que pasa de ser un sujeto aprovechado a tener genuina bondad y cariño hacia los que le rodean. Esto también se logra gracias a la labor excelsa de Benedict Cumberbatch, que también sabe como modular ese tipo de personajes (más con su Sherlock) y llega a darnos una actuación convincente (aparte de que su físico da el porte de Strange, lo cual en algunas escenas me pareció espectacular, en especial cuando comienza a usar la capa de levitación).

 

El otro punto enorme de la película es que la magia es incorporada de buena forma. No lo vemos como un manejo al estilo "Harry Potter", donde algunos la tienen y otros no. Aquí inclusive tiene un trasfondo un tanto mecánico y es que Strange, como otros, aprenden magia mediante la práctica y el estudio. Este detalle le dio mucho más amplitud a la película y permitió inclusive escenas bastante cómicas (como cuando Strange roba libros de la Biblioteca de Wong). También el uso de esta se ve en cierta manera restringida, lo cual es un buen dato de continuidad, ya que a veces el hecho de aprender un poder parece que te da el dominio de todo, cuando es más natural que uno vaya mejorando con la practica. Si a esto agregamos que el apartado visual es fantástico, no solo en el efecto especial, sino también en la forma de visualizar las dimensiones, no pude evitar emocionarme al respecto.

 

Un detalle poco mencionado es cierta complejidad psicológica de Strange y Mordo. Aunque muchos la podrán catalogar de seudo-psicología, los diálogos de ambos personajes están escritos con cierta intención y nos demuestran su forma de ver las cosas. En apariencia los dos son muy similares y pese a tener un ego prominente, en como lo maneja cada uno hace que tomen caminos diametralmente opuestos. Es decir, no necesitaron algún flashback o algún recuerdo tormentoso para darnos empatía o conocimiento, sino con las acciones y diálogos, lo cual no solo ahorró metraje, sino no buscaron pelearse con la inteligencia del espectador.

 

De esto, pasamos a lo "medianon" de la película. La historia no tiene mucha complejidad y es altamente predecible (Strange es famoso, Strange se lastima, Strange se amarga, Strange va en busca de magia, Strange se sorprende, Strange aprende magia, Strange enfrenta al mal y sale victorioso) y salvo "The Ancient One", el resto de los personajes solo sirven para avanzar la trama y para enriquecer al protagonista (el compañero que se vuelve malo, la chica bonita que te quiere, el sidekick cómico-serio, el villano amargado y triste pero imbatible). Es tal vez lo más criticable de Marvel, ya que esa misma fórmula que hemos visto en otras películas la siguen utilizando. No niego que funciona, pero en mi opinión, esta película hubiese sido una buena oportunidad para dar algo distinto.

 

Ahora, en cuanto a la cuestión comedia, aunque muchos criticaron esto, en realidad a mi me encanto y supo disminuir el tono de seriedad al filme (que a veces era bastante lúgubre, pero en mal plan). Por supuesto, no lo hace a un tono de bufón, pero el chiste esta bien aplicado y me supo bastante bueno, dando los mejores momentos al filme, como cuando aparece la capa de levitación, la batalla con Dormammu o los comentarios graciosos con Wong. Sin embargo, algo que me ayudo a este punto es como retrataron la capa de la Levitación, que técnicamente se vuelve otro personaje más y tiene algunos momentos muy buenos que te sacan más de una carcajada.

 

En cuanto a los problemas "menores" de la película, recae sobre la edición y la música. De repente el ritmo se me venía abajo, porque había cortes y cambios muy abruptos. Se notaba que había más escenas o momentos que conectaban dichos momentos, pero parece que fueron arrancados en el último instante. En cuanto a la música de Michael Giacchino, nuevamente muchos la alabaron, pero a mi me pareció muy anodina. Sí, al final hay un tema diferente, pero sí se me llego a quedar corto en muchos sentidos.

 

Lastimosamente, no llegue a ver el filme doblado (aunque perjuro que la función que había seleccionado con mi mujer era en español). No puedo emitir una opinión al respecto, pero checando Doblaje Wiki, las voces que Disney puso me parecieron extrañas y con novedades en actores que desconozco (cosa que llevan haciendo un buen rato, con más resultados positivos que negativos).

 

Para acabar, muchos dijeron que la película se alejaba mucho del universo Marvel. En realidad me pareció lo contrario y es que aquí dicen de inmediato que el Ojo de Agamoto es una Gema del Infinito (que por cierto, su manejo del "Tiempo" me pareció espectacular y da lugar a uno de los mejores momentos de la película), así tenemos un primer contacto de Strange con uno de los Vengadores (una de las escenas pos-créditos).

 

 

En conclusión, "Doctor Strange" es una excelente película del universo Marvel y de superhéroes en general. El estudio repite la misma formula que con Ant-Man o Captain America y le da un origen convincente (más no excelente) a este personaje. Benedict Cumberbatch da un toque genial de actuación (junto con Tilda Swinton siendo "The Ancient One") y de forma sorpresiva, Kaecilius de Mads Mikkelsen pudo ser un mejor villano, aunque se queda un tanto corto.

Personalmente salí muy contento y me dejo con ganas de ver más de este universo (más cuando sabemos que paso con Mordo), aparte de como este personaje llegara a encajar con los Vengadores. Aparte, el personaje de Strange es con el cual más me he sentido identificado (seh, inclusive en el ego) y eso me dio un "plus" de gusto al ver la película.

 

Bastante recomendable por donde sea, aunque sí buscas algo excesivamente original, puede que te decepcione un poco.

 

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Saludos a mi Christine ;3, así a quienes gustan de este tipo de cine.

La historia Interminable: un libro de Michael Ende.

Tal como en las películas, los libros que me ha tocado hojear últimamente han estado bastante paupérrimos. No solo en cuestión del abordaje del tema, sino también en la forma de desarrollar. Igual me he vuelto más quisquilloso o de forma simple he escogido los libros equivocados, creyendo que serían una maravilla. Ya relate mi horrenda experiencia con un libro de Stevlana Alexievich, que me vale que sea Premio Nobel y sea mujer, pero sus libros siento que están sobrevalorados. Igual me lleve una decepción tremenda con "Armada" de Ernest Cline, que aunque ya me habían advertido que era un truño, no creí que lo fuese tanto. Para rematar, "La batalla de Creta" de Beevor también me ha resultado pesado y aunque "Eleanor & Park" se ha hecho divertido leerlo, ya se como va a acabar y eso me desespera más.

A tal grado he estado tan apático en estas cuestiones que mi comadre tuvo que venir con un libro sobre Vietnam, que ha sido algo bastante refrescante desde que me chute "The Martian". En fin que el miedo me ha hecho echarme para atrás cuando he mirado en una librería el "Neuromante" o "Guia del Autoestopista intergaláctica". Claro, muchos me dirán que soy un blasfemo, pero estarían en las mismas luego de leer puros bodrios. En fin, que ahora mismo voy a comentar uno que empezó esta triste cadenita. Sí, hablo de la "Historia Interminable". 

De nueva cuenta, puede que me eche encima a los frikies, pero al fin al cabo es mi blog y puedo opinar lo que quiera. Por supuesto tratare de argumentar porque no me gusto, pero es mi opinión y sí alguien tiene diferencias, con mucho gusto debatiremos (y sí, ando un tanto de malas, así que a destazar). 

Como siempre, empezamos por el autor, el alemán Michael Ende.

Nacido en 1929 en Alemania, desde pequeño estuvo marcado por el ambiente artístico, ya que su padre era pinto surrealista. Contrario a lo que se dice, Ende nunca apoyó al partido Nazi y al contrario, estuvo en una organización que lo atacaba. Sin embargo, eso no impidió que fuese reclutado a sus escasos 14-15 años en un batallón antiaéreo. Ende logró sobrevivir la guerra y ya para finales de los años cuarenta y cincuentas, trabajo como actor. Sin embargo, allí le agarró el gusto por la escritura y aparte de realizar guiones, también se fijo en otros horizontes, publicando cuentos infantiles. 

Luego de tener cierto éxito con una novela juvenil, llegó su primer gran batacazo que fue "Momo", la cual le granjeo enorme popularidad en toda Europa, esto para 1973. No obstante, La Historia Interminable sería su obra más reconocida, al grado que fue adaptada en una serie de películas, las cuales cayeron muy mal al autor, al grado que desconoció la primera y más emblemática de todas. 

Ende fallecería en 1995 víctima de cáncer en Frankfurt, Alemania.

¿Y de qué va la trama del libro?

Bastián Baltasar Bux es un niño de escuela elemental que es constantemente "acosado" por sus compañeros, tanto por su complexión física como por su manía por leer. Sin embargo, esto también le ha acarreado problemas con los maestros, ya que lo consideran alguien flojo y poco dedicado. Las cosas tampoco van bien con su familia, debido a que su madre ha fallecido de forma recién y su padre se encuentra distante por este motivo. Luego de llegar a una librería extraña, Bastián encuentra un libro que le atrae inmediatamente y sin más, se lo roba, para luego irlo a leer a escondidas en el ático de la escuela. La obra le mostrara un reino de fantasía y aventura increíble, lleno de magia que le irá encantando pero luego descubrirá para sorpresa de todos, que es algo más real de lo que esperaba.

Comentario personal: Siendo sinceros, el libro no es tan malo como pregonaba al inicio. Es más sería excelente, sino fuese por la horrorosa segunda mitad. 

Para empezar, la ideal es bastante original y Ende la desarrolla de forma estupenda al inicio. Tenemos la historia de Bastián, la cual es bastante atemporal (un niño un tanto gordito, siendo "bulleado" por sus compañeros y con una fascinación enorme por los libros) y como se va relacionando con "La Historia Interminable", un libro que narra la historia de un reino mágico llamado Fantasía y donde nuestro protagonista, Atreyu, busca salvar luego de un ataque que sufre la Emperatriz Infantil (La Emperatriz Niña, como se llamo en la versión fílmica) por parte de la "Nada", una suerte de monstruo que representa todo lo contrario a los ideales de imaginación y el deseo.

El libro intercala de forma interesante los comentarios de Bastián (escritos con otra letra) con lo que lee en el libro, los cual nos da una doble perspectiva, tanto de nuestro protagonista como de la propia Fantasía y de la aventura de Atreyu. Pese a esto, la narrativa en esta parte se desarrolla bastante bien y hace muy entretenida no solo las travesías de Atreyu, sino también como el pobre Bastián trata de seguir la lectura, aun pese al frío y el miedo de ser atrapado con un libro robado. 

Las aventuras, peripecias, seres fantásticos no dejan de aparecer frente a Atreyu y adornan de forma estupenda la narrativa, al grado que realmente me "pique" leyendo la búsqueda de la Emperatriz Infantil y la forma de salvarla de algún modo. Aparte, la parte de Fújur esta tan bien escrita que me ayudo a quitarme la imagen de "peluche" que tenía de este personaje por parte de la película.

Por supuesto, ya para la mitad, no es sorpresa que Fantasía "existe" y que esta se desarrolla gracias a la lectura de Bastián, el cual se supone es el "héroe" que vendrá a reformar Fantasía y darle un nuevo enfoque. Debido a las cosas que decían los personajes sobre Bastián y el deber que tenía, pensé que nos adentraríamos en un viaje de autoconocimiento bastante interesante, tanto como la primera parte del libro.

Pero aquí es donde vino mi primer y gran error. El mismo Ende había comentado que esta obra no tenía la misma estructura de muchas, donde el protagonista era un novato que poco a poco debía conocer el dolor para luego aceptarse y finalmente alcanzar la cumbre. Al contrario, lo relataba más como el viaje de Dante Alighieri en "La Divina Comedia", donde su primer paso es el Infierno y finalmente el Cielo.

No puedo negar la originalidad de la idea, pero a partir de la Emperatriz le entrega su poder a Bastián y le da la libertad de hacer lo que quiera, con tal de salvar dicho mundo, es cuando la narrativa y la bien estructurada trama se va por la calle de la amargura. Sí, podemos ver que Bastián empieza haciendo milagros y tratando de arreglar lo que puede, pero su inseguridad comienza a salir y se vuelve un sujeto déspota, egoísta e intolerante. De nueva cuenta, entendía esta complejidad y que quería hacer el autor, pero la forma de describir esto por parte de Ende me pareció muy pesada y por momentos sin sentido. 

Claro, lograba el objetivo de que sintiera ganas de patear a Bastián y hacer ver que su egoísmo estaba destruyendo Fantasía, pero para ello, tenía que chutarme un par de páginas que me duraban horas. Demasiadas metáforas, muchos diálogos y comentarios para decir que el protagonista era un hijo de la fregada que no sabía manejar el poder que le había dado la Emperatriz. Técnicamente, vi pasar 50 páginas redundando en lo mismo.

Fue en esos momentos que tuve ganas de aventar el libro por la ventana. Para colmo, la resolución es bastante cliché (Bastián se da cuenta y entonces decide salir de Fantasía para volver a la realidad, con su padre, pese a la dura que es esta, ya que lo quiere) y corta. Ni siquiera el encuentro con el dueño de la tienda, otro sujeto que igual viajo a Fantasía en algún momento, no es nada emotiva y te deja bastante seco. Para rematar, el carisma de Atreyu y de la propia Emperatriz se minimiza mucho en esta parte, siendo lo único memorable, salvo algunos diálogos con personajes clave, la platica que tiene Bastián con su padre. 

Por supuesto, muchos dirán que la segunda parte busca aleccionar al lector de manera más grandilocuente y no hacer la típica moraleja de "no desperdicies la amistad ni la humildad". Sin embargo, siento que Ende se paso de tueste y por ello su mensaje tiende a perderse por momentos.

Edición "original", usando el color para la diferencia de los mundos.

En conclusión, "La Historia Interminable" tiene una excelente primera parte, que describe fabulosamente el reino de Fantasía. Nos presenta personajes con corazón y carisma como Atreyu o Bastián y nos narra un viaje de aventuras con momentos increíbles y emocionantes. El problema es segunda mitad, donde se nota que el autor divaga a tal grado que la lectura se hace muy aburrida y redundante. Ni siquiera el final feliz logra aminorar las tonterías y descaros de Bastián, que reitero, es bastante humano pero es tan pusilánime que sí te dan ganas de patearlo.

¿Recomendable? Sí te gusta la fantasía te agradará, más aun cuando eres de segundas líneas o lecturas (las cuales tiene bastantes. Ende fácil echa un sermón crítico sobre la falta de valores de forma bastante metafórica). El problema es que esto es el pan de la segunda parte, lo cual la hace bastante pesada. Una lástima, ya que me habían recomendado "Momo", pero luego de esto, me tomare mi tiempo para leerlo.

Para los que quieren adquirir, actualmente la Editorial Alfaguara tiene una edición bastante aceptable del mismo, que a diferencia de las antiguas (donde para hacer la diferencia entre Bastián y la narrativa de Fantasía usaban colores, tal como la original), se emplea más el cambio de letra, lo cual me pareció bastante adecuado y no me molesto en absoluto. 

Por cierto, debo decir que la película hecha a principios de los Ochentas no es mejor que el libro. En cierta forma entiendo porque Ende se desvínculo de ella, ya que pese a tener un punto de novela juvenil, el libro es más una crítica social (bastante durilla, en especial para las nuevas generaciones, más insensibles y poco tolerantes, así vacías) muy directa. Mientras el filme es más una historia infantil que minimiza este contenido. Por supuesto, "Neverending Story" de Limahl (la rola principal) es genial, pero eso ya es otra historia. 

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Saludos a mi Emperatriz ^^, así a quienes gustan de...no, mejor escojan otro tipo de libros, en serio.

Hector y el Secreto de la felicidad: Autoayuda...y psiquiatría.

A principios de año había una página bastante "jugosa" para descargar todo tipo de películas. La misma se convirtió en mi referente tanto como Evangelion-EC para el ramo del séptimo arte. Sin embargo, debido al endurecimiento de las leyes contra la piratería, el administrador tuvo que cerrarla a mediados del año. Por supuesto he encontrado otras que han podido ponerse al quite, pero jamás comparadas con la mencionada. 

Una de las últimas películas que logre "sacar" antes de que la fundieran, fue "Hector y el secreto de la Felicidad". La primicia me intereso bastante (un psiquiatra un tanto frustrado que se va de viaje por el mundo para encontrar no solo el secreto de la felicidad para dárselo a sus pacientes, sino a él mismo) y la tenía en lista de espera inmediata. Sin embargo, la cantidad de trabajo como de pendientes me hicieron retrasarla hasta que un día que tenía bastante que hacer en casa, decidí ponerla. 

Debo decir que me gusto bastante, aunque tampoco puedo negar las irregularidades que tiene y también que lamentablemente, es una película de "autoayuda" al fin al cabo. Pese a esto, debo decir que este filme tiene cosas interesantes, las cuales comentare a continuación.

Argumento: Hector (Simon Pegg) es un psiquiatra inglés que tiene una posición desahogada. Tiene muchos clientes, una guapa novia y es reconocido como ser un especialista capaz. Sin embargo, un día harto de tanta rutina y hastío (en especial luego de gritarle a una paciente), decidí mandar todo al diablo e irse en un viaje alrededor del mundo. Esto provoca choques con su novia, pero al final se va y es en estos lugares donde no solo conoce a otras personas, sino vuelve a ver a personas del pasado que creía olvidadas, todo para encontrar la felicidad misma.

Comentario: Desde el notorio éxito que tuvo "Comer, Rezar y Amar", se ha venido una avalancha de filmes que están basados en libros de autoayuda, mezclando no solo las enseñanzas que tienen, sino con una historia personal, esto para darle realce. Hace unos meses hable sobre "A Walk in the Woods" y como esta me había decepcionado de forma importante, ya que los clásicos mensajes de autoayuda estaban muy diluidos y la historia que debía conectarlos resulto ser muy chata. 

De forma triste, este filme tiene esa misma línea: el argumento tiene una buena primicia pero su desarrollo es bastante pobre y se basa más en los momentos que Hector tiene en diferentes partes del mundo. Sin embargo, su motivación para salir de dicho lugar e irse a otro no esta bien explicada ni bien puesta, lo cual ocasiona que su crecimiento sea un tanto extraño, y que igual repercute en la historia, la cual por momentos carece de un buen ritmo.

Por supuesto, esto se compensa con las historias que pasa nuestro protagonista en cada lugar, donde un personaje le comenta sobre cual es su idea de la felicidad, a lo cual Hector describe su conclusión (la cual esta simpáticamente puesta en pantalla). Esto hace que la película no sea tan mala, ya que tenemos actores famosos en esos rubros (Stellan Skarsgård, Jean Reno, Toni Collete, Christopher Plummer, etc.) y despliegan todo su carisma para mostrarnos a un profesor que explica científicamente la felicidad, un narcotraficante y un millonario un tanto huraño por así decirlos.

No obstante, sí hay un hilo conductual que se mantiene de buena forma es la relación que tiene Hector con su novia (interpretada por Rosamund Pike). Aunque al principio es un tanto sosa, los posteriores diálogos que tienen ambos por Skype son bastante amenos y tienen cierta dosis de profundidad, lo cual ayuda a ser más emblemático el último tercio del final, el cual debo decir, es el mejor en toda la película, no solo por el aspecto emotivo (la interacción que tiene Hector con una enferma de cancer es una delicia), sino también tiene las mejores lecciones encarnadas no por el propio protagonista, sino por los demás, donde lo critican con cierta base (en especial cuando la ex-novia acusa a Hector, en buen tino, de que es un ansioso de primera).

Claro que Simon Pegg no se podía quedar atrás y es su carisma que mantiene arriba a un protagonista que de repente es un tanto obtuso e inocente (para ser psiquiatra) pero que se defiende bastante bien y tiene una buena actuación, sobre todo cuando es secuestrado en África. Es esto que logra mantener un tanto a pie la película. 

Con esto, podríamos deducir que el filme es chato tirando a malo (tal como señalaban las críticas especializadas), sin embargo el hecho de que tratase la historia de un psiquiatra bastante humano y que la búsqueda de la felicidad también tuviese un motivo egoísta, me llego de una forma u otra, ya que entiendo perfectamente que es ese ambiente y como el desgaste del día a día nos cobra factura de una forma u otra. Es irónico que quienes son los profesionales en la salud mental lleguen a tener muchas más broncas de este tipo que el promedio, pero es como una especie de catarsis muy común. El ejemplo más claro es la persona que en el fondo es muy miedosa pero que a la vez le encanta este tipo de temas. Es una forma de vencer ese miedo o manejarlo sin que nos tome por sorpresa y aquí al menos, el personaje de Hector esta bien descrito en ese punto, donde en el fondo es una persona con una dosis de neuroticismo bastante alto. 

Pese a que muchos podrían criticar que jamás vemos el pasado de Hector y porque es un ansioso, al fin al cabo creo que a veces lo que importa es que hacer con eso y como manejarlo a futuro. Igual me pareció un punto muy bueno que se tratara al final la felicidad como un sentimiento complejo, no algo aislado, sino que va conectado con tantas emociones como si fuese una enredadera. Es obvio que las personas nos enseñan que los sentimientos deben ser tan diferentes como el agua de un refresco, pero en realidad no es así. Sobre todo me gusto una parte donde Hector se ve confrontado y resulta que realmente adora a su novia, pero tiene miedo al compromiso o seguir avanzando en su vida, ejemplificado cuando ve a su chica casado con otro y el se visualiza con un niño. Sin embargo, con el final feliz, la cosa es diferente, ya que Hector es un adulto. Como ven, pese a la sencillez, hay mucho de donde agarrar para filosofar al respecto.

En conclusión, "Hector y el secreto de la Felicidad" me pareció una buena película, a secas. Tiene un ritmo irregular y un desarrollo extraño, así las motivaciones de los personajes no están bien explicadas. Sin embargo, el carisma de los actores, en especial de Pegg, así ciertos momentos muy bien desarrollados, hace que la trama avance, a trompicones, pero de tal forma que al final te entretiene y sobre todo, te da un punto de ligereza, sin caer en tanta cursilería ni moralejas. 

¿Recomendable? Si te gusta un tanto la autoayuda mezclado con comedia. Por supuesto, no es tampoco un "Comer, Rezar y Amar", pero es eso que también la hace mucho más sencilla de ver. Y claro, sí eres fan de Simon Pegg, bastante recomendable.

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Saludos a mi mujer que adoro :3, así a quienes gustan de este tipo de películas. 

Sailor Moon: 20 años después.

Te castigare...en el nombre de la Luna.

No es fácil hablar de una de las series de anime más emblemáticas de toda la historia, no solamente de México, sino a nivel mundial. Sin embargo, siento que ya era preciso, más cuando el pasado mes de marzo se cumplieron veinte años de su primera transmisión, al menos aquí en el país. Justo hace un par de meses se realizo una conferencia sobre el tema, invitando a las actrices que intervinieron en el doblaje de la serie (y que como con Dragon Ball, ayudó a reforzar la presencia de esta serie entre el fandom).

Sin embargo, la que suponía era la gran estrella de dicho aniversario se termino quedando muy corta. Sí, hablo de la famosa Sailor Moon Crystal, que pese a tener una animación novedosa (incluyendo CGI) y una historia más apegada al manga, termino por ser una decepción y casi dejo entredicha la aparición de una tercera temporada, la cual abarcaba el arco de las Death Busters. Aunque se termino por emitir, los capítulos siguieron generando muchas críticas no solo por los fans más "viejos" sino por las nuevas generaciones, en especial por la estructura de su historia.

Y es que la trama de Sailor Moon, a nuestros estándares actuales, sí ha tenido un envejecimiento notable. En los años noventas uno se podía permitir ciertos agujeros argumentales y contaba más el diseño de los personajes. Sin embargo, ahora no es así y muchos han comentado que el manga se ha ido quedando atrás con respecto a otras obras emblemáticas, como el mismo Dragon Ball. Entonces ¿Como es que un anime noventero con 200 episodios y mucho relleno ha logrado estar presente hasta la actualidad? De esto y mucho más comentare al respecto en esta entrada. No solo de como la fórmula de Crystal falló ante una más longeva sino también de mucha nostalgia. Al fin al cabo, Sailor Moon fue mi primera serie shoujo.

Datos técnicos: Naoko Takeuchi a principios de la década de los noventas creo una historia llamada "Sailor V", la cual narraba las aventuras de una jovencita llamada Minako Aino, la cual gracias a una pluma transformadora dada por un gato llamado Artemis, se convertía en una especie de "luchadora" contra el crimen, infundada en un traje de marinero. La combinación de comedia, romance y acción, hizo que Miss Takeuchi se hiciese bastante famosa y que muchos productores de anime le ofrecieran hacer un producto animado con su historia.

Sin embargo, la autora deseaba que el anime fuese algo más y por ello comenzó a sacar un montón de ideas, personajes y características para dicha producción, lo cual hizo ver que podría hacer una especie de spin-off, el cual titulo "Sailor Moon" (siendo un homenaje a las series de tipo Sentai, del cual Takeuchi-san es bastante fanática). Esta idea agrado a la Toei, la cual produjo una primera temporada. El éxito de la misma provocó que la autora hiciese el manga como apoyo (en la misma editorial que Sailor V, la Kodansha), pero no tardo en convertirse en su obra más emblemática y durante los siguientes años le dedico al menos 18 tomos, llegando inclusive a dejar a Sailor V de lado.

El anime se extendió desde febrero de 1992 hasta marzo de 1997, teniendo 200 episodios en total y que cubrió cinco temporadas distintas. A partir de la segunda, se le agregó una letra para diferenciar a la primera, por lo cual se comenzaron a titular "R", "S", "SS" y "Stars". Debido a problemas de censura, la productora y Takeuchi-san tuvieron que renombrar la cuarta temporada como "Super S", debido las connotaciones con el nombre de las fuerzas militares del partido Nazi alemán.

Pese al rotundo éxito que tuvo el anime no solo en Japón sino a nivel mundial (llegando a doblarse en 42 idiomas, todo un record hasta la fecha), la autora jamás estuvo tan satisfecha con la misma, esto debido a que el grupo rector estaba integrado por hombres y sentía que dicho anime estaba hecho desde una perspectiva masculina y un tanto más infantil. Esto no se puede obviar, ya que para quienes han leído el manga, notarán que es mucho más shoujo en algunos momentos pero también tiene instantes de adultez muy marcados.

El emblemático logo del primer opening.

El anime se emitió por primera vez en México a mediados de marzo de 1996 (a lo cual difiero con algunos datos dizque oficiales que lo ubican en febrero. La razón, la comentare más adelante) en el ciclo Caritele conducido por Adriana de Castro en Azteca 13. Al principio se emitía un episodio de forma semanal los sábados, pero más tarde se amplió también los domingos, mientras en Azteca 7 se emitían repeticiones constantes de la serie entre semana. De los episodios más emblemáticos fue la muerte de las Sailor Scouts, lo cual condujo a que fuese de los rankeados y comentados por los fans en aquel año.

Luego de una repetición, la serie R se emitió en el otoño de 1996, llegando a quedarse hasta la aparición de Rini (Chibi-usa). Se volvió a repetir, pero esto al menos dos veces, hasta que en marzo de 1997, se transmitió el resto de Sailor Moon R y abarcando inclusive la saga S, la cual finalizo en agosto de 1997. Lo destacable de esta nueva emisión fue que algunas voces cambiaron (como la de Darien, Tuxedo Mask) y también la de las protagonistas se le dio un tono más infantil (ya que sonaban demasiado adultas y de repente no correspondían a la edad del personaje).

Debido a que Sailor Moon ahora se transmitía de forma diaria por Azteca 7, se tardaron al menos 6 meses en transmitir una nueva temporada, la cual comenzó en febrero de 1998. Sin embargo, el anime ya no tuvo más parones y se abarco la temporada Stars, la cual concluyo en el verano de 1998. Tv Azteca volvería a repetir la serie de manera continua por un año más, hasta que a mediados de 1999 decidió retirarla del aire de forma abrupta cuando iba por una segunda repetición.

Posteriormente trataron de emitirla en México en dos ocasiones pero con pocos resultados en la misma cadena. Inclusive, en la zona donde yo vivía, teníamos el Cartoon Network gringo y este emitía la versión americana de Sailor Moon (esto en 1998) y con pésimos resultados. Gracias a las grabaciones vhs de la serie (y a algunos cassetes que se llegaron a vender por la productora independiente Tycoon), se llego a tener la serie completa. Debido a que su transmisión fue limitada en Sudamerica, como en el canal chileno Etc TV, se hablo de que debido a las molestias de Takeuchi-san con la productora, había prohibido transmitir la serie nuevamente. Esto se recrucedió cuando salió la versión Live-Action, que fue bastante criticada, en especial por el uso de efectos especiales bastante crutes.

Solo se logró algo parcial en el 2010, cuando un canal italiano volvió a transmitirla en dicho país y a la par, la empresa Tower Entertrainment comenzó a sacar sets del anime aquí en México, teniendo como plus las voces de las actrices originales en un demo que había en la caja (excepto a Araceli de León, la cual falleció un poco después de terminar el doblaje de la serie). Actualmente se pueden conseguir cinco sets, el cual abarca hasta los primeros episodios de la Saga S.

Argumento: Y a todo esto ¿De qué va Sailor Moon?

Usagi Tsukino es una joven japonesa de 14 años que es medio distraída y atolondrada. Un día, camino a la escuela se encuentra con una gata que es atacada por unos niños, rescatándola. Luego de quitarle el parche de la frente, se encuentra que tiene una luna como tatuaje, por lo cual decide adoptarla. Sin embargo, esa noche la gata comienza a hablarle cual espectro chocarrero y le dice que ha sido elegida para ser una Sailor Seishi, una especie de guardiana con poderes especiales...y enfundada con traje de marinero. Usagi quiere escapar pero la gata llamada Luna le muestra una pluma con la cual transformarse, que finalmente sucede. Usagi de repente se ve como su heroína de la Tv, Sailor V, por lo cual sale a cazar villanos y monstruos, aunque con poca habilidad, mientras va buscando lo que es el Cristal Sagrado de Plata, una joya milenaria con poderes legendarios y claro, recolectando más compañeras en el trayecto. 

Nostalgia: Ahora es bastante común que cualquier hijo de vecino vea shoujo y nadie lo vea mal. Sin embargo, en la época y la década que me toco ver Sailor Moon era todo un anatema. Para empezar, estaba en mi plena adolescencia y no podía negar que la hormona me brincaba para aquel entonces. Por supuesto, no a un nivel pervertido pero debido a mi educación, creía que tener novia era una pérdida absoluta de tiempo. Así que mi enfoque (por no haber otro) era sobre las series de aquellos años, como Dragon Ball o Captain Tsubasa.

Mis dos amores platónicos.

Sin embargo, cuando Sailor Moon apareció por primera vez en mi vida, no fue por el anime, sino por la revista Club Nintendo. Antes de que hubiese un cambio de política editorial, Gus Rodríguez y Pepe Sierra comenzaron a irse hacia el terreno del anime, al grado que una portada de la misma fue dedicada al hipotético juego de Dragon Ball Z que saldría en nuestro continente. En uno de los reportajes que hacían sobre las convenciones que anunciaban nuevos juegos, hablaron de Sailor Moon y hasta mostraron una imagen del mismo que me pareció bastante...atractiva. Sí, no podía negar que las chicas me gustaban y el arte de Sailor Moon no ayudaba en absoluto.

Aquí siento que la brecha generacional que había entre mi hermano y un servidor comenzó a ensancharse. Antes eramos bastante unidos pero yo había entrado derecho a la adolescencia y mi hermano aun era un chamaco. Sin embargo, no le comenté nada de eso en su momento, ya que entonces teníamos anime del tipo shonen a la mano.

El problema es que para principios de 1996 la cosa se había puesto peliaguda. Saint Seiya había sido retirado de la parrilla televisiva y solo estaba Captain Tsubasa. Como estaban en una enésima repetición con el primer campeonato nacional, no le tome importancia y un día mi hermano y yo nos fuimos al cine a ver la reciente Mortal Kombat (era viernes). Al lunes siguiente esperaba los Supercampeones y tomala, en su lugar estaba un ciclo de Looney Toones bastante soso. Así caímos en una crisis de anime que duro al menos dos meses (febrero y marzo) donde lo único que teníamos para divertirnos en las tardes era ver Swat Kats (cortesía de Cartoon Network).

Entonces vino un anuncio de que Sailor Moon se estrenaría un sábado de marzo. Lógico, mi hermano y yo chocamos, ya que él no quería ver la serie. Yo sí deseaba verla, pero con un argumento bastante estúpido para entonces, de que era un anime que había disfrutado en los años ochentas. Por supuesto, mi memoria me jalaba mal y es que el diseño me recordaba más a Sandybell y otras animaciones de corte shoujo. Sailor Moon era totalmente nueva y el primer episodio, aunque algo soso, me termino enganchando.

Si algo me gustaba de esta serie era que podía críticarla abiertamente por su trama infantil y por sus comentarios bastante femeninos para aquella época. Sin embargo, poco a poco me fue encantando la serie y debo decir que también significo la aparición de la primera chica "anime" que me gusto. Claro, ya tenía cierta debilidad por Sanae (la Patty de Captain Tsubasa) pero de la versión manga-mexicana que hicieron (jeje). Sin embargo, Ami Mizuno resultó ser espectacular en todos sentidos. Bonita, inteligente, seria, así un tanto inocente, para un adolescente hormonado y un tanto solitario era el paraíso (y no fui el único, palabra).

Así que era lógico que estuviese capítulo trás capítulo esperando que saliera mi adorada (que inclusive tenía una voz original y dulce, bien por Rossy Aguirre). Por supuesto, esto siempre fue en plan romántico. Pese a que mi esposa piensa que soy un pervertido (o que lo fui siempre), en realidad en un principio era el típico chico que buscaba solo la pareja y no tanto el sexo o connotaciones diferentes. Siento que mi educación fue bastante diferente al promedio y eso me ayudo en su momento para salir adelante (aunque pensará lo contrario) y que pudiese luego tener ya una novia en forma.

En fin, que para finales de 1996, Sailor Moon se había convertido en una de mis series favoritas (al nivel de Guerreras Mágicas o Dragon Ball) y esto se repitió hasta mediados de 1997. Entre el horrendo final de Sailor Moon S y el cambio que tuve de ciudad (por la universidad), deje de verla por un tiempo. Fue hasta principios de 1998 cuando volví a tomarle gusto y esto coincidió con la salida de Super S y Stars. Inclusive, en su momento me salté una clase para ver el final de esta saga (aunque por mala suerte, no pude grabarlo por la falta de Vhs a la mano). Aunque Sailor Moon vino a representar un momento importante en mi vida (el paso entre la preparatoria y la universidad), su desaparición de la televisión no me pego en mucho.

Cierto que pensé que ya estaba madurando y que Sailor Moon había dejado su ciclo, pero recapacitando un día con mi mujer, resulta que no fue así. Gracias a que tenía mi propia Vhs, había grabado muchos episodios de la serie y tal como con Dragon Ball, la retroalimentación que tuve con la misma fue muy extensa, al grado que mis gustos con la misma fueron cambiando. Por ejemplo, dejo de gustarme Ami y más me fui inclinando hacia la adorable Makoto. Así los episodios me sirvieron de muestra para ir diseñando personajes femeninos en mis fanfics. Tal vez por ello, la "cruda" que afecto a muchos fans en la década pasada jamás me llegó. En todo momento llegue a disfrutar plenamente de la serie y viví con sus personajes muchos momentos divertidos.

Esto SÍ era fanservice. No lo que ahora.

Algo que igual logró fue romper mi paradigma sobre la homosexualidad. Me acostumbre bastante a ello y eso me permitió disfrutar la serie, aunque claro, teniendo mis opiniones al respecto. Esto se conjunto también para que la serie tuviese unos momentos geniales. En especial, la temporada Super S se convirtió en mi favorita, que pese a tener muchos altibajos con la seriedad y un grado altísimo de comedia, esa livianez se volvió algo que buscaría luego en cualquier serie.

El problema vino cuando los Vhs comenzaron no solo a hacerse anticuados, sino representaban una cantidad de espacio importante. Para rematar, los episodios estaban revueltos con otros y por ello, buscar un episodio en específico se volvía un suplicio. Por ello, tuve una renovación con la misma en el 2007 cuando comencé a formar mi colección de anime "pirata", donde Sailor Moon llevaba la puntilla. Desde entonces, la serie ha tenido diferentes alzas, ya que su soundtrack, doblaje y diseño sigue siendo bastante emblemático hasta la fecha (y lo cual comentare más adelante).

Tal vez por este cariño, no tan efusivo como tengo con otras series, fue porque me moleste tanto con la versión Crystal. Sí, es más apegada al canon pero también no supo tener ese empuje o carisma que tenía la serie noventera. Doña Naoko Takeuchi podrá decir que fue una versión hecha por hombres, pero estos supieron darle al público directo en el corazón, siendo un misógino cuando comencé a verla, me termino por encantar y aunque no lo crean, me enseño a darme cuenta de como eran las chicas. Aun hoy en día veo algunas reacciones de mi mujer y no puedo evitar reírme, ya que son una mezcolanza entre las cinco protagonistas (pasando de esa expresión de concentración que tiene Ami hasta la risa de Minako).

Comentario personal: dejando la parte emocional, ahora vamos a algo más contundente. ¿Por qué Sailor Moon es tan recordada por los fans?

Siendo sinceros, la serie es bastante ñoña y tiene más hoyos argumentales que un queso suizo, así los personajes son bastante clichés y con una nula evolución durante la trama. Sin embargo, pese a esto, la combinación de un gran diseño, una música incidental y vocal bastante buena, la combinación de comedia y romance, así unos personajes bastante carismáticos, amén de un gran doblaje, lograron hacer la diferencia. Vamos a desgranarlos uno por uno.

Empecemos por el diseño. A diferencia de la versión "Cristal", los artistas de la serie no quisieron apegarse al estilo de dibujo de Takeuchi-san y prefirieron hacer un híbrido mucho más infantil. Esto dio pauta a que el diseño fuese ampliamente copiado por series posteriores y que tuviese un gran impacto en el público. Sí por algo no me hice un pervertido con las Sailor Seishi, pese a usar faldas de marinero ultra-cortas, es que el diseño aniñado y noventero de la serie me lo impidió. Las veía más como chicas de su edad y por consiguiente, no tenían ese aire hipersexuado que tienen las feminas hoy en día (tanto en el anime como la vida real). Solo hasta Super S y parte de Stars, el diseño fue madurando y se vio mucho más potente en el aspecto. Aparte de que el fanservice era nulo salvo por una escena (donde Makoto presume sus bubbies a todas, jeje).

La música y banda sonora de Sailor Moon es una de las emblemáticas de todos los tiempos. No solo el opening y ending originales, sino también doblados, crearon una gran expectación. Inclusive, una de las últimas glorias de Adriana de Castro con Caritele fue transmitir el ending (el cual nunca pasaban completo en Tv Azteca) de esta serie en su totalidad en 1997 (lo cual generó una locura entre los fans de aquellos años). Aunque algunas canciones fueron censuradas en el doblaje, las melodías no tardaron en filtrarse y muchas de estas fueron de mis primeras rolas J-pop que tuve a la mano (en especial en formato real player). Por ejemplo, Otome no Policy o Profile of Love. Todas unas joyas.

Otra cosa a favor fue el tono de humor y sencillez que impregno a este anime. Mientras el manga y la serie Crystal es bastante seria y la comedia esta muy diluida, esta fue todo lo contrario. No solo se llenaron de más chistes y malentendidos las tramas, sino también se simplificaron los personajes. Algunos lo podrán ver como sacrilegio, pero le hizo mucho bien. Usagi la hicieron más tontita, Rei se hizo un tanto más superficial, Minako tenía trazas de ser una rubia de película, Makoto estaba obsesionada a morir con su ex-novio y Ami, aunque fue la menos maltratada, también la hicieron un poco más adorable. Esto provoco que los personajes tuviesen un carisma bárbaro y aunque hoy en día muchas feministas pueden opinar lo contrario, esto tuvo un efecto más duradero con el paso del tiempo, amén de crear episodios bastante divertidos.

El nivel de comedia ayudó a ser más potente la serie.

El carisma de los personajes fue bastante modificado y para bien. Nuevamente volviendo al canon, veremos que la única diferencia palpable entre las Sailor Seishi son su diseño, porque en personalidad se parecen bastante. En cambio, el anime optó por hacerlas más cliché, pero irónicamente esto les beneficio y permitió diferenciar bien a cada chica. Y no solo esto sucedió con las protagonistas, sino con los demás personajes, empezando por Mamoru hasta Umino, que llegaron a tener trazos de personalidad bastante altos y a protagonizar episodios emblemáticos.

Finalmente llegamos a la cereza del pastel: el doblaje. Sí, fue este querido trabajo hecho por Intertrack a finales de los noventas, lo que permitió que la serie fuese muy perdurable, al menos aquí en México y parte de Latinoamérica. Gloria Rocha, la famosa "madrina", se encargo de seleccionar las voces y lo hizo bastante bien, teniendo a Patricia Acevedo, Mónica Manjarrez, Rossy Aguirre, Araceli de León y María Fernanda Morales como las 5 protagonistas. Posteriormente se unirían Belinda Martínez, Irma Carmona, Anabel Méndez, Cristina Camargo y Cristina Hernández al reparto, haciendo uno de los mejores casts de aquellos años.

El talento de estas chicas hicieron que cada capítulo fuese memorable y sobre todo, le dieran una personalidad muy marcada a cada una de las protagonistas, al grado que hoy en día no se puede visualizar la serie sin su voz. Aunque hubo variaciones importantes cuando Patricia Acevedo tomó el mando del doblaje (al aniñar las voces y cambiar otras), la calidad se mantuvo y a la par introdujo a otros actores que luego descollarían como Circe Luna, Mónica Villaseñor, Norma Echevarría o Irwin Daayan, José Gilberto Vilchis y Sergio Bonilla. Por ello, el fallecimiento de dos actrices principales en estos años provocó bastante revuelo (en especial el de Araceli de León, que hacía a Makoto).

Otra cosa que trajo pros y contras del doblaje fue el cambio de voces o de diálogos para evadir la censura. Sí, lo primero fue cambiarle la voz a uno de los 4 generales del Negaverso para que no se viese una relación homosexual tan explícita (que igual paso en Sailor Moon Super S) y también el suavizar las conversaciones entre Michiru y Haruka. Esto provoco una gran polémica, pero hoy en día se reconoce que esto logró hacer que la serie se transmitiese sin mayor problema en horarios familiares.

En conclusión, Sailor Moon es una serie que pese al paso de los años, sigue manteniéndose bastante fresca tanto en sus personajes, trama, música, doblaje y animación. Algunas cosas sí han quedado un poco desfasadas (en especial el episodio cuando Ami se envía correos electrónicos con un compositor de música), pero en general es una serie que aun hoy en día es bastante disfrutable. Por supuesto, la carga nostalgica es evidente y ya le he comentado de forma previa.

Todas las Sailor Scouts..digo Senshi.

El anime estaba lleno de fillers, estos eran bastante bien hechos y lejos de restarle velocidad o carisma a los personajes, hacía el efecto contrario. Es más, puedo ver que estos eran mucho mejores que los capítulos dedicados a la trama original. De forma lamentable, animes como Naruto o Bleach no pudieron seguir su ejemplo. 

A nivel personal representó un cambio de paradigma muy importante. Aunque ya tenía cosquillas de adolescente con respecto a las chicas, esta serie vino a ser el remache y Ami Mizuno se convirtió en mi primer amor platónico. No puedo negar el nivel de ridiculez de algunos episodios (sobre todo las transformaciones), pero también la cantidad de carcajadas y buenos momentos que me trajo en su momento. Curiosamente, la serie jamás se destaco por hacerme resaltar algún instante de mi vida en especial. Digamos que Sailor Moon vino a ser un remanso de paz previo a la tormenta. 

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Saludos a mi Makoto :3, así a quienes gustan de este tipo de anime. 

Dos películas de mi mujer: El Bebé de Bridget Jones e Inferno

A falta de ver "Dr. Strange" y "Rogue One", este año ha sido del nabo para la mayoría de las películas que deseaba ver. Cierto que Civil War la salvo igual que Star Trek 3, pero el resto han resultado auténticos bodrios, de esos donde piensas que no debiste gastar tu dinero. Para colmo, las que deje aparcadas en su formato digital tampoco me llegaron a satisfacer del todo y allí es cuando más se reforzó mi tacañez de ir al cine a dárselo a productoras que solo hacen churros innecesarios.

Lo peor viene por el otro lado. Las películas que ha escogido mi mujer han sido infinitamente mejores. Sí, a esos niveles llegamos. No es que tampoco sean unos filmes de gran calidad, pero al menos van a lo que van: a divertir y no hacerse complicaciones. Así que en otra entrada, volvemos a enfocarnos en películas que están fuera del rango frikie y que a muchos les resultara extrañas al nombrarlas, pero que tienen su cierta reputación.

Sí, hablamos de la tercera parte de Bridget Jones y de la tercera parte de la saga de Dan Brown en el cine, Inferno.

-El Bebé de Bridget Jones.

Argumento: Han pasado algunos años desde la última vez que vimos a Bridget Jones aparentemente luego de un final feliz con su novio Mark Darcy. Sin embargo, no ha sido así y terminaron rompiendo. Sin embargo, Bridget disfruta su vida de soltera a los 43 años y no tiene prisas por encontrar un nuevo pretendiente o siquiera pensar en formar una familia. En una salida con una amiga conductora, conoce a un atractivo norteamericano, teniendo una noche de pasión luego de mucho tiempo. No obstante, al día siguiente acude al bautizo de una amiga y allí encuentra a Mark de nueva cuenta y tienen relaciones. Un mes después, Bridget se entera que esta embarazada pero no sabe de quien, lo cual crea las situaciones más chuscas y enredadas para la solterona más famosa de Gran Bretaña.

Comentario personal: La saga de Bridget Jones la conocí antes de salir con mi esposa. Una amiga de la universidad nos la recomendó a nuestro grupo de amistades de manera encarecida. Sin embargo, fue hasta el 2003 cuando al fin pude disfrutarla en formato casero (de forma irónica, fue de las primeras películas en DVD que vi con mi reproductor recién comprado). Aunque entonces no estaba acostumbrado al humor inglés, la película me agrado (a secas) y pese a haber una continuación, esta la deje aparcada de manera indefinida.

Fue hasta que conocí a mi mujer que me volví a rechutar no solo la primera sino la segunda y debo decir que le agarre mejor gusto, en especial con los comentarios (y muchas risas) de mi entonces adorable novia. Así que cuando hace unos meses se supo que habría una tercera parte, era obvio que los dos iríamos a verla.

Debo decir que esta tercera parte, tanto a nivel argumental como de comedia se mantiene o inclusive supera a sus predecesoras, ya que es un humor mucho más fresco (aunque dentro de la línea de lo "británico") y actual, donde Bridget ahora es una ejecutiva exitosa que lucha con los nuevos mandos que llegan a la estación donde trabaja (y que están bien representados por millenians y hipsters estirados, aunque suene a redundancia), llegando a mostrar una marcada evolución. Esto lo agradecí, porque el chiste de la chica gordita e insegura que al primer error se atiborra de helado, hubiese sido muy cliché. Acá inclusive la vemos en una faceta de seductora, pero manteniendo esa esencia de meter la pata cuando no debería hacerlo.

Por supuesto, la parte del embarazo es genial y los chistes son bastante buenos. Una ventaja de ser una versión británica es que lo "pelado" queda de fuera y la comedia es mucho más genuina, más pensada y menos grosera. Un ejemplo es cuando Bridget esta por dar a luz y Mark decide cargarla en plan heroico pero a los pocos metros, el pobre esta echando el "bofe" y solo atina a decirle a la chica que esta bastante pesada.

A la par, vemos un galán mucho más en forma y menos petulante que el interpretado por Hugh Grant. Claro, Cleaver daba ese toque mundano a la película, pero el Jack de Patrick Dempsey sabe darle un buen contrapeso al Darcy de Colin Firth y vemos un duelo de "galanes" bastante divertido. Inclusive, el sabotaje que hace Jack no resulta nada forzado y muy natural.

Otro detalle que me gusto fue la evolución en el ambiente. Los tres amigos inseparables de la protagonista han hecho su vida y por ello casi no se les ve en el filme. Pero agregamos a la nueva mejor amiga que es una conductora bastante alocada y también a la doctora que atiende el embarazo de Bridget, interpretada por una Emma Thompson que lo hace genial.

No obstante, aquí vienen los enormes peros del filme: el primero recae sobre el notable envejecimiento de los actores. Aunque ubicamos al personaje de Bridget en los 43 años, en realidad se ve de más y para colmo, las cirugías estéticas que se realizo la Zellweger tampoco le favorecen, llegando a verse bastante antinatural. Esto igual se ve con Colin Firth o con Patrick Dempsey. Por supuesto, la comedia esta acomodada a su estilo de vida, por lo cual no se ve forzada. Sin embargo, si la comparamos con las dos anteriores, por momentos uno queda descolocado y ve medio forzada esta tercera entrega.

El otro problema es la obstinada inclusión de los grupos LGTB. Reitero, no tengo nada en contra de ellos, pero usar el cambio de actitud de la madre de Bridget para su nominación en el grupo de la Iglesia sí me pareció muy forzado y puesto con calzador. Algo que me agradó de la anterior película es que la mamá de la protagonista había madurado en cierta forma y no era tan ladina o superficial. Sin embargo, acá de nueva cuenta la ponen en ese plan y aunque su cambio resulto muy agradable, me sonó más como un pretexto que otra cosa.

 

En conclusión, "Bridget Jones Baby" me resultó una película palomera divertida, agradable, bien contada, con una excelente actualización tanto en la trama como en el nivel de comedia, teniendo inclusive unas buenas inclusiones como la de Patrick Dempsey y la de Emma Thompson. Inclusive, la resolución del dilema del embarazo me agrado (aunque mi esposa por momentos prefería a Patrick Dempsey). El problema es que esta película se demoró bastante en llegar y el envejecimiento notable de los protagonistas es más que palpable.

Fuera de ello, es bastante recomendable (mi esposa no paraba de reírse durante la película) y debo decir que es un placer culposo. A esto debo apelar a una crítica que leí hace tiempo sobre la película y que decía de manera explícita: "no nos hagamos del rogar, Bridget Jones te hace reír, pese a que seas un frikie o un macho lomo plateado". No podría estar más de acuerdo al respecto.

-Inferno

Argumento: Robert Langdon se despierta aturdido en un hospital de Florencia, Italia. Tiene la huella de un disparo en la cabeza y esta con una amnesia que le ha hecho olvidar las últimas 48 horas. Es cuando se encuentra con una atractiva doctora que le salva de último momento cuando una agente ha venido a liquidarlo. Langdon, tembloroso y desorientado, es llevado al departamento de la joven donde comienzan a sacar pistas con el fin de saber que ha pasado con el protagonista y porque tiene en sus manos un misterioso mapa que muestra la pintura de Boticcelli sobre el Infierno de Dante y como este puede ser la clave para encontrar un arma biológica de última tecnología.

Comentario: Hace un par de años leí "Inferno" y debo decir que me decepciono muchísimo. A diferencia de "El Código Da Vinci" y "Ángeles y Demonios", la nueva entrega de Dan Brown me pareció inferior a nivel argumental, de ritmo y en la resolución del problema. En cambio, la idea original me parecía bastante buena (el problema de sobrepoblación con una solución polémica, drástica pero con un canon histórico bastante adecuado). El problema es que Brown no supo como plasmarla de tal forma que fuese interesante y trato de tomar lo mejor de sus libros anteriores (una cantidad excesiva de datos, un ritmo frenético, un protagonista carismático) pero con poco acierto.

Inclusive, el final me hubiese parecido formidable pero la narrativa de Brown en sus últimos episodios me pareció horrenda y el libro literalmente lo aventé por la ventana. Por ello, mis expectativas con esta película (que mi esposa sí deseaba ver) eran bajísimas. Por suerte, esto me permitió disfrutarla de buena forma.

 

Por supuesto, esto no significa que este exenta de errores. Los hoyos argumentales son bastante evidentes y la cantidad de datos relacionados con las pistas se disminuyen de forma importante (esto para darle realce al ritmo) inclusive más que las dos películas anteriores. Sin embargo, el pulso de la historia se mantiene de mejor forma y la resolución no me parece tan abrupta como en el libro.

 

Aquí es donde he encontrado opiniones diferidas. Sí, el libro tiene un final bastante bueno, pero mal escrito. En cambio, la película tiene un desenlace predecible y muy hollywoodense, pero no obstante, cae mejor con el ritmo de la trama y explica de mejor forma algunas cosas, incluyendo la conversión de Sienna en un enemigo en el último tercio. En el libro la chica oscila entre un lado y otro, y aunque se nota su intención de marear al espectador para darle más impacto, termina por hacer el efecto contrario. Inclusive, sus motivaciones están mejor comentadas en la película, lo cual me gusto bastante.

 

Pero no puedo negar que este final también le hace mucho daño a la originalidad del filme. Si algo destacan las obras de Brown es por ser polémicas, pero conforme ha ido avanzando la saga en el cine, Ron Howard y su guionista han preferido más un juego de detectives que en sembrar polémica. Sí la hay por un instante, cuando se cuestiona mediante el "villano" sobre los problemas de sobrepoblación y como esto va a terminar fregando el planeta y a la misma humanidad. Sin embargo, luego nos olvidamos de esto y termina por darnos el toque de que solo son "malos" y ya. El problema de sobrepoblación no se vuelve a tocar y se ignora al final. Esto deja a la película muy hueca y sin despropósito. Sin embargo, debo decir que es la mejor contada y la que mejor ritmo tiene de las tres, llegando a ser genuinamente divertida.

 

Pese a esto, tenemos otro problema. Tom Hanks se ve ya viejito para ser un Robert Langdon, que en los libros es un cuarenton pero en buena forma física. Acá ya se ve como alguien de cincuenta años y que no tiene el mismo fondo físico que su homónimo del libro. No obstante, me agrado que hiciera migas con la jefa de la OMS, creándole una relación de acuerdo a su edad, lo cual permitió que la transición entre ambos personajes no fuese tan brusca (más cuando Sienna, Felicity Jones, podría pasar por hija de Hanks).

 

En cuanto a la fotografía, la música y los efectos especiales no puedo objetar, ya que por ciertos azares, me toco ver el filme en pantalla IMAX y sale bastante bien librada. Lastimosamente no pude disfrutar el doblaje, ya que me tocó una versión subtitulada.

 

 

En conclusión, "Inferno" es una película de dos espectros. Por un lado es una buena adaptación del libro de Dan Brown en cuanto a ritmo, transición y sobre todo, optimiza el final no solo con otra resolución sino con otros diálogos que le dan mejor empaque a la historia. El problema se que fuera de esto, la historia es hueca, predecible y mucho menos rica que las anteriores. Sí, hay un montón de datos mencionados por Langdon, pero se quedan un poco de más, ya que la acción y los golpes van sustituyendo esto poco a poco. Esto se nota con diferencia a "Ángeles y Demonios", donde las pistas se valían de muchos datos valiosos y no al revés, donde Langdon se convierte en un guía de turistas.

 

No obstante, es disfrutable y no aburre en ningún momento. Felicity Jones me convenció como una Sienna ambivalente y también el resto del cast, sobre todo Irrfan Khan, que pese a no tener aspecto de asesino, aquí se le vio genial con su daga. Recomendable sí te gusta algo liviano y para no pensarle mucho.

 

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Saludos a mi mujer que no deja de sorprenderme :3, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Leyenda Urbana: la cabra de los Cubs de Chicago.

El día de ayer se rompió una de las rachas negativas más longevas de toda la historia del deporte. Los Chicago Cubs, los "perdedores adorables" que en su momento fueron protagonistas de muchas películas y telefilmes sobre su ansia de ganar una Serie Mundial, al fin lograron coronarse luego de 108 años sin hacerlo. La última vez fue en la Serie Mundial de 1908 y de allí vivieron un sinfín de descalabros, algunos bastante dolorosos como la derrota que tuvieron el año pasado ante los Mets de Nueva Yokr, cuando siendo los favoritos para conquistar no solo el banderín de la Liga Nacional sino también la Serie Mundial, terminaron siendo barridos por los Mets de Nueva York. 

Sin embargo, luego de siete agónicos juegos, donde el último llegó a ser cardíaco, los Cachorros o los de "Chicago Norte" (ya que el estadio del equipo, el Wrigley Field, se encuentra en dicha parte de la ciudad) lograron el ansiado título y rompieron no solo dicha racha, sino también una espeluznante cadena de maldiciones como de predicciones que venían azotando al equipo desde hacía mucho tiempo. 

Aunque muchos pueden tildarlas de mofa o de pura charlatanería, es innegable que tienen su punto, ya que muchos ven como extraño que un equipo tan protagonico como los Cubs no hubiesen ganado por tanto tiempo no solo una Serie Mundial, sino no un banderín de su Liga. Por lo tanto, la siguiente entrada va enfocada en tres aspectos bastante cómico-trágicos que rodearon esta amarga racha de derrotas y que ayer se rompió finalmente, ante las lágrimas de sus fans. 

Debo decir que pese a que soy fan de los Rangers de Texas, no pude evitar emocionarme y brincar por toda la casa. Era inevitable no guardarle cariño a estos canijos y que finalmente pudieron ser campeones (y que la historia me diera la oportunidad de ser testigo de ello).

-La maldición de la Cabra.

Chicago gano su última serie Mundial en 1908, pero en los años siguientes fue un gran protagonista y gano al menos 6 títulos divisionales antes del fatídico año de 1945, donde logró su séptimo banderín divisional y enfrentaba en la final a los aguerridos Tigres de Detroit. Debido a que era el año del fin de la guerra, los primeros tres juegos fueron en la ciudad de los Tigres, donde Chicago gano en dos. Solo le bastaba un par más para ello y sería en su propia casa, lo cual generó un gran algarabía. 

Uno de los tantos fans que fueron al estadio Wrigley fue un tabernero local de origen griego llamado William Sianis, el cual compró un par de boletos para la serie Mundial. Uno para él y otro para su cabra, la cual decía le daba suerte al equipo. Sin embargo, el olor que despedía el animal provoco que la gente se quejará y justo en las taquillas, Sianis fue detenido por los guardias y echado fuera pese a las replicas de este y que su cabra tenía un boleto vendido. Inclusive, el entonces dueño de los Cubs, Wrigley, se acerco a hablar para que el dueño entendiese. Sin embargo, Sianis se enfureció y fue cuando echo su famosa maldición: dijo que los Cubs no volverían a ganar una serie Mundial.

Wrigley no pudo evitarse burlarse, pero resulta que el equipo perdió sus tres siguientes juegos. Más tarde se dijo que Siannis envió una carta burlona al dueño proclamando su venganza. Aunque esto en su momento quedó en el anecdotario, se hizo bastante patente con el paso de los años, al grado que los Cubs no volvieron a ganar un banderín divisional hasta este 2016. A tal grado cayo esto, que cuando el equipo estaba de capa caída en los setentas, alguien le pidió a un sobrino nieto de Siannis, que trajera a una cabra y retirará la maldición. Se realizo un exorcismo con "Socrates" (que se supone era descendiente de Murphy, como se llamaba la cabra de William) donde pusieron una alfombra roja frente al Wrigley Field. Sin embargo, la cabra se negó a entrar en redondo.

El contramaleficio se repitió en 1984, donde nuevamente el sobrino de Siannis entró con otra cabra y proclamo que la maldición se había levantado. Eso pareció funcionar, porque los Cubs salieron de una mala racha, pero volvieron a caer en el juego de campeonato. Se dice que ayer muchos celebraron en el bar de Siannis y proclamaron que la maldición al fin se había roto. 

-El incidente Steve Bartman.

Se dice que un gato negro impidió que los Cubs lograsen una gran temporada en 1964, cuando este se poso en el campo durante un juego contra los Mets. La derrota ante tal equipo provocó que los Cubs se cayesen dramáticamente en el último tercio de la temporada. Sin embargo, este se queda corto ante el llamado "incidente Steve Bartman".

Era el 14 de octubre del 2003 y los Cubs estaban enrrachados. Estaban venciendo 3 a 0 a los Marlins de Florida en la octava entrada en el sexto juego de la serie (los Cubs habían 3 juegos y solo necesitaban uno más para ganar el banderín divisional). Con un out, se dio un batazo hacia el jardín derecho que era de foul. El jardínero Moisés Alou trato de quedarse con la pelota y así lograr el segundo out. Sin embargo, un aficionado llamado Steve Bartman saltó y evito que el jardínero se quedara con la pelota. Aunque esto pareció verse inocente, los Marlins montaron una ofensiva de 8 carreras en esa entrada, ganando el juego. Esto provoco el séptimo juego que los Marlins ganaron 9 a 6. 

Desde entonces, Bartman fue considerado como un atestado y muchas veces recibió amenazas de muerte. El pobre tuvo que esconderse y pese a las reiteradas peticiones de entrevista, negó hacer cualquier declaración y no volverse a acercar al estadio de los Cubs. Con la derrota que sufrieron el año pasado, los diarios de Chicago no dejaron de remarcar este incidente como uno de los más dolorosos que tuvieron en mucho tiempo. 

-Volver al Futuro: el año de la predicción.

El 2015 se convirtió en un año atávico para muchos fans de los Cubs. Y es que el equipo había logrado más de 90 victorias en la temporada, para luego vencer a los Piratas de Pittsburgh y a los Cardenales de San Luis en postemporada. Parecía que tenían la mesa puesta para una victoria no solo contundente sino predestinada ante los Mets. Sin embargo, estos no tuvieron piedad ni tampoco se dejaron llevar por otras cosas y los barrieron 4 a 0. Es cuando mucha gente pensó que la maldición de la Cabra o de Bartman no tenía fin. 

La razón es que una película de 1989, Volver al futuro II, ponía que los Cubs ganarían la Serie Mundial ante el entonces inexistente equipo de Miami (que hoy serían los Florida Marlins). Marty, nuestro protagonista, viaja al futuro para detener un evento que pondría en peligro a su parentela y a sí mismo. Cuando esta en el centro del futuro Hill Valley, se encuentra con una holo-pantalla que le dice que los Cubs ganaron la Serie Mundial, ante la sorpresa no solo de él sino de otra persona que le esta pidiendo dinero para reparar el reloj del Ayuntamiento. 

En su momento esto se convirtió en un signo de reverencia por los fans del equipo, que repetían que el 2015 sería su gran año. Sin embargo, los Mets como ya se dijo, terminaron por sepultar sus esperanzas (y si no hubieran sido ellos, le hubiese tocado a los Royals, que entonces traían un equipazo de primer nivel). No obstante, con la victoria que se dio ayer por parte de los Cubs, muchos lo consideran cierto y que el error de predicción fue por un sencillo año. 

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a los fans de los Chicago Cubs, que al fin pueden celebrar por todo lo alto.