Leyenda Urbana: Edgar Cayce y sus visiones del futuro

Cuando eramos chamacos, mi hermano y un servidor coleccionábamos las revistas de "Ripley, aunque usted no lo crea", que sacaban todo el contenido fantástico, en forma de lectura, sobre el universo que el fundador de lo "Increíble" hizo durante toda su vida. En México se llegaron a editar por un largo tiempo, pero la crisis económica llego a mermar la calidad de las mismas (menos contenido y un cambio de papel mucho más chafa y pegadizo) y ya para 1996, estas habían desaparecido del mercado. Pero antes de eso, logramos disfrutar de muchos eventos insólitos y claro, aumentar nuestra cultura al conocer biografías de personajes emblemáticos y misteriosos, como Edgar Cayce.

Este nombre es poco conocido en la cultura latinoamericana, ya que es más un representante de la anglosajona, para ser más específicos, de los Estados Unidos. Pero el conocido como el "vidente durmiente", fue y sigue siendo una de las instituciones más potentes de lo paranormal y místico. Considerado el padre de la medicina holística, su influencia sobre ciertos temas como la reencarnación, la medicina naturista, la espiritualidad y claro, las profecías, fue tanta que muchos lo consideran el precursor del "New Age" que se vivió a finales de los años sesentas y principios de los setentas.

Cayce nació en 1977 en el estado de Kentucky, EUA. Paso sus primeros años en Hopkinsville y desde pequeño, según biógrafos, ya mostraba cosas inusuales, como el hecho de ver amigos imaginarios. Sin embargo, el suceso más potente de aquellos tiempos fue que al estar jugando beisbol, sufrió un fuerte golpe en la cabeza por una pelota. Llevado en malas condiciones con el médico, de repente se despertó totalmente sano. De allí, Cayce afirma que comenzó a ver auras y personas muertas.

Esto parece que quedo en el olvido, hasta que posteriormente a una severa laringitis, tuvo que dejar su empleo como vendedor de seguros y poner un estudio de fotografía. En un evento, conoció a un hipnotista que trato de curarle su problema de voz. En uno de los trances, otra voz que no era la de Cayce, le dijo como solucionar el asunto. Al despertar, el susodicho había recuperado el habla. Esto produjo que ambos formaran una alianza, donde Cayce en trance, daba remedios de todo tipo, inclusive para personas que no había conocido o que vivían muy lejos. Su caso más sonoro fue de una niña que había sufrido una caída de un caballo y que tenía convulsiones. Pese a vivir muy lejos de donde estaba Cayce, él dijo que la causa de dicho problema era por una herida que tenía la chamaca en la cabeza y que debían curarla, así darle masajes, lo cual supuestamente provoco la cura del problema.

Cayce se hizo famoso y mucha gente solía acudir con él para encontrar cura a sus males. El mencionado trato de hacer fama con sus "poderes" buscando petróleo en Texas, pero una combinación de mala fortuna y poco convencimiento, hizo que no pudiese encontrarlo. Viéndolo como una señal de avaricia malsana, Cayce se dedico a hacer su trabajo sin cobrar nada al respecto (recibía modestas donaciones) y su tren de vida nunca fue de opulencia. Inclusive, abrió un instituto sin fines de lucro, para la investigación de medicina holística.

El método de trabajo de Cayce era bastante peculiar: entraba en un trance donde aparentemente estaba dormido y mientras esto ocurría, solía contestar a las preguntas que la gente le hacía. Al principio contó con el hipnotista para que le echara la mano, pero desavenencias entre ambos, provoco que aprendiera a como autoinducirse el sueño. Cuando esto sucedía, una secretaría tomaba nota de lo que decía el vidente, lo cual eran al menos seis sesiones diarias. Cayce contestaba a lo que le preguntaban y aunque al principio rehusó tocar temas como la reencarnación o el espiritismo, en sus últimos años termino por hacerlo.
En los últimos años, el Ejército de EUA pidió la ayuda a Cayce para localizar soldados americanos que habían caído en el mar. Gracias a sus videncias, se lograron encontrar a dichos soldados en el punto exacto. Finalmente, el gran vidente fallecería en 1945.

Aunque Cayce hablo de muchos temas, los más reconocidos hasta la fecha son sus profecías, que hizo en el transcurso de más de 40 años. Algunas se cumplieron al pie de la letra y otras no. Por lo tanto, primero tocaremos las que el profeta logró acertar en su tiempo y luego las que posiblemente se cumplirán en años venideros.

-Blumenthall, un banco que le patrocinaba, pidió una predicción de la bolsa de Valores en 1929. Cayce predijo que la Bolsa caería en un crack importante. Justamente, un poco más tarde, este suceso se haría realidad y Blumenthall sería uno de los tantos en quebrar.

-Predijo el inicio de la Segunda Guerra Mundial unos años antes de que ocurriera, cuando comentó que nuevamente austriacos, franceses y alemanes se trenzarían en batalla. 

-También vaticino la muerte de dos presidentes de EUA en funciones: Franklin Delano Roosevelt, que moriría en 1945 y John F. Kennedy, que fallecería  en 1963 a causa de un atentado.

-Aunque predijo que la Atlántida volvería a surgir en los años sesentas y lo cual no ocurrió, menciono está, ya que por aquellos años, es cuando se comenzaron a descubrir montañas submarinas en el lecho del Océano Atlántico que hasta hoy en día despiertan mucha curiosidad, ya que su forma y entramado parece más de una obra humana que de la propia naturaleza.

-Predijo el fin del comunismo en la vieja Unión Soviética y también del Nazismo (esto en la década de los treinta). 


Ahora, vamos con las profecías que supuestamente, están por cumplirse.

-La más atinada hasta el momento es la de Barack Obama. Cayce predijo que el 44th. presidente de EUA sería afroamericano. Sin embargo, lo desconcertante es que este sería el último de la nación y que sería quien apretase el gatillo nuclear (claro, tenemos de aquí hasta enero para ver si es cierto o no).

-Las mayores visiones del profeta eran sobre los cambios físicos y climáticos de la Tierra: primero, Europa tendría una reconfiguración geográfica importante, igual que Inglaterra que se vería hundida mientras Irlanda si apenas sería tocada por terremotos y tsunamis. En cambio, Japón también se hundiría en el mar. A la par, el cambio del polo magnético terrestre sería tan brusco que los climas darían giro de 180 grados, donde el clima tropical sería el predominante. A la par, dos volcanes como el Vesubio y el Etna despertarían totalmente. Un terremoto cambiaría la geografía norteamericana, donde todo el medio este se hundiría con el mar. Los Grandes Lagos terminarían en el Golfo de México, conllevando al hundimiento de casi el Este, en especial ciudades como Nueva York y Washington. 

-Cayce también dijo estar en Nevada, en el 2100 y que el cielo estará oscuro, pero vio aviones en forma de cigarro que volarán más rápido que el sonido. La gente tendrá otras costumbres y que una gran revolución por parte de los afroamericanos provocara un cisma en la nación, así todos estarán más inmersos en un intenso espiritualismo. 

-Una ciudad de Oro se alzara en el desierto de Gobi, donde la tecnología y el nivel de vida serán altísimos, así con elementos automatizados, inclusive robóticos, según el vidente.

-Finalmente, pese a los problemas de la Tierra, la humanidad irá hacia una nueva era de paz, donde el individuo alcanzará logros nunca antes obtenidos.

Europa, según Cayce luego de los cataclismos.

Ahora, falta ver en unos años, cuales de estas profecías se cumplirán. Aunque muchos han especulado que estas ya comenzaron, como el cambio climático o los terremotos que se han sucedido últimamente, ninguno ha sido determinante como lo predijo el vidente. Sin embargo, salvo algunas profecías, nunca se dio una fecha exacta, por lo cual hay que esperar que ocurre en un futuro próximo. Por lo pronto, lo de Obama, allí esta sobre la mesa.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de

Daft Punk: cinco rolas de este peculiar dúo francés.

Daft Punk es un dúo de productores formado por los músicos franceses Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter. Precursores del estilo House en la Francia de los años noventas, que luego incursionaron con el tecno-pop, ambos géneros que nacieron con la moda gringa de los años setentas y ochentas. Este tipo de movimiento fue harto popular a finales de los años noventas y es cuando las "discos" comenzaron a virar a música más bailable que las rolas que sonaban en aquellos tiempos.

El dúo francés comenzó sus pininos con el sencillo "Da Funk" y luego con el emblemático "Around the World", que le permitió tener un contrato donde sacrificaron las ganancias por una mayor libertad creativa. Esto les permitió lanzar un disco que fue considerado inédito a principios de la década pasada: Discovery. Este, se vió acompañado por una película de corte "anime" por parte de la casa de animación japonesa Toei y dirigida por el mismísimo Leiji Matsumoto: Interstella 555, formando parte de ese movimiento que logro afianzar dicho arte no solo en Europa, sino también en todo el mundo.

Aunque la producción de Daft Punk fue disminuyendo con el paso de los años, aun han sacado discos emblemáticos como el soundtrack de la película de "Tron Legacy" y "Random Access Memories", que afianzaron más su éxito, al grado de aparecer en varios programas y shows con sus respectivos trajes y cascos que los hacen ver como si fuesen robots enviados del futuro.
Por este motivo (y otros), la siguiente entrada va dedicada a las que considero de manera personal, las mejores cinco rolas de Daft Punk.


-Around the World

Nunca fui chamaco de ir de antros, ni en la adolescencia, mucho menos en mi juventud. Tal vez un ligero acercamiento cuando tuve una novia que gustaba de tales diligencias, pero fuera de eso, siempre me he considerado un sujeto bastante aburrido. Eso no impide que me gusten las rolas bailables y esta era una de las que disfrutaba escuchar y claro, en sus pequeños instantes, también bailar. Apareció en 1997 y fue el segundo éxito que tuvo la agrupación luego de "Da Funk". La frase "Around the World" se repite de manera intermitente al menos unas 80 veces durante toda la canción y es de esas que no resultan aburridas, ya que inclusive hay videos donde la repiten hasta una hora.


-One More Time

Considerada la canción más emblemática y exitosa del dúo, apareció a finales del año 2000. Se considera el inicio de la película de Interstellar 555 y su vídeo musical, que apareció en la cadena MTV, fue de los vistos y votados en su momento. Lo destacable aparte de la canción, era el mismo video que logró darle un empuje tremendo, en especial entre los fans nacientes del anime. Personalmente, las imágenes que lo acompañaban eran fascinantes y en las convenciones de aquellos años, siempre ponían la rola de fondo o en una pantalla gigante con proyector. Aunque la rola es rítmica, no puedo evitar sentirme un poco nostálgico y triste por aquellos años, ya que como he comentado hasta el hartazgo, lo que viví entre el 2000 y 2001 me marco de muchas maneras.


-Digital Love

Continuando el éxito que impuso One More Time y Aerodynamic, esta rola apareció ya venía incluido en el álbum Discovery que apareció en el 2001. Sin embargo, el emblemático vídeo musical, que nuevamente contaba con escenas tipo anime, contaba lo sucedido luego del secuestro de la banda, donde un personaje al estilo Han Solo va rescatarlos en su guitarra-nave espacial. Sí debo ser sinceros, esta rola me parece mucho mejor y más bonita que las anteriores, siendo mi favorita del "Discovery". Lamentablemente, los recuerdos un tanto tristes me vuelven a asaltar cuando la escucho, por lo ya comentado previamente. Una mezcla de rock sinfónico, canción romántico y tecno-pop, debo decir que es bastante completa y con un vídeo formidable.


-Tron Legacy: End Credits.

Debo ser sincero. La película "Tron Legacy" del 2010 me parece un tanto inferior a su predecesora, que pese a ser aburrida, era mucho más compacta en su argumento y desarrollo. Sin embargo, de las cosas formidables de la secuela fue la música de fondo creada por Daft Punk. En su momento dude que este dúo lograse hacer un soundtrack emblemático y gracias a Dios que me equivoque. La película tiene unos trasfondos musicales únicos, formidables y que van desde lo místico hasta lo más tecno. Tal vez el tema que mejor lo representa, es este, los créditos finales. A tal grado me encanto que inclusive me quedé en su momento en la silla del cine escuchándola con deleite, ante la mirada perpleja de mi esposa. Es de esas bandas sonoras que debe tener uno sí o sí.


-Get Lucky

De los éxitos más recientes de la agrupación francesa, no tuvo tanta resonancia como One More Time, pero mínimo, le garantizo un Grammy a los autores y los interpretes (Pharrell Williams, Nile Rodgers). Aunque en su momento fue criticada por tener cierto punto sexual, en realidad trata más de como tener química con alguien (según la declaración de Williams). Personalmente, esta rola estuvo a punto de pasar de noche para un servidor, ya que cuando salió, estaba en plenos examenes finales y luego el año siguiente fue de una crisis económica bastante fuerte. Por suerte, un día que estaba jugando boliche con mi mujer y mi comadre, no dejaban de ponerla y como es lógico, se me termino pegando (al grado que ahora es una de las imperdibles del mp3).

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Saludos a mi princesa ;), así a quienes gustan de este tipo de rolas.

The Big Short: crudo pero excelente relato del crack del 2008

Cuando en la pasada entrega de los Óscares hablaron de Adam McKay y como gano un premio por mejor guión adaptado, me sorprendí por dicho galardón, ya que no figuraba entre mis favoritos. Lo cual es harto curioso, ya que "La Gran Apuesta" (The Big Short) solo tuvo tal estatuilla, pese a estar nominado en otros rubros. Por supuesto, también tengo pendiente de ver la película de "En primera plana", pero por azares del destino (léase, había que limpiar la casa y no tenía nada remotamente bien doblado para escucharlo sin estar viendo a cada rato a pantalla), me termine topando con la primera. Debo decir que me lleve una sorpresa y un gusto tremendos, al grado que a la media hora de estar viéndola, deje de lado todo para ir a la PC y buscar la versión electrónica del libro en que esta inspirado.

La crisis económica del 2008 es un evento del cual todavía no se recupera el mundo. Los precios del petróleo son bajos, la intervención del estado ha sido grande al grado que muchos contribuyentes siguen pagando la estúpida deuda que dejaron bancos e inversores, así como que el desempleo apenas, pero apenas, esta comenzando a disminuir en Estados Unidos. Lamentablemente, el resto de los países creo una situación social que estamos sufriendo, en especial México. Pero, tal como aparece en el final de "The Big Short", el ser humano es un animal que se tropieza no solo una, sino quinientas veces con la misma piedra. Y vamos a ver a continuación porque.


Argumento: Basado en la novela de Michael Lewis, el filme se enfoca en los hechos que ocurrieron entre el año 2005 y el 2010, en especial en varios personajes bastante variopintos que lograron detectar una falla garrafal en lo que había sido el empuje del capitalismo en los últimos 20 años, el OCD y su emparejamiento con los pagos de hipoteca. Siendo una idea novedosa en los ochentas, permitió a la economía, no solo de los EUA y de muchos países desarrollados, crecer a ritmo exponencial, sino también ofrecer casas baratas a los consumidores. Lamentablemente, teniendo una base tan endeble pero aparentemente segura, provoco una caída del mercado brutal y como no solo esas personas que vieron el problema, se vieron entre la decisión de hacerse ricos o escapar del problema.


Comentario personal: Uno de los primeros temas que investigué en la internet hace varios años, fue el motivo por el cual se había iniciado el famoso Crack de 1929, cuando la Bolsa de Valores de Nueva York se fue a pique y con él, casi todo mundo. La recesión que se vivió en los años treinta fue tan potente, que solo el inició de la Segunda Guerra Mundial vino a arreglar dicho cuento. Aunque varios analistas de corte capitalista se quisieron sacar cosas de la manga, al final el propio vicio del capitalismo fue que provocó eso. Habiendo una sobreproducción en los años veinte, secundario a la Primera Guerra Mundial, mucha gente comenzó a comprar cosas en base a créditos. Esto con la finalidad de pagarlo después y tenerlo antes (algo que se ha vuelto un vicio común y que perdura hasta hoy en día). Lamentablemente, como esto no era cierto, la gente no tenía conque pagar y los productos se terminaron amontonando y eso provoco la debacle total en aquellos años.

Aquí tenemos que ser claros. El capitalismo juega con dinero que no existe. Todo se basa en la oferta y demanda, así como cada producto tiene un valor, no solo físico, sino extra. Sí yo invierto dinero en la bolsa a favor de una empresa, ganare dinero ficticio, pero que la vez es real, esto resulto del propio valor que tiene la empresa (lo cual puede garantizarle patrocinadores no solo ahora, sino en un futuro). Esto se conoce como especulación. Claro, aunque es dinero imaginario, el tener una valoración o tener un valor "especulativo" te hace poder pedir prestamos o gastar dinero que aparentemente no tienes.

Sin embargo, las deudas siempre se pagan y se hace con dinero real. Aquí viene el problema cuando solo juegas con algo ficticio y no tienes billete para pagar al final. Es como ir al cine esperando que siempre vaya un cuate que te pague las entradas, las palomitas y otras cosas. El cine, por ser amigo de esa persona, te deja entrar. Pero si el amigo no "viene" porque te peleaste con él, lógico, te va a pedir que tú pagues. Pero sí no tienes lana, pos te echan o directo al bote.

Con esta claridad y ejemplos, es como empieza, se desarrolla y termina esta película. The Big Short hace un relato bastante claro de como la economía mundial se iba a ir a pique, pero con algo peor: como mucha gente se dió cuenta de eso y que a la vez, no solo no pudo hacer nada, sino que no fueron escuchados en su momento.

Por lo tanto, en este punto me siento obligado a explicar que paso durante aquella crisis.

Las OCD se habían vuelto la punta de lanza de la economía, no solo bancaria, sino mundial en aquellos tiempos. ¿Qué son estas cosas? Son una suerte de agregado que hicieron inversores y la banca en los ochentas, tal como se comentó. Esto le da un valor "activo" a una inversión, es decir, sacar dinero, no solo para el que aporta su lana, sino para quien hace esas dichas OCD. Aquí tenemos una de las más grandes y asquerosas cosas del capitalismo: siempre habrá alguien que gane dinero, por hacer poco o absolutamente nada (algo con lo cual estoy de acuerdo con Carlitos Marx). Justamente, los bancos, inversores y firmas crediticias son así. Por el hecho de dar un OCD hipotecario, sacaban lana.

La razón de que un OCD era conveniente para los clientes (los que querían una casas), es que las ofertas de estos eran sumamente atractivas: pocas tasas de interés, estabilidad en los pagos y tenías tu casa de inmediato. Es decir, ganaba el comprador de la casa, el inversor, el banco y los metiches. Claro, para que pase esto, alguien tiene que pagar y ese era el comprador de la casa. Pero es lógico que siempre halla morosos y en este caso no fue la excepción. El problema, como se plantea al inicio de la película, todo mundo daba por sentado que el pago de hipoteca era algo seguro y real.

Sin embargo, para el 2005, el "protagonista", interpretado por Christian Bale, Michael Burry (un doctor en economía, pero con un ojo de vidrio y trastorno de Asperger), se da cuenta de anormalidades en el pago de las hipotecas, léase, que la gente no ha pagado como antes y que sí esto se va agudizando, llevará a la ruina a muchos que dependen de las OCD y su valor especulativo.

Como es lógico, nadie le cree y esto provoca encontronazos con sus jefes, al grado de casi perder su trabajo. No obstante, Burry se mantiene en pie y su ejemplo, provoca que varios alrededor también se comiencen a dar cuenta. Desde Mark Baum, un economista bancario hasta Jared Vennet, un banquero que comienza una mini-cruzada para convencer a Baum de que compre todas las OCD posible, para poder venderlas cuando se desate la crisis.

Aquí la película juega un drama brutal, ya que lo vemos desde una visión de retrospectiva y sabes que los protagonistas sufren por mantener su posición, mientras el resto se ríe de sus supuestas tonterías. Sin embargo, en lugar de terminar en algo más "predecible", la cosa se pone aun mejor cuando vemos como inclusive las calificadoras oficiales están metidos hasta el cogote en mantener los estandares, ya que los bancos y empresas que usan OCD, los presionan para darles dicha calificación y así ellos también salen ganando.

Esto conlleva a una parte que uno hasta se jala los cabellos por ver lo que pasa (aunque uno ya tiene idea de como terminara todo), llegando a un final agridulce, muy fuerte y con un sabor sumamente ácido. Para cuando termine de ver la película, me quede como los dos inversionistas jovenes que son regañados por Ben (interpretado por Brad Pitt) que les dice que se pueden alegrar por ganar dinero y verse más inteligentes que los idiotas que usan las OCD, pero que también su maniobra ha provocado la crisis y que dejará a mucha gente sin empleo.

Aquí, sea o no, el rompimiento de la cuarta pared es formidable. Los personajes hacen sus cosas, pero a la vez se voltean a la cámara y explican con peras y manzanas lo que esta pasando y para donde vamos, con un humor bastante negro. Para rematar, actrices de renombre como Selena Gomez o Margot Robbie, aparecen para darnos una explicación más contundente de lo que está pasando, al grado de explicar bastante bien lo de la OCD al cuadrado. Esta combinación entre humor bizarro, drama y diálogos ingeniosos, hace que la película sea enteramente disfrutable todo el rato. Personalmente, la primera hora me concentré tanto en escuchar lo que pasaba, que no me di cuenta cuando termine de limpiar toda la casa. Si a esto añadimos música incidental que da toques chuscos/dramáticos, como "The Master of Puppeters" de Metallica, no evite soltar una carcajada con lo que sucedía, para luego ponerme casi histérico como el personaje interpretado por Steve Carell.

Las interpretaciones son estupendas y ya veo porque Carell como Bale estuvieron nominados a varios premios y este último, a un premio de la Academia, en especial cuando te crees que es un sujeto con Asperger (no mira a los ojos, sonríe falsamente, nula interacción social, poco empático, obsesionado con ciertos tópicos) y que se mantiene durante toda la película. Claro, por momentos sobreactuado y sobredimensionado, pero a la par no cae en un chiste barato de una persona con Autismo.

Sin embargo, el punto irónico de Ryan Gosling llega a un punto soberbio, al ver como es el mismo diablo y tiene un momento muy emotivo con el personaje de Steve Carell, no directamente, sino hacer una alegoría del trato de personas que quieren justicia, pero escuchan al diablo directamente y no se dan cuenta, que pese a ser muy listas, pueden terminar de maneras muy poco agradable.

Por cierto, el doblaje de esta película estuvo soberbio y sobre todo me gusto la voz de Steve Carell, que pese a no ser la de Mario Castañeda, la de Moisés Palacios le quedo genial. El resto del elenco estuvo soberbio, aunque sí me sacaba de onda que usarán palabrotas, pero eso es más del cliente que del mismo doblaje.

En conclusión, "La Gran Apuesta", es un filme ultra-recomendado. Divertido, sardónico y con un toque de drama que aunque puede ser pesimista, te deja pensando en que tipo de mundo vivimos. Curiosamente, no es nada denso, pese a que los personajes usan términos poco coloquiales y de repente algunos diálogos pueden ser redundantes. No obstante, las explicaciones que se dan en el filme son bastante buenas y con cierto tipo de humor muy cínico, tampoco insultan la inteligencia del espectador. Con razón, Adam McKay y Charles Randolph ganaron el Oscar a Mejor guión adaptado.

Ahora, solo falta ver la novela, la cual ya la tengo allí apartada para leer próximamente. Repito, muy recomendable.

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Saludos a mi esposa :3, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Las Tortugas Ninja II: The Arcade Game...para el NES

En unos cuantos meses se estrenará la nueva película de las Tortugas Ninja "Live Action". Lo novedoso del trailer fue que mostraron a dos personajes que desde hace un buen de tiempo queríamos ver en este formato: Bebop y Rockeastedy (Rocoso para los cuates). Claro, a los fans (en especial los viejunos) no pudimos menos de emocionarnos y rememorar los años cuando los quelonios ninja dominaban todo: desde juguetes hasta series animadas, desde películas hasta videojuegos.

Ya en una entrada previa he hablado del primer juego para la consola NES, que resultaba más apegado a lo visto en el comic de Kevin Eastam y Peter Laird. En cambio, la segunda entrega tenía más de la serie animada que ya se había estrenado en 1987. Lamentablemente, pese a que muchos consideran que dicho videojuego era bastante divertido para aquellos años, el que lo terminaran comparando con su hermano mayor, la versión para Arcadia, termino por afectarle luego de un tiempo.

Pero vamos a hablar más de este mítico cartucho para la consola de Nintendo que fue bastante famoso en su momento: Teenage Mutant Ninja Turtles II: The Arcade Game.


Teenage Mutant Ninja Turtles es un videojuego arcade producido por Konami en 1989. Es un beat 'em up basado en la serie animada de 1987, Teenage Mutant Ninja Turtles. Como con toda la mercancía relacionada con las Tortugas ninja, el nombre de este juego fue alterado a Teenage Mutant Hero Turtles en Europa. Fue lanzado para el Nintendo Entertainment System bajo el nombre Teenage Mutant Ninja Turtles II: The Arcade Game. 


Para finales de los ochentas, con la salida del famoso Final Fight, los Beat 'em up (juegos de avanzar, golpear y noquear enemigos) se hicieron bastante famosos entre la fanaticada. Capcom fue de los primeros en aprovechar este concepto, pero quien lo hizo aun más grande y emblemático, fue Konami, que gracias a varias licencias de origen gringo, logró crear Beat 'em up bastante emblemáticos, como el arcadia de The Simpsons, que es recordado por muchos (incluyendo a un servidor).

Sin embargo, la "maquinita" que la rompió en 1989 fue la adaptación que hizo la empresa japonesa de la serie de las Tortugas Ninja, que estaba teniendo un éxito a nivel mundial, inclusive en Japón (al grado que la serie tuvo una animación propia de aquel país por aquellos años). Teniendo dos versiones, una donde podías jugar con un compañero y otra donde hasta 4 jugadores luchaban, utilizando a los cuatro "hermanos" quelonios, esto con el fin de derrotar enemigos y claro, subjefes, hasta llegar al mero malo final. El rotundo punch que tuvo dicha Arcadia, genero que salieran un montón de versiones para las diferentes consolas caseras, como la commodore, la Amiga y claro, la NES.

La salida de la versión para Nintendo estuvo a cargo de Ultra Games, que no era otra que una subsidiaria de la propia Konami. En aquellos años, Nintendo mantenía una política muy estricta sobre la producción y venta de videojuegos, esto con el fin de evitar lo sucedido unos años antes con Atari. El chiste era hacer un cartucho bien hecho y con altos niveles de calidad. Lamentablemente, esto afectaba las ganancias de las empresas y tuvieron que crear varias subsidiarias "fantasmas" que vendían los excedentes por ellos. Ultra vino a ser una de ellas y quien "distribuía" la saga de las Tortugas Ninja en la consola NES.

La adaptación llego en 1990 y fue alabado por ser una adaptación estupenda de la Arcadia...en las posibilidades que les ofrecía el NES, esto en base a una excelente jugabilidad (que inclusive superaba a la de la Arcadia), así con una música bastante parecida como con una dificultad que era bastante alta para la época. Inclusive, el cartucho tenía dos niveles extras e incluía a dos juegos que fueron creados para esta versión: Tora y Shogun, así también incluía la versión "mosca" de Baxter Stockman, cuando en dicho stage (cuando rescatan a Abril O ´Neil) aparecen Bebop y Rocoso al mismo tiempo.

Por cierto, ¿De qué iba el juego? Sencillo: Las tortugas estaban pasando por allí, cuando ven que las oficinas del Canal 6 se están incendiando y por ordenes de Splinter, van a sacar a Abril del lugar. Pero al terminar dicho escenario, Abril es secuestrada por el Destructor, así que deben ir en su búsqueda, para luego también rescatar al maestro Splinter y claro, vengar dichas afrentas, atacando el Tecnodromo de frente. 

Con una música muy al estilo de la serie de TV y con expresiones propias de la misma, creo un gran furor, no solo entre los fans de los quelonios, sino también entre extraños. Lamentablemente, la versión recibió críticas al respecto: la publicidad que traía no solo el propio videojuego (carteles de Pizza Hut por todos lados) incluyendo un cupón para una pizza gratis, sino también que los gráficos dejaban mucho que desear y que la dificultad hiciese tan pesado el juego luego de estar un rato con él. Aquí es donde debo meter mi propia experiencia personal, ya que me toco en su momento disfrutar de ambos, aunque fue al revés. Es decir, primero el juego de NES y luego la Arcadia.

Cuando comenzaron a proliferar los centros donde podías rentar cartuchos por una hora o más, este juego fue de los primeros en ser solicitados. Sin embargo, luego de un tiempo, veía que dicho cartucho ya pocos lo jugaban. Al momento de disfrutarlo, me di cuenta de porque: efectivamente, tenía una dificultad muy alta, a veces fallaban los movimientos y cuando querías dar un golpe, solo te movías y te pegaban, aparte de que al menos necesitabas una hora para avanzar a la mitad del juego y te llegaba a resultar agotador, ya que pese a la música, los escenarios sonaban casi igual y los enemigos eran los mismos, llegando a ser muy fastidiosos. Personalmente, con mi hermano (ya que incluía la versión de dos jugadores) solo alcancé a llegar hasta la batalla contra Baxter Stockman, ya que era agotador para los pulgares. Claro, esto no le termino importando a mi hermano y ya veía al pobre llegar hasta el mismo Destructor, que era un enemigo sumamente difícil, en especial cuando se dividía en dos.

Entonces recurríamos a los trucos que había en la Club Nintendo, en especial para evitar que Destructor nos hiciera picadillo, como dar patadas voladoras en el mismo sitio y así tumbar el casco del original. Pero sí resultaba un tanto tedioso luego de un rato.

Y aunque la versión de la Arcadia era igual de difícil, entre el grafiquismo, la música y la dinámica de algunos golpes, lo hacía sumamente divertido y más jugable que su versión menor. Lamentablemente, me toco jugar poco de esta, ya que pronto fue sustituida por la versión "Turtles in Time" que tuvo igual un éxito rotundo.

La publicidad en el cartucho.

En conclusión, "The Arcade Game" es un buen juego de NES. Lamentablemente, el tiempo sí le ha pasado factura y a diferencia de otros juegos de la misma factura y año, el tiempo si ha terminado pasando por este videojuego, al grado que sus gráficos es de las cosas que más le pegan, aparte de tener poca innovación en su dinámica de juego, en especial con la ausencia de golpes especiales y porque los enemigos no tenían una barra de energía y era desesperante solo golpearlos y atacarlos, pero sin ver sí lo estabas dañando, ya hasta que estaban parpadeando de color naranja. Aun con ello, es un buen juego de esta consola y de la misma franquicia.

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Saludos a mi esposa ^^, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos.

Dos episodios de los Verdaderos Cazafantasmas: Simon Q y Citizen Ghost

Los "Verdaderos" (Auténticos) Cazafantasmas fue una de las series de animación más famosas e importantes de los años ochentas. Emitida entre 1986 y 1991, llego a sentar un precedente, no solo en la forma de hacer animación, sino también en la calidad de sus guiones, llegando a tener genios tras ellos, como J. Michael Straczynski, que le daría un toque único y tenebroso a la serie, en al menos sus primeras dos temporadas. Fue tal el éxito de la misma (que inclusive estuvo nominada a un premio Emmy) que muchos dicen que provoco la secuela fílmica de los Cazafantasmas en 1989.

Claro, también hubo mucha polémica con la serie en otros rubros. El título "Real" (en inglés, traducido como verdadero o auténtico) fue añadido luego de que los productores del show tuvieron broncas legales con Filmation, que un año antes, había sacado una serie de Cazafantasmas de su propia manufactura, aprovechando el tirón de la película.

En lo personal, esta serie fue de mis favoritas cuando era un bodoque. La emitieron tanto Canal 5 como Azteca 7 en horarios bastante dispersos. Lamentablemente, nunca se llego a transmitir completa y de un solo golpe, esto debido a que tuvo un gran éxito en nuestro país pero solo a finales de los ochentas. Cuando se quiso emitir la cuarta temporada con Pegajoso como estelar ya para principios de los noventas, entre lo horrendo de las historias y la madurez de los televidentes, la cosa no termino de cuajar.

Sin embargo, esta serie de dibujos animados junto con otros de aquellos años, me ayudó a madurar un tanto mi opinión sobre las cosas. Ya no era al estilo de He-Man con moralita incluida, sino que las narrativas eran extraordinariamente maduras y con un toque de terror/horror muy bien dado que le daban un punch fenomenal. Aun así, hay episodios que resaltaban unos más que otros, a tal grado que hoy los recuerdo con cariño y nostalgia. Por ello, el objetivo de la siguiente entrada es enfocarme en algunos capítulos míticos de la serie y hablar un poco de ellos, así porque el público joven de hoy en día, debe rechutarselos, pese a cierto olor a polilla que desprenden.


-Citizen Ghost

El onceavo episodio de la primera temporada, precisamente fue escrito por el showrunner y mandamás de la serie en su momento, el gran Straczynski. Fue emitido el 22 de noviembre de 1986 y podría decirse que es el capítulo que sirve de introducción al "plot" general de la serie.

Argumento: Cynthia Crawford es una reportera que va a hacer un artículo sobre los héroes de la ciudad, los Cazafantasmas. Sin embargo, al llegar al cuartel, se entera de la presencia de Pegajoso, lo cual hace cuestionar su presencia en dicho lugar. Peter, como buen galán, se ofrece a enseñarle las instalaciones y comentarle sobre el fantasma y como llego a ser amigo de ellos.

Comentario personal: en sencillas palabras, este capítulo se enfoca en ser el enlace entre la película y la serie de animación, lo cual es harto curioso, ya que el primer capítulo de la serie, vemos cosas muy diferentes con respecto al filme: la celda contenedora para fantasmas es mucho más grande y vistosa, los uniformes de los protagonistas son diferentes y de colores distintos así se nota la presencia de Pegajoso, el fantasma verdoso que tiene una pequeña aparición en la película.

La forma en que Straczynski logra crear esa conexión e incorporar a Pegajoso es bastante original. Luego de que la unidad contenedora original explotará, Egon se enfoca en echar andar una nueva mientras encarga a Peter la destrucción de los viejos uniformes. En unos minutos, vamos viendo por donde van las cosas y como el showrunner va enfocando a los personajes. Egon es el analítico y listo del grupo, Ray es el optimista y el corazón del equipo, mientras Peter es el buscabullas y casanova, así Winston es el ecuánime (inclusive vemos como Janine le tira los perros a Ego, pero este ni en cuenta). Gracias a la pereza de Peter, los uniformes se vuelven contra sus dueños y da lugar una batalla, donde Pegajoso ayuda a sus nuevos amigos (ya que este, luego de salir del contenedor, en lugar de irse, decide quedarse con ellos).

Es increíble como Straczynski en 20 minutos logra hacer una historia divertida, amena, explayando a los personajes de manera creíble y claro, incorporando a un nuevo miembro al grupo, el cual curiosamente llegaría a ser tan carismático que luego sería la ruina de la serie, al volverlo el protagonista.

Otro punto a favor era el realismo de algunas escenas. Sí, aunque hablamos de fantasmas y equipos de protones totalmente ficticios, justamente estos tenían ciertas limitantes, como la carga de energía o la forma o quien utilizarlos, lo cual hacía mucho más ameno el capítulo y que pudiese utilizarse de maneras distintas.

En conclusión, "Citizen Ghost" es un capítulo que debe verse primero, en especial para no sentirse mareados con los primeros episodios que nos lanzan sin más a la trama. Aparte, sirve de perfecto enlace con la película y aun pese a los años, se mantiene de manera fresca (a diferencia del filme, que tiene demasiado casposidad encima).



-The Man Who Never Reached Home.

Emitido el 12 de octubre de 1987 (fecha que inclusive maneja el inicio del capítulo), fue el episodio 27 y formo parte de la segunda temporada de la serie. Su guionista fue Kathryn M. Drennan y el director fue Dale Schott, que sería el mandamás de otros episodios de dicha temporada.

Argumento: Simon Queg es un avaricioso hombre de negocios en 1887. Luego de una discusión, decide salir de Nueva York para ir a Providence durante una noche tormentosa. 100 años después, mientras los Cazafantasmas comen en una cafetería local, se encuentran con Simon Queg, que aun busca volver a su casa. Ray, conmovido por el fantasma, decide ayudarle aun a costa de su propia vida.

Comentario personal: Debo decir que es mi episodio favorito de toda la serie y es de los que más recuerdo de mi infancia. Lo vi por primera vez, un sábado, cuando Canal 5 tenía sus series en desorden y quien sabe porque pasaban los Cazafantasmas en un horario matutino de fin de semana. No importa, al fin al cabo lo vi, quien sabe como y lo disfrute de manera estupenda. Aunque se nota que es una versión alejada de la Leyenda de "Sleepy Hollow" (un fantasma descabezado que persigue a un ambicioso maestro que desea la fortuna de una jovencita), tiene su propio encanto y carisma.

El episodio combina una historia hiperrealista con ese estilo peculiar de los protagonistas y con momentos donde no vemos fantasmas ectoplásmicos, sino seres totalmente formados y con sentimientos así emociones muy de este mundo. Simon Queg se revela como un personaje sumamente carismático, pese a ser antipático y gruñón. Sin embargo, gracias a la paciencia de Ray y su deseo de ayudar, es como logra vencer, irónicamente, al fantasma de su pasado y finalmente volver a casa. Todo el trayecto para alcanzarlo es genial, ya que combina a los propios Cazafantasmas y sus personalidades, pero sin perder ese toque de magia y terror.

El otro gran protagonista, es el Fantasma que persigue a Simon y que se revela como una amenaza constante, maligna, que no necesita sacar un arma o provocar violencia para infundir miedo. Simplemente la reacción que tiene Simon cuando lo ve o la forma en que huye de él, aun siendo un fantasma, da a entender de lo horrendo de su naturaleza, más cuando se revela como un doppelganger que inclusive muchos podemos tener de una manera u otra.

Otro punto a favor del episodio es la música. Haim Saban y Shuki Levy crean unas notas formidables, no solo en este capítulo, sino en el resto de la serie. Sin embargo, en este es cuando salen tonadas que combinan perfectamente con el momento, no solo cuando Simon decide enfrentar finalmente a su fantasma, sino también cuando se da el epílogo feliz que aun hoy en día, al ver y escuchar nuevamente, hace que se me enchine la piel.

En conclusión, "El hombre que no podía volver a casa", es de los mejores episodios de la serie y al menos de las primeras dos temporadas. Atemporal, divertido, con esa dosis de horror y de suspenso que lo hacen muy potente. Hace un tiempo lo volví a revisitar y no ha envejecido en absoluto. Totalmente recomendable para quienes gustan de lo clásico.

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Saludos a mi Cazafantasmas ^^, así a quienes gustan de este tipo de series.

Dos películas para el Oscar: Brooklyn y The Room

Hace unos días fue la 88th. Entrega de los Premios Oscar y donde las sorpresas como lo previsible se dio de muchas maneras. Alejando González Iñarritú conquisto su segundo Oscar como mejor director consecutivo, mientras el "Chivo" Lubezki, se alzo con su tercera estatuilla consecutiva en el rubro de mejor fotografía. Y claro, Leonardo Di Caprio, finalmente se alzo con su Oscar como mejor actor.

Sin embargo, fuera de esto, muchos opinaron que esta entrega fue mucho más débil que las anteriores, dejando a películas más poderosas en el camino. Aun con ello, debo decir que este año, en mucho tiempo, sin querer mi esposa y un servidor nos chutamos varías películas que estuvieron nominadas. Ya hable de "Joy" al respecto y como su temática como ritmo me dejaron un poco ambivalente. Por suerte, no todas fueron así y ahora voy a hablar de dos películas que me parecieron muy amenas a diferente manera. Ambas son un drama, pero una con estilo romántico mientras la otra cuenta la historia de supervivencia de una madre y un hijo, al grado que esta última le hizo merecedora del Oscar a Brie Larson.

Sep, hablaremos de "Brooklyn" y "The Room".



-Brooklyn

Contexto personal: la mejoría en las finanzas de la familia ha permitido que mi esposa y un servidor hayamos vuelto al cine nuevamente. Claro, hay que lidiar con el tiempo, ya que el trabajo nos llega a absorber el tiempo, pero febrero fue un mes bastante productivo, ya que no solo nos dedicamos a ver mis películas (jeje), sino también a disfrutar de sus propias recomendaciones. Y aquí debo decir que me la pase muy bien saliendo del cine.

Argumento: son los años cincuenta y una joven irlandesa, Eilis, se le da la oportunidad de viajar a Estados Unidos para conseguir trabajo. La única que le anima es su hermana mayor y luego de superar varios baches, tanto emocionales como físicos, finalmente se instala en uno de los barrios de mayor crecimiento de Nueva York: Brooklyn. Allí, luchando contra la desesperanza y la nostalgia, es gracias a su empeño e inteligencia, como el gusto por un chico italo-americano, como logra salir adelante.

Comentario personal: Hace tiempo que no veía un drama romántico bastante justo y sencillo. En los últimos tiempos, a los productores y guionistas se les ha brincado la idea de que deben hacer un romance complejo o con giros de guión por momentos bastante extraños. Es lógico, ya que la gente necesita ver algo distinto y no la historia de "Pretty Woman" a cada rato. Aun con esto, siento que tampoco se debe olvidar lo clásico y esta película viene a recordarlo de manera enfática.

La historia de "Brooklyn" es muy sencilla como ya se comentó: Eilis es una chica tímida, desconfiada y marcada por los canones de su época. Se ve lanzada a un mundo desconocido, más grande y mucho más agresivo. Al principio, la adaptación es horrenda, ya que todo se le viene encima, en especial el extrañar a su familia. Sin embargo, conforme decide quedarse y afianzarse, también va teniendo decisiones que la marcan de una manera u otra, al grado que estas la van metiendo en problemas. Léase, un auténtico drama romántico que se puede leer en novelas rosas.

Sin embargo, lo destacable es lo bien hecha que esta la película, sin caer en exageraciones ni decisiones de malabarismo para mantener la trama. Pero sobre todo lo que me gusto fue la primera hora del filme, donde Eilis se ve abrumada por el Nuevo Mundo. Es un retrato perfecto de la inmigración y como mucha gente llega a sufrirla. Sep, es algo totalmente original en este mundo tan globalizado, donde las distancias son muy cortas, a diferencia de aquellos años, donde las cartas se tardaban eternidades y el teléfono era algo apenas novedoso que poca gente se podía permitir. Ese aspecto tan nostalgico y romántico fue de mis preferidos del filme (y el cual no se deja de ver, aun cuando la protagonista regresa a su natal Irlanda por cuestiones personales).

Debo decir que la actuación de Saoirse Ronan es estupenda y tanto su postura e interpretación (amén del maquillaje y caracterización) sufre una total evolución en la película. No solo a nivel historia, sino también su mismo personaje y que la historia relata sabrosamente en especial con el guiño del barco y la entrada al "Nuevo Mundo".

El único punto que causa controversia es la elección final y que dividió muchas opiniones. Por un lado, mi esposa como mi comadre pensaron que la protagonista debió quedarse con el chico irlandés (interpretado por Domhnall Gleeson) y no con el italiano (Emory Cohen). Y sí, siendo sinceros tenía más credenciales, más puntos, ya que era rico, atractivo y aparte muy amable, rompiendo con el clasicismo y lo snob del pueblo donde provenía Eilis. Aquí mi esposa también achaca la responsabilidad de la protagonista al tomar una decisión apresurada al casarse tan intempestivamente con él. No lo niego. Sin embargo, a mi parecer la elección del chico italiano me agrado más, por la sencilla razón del contexto donde uno vive. Eilis venía de un ambiente agresivo, opresivo y manipulador. Solo el empuje de su hermana hace que salga (y curiosamente, su muerte hace que regrese) de dicho sitio. Encuentra la felicidad en otro, no más amable, sino más abierto. Es lo que realmente ella buscaba y aunque sí, el buen Jim le podía ofrecer lo mejor de Irlanda, ya no era suficiente para Eilis, ya que viviría también a lado de lo peor (encarnado por la dueña de la tienda de abarrotes) y esa frase donde dice "gracias a usted, recordé porque no quería estar aquí", es fulminante.

Por supuesto, el resto es un final rosa y predecible, pero la película es entretenida y aunque predecible (salvo por la elección), tiene un buen ritmo y estas al pendiente de lo que sucede. En conclusión, "Brooklyn" es una película recomendable, no solo por el aspecto romántico, sino por el crecimiento emocional que desarrolla la protagonista, como su confrontación entre lo nuevo y lo antiguo. Digna de verse, no solo con pareja, sino por uno mismo. Lamentablemente, la película no logró ganar ningún Oscar, pese a haber ganado el BAFTA a mejor película.



-La Habitación (The Room).

Contexto personal: otra película que mi esposa me comentó que quería ir a ver. Sinceramente no tenía ni idea de ella ni tampoco me acordaba, pese a que habíamos visto el trailer. Pese a la carga dramática, mi mujer se decidió ir al cine y claro, yo no le hago fuchi a comer palomitas y tomar refresco adulterado, por lo cual la vimos unas horas antes de la entrega de los Premios Oscar.

Argumento: todos los días, el pequeño Jack se despierta en la cama, a lado de su madre. Hacen su rutina de ejercicio, desayunan juntos y ven la televisión. Sin embargo, las reflexiones del pequeño nos hacen ver que no es algo normal. Todas las noches tiene que esconderse a determinada hora, cuando un sujeto misterioso entra en la habitación, llamado el viejo Nick. Jack mira asustado por las ventanillas al sujeto mientras conversa con su madre. Un día, esta decide contarle la verdad y decirle que ella fue secuestrada por el viejo Nick y que están encerrados en un cobertizo. Al principio Jack se niega a creerle, pero termina por aceptar la situación y ayudar a su madre a escapar de dicho lugar.

Comentario personal: sí tuviese una palabra para describir esta película es "dura", pero también "esperanzadora". Podrían ser términos opuestos, pero la primera hora es lo potente y cruel del filme. Joy y su hijo Jack viven encerrados. La joven fue secuestrada a los 17 años por un sujeto que tiene relaciones con ella a la fuerza, pero los alimenta apenas. Joy, harta de la situación decide escapar y utiliza a su hijo Jack. Este, que jamás ha estado en el entorno externo, se ve abrumado por la luz, la cantidad de cosas y las personas, pero logra pedir ayuda, lo cual hace que encuentren a su madre a tiempo. Este trayecto de la película es bastante estresante, ya que lo sucedido con los protagonistas llega a ser sumamente real por momentos y sin caer en lo estrambótico.

La segunda parte es igualmente dura, pero a la vez esperanzadora. Joy y Jack son rescatados, pero su entrada de nuevo al mundo tiene dos paralelismos. Mientras el chico empieza mal pero luego va mejorando de manera extraordinaria, al grado de tener casi una vida normal, la madre comienza una espiral que la lleva al borde del suicidio. Siento que esta es la parte mejor lograda de la película y donde uno esperaría un final feliz, en realidad es algo mucho más complejo. Y es que en las películas de este tipo, todo termina como en cuento de hadas ("Vivieron felices para siempre..."). En cambio, esta película se enfoca en ver que paso "después" y como viven las victimas de algo tan cruel como el secuestro y el confinamiento.

Pero lo destacable es esa línea paralela entre la protagonista y su hijo, lo cual esta psicológicamente impecable. Jack es un niño poco estimulado y el mundo externo lo abruma horrendamente, pero poco a poco se va adaptando. Y no solo gracias a su propia inteligencia y personalidad, sino también al apoyo que recibió, primeramente de su madre y luego de la abuela y su pareja. Esos momentos eran estupendos y tanto en el ámbito personal como profesional, me la pase pipa, ya que era algo muy fidedigno pero conmovedor. También se refleja en el cabello largo que tiene, ya que por momentos pensé que era una niña y luego un chico. Esta dualidad o asexualidad fue una manera estupenda de retratar la "pobre" estimulación a la que Jack estaba habituado (y es que por más que su madre trato de enseñarle lo básico y no dañarlo psicológicamente, a fuerzas necesitamos el entorno externo también para crecer).

A la par, también vemos como Joy se va cayendo a pedazos, ya que pese a salir alegre del hospital, también hacemos un vistazo a su vida y como ya no encaja con lo que la había mantenido fuerte, como el matrimonio de sus padres o la perspectiva de volver a la escuela. Todo eso ha cambiado y también no sabe como criar a su hijo en condiciones normales, aun cuando lo hice de gran manera cuando estaban en la habitación.

Claro, esto no hubiese sido posible sino fuese por las actuaciones, tanto de Brie Larson como de Jacob Tremblay (este último, de acuerdo con mi comadre que debió recibir una nominación como mejor actor de reparto en el rubro de los Oscares) que resultan abrumadoras. Si a esto añadimos las actuaciones de William H. Macy y Joan Allen (que aparte sus personajes están estupendamente bien escritos), debo decir que la segunda hora de la película resulta mucho mejor que la primera, pasando de ser una película de crimen a ser un drama familiar estupendo en muchos sentidos.

El único punto flaco que vería en la película, es que como dicen en España, se "abrió un melón" en el primer tramo y era sobre el secuestro y confinamiento de muchas mujeres. Es una práctica que lamentablemente ya se tiene algo de tiempo con eso y que debió tocarse el tema de manera más profunda. Claro, se supone según la línea del argumento, era sobre Joy y Jack, aunque hacer más referencia a lo del viejo Nick, hubiera sido excelente. Nuevamente, es más cuestión de gusto personal.

En conclusión, "The Room" es un excelente drama familiar bastante recomendable. Grandes actuaciones, con un ritmo bastante bueno y con un apego psicológico convincente. De lo mejor que he visto en los últimos meses en cuanto a esta temática (sino, en mucho tiempo). Claro, el detalle es que bastante estresante o puede provocar llanto, así que irse preparados al respecto.

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Saludos a la dueña de mis quincenas :3 que tanto adoro (y que me recomendó que fuéramos a ver estas dos películas), como a quienes gustan de este tipo de filmes.

El Nazi y el Psiquiatra: una obra para entender a Göring y su camarilla.

Conforme pasa el tiempo, es inevitable que como adulto uno se de cuenta de que el mundo es más pequeño y que el conocimiento puede reducirse en ocasiones. Sin embargo, he comprobado lo contrario conforme voy envejeciendo y que el mundo es un lugar sumamente amplio, donde hay todo tipo de personas, pero también el conocimiento tiene ese mismo potencial de ser inalcanzable. Es decir, vas conociendo detalles y situaciones nuevas, de un tema que uno creía dominado.

Uno de dichos tópicos, es la Segunda Guerra Mundial. Gracias al impulso que me dió mi hermano hace unos cuantos años, comencé a chutarme y leerme cuanto libro se relacionase con el tema y no solo del famoso Día D, que en su momento llego a ser mi batalla favorita. Y cuando crees que ya dominas algo, te salen con algo nuevo. Al fin al cabo, fueron 6 años de la humanidad intensos y llenos de detalles, no solo en el ámbito tecnológico y militar, sino también del tipo humano, al grado que alcanzo a tener repercusiones, aun cuando la guerra termino en 1945.

Y aunque hay libros que hablan de los Juicios de Nuremberg, este tipo todavía sigue provocando escozor en mucha gente. La razón es que, pese a superficialmente nos pueden parecer justo ya que se enjuicio a muchos jerarcas nazis relacionados con la guerra y la cuestión judía, también no se puede obviar que dichos juicios estuvieron manipulados hasta lo indecible para que los culpables no pudiesen escapar de su destino. De esto se puede sacar todo tipo de material y justamente el libro que voy a comentar a continuación, tiene mucho de un aspecto que aunque se comenta, rara vez se profundiza: la psicología de los altos mandos Nazis.



Antes de hablar de "El Nazi y el Psiquiatra", comentemos al respecto de tres figuras base: el autor, Douglas Kelley y claro, Hermann Göring.

Jack El-Hai es un escritor y periodista de origen norteamericano que se ha especializado en tratar temas de medicina e historia, en especial en el ámbito psiquiátrico. Autor de un libro que trata del Dr. Walther Freeman, uno de los médicos que se especializaron en la lobotomía como un proceso quirúrgico para revertir trastornos psiquátricos de gravedad como la esquizofrenia: según el mismo autor, fue a partir de la década pasada cuando comenzó a interesarse en los casos que revisó el Dr. Kelley durante su estancia en Nuremberg. Luego de contactar a viejos compañeros del psiquiatra en la prisión que aun vivían, no tuvo otra opción que ver al hijo del mismo. Varios le advirtieron que este se negaría a ayudarle, ya que la relación con su padre no había sido la mejor, pero acepto de buena gana y contribuyo con sus escritos y declaraciones a hacer un estupendo retrato (a mi parecer) del médico, tanto de su personalidad, trayectoria y final, lo cual según el propio autor, enriqueció la obra de tal manera que hay una dedicatoria al mismo en el libro.


Hermann Göring fue de las figuras más controvertidas del Tercer Reich. Comenzó siendo un hábil piloto de la antigua Lufftwafe de la Primera Guerra Mundial. Debido a su ambición, pronto se alió al Partido Nacional de los Trabajadores, el primigenio del partido Nazi. Estuvo involucrado en el Putsch de Munich, donde sufrió una herida de bala importante que fue maltratada por los médicos de la época, provocandole una grave adicción a los narcóticos, la cual duraría hasta su encarcelamiento, previo a los juicios de Nuremberg, esto en 1946.
Casado en dos ocasiones, primero con una heredera sueca rica que amo pero que falleció de un ataque cardíaco, su segundo matrimonio fue igual de feliz y coincidió con su ascenso al poder por parte del partido Nazi en 1933. Previamente se había hecho amigo y aliado de Hitler, al grado que estuvo participando de manera activa en "La Noche de los Cuchillos Largos", donde Hitler y su camarilla hicieron una limpieza de antiguos aliados y amigos que ahora eran rivales del régimen, como Ersnt Röhm.

Göring, mariscal del Aire y heredero del Reich.

Aprovechando este vacío, Göring pronto se volvió la mano derecha del Fuhrer y para los inicios de la Segunda Guerra Mundial, se había convertido en Mariscal del Aire, es decir, el líder nominal de la Luftwaffe. Las proezas de dicha arma provoco que Hitler llegase a enaltercer a Göring a niveles indecibles, al grado que el jerarca hacía sus propios uniformes, adecuados a su talla (la cual era enorme) y de una pomposidad increíbles. Sin embargo, la falta de tacto de Göring y su forma de ser casi de un reyezuelo, provoco envidias de sus compañeros que fueron relegándolo poco a poco. También Hitler comenzó a desconfiar de él, a raíz de los fracasos de la campaña en Rusia, lo cual provocó que Göring, en 1945, buscase una paz alterna a través de Suecia y su embajador. Esto hizo que Hitler lo destituyese como "heredero" del Reich. Finalmente, Göring fue capturado con su familia a finales de la guerra y encarcelado, para ser enjuiciado en Núremberg. Aunque al principio puso en jaque al fiscal Robert H. Jackson, las pruebas que presentó este contra él y los demás jerarcas, provocó la caída definitivamente y la sentencia de muerte por ahorcamiento a finales de 1946.

Sin embargo, Göring no llego al cadalso. Gracias a un ardid, un soldado gringo le proporciono dos cápsulas de cianuro en una lapicera, las cuales trago el susodicho, tres días antes de su ahorcamiento. Su cuerpo fue cremado y las cenizas esparcidas sobre un río cercano.


Douglas Kelley fue el psiquiatra que se encargo de analizar las personalidades de los muchos líderes nazis que estuvieron en prisión antes y durante el juicio de Núremberg. De origen norteamericano, nació en California en 1912. Graduado de la Universidad de Berkeley como médico, por un momento se intereso en ser oftalmólogo o cirujano. Sin embargo, las viscicitudes con un profesor en la universidad, le orientaron hacia el terreno psiquiátrico, por lo cual siguió estudiando en Columbia dicha profesión. Para 1942, fue llamado por el Ejército para incorporarse como oficial médico. Gracias a sus contactos y estudios, pudo tratar directamente la neurosis de combate (el actual llamado Trastorno por Estrés Postraumático), en base a descanso y cierto uso de medicamentos anéstesicos, lo cual le redituó un gran éxito. Esto le permitió acercarse a ser el primer psiquiatra que laboro directamente con los presos que iban a ser enjuicidados en Núremberg, entre ellos, el famoso Göring.

Kelley estableció una cordial relación con los prisioneros y fue así como pudo no solo aplicarle entrevistas, sino también pruebas psicológicas, como la de Rorschach, que en aquellos años estaba teniendo ya un importante reconocimiento. En su momento, el psiquiatra pensó en hacer un libro sobre dichos datos, pero este nunca fue publicado, salvo las conclusiones que fueron debatidas por otros psicólogos que también tuvieron la suerte de hablar con los jerarcas. Kelley, debido a su conocimiento y carisma, tuvo en los siguientes diez años un gran reconocimiento en su gremio, al grado que le permitió hacer los primeros pininos de la psiquiatría forense, ayudando a la policía de California en sus pesquisas. Fue tal su relevancia que inclusive colaboro con un programa de TV relacionado con el tema. Lamentablemente, la presión en aquellos años termino por quebrar al médico y se suicido enfrente de su familia, luego de una discusión, al ingerir dos tabletas de cianuro, que supuestamente pertenecían a Göring.


Ahora ¿Por qué hablar de estas tres figuras? Sencillamente porque es clave para entender el contexto de esta obra. El autor se dedica a hacer una reseña "histórica" de lo sucedido en los Juicios de Nuremberg, pero desde el punto de vista, tanto del propio Göring como de Kelley, llegando a ser el punto central de la obra, aunque también se enfila hacia los compañeros del líder Nazi, es quien no solo el autor siente más fascinación, sino también lo hizo en su momento, el psiquiatra. Podemos decir que se divide en tres partes.

El autor, Jack El-Hai.

La primera se enfoca en un vistazo sobre los dos "protagonistas", tanto sus orígenes, trayectoria y como llegaron a sus diferentes puestos, lo cual tiende a tener dos instantes muy diferentes. Por supuesto, la vida del Mariscal del Aire es fascinante y vemos como se va gestando su personalidad, como llego a convertirse en uno de los más allegados de Hitler y también desarrollo su adicción hacia cierto tipo de drogas. En el caso de Kelley, el autor se enfoca más en sus orígenes ancestrales, en especial con su abuelo y su madre. Claro, por momentos podrá resultar un poco soso y aburrido, ya que también describe como era la sociedad norteamericana californiana de finales del siglo XIX, pero siento que es necesario, ya que le da un enorme contexto a la personalidad de Kelley, tanto porque termino escogiendo psiquiatría como llego a su funesto final.

Aquí también aclaro otro punto enorme y a favor de El-Hai. A diferencia de Walther Isaacson, con sus biografías, donde suele meter sus propias opiniones y por ello, trastornar los hechos, El-Hai se enfoca en solo transcribir los hechos y ya. No emite una opinión al respecto durante el libro, lo cual se convierte más en un trabajo periodístico e imparcial. Por ejemplo, hace ver que Kelley, cuando se dedica a ver un test para ver si es candidato para ser psiquiatra, este le decía que no, pero aun así se obstino en seguir dicha profesión. El autor nunca emite un juicio al respecto, si no nos deja a nosotros dar la última palabra al respecto.

La segunda parte se enfoca en el arresto de Göring y de otros líderes nazis en la prisión que serviría de modelo a la Spandau, años después, así como la estancia del doctor Kelley y las pruebas que realiza antes del Juicio. Aquí vamos a otro sabroso punto donde nos describe las características de estos, como Rosenberg, Jodl, Keitel, Frick, etc. etc. Aunque las críticas que he leído del libro dicen que es la parte más densa y dura del libro, a mi en lo particular me pareció entretenida y sabrosísima. Claro, sí te gusta la psicología, te resultará apasionada, pero las descripciones de la personalidad, no solo de Göring, sino también de los demás, es harto interesante. Aquí vemos las primeras impresiones de Kelley, donde trata de sentar un precedente, al no creer que estos sujetos sean psicópatas o sociópatas, sino una suerte de alienados que cayeron bajo el influjo de Hitler.

Por supuesto, el autor no se queda con solo esas impresiones, sino las va comparando con las de otros especialistas que trataron a los sujetos, donde sí son más duros al respecto, tratándolos de sociópatas, nuevamente dejándonos la opinión final a los lectores.

La tercera parte, aunque podría resultar aburrida, en realidad es el "epílogo" del Doctor Kelley y su trayectoria posterior, así haciendo una descripción sorprendente, no solo de su alzamiento hacia la fama, sino también de su caída emocional y mental, hasta las circunstancias extrañas en que ocurrió su suicidio.

Douglas Kelley

Opinión personal: debo decir que el "Nazi y el Psiquiatra" fue una sorpresa bastante amena. Cuando un compañero de carrera me lo recomendó hace un tiempo, por el título y la descripción del libro (la cual puede parecer muy engañosa), pensé que sería una especie de novela donde el psiquiatra sería un personaje ficticio. Craso error. Todos y todo existió y el autor solo se dedica a realizar un relato tipo periodístico de lo sucedido en aquellos años. Sin embargo, le agrega un contexto bastante potente, que hace aun más disfrutable la obra.

Claro, hay algunos problemas, como la narración de ciertos hechos densos, como la historia de los antepasados de Kelley, que resulta por momentos algo sosa y muy aburrida, pero insisto que es necesaria para entender la propia psicología del psiquiatra. Y también, pese a los hechos, la excesiva parcialidad del autor provoca que no derivemos una teoría exacta de porque el médico termino suicidándose (lo cual no es un spoiler, porque es así como comienza el libro). Por supuesto, hay un tanto de crítica, la cual viene de su hijo mayor (una de las fuentes principales), que lamentablemente, como muchos hijos de psiquiatra en aquellos años, se vieron manipulados por sus padres en aras de probar y experimentar.

En conclusión, este libro es bastante recomendable para los que buscan ampliar un poco más el conocimiento sobre la Segunda Guerra Mundial, tanto en el aspecto histórico pero sobre todo psicológico. Claro, no caemos tampoco en un manual de psicopatología extenso, sino un sencillo esbozo sobre los personajes históricos que aparecen y en un formato de relato bastante interesante. La parte más técnica sí puede resultar un tanto pesada, como he leído en algunas críticas, pero creo que tampoco es para tanto. Nuevamente, comparándolo con la biografía de Isaacson sobre Einstein, esto es realmente sencillo en muchos aspectos.

Actualmente se puede conseguir en México por el precio de 12 dolares (al estilo de cambio actual) por la editorial Planeta y en cualquier librería sin mayores dificultades. Debo decir que la portada es bastante original, ya que tiene en las orillas retazos dibujados como si la obra fuese más vieja de lo habitual, un detalle bastante simpático.

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Saludos a mi Hinata-sama ^^, así a quienes gustan de este tipo de libros.