Los 12 Caballeros de Oro: los actores de doblaje trás ellos.

Saint Seiya fue el parteaguas del anime en nuestro país y en muchas otras partes del mundo. Aunque la historia de Masami Kurumada no está caracterizada por una gran historia y tiene muchas incongruencias en su trama, no se puede negar que los valores que emitía dicha serie, desde la amistad hasta luchar por un ideal hasta las últimas consecuencias, amén de una gran animación y batallas de gran nivel, hicieron que esta serie fuese una de las grandes entre las grandes.

Sin embargo, si algo ayudó a impulsarla, fue el doblaje tan característico que tuvo. Aparte de su enorme calidad, teniendo voces emblemáticas que muchas continuan hasta la fecha, también fue objeto de burlas y chistes de todo tipo, debido a la traducción como errores diversos que hubo. Pero esto también sirvió para hacer ver que dicho doblaje fuese tan emblemático. Al grado que cuando se han estrenado las diversas series relacionadas con estas (Lost Canvas, películas, etc.), a fuerzas los fans pidan los antiguas voces. Claro, ya no tienen el mismo temple, la edad no pasa en balde, sin embargo el efecto nostalgia es mucho más fuerte y poder escuchar a actores como Jesús Barrero o Rafael Rivera en sus papeles, nos trae recuerdos y remembranzas de aquellos años.

Por lo tanto, la siguiente entrada, va dedicada a aquellos actores que dieron vida a nuestros personajes favoritos. Por cierto, como a muchos les "choca" ver a dichos interpretes en carne y hueso (ya que se los imaginaban de otra manera) y eres uno de ellos, mejor evita seguir viendo esta entrada jeje.

Por cierto, otra aclaración más. Los videos a continuación pertenecen a La Guarida de Seiya. Que es un gran "pana" ecuatoriano y que se ha encargado de difundir el doblaje como nadie en nuestra región. Mis agradecimientos al camarada y ojalá siga luciendose como lo ha hecho hasta entonces (y allí esta el link para ver su canal en el tubo).

-Mu de Aries

Sonará raro, pero no tenemos un video "oficial" de dicho caballero dorado. La razón es que las voces para dicho Santo de Atenea, fueron muchas y muy diversas durante el doblaje. Pasamos desde Armando Larumbe, Marcos Patiño, Daniel Abudis, etc. etc. Solo hasta el doblaje de TV y DVD de Hades, se mantuvieron dos voces de manera continua, aunque no tuvieron tanto punch como el tono que utilizo Marcos Patiño durante la saga de las Doce Casas.


-Aldebarán de Tauro

De los Dorados más constantes en su voz. Fue doblado casi en su totalidad por Alfonso Ramírez y solo hasta los episodios finales, escuchamos al fallecido Eduardo Borja, prestándole su voz. Debo decir que es de los doblajes más emblemáticos y potentes de la serie. ¿Quién podría olvidar su "Gran Cuerno"? Aparte de que el señor Ramírez se ha mantenido vigente hasta hoy, donde lo hemos podido escuchar a haciendo a Optimus Prime en la más reciente de Transformers de Michael Bay


-Saga de Geminis

Curiosa la historia del doblaje de este personaje. Técnicamente, tooodo el tiempo fue doblado por Javier Rivero, con esa voz tan aguardentiosa que le puso. Sin embargo, en los episodios cuando se descubre su identidad, le pusieron la voz de Carlos del Campo. Aunque muchos se decantan por la primera voz, debo decir que Carlos del Campo hizo un buen trabajo. Aun así, Javier Rivero hace de las suyas y le pone personalidad, carisma y poder a uno de los personajes mejor tratados de la serie.


-Máscara de Muerte de Cáncer

Daniel Abundis hizo un estupendo trabajo con este personaje, que se hubiese quedado en el olvido, si el actor no le hubiese metido de su cosecha, en especial con gags y chistes ("Shiryu malvado, quemaste mi mano") que mandaron al estrellato a este atarantado Santo de Atenea. A tal impacto tuvo su personaje, que Abundis lo ha seguido doblando en entregas posteriores y esto ha provocado que presencia en el doblaje haya aumentado (luego de un ligero retiro que tuvo hace unos años).


-Aioria de Leo

Yamil Atala hizo suyo este personaje, dotándolo no solo de una sobrada elegancia, sino también siendo una voz bastante juvenil como a la vez potente. Fue de los primeros actores que los fans solicitaron cuando Saint Seiya Hades comenzó a emitirse en la TV. Fue tal impacto que tuvó su reaparición con este personaje, que Jesús Barrero también lo incorporo en su equipo para el doblaje en DVD y actualmente está muy ligado a la franquicia, haciendo otros personajes.


-Shaka de Virgo

Caso triste el de la voz de este personaje. Mario Raúl López hizo un gran trabajo con este personaje en la saga de las Doce Casas. Sin embargo, a los pocos años, el buen actor falleció y desde entonces, el personaje ha tenido un sinfin de voces que no le han dado todavía el tino. Claro, se escucha a Jorge Roig Jr. o Luis Fernando Orozo, que han hecho buenas actuaciones. Sin embargo, esa voz tan característica que tenía Raúl López, hacía brillar al personaje de muchas maneras.


-Dokho de Libra

Otro caso curioso. Sí, Eduardo Borja lo dobló en su versión de viejito (y luego Jesse Conde en Hades). Sin embargo, Erick Osorio en Hades DVD y Luis Daniel Ramírez en Hades TV hicieron papeles soberbios con este personaje. Extrañamente, Manuel Campuzano también lució bastante haciendolo en la versión de Lost Canvas. Tal vez es porque el personaje tiene tantos registros, que pude albergar tantas voces y aun así seguir manteniendo su potencia.


-Milo de Escorpion

Benjamin Rivera hizo un doblaje soberbio con este personaje. Aunque Milo varió su voz, de manera posterior. Todo mundo se queda con la interpretación que hizo el actor, en especial en la batalla contra el Cisne Hyoga. La forma de hablar, de ser sibiloso y de infundir miedo con una voz tranquila, sin necesidad de gritar o forzar la voz, hacía que el Santo Dorado de Escorpion fuese bastante imponente. Por suerte, lo pudimos escuchar nuevamente en la saga de Hades en ambas versiones.


-Aioros de Sagitario

Otro personaje que varió muchísimo su voz y jamás tuvo una fija. Sin embargo, muchos fans, como un servidor, nos quedamos con la buena voz de Armando Larumbe, que se encargo en un principio de hacer muchos extras o personajes de un solo episodio. Sin embargo, con Aioros hizo historia (Tatsumi) y lo pudimos escuchar de buena manera en varios episodios. Lamentablemente, su participación sería omitada en la última película CGI de Saint Seiya.


-Shura de Capricornio

Rafael Rivera, con su potente voz se adueño de este personaje, al grado que desde que apareció, no ha dejado casi al Santo Dorado. Y es que el actor, pese a tener una voz tan característica, no dejaba de darle personalidad propia a Shura, haciendolo orgulloso, poderoso y a la vez bastante carismático. Esto permitió que la batalla entre él con el Dragón Shiryu, fuese de las más emblemáticas y recordadas de la saga de las Doce Casas.


-Camus de Acuario

Rafael Rivera, Benjamin Rivera y Yamil Atala se disputaron este personaje. Aunque Benjamin Rivera se lo quedo más episodios, Rivera como Atala aparecieron en momentos cumbres. El primero fue cuando congela a Hyoga en el ataúd de hielo gigante y el segundo fue durante la batalla entre maestro y aprendiz, donde Atala, pese a haberlo escuchado como Aioria, acá también le da un pulso impresionante a Camus, haciendolo el maestro de maestros.


-Afrodita de Piscis

No lo niego, en su momento me chirrió mucho la voz que le imprimió Alfonso Ramírez a Afrodita. Seh, el mismo de Aldebarán hizo aquí también pininos. Sin embargo, con el tiempo me di cuenta de que cuadraba bastante bien con su personaje, ya que pese a verse muy niña, Afrodita seguía siendo un varón y que cambiará a dicho registro, manifestaba el grado de narcisismo que tenía encima, amén de su tipo de técnicas y el concepto que tenía de sus enemigos. Aunque sus gritos...ugh.


-Kanon de Geminis/Dragon de Mar

Sí, el extra. El personaje más polémico y luego con más carisma de la serie, que es Kanon. Primero como villano y luego se redime como héroe. Kanon al principio le pusieron la voz del gran Mario Castañeda, pero en las últimas ediciones, también era doblado por Javier Rivero. Por petición popular, el señor Castañeda volvió a las andadas y le dio ese punch característico al hermano gemelo de Saga.

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Saludos a mi Atenea ^^, así a quienes gustan de Saint Seiya.

Leyenda Urbana: Pie Grande (Sasquatch)

Volvemos con las entradas sobre Criptozoologia, que es una especie de seudociencia, que se enfoca en estudiar animales que probablemente existen o que su vida no esta probada. Ya en análisis anteriores, hablamos del Chupacabras o de Nessie. Ahora le toca turno a una de las criaturas más buscadas, al menos en gringolandia. Seh, hablamos del Bigfoot o Sasquatch.

A diferencia de otros animalejos de su tipo, este en particular, es el que ha estado más cerca de ser confirmado. La razón recae en varias fotos o videos donde podemos apreciar a un animalote de tales características, antes de desaparecer entre los bosques. Por supuesto, todo se queda en el "casi" y aun así, su presencia no ha sido confirmada totalmente y muchos lo ven actualmente como un símbolo comercial o de imagen. Pero vamos a ver adelante, como se origino la leyenda y que tanto en común tiene con su "primo", el llamado Yeti o Abominable Hombre de las Nieves ("Bieeenvenidos al Himalaya"....sorry, no pude evitar la referencia con Monsters Inc.).


Pie Grande (del inglés Big Foot) o sasquatch es un supuesto.animal de aspecto simiesco que habitaría los bosques, principalmente en la región del noroeste del Pacífico en América del Norte. El término sasquatch procede de la versión en inglés de la palabra del idioma halkomelem sásq’ets.

La comunidad científica dice que las pruebas existentes no son lo suficientemente convincentes y generalmente las consideran como el resultado de mitología, folklore o identificación errónea, más que de un animal verdadero, debido a la carencia de evidencia física y los grandes números de ejemplares que serían necesarios para mantener una población que pueda reproducirse.


Las primeras apariciones confirmadas de un "Pie Grande", vienen de principios del siglo XIX, al menos en los territorios recién adquiridos por Estados Unidos por aquellos años. No hay que olvidar que dicho país, para aquellos años, apenas representaba un tercio de su territorio. La compra de la Louisiana a Francia en 1805, significó duplicar el territorio ganado en la guerra de Independencia (y que se agregó aun más, cuando parte del actual estado de Oregón y Washington, pasaron a manos gringas entre 1818 y 1830).

¿Esto que tiene de relevante? Bastante. Ya que entonces, los avistamientos del supuesto Bigfoot se relacionaban más con hombres salvajes, que habían perdido la civilización, en especial luego de ser objeto de robos o pillería, así de fenómenos naturales como incendios o tornados. Justamente, en 1830, dos granjeros de Arkansas, que iban de caza, se encontraron con un humanoide de casi 2 metros, con los pelos rubios y rizados, pero que era enorme en sus extremidades y que cuando los vió, se alejo saltando y corriendo, aparte de dejar huellas de hasta 33 centímetros. Como se comentó, no se vió como algo raro, ya que ante la inmensidad del territorio, que hubiesen cosas extrañas, era pan de todos los días.

Aun así, los avistamientos de un hombre de estas características se fueron haciendo comunes, en especial en regiones montañosas de los estados de Oregón, Washington y California. Sin embargo, inclusive en Florida fue reportado el avistamiento de un Pie Grande, que guardaba similitud con los primeros avistamientos: un humanoide, de casi 2 metros y medio o 3, cubierto enteramente de pelo, que camina sobre dos patas, fuerza y velocidad impresionantes, pero sumamente tímidos y que al menor contacto con el humano, salen hechos la raya.

Desde hace 150 años, los reportes de avistamiento han sido bastante frecuentes y algunos, con más veracidad que otros. En 1917, Albert M. Fletcher, reporto haber visto a un Pie Grande cuando trabajaba como leñador en Ohio. Dice que estaba talando un árbol, cuando sintió una presencia de repente y eso lo hizo esconderse trás unos arbustos. Pensando que era, salió el supuesto Big Foot, con las características descritas y que paso de largo. Esto le animó a escribir un libro, casi 50 años después, relatando dicha experiencia.

Albert Ostman constituye un caso sorprendente: en 1924, mientras acampanaba, un grupo de Pie Grandes lo "secuestraron" y lo llevaron a su guarida. Allí estuvo, 3 días, fraternizando con ellos, que pese a ser amistosos, no lo dejaban escapar. Hasta que ideo una trampa y logró salir corriendo. Relata que eran 4: uno que parecía el macho, la hembra y dos crías.

William Roe se hizo famoso en 1955, cuando describó un encuentro con un Pie Grande femenino. Curiosamente, dicho encuentro fue en la Columbia Británica (encima del estado de Washington), mismo donde Ostman tuvo su supuesta aventura. Roe dice que vió a una hembra de 1.80, bebiendo agua. Trato de esconderse, pero al olerlo, ella lo descubrió y luego salió huyendo. Roe pensó en dispararle, pero se arrepentió en el último momento. No obstante, logró captar con precisión las características de dicha criatura.

En el otro lado de EUA, en Nueva Jersey, en 1966, una pareja parece que encontró a un Pie Grande, que estaba olisqueando por la ventana de su casa (en el segundo piso). Estos comenzaron a dejarle comida y vieron que esta desaparecía. Sin embargo, un día que olvidaron a hacerlo, solo escucharon como azotaban un cubo de basura contra la pared de la casa. Desde allí, no volvieron a ver al legendario sasquatch.

Sin embargo, la imagen (o video) más polémica viene de 1967, cuando Roger Patterson, junto con un amigo, estaban cazando "piesgrandes" en el norte de California. En un momento, se detuvieron frente a un arroyo, pero la presencia de algo alertó a los caballos. Allí fue cuando Patterson se dio cuenta de la presencia de un Pie Grande. Alcanzo a sacar la cámara (a color) y comenzó a perseguirlo, antes de que este huyera. Estos 9 minutos, muestran un metraje sorprendente, donde se podría confirmar la presencia del Pie Grande. Y aunque el video no tiene veracidad, tampoco se ha desmentido al respecto.

Por supuesto, la veracidad de Pie Grande sigue aun en duda. Eso no ha frenado el consumismo al respecto del mismo. Hoy en día, hay parques nacionales, tanto en EUA (California, Oregon) como en Canadá (Columbia Británica) donde hay lugares que son sitios turísticos por el simple hecho de que uno puede llegar a avistar Pie Grandes en la zona. Esto, según los científicos, ha servido para reforzar más la mitología respecto al personaje, y disminuir aun más su existencia real. Sin embargo, eso no impide que de repente haya una horda de turistas o cazadores, buscando al bicharrajo.

Y como prueba de ello, el susodicho ha tenido tal impacto, que hasta en los años ochentas, hicieron una serie de TV, teniendo como protagonista a un Pie Grande: Harry y los Hendersons (que por cierto, la pasaban en canal 5 a cada rato, a finales de los ochentas y principios de los noventas).

Su relación con el Yeti es bastante marcada, ya que ambos son descritos casi de la misma manera (salvo por el color del pelo). Lo cual, según muchos, le atribuyen esto a que ambos provenien de una misma raza de hominidos que se extinguió hace 100,000 de años (el Gigantopithecus). Pero eso, es otra historia.

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Saludos a mi mujer :3, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas. 

DNA 2: otra joyita del sensei Katsura

Las obras de Masakazu Katsura llegaron a marcar los primeros años de mi condición como geek. No es que las hayas escogido de manera voluntaria, sino en el tiempo que ocurrió mi despertar por estas cosas, el buen Katsura-sensei estaba de moda (en especial con títulos como Shadow Lady y DNA2). A tal grado es esto, que ya lo había reseñado de cierta manera en la entrada sobre el manga de Shadow Lady y es que en cierto centro comercial donde ibamos cuando era adolescente, solían traer mangas o revistas de importación como Minami o Dokan. Y claro, mangas de corte español, entre ellos el mencionado Shadow Lady.

Y es aun más curioso cuando DNA2 se convirtió en los primeros animes que vi subtitulados (en inglés, pero subtitulados) y que marcó un paradigma en mi forma de ver tal entretenimiento. De allí pasaron de ser caricaturas japos a ser japoanimación, "anime", pues. Aparte, de que entró en cierta etapa de mi vida donde comencé a ver más alla y darme cuenta de muchas cosas (seh, suena poético, pero algo así paso).

Por ello, cuando me entere de que la extinta Editorial Vid iba a sacar un manga más de Katsura-sensei, tuve que hacer lo posible para ahorrar dinero y comprar dicha serie. Sí, hablamos de DNA2.


DNA² (Ｄ・Ｎ・Ａ２～何処かで失くしたあいつのアイツ～ D.N.A² Dokokade nakushita aitsu no aitsu?) es un manga y anime de Masakazu Katsura, creador de otra series como Video Girl Ai e I"s. El manga fue publicado en la revista Shūkan Shōnen Jump, fue adaptado a una serie de televisión de doce episodios y tres episodios en formato OVA. En México fue publicado por el Grupo Editorial Vid2 y en España por Planeta DeAgostini.


El primer trancazo de la Editorial Vid en cuestión de manga fue "Video Girl Ai", la primera y más grande obra de Masakazu Katsura. Aunque muchos podrán decir que I´s tiene un impacto similar, VGA es la serie con la cual su autor saltó al estrellato y le permitió serializar muchos mangas, aunque no tuvieron el mismo punch o duración. Esto se reflejo en México, con las ediciones de varias obras posteriores del autor, como DNA2 o I´s.

Aun así, Katsura fue de los primeros mangakas en reconocer de manera muy directa sus gustos y aficiones (como a la tecnología y al mítico personaje de Batman) en un ámbito moderno. Como prueba de ello, el SCI-FI que rodea sus historias es bastante impactante. Y aunque Shadow Lady tecnicamente fue el primer manga que trabajo, luego de VGA, este lo publico en dos partes muy separadas cronológicamente. El que realmente continuó con el legado, fue DNA2, que en Japón tuvo un impacto moderado al menos en el papel, mientras que en el anime fue mucho más potente y todo gracias al opening interpretado por una banda novata que pronto se convertirían en estrellas: L'Arc~en~Ciel.

Pero obvio, en esta entrada no vamos a hablar del anime, sino del manga, su desarrollo y sus diferentes ediciones, al menos aquí en México. Y también, de como a Katsura-sensei se le llegan a escapar excelentes ideas, en pos del fanservice y del romance tan choteado que vimos hasta el hartazgo en VGA.

Bien ¿Y de qué va DNA2?

Se nota la inspiración de Toriyama.

Junta Momonari es un joven común y corriente (aunque con el cabello tipo Goku) y que pese a querer novia, tiene un problema de constitución que le hace vomitar enfrente de una chica (dicen que es físico, pero nah, si fuese así ¿Por qué no ocurre eso con su mejor amiga de la infancia, Ami?). En una de esas, conoce a una atractiva chica llamada Karin Aoi, vestida con un traje extraño. Está luego de decirle una serie de cosas extrañas ("Vengo del futuro, blah blah blah, tenemos un problema y ¿Sabes? Tengo que matarte"). Junta sonríe despreocupado, hasta que ve el pistolonon frente a él y le disparan. Sin embargo, no muere y se supone que la bala que le disparo Karin (que realmente es una viajera del tiempo) sirve para alterar el ADN y evitar que Junta se convierta en el famoso Megaplayboy que en un futuro cercano, va a seducir 100 mujeres y tendrá 100 hijos, que a su vez estos también tendrán dicha característica, lo cual ocasionará un severo problema de sobrepoblación. 
El detalle es que la bala que se llevo Karin era la equivocada y en lugar de estabilizar el ADN, lo alteró aun más, haciendo el despertar del Megaplayboy mucho más severo e inestable.


Como ven, la idea principal es bastante original y hasta interesante. Katsura nuevamente conjunta la tecnología (y en este caso, los viajes en el tiempo) con una trama llena de gags cómicos y de un protagonista que oscila entre lo grotesco y lo shonen (más allá del pelo al estilo Goku).

La trama se divide en 4 arcos o tramas principales: El primero, por supuesto, involucra la creación del Megaplayboy y la presentación de los personajes, que aparte de Junta, tenemos a la chica Karin, que resulta ser una chica de personalidad alegre, pero bastante despistada, aunque con una meta muy tradicionalista (tener una bonita casa para ser una buena ama de casa, por supuesto con un gran esposo a su lado). A esto, se agrega Ami, la mejor amiga de Junta y que no despierta ese sentimiento de repulsión que otras mujeres le provocan (lo cual ocasiona que ella y Junta tengan roces por su aspecto medio andrógino - aunque no sé porque, ya que Katsura sensei dibuja a la susodicha bastante atractiva -). Aparte, tenemos a la damisela medio hueca en peligro (Tomoko), el riquillo que luego se ve envuelto en un ataque de Karin, Ryugi y claro, personajes secundarios, en especial Kotomi, que será el personaje principal de uno de los arcos siguientes.

El segundo arco se enfoca en otro error de Karin, cuando al dispararle a Ryugi, este se vuelve un sujeto malvado con poderes psíquicos (un motivo para que Katsura haga algo de shonen), el tercero es más romántico y es como Junta apoya a Kotomi para superar su problema de constitución y volverse campeonea de gimnasia, mientras el cuarto y quinto, van junto con pegado, ya que abarca la aparición de una rival con poderes psíquicos y del villano definitivo que busca manipular a Junta de una manera u otra (y por supuesto, una pelea entre Junta contra el Megaplayboy en modo mental).

Como ven, la historia luce fabulosa, pero aquí es donde van primero las pegas: Mientras en VGA, el autor utilizaba los desnudos parciales de manera artística o con una connotación bastante romántica, acá Katsura-sensei pasa directo al fanservice, mostrándonos planos de los personajes en poses bastante sugerentes y pícantes, al grado que uno podría estar viendo un libro vaquero. No, no es exageración. Cierto que el anime tenía escenas un tanto subidas de tono, pero en el manga la cosa se desmadra y con ganas. Lo peor es que el arte de las armas, los trajes y los mismos personajes son preciosos. Particularmente me encanta la armadura que usa Karin, que parece hasta desinflarse. Hasta su diseño es precioso (claro, el resto de las chicas no se quedan atrás, inclusive las malvadas).

El problema, como ya comente previamente, es los derroteros que toma la serie, enfocándose en erotizar y sexualizar a los personajes femeninos a un nivel bárbaro. Claro, para un pervertido le agradará, pero un servidor estaba más acostumbrado al nivel de historia en VGA y ver esto, fue un chasco importante. Para colmo, Katsura tampoco quiso explotar la historia como era debido. Lo de la aparición de una hija malvada fue genial, pero la forma de terminar todo, fue muy cortante. Y es algo que mantiene este manga en toda su trama, donde vemos situaciones que podían aprovecharse mucho más, pero el autor lo termina con algo cliché, algo pervertido o algo demasiado endulzado. Tal vez la crítica resulte demasiado dura, ya que si muchos han leído "Shadow Lady", la cosa va por esos rumbos. Sin embargo, el mismo Katsura confesó que esta última era más un juego para divertirse con los clichés de Batman. Y esto benefició a la serie, porque la hizo mucho más divertida, amena, con más notas cómicas. En cambio, siento que con DNA2, el autor no supo que hacer o jamás se sintió cómodo y esto termino por tirar por tierra una idea que era muy potente.

Por supuesto, no todo está mal. El arte de Katsura se mantiene en un nivel altísimo y ya como dije, los diseños de todos los personajes son estupendos (aunque algunos sean un fusil del arte de Toriyama). Las batallas son espectaculares y sobre todo, el final del manga, es bastante atípico, pero muy bueno, rompiendo el paradigma de que los japos no saben hacer conclusiones. Aparte, algunos romances tenían una alta potencia y varios personajes en la serie son bastante carismáticos (como Kotomi).

En conclusión, "DNA2" es un manga irregular del maestro Katsura. Tiene muchos puntos altos, pero el exceso de fanservice si le pega bastante y lo hace ser más un manga con trama picante que shonen. Nuevamente, para quienes gustan de este tipo de historias, les gustará, pero en mi caso, si me resultaba un tanto fastidioso, ya que cuando veía una buena viñeta, la siguiente mostraba algo demasiado explícito y quiera o no, te rompe el ritmo de la historia. Aun así, por el arte, vale la pena adquirirlo o conseguirlo.

Por suerte, Editorial Vid sacó la edición mexicana entre el 2001 y 2002. Sin embargo, fue en el formato de medio tomo (y sería de las últimas series en tenerlo) y por lo tanto, el costo era bastante accesible en aquellos tiempos (de 22 pesos). Esto tuvo como resultado de que fuesen 10 tomos, en lugar de los 5 originales (los famosos Tankobou). Por supuesto, el manga en nuestro país contó con varios extras, como las fichas de los personajes, varias páginas dedicadas al fanart enviado por los lectores e inclusive una de las últimas viñetas que se enfocaban en hablar sobre la vida en Japón (y que en VGA eran muy comunes), y en este caso, era sobre los estudiantes de preparatoria japoneses.
Parece que la aceptación de esta serie fue buena, ya que permitió a Vid sacar "Shadow Lady" tan pronto acabo esta.

Un servidor alcanzó a comprar dichos tomos cuando salieron (aunque fue a costa de exprimir mi pobre bolsillo) y aunque de repente quise dejar la colección a medias (por lo antes comentado), al fin al cabo la termine y no me arrepentí de ello. Cierto que tiene muchos puntos flacos, pero es una obra de Katsura y merece la pena leerse o verse, aparte de que tiene mucha calidad, comparándola inclusive a series más actuales (lo cual demuestra que todo ha venido a menos, una lástima).

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Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de este tipo de mangas.

La batalla de Maratón: la gesta que inició una leyenda...y una carrera.

Ya vuelvo con una entrada sobre cuestiones bélicas en el blog. Debido a cuestiones un tanto azarosas en los últimos meses, solo había podido concentrarme en ciertos temas, que eran más fáciles de elaborar y estructurar. Hablar de una batalla o combate requiere que este un rato leyendo e informándome lo más posible sobre el conflicto. No solo es estar poniendo "oh, A y B se trenzaron en batalla y gano B". No, es el error más común que se tiene, ya que se suele interpretar el arte de la Guerra como algo sencillo, sin mucho chiste. Esto es como mi trabajo a diario: requiere estar extrapolando situaciones distintas para que formen una sola línea. Uno no puede solo enfocarse en la cantidad de efectivos, sino ver que llevo a tal conflicto y como se resolvió finalmente.

Si no, tenemos un montón de mitos sobre dichos acontecimientos y llegan a situaciones que rozan con la mentira, como el caso de la Batalla del 5 de Mayo, que inclusive en gringolandia la ven como nuestra independencia. Léase, el contexto cuenta tanto como el momento en que celebró dicha escaramuza, batalla o confrontación.

Por ello, la batalla de Maratón no es solo famosa por aportar una de las competencias de atletismo más emblemáticas, sino también porque significo la diferencia entre dos culturas, dos pueblos que pese a ser muy distintos, uno logro vencer al otro, no solo en base al valor, si no también a una buena dosis de suerte y profesionalismo.


La batalla de Maratón (en griego antiguo Μάχη τοῡ Μαραθῶνος, Majé tou Marathonos) fue un enfrentamiento armado que definió el desenlace de la Primera Guerra Médica. Ocurrió en el año 490 a. C. y tuvo lugar en los campos y la playa de la ciudad de Maratón, situada a pocos kilómetros de Atenas, en la costa este de Ática. Enfrentó por un lado al rey persa Darío I, que deseaba invadir y conquistar Atenas por su participación en la revuelta jónica, y, por otro lado, a los atenienses y sus aliados (de Platea, entre otros). Una proeza recordada en esta batalla fue la de Filípides, que recorrió, diferente a lo que se cree, el camino de Atenas a Esparta para pedir ayuda al ejército espartano, pues la amenaza persa se cernía sobre el mundo griego. Esparta rehusó ayudar a los atenienses, alegando encontrarse en fechas de celebraciones religiosas.


Antes de narrar la batalla de Maratón, hay que hacer una aclaración: mucho de lo que se dice de la misma proviene de los estudios que hizo el gran Herodoto en el siglo II A.C. Léase, las cifras de antemano están exageradas por un lado y manipuladas por otro. No es de extrañar, se dice que la historia la escriben los vencedores y aquí no fue la excepción. No es que Herodoto no haya querido darnos un relato más imparcial, pero su sangre griega, su odio hacia los jonios, si llego a inclinar la balanza hacia los griegos de sobremanera. Por supuesto, Tucídides y otros historiadores han rebatido estos datos, pero al fin al cabo, lo que tenemos, es la crónica de Herodoto.

Bien, ya con estas, vamos al contexto: Estamos en el siglo V a.C. y el Imperio Persa, bajo los mandos de Darío I, ha logrado una importante conquista de todo el Medio y Cercano Oriente. Ahora sus ojos están puestos sobre las ciudades griegas y ya ha hecho sus primeros pininos, conquistando Tracia y el reino de Macedonia. Por supuesto, esto no cayó en gracia de algunas ciudades griegas de la región (las famosas Polis, que eran una especie de ciudades-estado. Grecia nunca fue una región unificada, hasta los inicios del siglo XX cuando se independizaron del Imperio Turco, pero eso es otro cuento, como diría la Tía Chona).

Sin embargo, antes de eso, ya había habido conflictos diplomáticos fuertes: embajadores persas habían sido enviados a las diferentes ciudades griegas a mediar el conflicto y darles una invitación para unirse al Imperio Persa. Esparta (ajum!) fue la primera en negarse y Atenas le seguiría, luego de derrocar a un tirano que estaba haciendo tratos con Persia. Posteriormente, el senado ateniense envió tropas a las ciudades rebeldes (como Jonia) para apoyarles en su independencia.

Lógico, Artafernes, el hijo del sátrapa de Libia (uno de los ministros colocados por Darío para administrar una región) envió varias expediciones que hicieron pedazos Jonia y otras ciudades rebeldes, así del Mar Egeo. En un principio, la expedición era solamente para calmar ánimos y meter miedo a los griegos (especialmente a los grupos que apoyaban el dominio persa y que al ver la sangría causada por estos, terminaran por decantar la adhesión al Imperio Medo, que es como llamaban los griegos a los invasores).

Hipias, el mencionado tirano depuesto, iba con la flota persa invasora y luego de evitar que atacarán la isla de Delos (centro religioso de las Polis), convenció a los presentes de que era mejor atacar a Atenas y ya mandar al diablo a los susodichos (y por supuesto, que Hipias en el proceso, lograse recuperar el poder). Por lo tanto, la flota persa desembarco en una playa anexa a la llanura de Maratón. Esto para septiembre de 490 a.C. La razón es que Maratón era un terreno plano y más que adecuado para el ataque de caballería.

Previo a esto, Milcíades, el "strategos" militar había deducido donde sería el lugar del ataque, por lo cual formó a las tropas atenienses en la dichosa llanura de Maratón. Mientras, Fidípides, un mensajero fue enviado a Esparta a pedir ayuda militar. Por supuesto, esta última quiso apoyar a los atenieneses y un ejército ya estaba en camino, pero en el trayecto, una ciudad hermana estaba celebrando fiestas religiosas y esto obligada a guardar una tregua militar de diez días.

Finalmente, ambos ejércitos se vieron las caras para el 7 de septiembre y estuvieron allí 5 días, frente a frente, sin atacarse. Aunque Atenas esperaba la ayuda de Esparta, solo llegaron unos cuantos hombres de la Poli de Platea.
Las cifras de hombres son muy inexactas y muchas veces, exageradas. En las viejas crónicas se hablaba de 10,000 aliados griegos contra al menos 500,000 persas. Sin embargo, las más recientes si situan a los griegos entre 9,000 a 10,000 hombres y los persas no pasaban de los 50,000 hombres. Lógico, la diferencia en el tamaño si era potente, pero no así su composición.

Aunque los atenienses eran milicianos, estos eran voluntarios y cada uno respondía fielmente no solo a las ordenes de su strategos, sino también a la del propio Milcíades, que tenía una buena reputación en la ciudad. Aparte, estaban armados y acorazados, vistiendo placas de metal, lanzas largas y espadas, lo cual los hacía letales en el combate cerrado. En cambio, los persas, comandados por Artafernes (sobrino de Darío I), estaban desorganizados y muchos eran mercenarios u obligados a combatir. Aparte, no tenían una uniformidad militar a nivel táctico, mucho menos física (escudos de piel, así lanzas cortas).

La batalla no se sabe como ni en que momento comenzó. Los detalles de la introducción son pocos y la mayoría tampoco son tan explicados. Lo poco que se menciona es que Milcíades quiso disponer de su ejército en 3 partes: el centro y ambas alas. Mientras las últimas tenían las clásicas 8 filas, el centro eran 4 hileras bien apretadas. Aunque el concepto de falange griega aun estaba en momentos muy primitivos, la potencia de la misma eran legendaria, tanto por el componente de armadura que tenían los soldados, como su forma de ataque, que era alzar lanzas y espadas, despedazando a las tropas enemigas. El que Milcíades dispusiera así sus hombres, era para evitar que las alas del ejército fuesen sobrepasadas por el ataque de la infantería persa (mucho más ligera) o de la misma caballería.

Finalmente, parece que Milcíades decidió atacar el 12 de septiembre, harto de esperar (y con cierto conocimiento de las debilidades del ejército persa, ya que había combatido con este previamente). Hay datos curiosos, no muy fidedignos de ese instante, ya que se sabía que la democracia no solo invadía al senado de Atenas, sino al ejército, donde cada "stratego" se rolaba el día para ser el mero mero del Ejército. Es decir, no había un mando unificado, sino que los diferentes strategos se pasaban el rol de mandar a todos un día. Sin embargo, se vio que la mayoría o casi todos los strategos tenían su confianza en Milcíades y quien parece, fue el que dio la orden de "atacar".

Esto ha sido objeto de mucho estudio, ya que se ha buscado un detonante para la batalla y porque no esperaron la ayuda espartana, pero todo se redujo a la indicación de Milcíades, de usar toda la potencia de la falange y hacer trizas el frente persa. Por ello, 10,000 griegos se lanzaron, marchando a gran velocidad contra el ejército rival.

Los persas, al ver a las falanges avanzar hacia ellos a velocidad, trataron de reducirlos con disparos de arquería. Sin embargo, las armaduras y escudos de bronce y acero de los griegos rebotaban las flechas, lo cual provocó el pánico entre los mismos persas. Aparte de que era algo totalmente nuevo: generalmente los rivales huían ante ver la cantidad de efectivos que ellos contaban. En un instante, la falange griega hizo trizas la infantería persa y estos comenzaron a retroceder, asustados ante la ferocidad del ataque.

La táctica le resulto a Milcíades: el empuje permitió que el centro persa colapsase, pero aun más las alas del ejército, que no alcanzo a desplegar su caballería. Las contrapartes atenienses comenzaron a hacer una maniobra de tenaza y lejos de perseguir a los cobardes, se dedicaron a franquear y destrozar el centro en un movimiento de cierre. Aun con esto, los pobres persas corrieron en desorden hacia sus naves y varios lograron ser embarcados, mientras otros cayeron bajo las lanzas y espadas griegas, aun sobre el agua de la playa.

Aquí es donde el mito comienza a crecer y muchos atribuyen la carrera de Filípides hacia la ciudad para anunciar la victoria griega sobre los persas. Pero esto actualmente es bastante poco certero, ya que luego se vió que los persas lograron embarcarse y ahora buscaban atacar por otro lado de la región, más cerca de Atenas. Por lo tanto, el ejército aliado tuvo que moverse a gran velocidad hacia la ciudad para protegerla ante el ataque (dejando a unos 1,000 hombres en el campo, el ala sur, que había sido la más machacada del ataque). Tal maniobra hizo que la flota persa ya no se animase a desembarcar y por lo tanto, se alejase de la ciudad con el rabo entre las patas.

La victoria del ejército ateniense fue de gran retumbo para las Polis griegas. Las bajas se estimaron en apenas 200 a 300 hombres, mientras que las del rival llegaron a ser hasta 7,000. Se dice que en los siguientes días, mientras se fesjetaba el triunfo ateniense, los espartanos y sus aliados llegaron a la ciudad y no dudaron en felicitarlos. Por supuesto, lo que siguió a la celebración tiene parte verdad y parte mentira: se habla de sacrificios a los dioses con los cuerpos de soldados muertos o de que los héroes griegos muertos fueron enterrados en la planice (donde actualmente hay varios indicadores, aunque no se han hayado osamentas).

Por supuesto, la batalla tuvo consecuencias muy positivas para Atenas: se convirtió in facto en la potencia militar de la región y le dió realce a los participantes de dicha batalla, que lograron altos cargos y dirigir la política ateniense en las próximas décadas. Esto tarde o temprano hizo que las envidias y celos de las demás Polis se fuesen acumulando (y que tendrían algo de detonante en la Segunda Guerra Médica).

Aunque fue una derrota potente para el Imperio Persa, Darío I lo vió como un simple traspiés y cuando estuvo a punto de invadir Grecia con toda su potencia, un conflicto con el sártrapa de Egipto, hizo que cambiará su atención hacia otros lares y por consecuencia, el resto de su reinado no volvió a tocar a los griegos, hasta que su hijo, Jerjes I, volvió a las andadas con la segunda Guerra Médica.

Para las generaciones actuales, la batalla de Maratón se sirvió como un punto de identificación para muchas y diferentes batallas, mostrando el choque entre la civilización con la barbarie y el salvajismo. Sin embargo, lo más importante fue la carrera de atletismo que emergió a raíz del mito griego: el Maratón. Se dice que se inspiró, sea en la carrera que hizo Filípides para llegar a Esparta a pedir ayuda (y que es bastante grande, si ocurrió así, ya que se dice que el hombre corrió 260 kms en dos días para lograr su objetivo, en terreno montañoso). Y otra, que es Eucles, el hombre que fue enviado (malherido por la batalla) a informar al Senado de Atenas de la victoria y que murió, enunciando la victoria. Para bien o mal, Pierre de Coubertin creo dicha carrera, fijandola en 40 a 42 kilómetros. Hasta los Juegos Olímpicos de Londres en 1908, fue cuando se fijo la distancia en 42,192 metros. La razón es que es la distancia entre el Castillo de Windsor y el Estadio Olímpico en Londres (ya que la Reina quería ver el inicio de la misma).

Corre Filípides, corre

Claro, Maratón sería famosa por muchos años en el mundo griego, pero todo cambiaría con la batalla de las Termópilas y por supuesto, la mítica batalla de Platea (que por cierto ya se hablo en este blog previamente). Y como dicen, eso ya es otra historia (y también contada).

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Saludos a mi esposa ^^, así a quienes gustan de las batallas.

Fuu Hououji: el cerebro de las Guerreras Mágicas

Cuando eres niño, el mundo es una bipolaridad muy marcada: los chicos son azules y las niñas son rosas. Por ello, de pequeño, ambos bandos son enemigos jurados y tal situación se mantiene hasta que entras en la adolescencia.

Sin embargo, para cuando tenía 14 años, la cosa no había cambiado substancialmente con un servidor. Aun veía a las chamacas como enemigos del Estado y que debían ser exterminadas (jeje). Eso no significa que no me llegaran a gustar. Uno de niño tiene amores platónicos, personajes o personas que te gustaban, pero todo en la inocencia de un chamaco. Sin embargo, todo cambio a los 16 años, justo el año del estreno de Sailor Moon y Guerreras Mágicas.

Tal vez por eso, ambas series me marcaron de manera harto significativa, ya que significo un "Antes y un después" en mi crecimiento emocional. Aunque Sailor Moon llegó antes, fue Magic Knight Rayearth lo que definio el volantazo hacia otra dirección, donde por primera vez quise tener una novia en su debida regla. Seh, tal vez estoy ventilando demasiado mi vida, pero ya lo dijo mi esposa una vez: "ay cielo, siempre fuiste un poquito lento".

Y fue una pareja que cambió mi manera de ver todo: Fuu-Ferio. Anaís-Paris. Y por supuesto, la siguiente entrada va dedicada a la última y mi favorita de las Guerreras Mágicas.


Fuu Hououji, a quien conocimos en Latinoamérica como Anaís, es una de las tres protagonistas de la serie Magic Knight Rayearth. Es una niña de 14 años, tímida e inteligente, que siempre trata a los demás con cortesía y amabilidad. Tanto ella como sus nuevas amigas Hikaru Shidou (Lucy) y Umi Ryuuzaki (Marina) estarán llamadas a convertirse en Guerreras Mágicas. Fuu formará un pacto con el Mashin (Genio) Windom y juntos defenderán el mágico mundo de Céfiro.

Como personaje aparece en todas las versiones de la historia (manga, anime, OVA y videojuegos). 


Fuu Hououjii (Anaís, en su versión latinoamericana) y que se traduciría "Viento del Santuario del Fénix", es una de las tres protagonistas de la serie, junto con Hikaru y Umi. Como es lógico, ella viene a representar el contraste con sus anteriores compañeras, siendo la chica tímida, tranquila y analítica. Igual que sus nuevas amigas, ella estaba en la Torre de Tokio en el momento que la princesa Esmeralda las convoca para ir al mágico mundo de Céfiro.

Mientras Hikari y Umi siguen desconcertadas por haber caído en dicho lugar, Fuu se revela como la más tranquila e inmediatamente comienza a sacar suposiciones (muchas de las cuales irán irritando o molestando a Umi, por ser demasiado obvia) que calman los ánimos entre las dos restantes (inclusive con cierta frase chusca diciendo que están en una especie de videojuego RPG).

Al momento de la revelación de Clef, Anaís es quien pregunta objetivamente su estancia en Céfiro y que deben hacer para volver a su lugar (mientras que Hikaru no para de estar emocionada y Umi le gruñe al pobre mago). Lo cual hace que se vuelva la voz de la razón en el grupo, aunque eso no impida que suelte uno que otro comentario fuera de lugar o chiste negro (no aparece en la versión del anime, pero si en el manga, donde Fuu le comenta a Umi que si se come a Mokona, tal vez pueda conseguir sus poderes).

Como es lógico, entonces para un servidor, el carisma de Fuu era de "cero". No tenía la energía de Hikaru o el carisma de Umi, así que por el momento pasaba de ella. Claro, hasta que llego el mítico episodio cuando conocen a Ferio en el bosque del Silencio. Aquí es donde me di cuenta de que este tipo de personajes son los que me encantan: cuando muestran una dualidad bastante compleja pero a la vez divertida.

Fuu se había revelado como una chica seria, metódica y tranquila, pero su lado sarcástico, emocional y hasta gruñón emergía en su interacción con Ferio y es que el espadachín era capaz de sacarla de sus casillas con sus comentarios o acciones. Eso se ve en todo su esplendor en cierta parte cuando Fuu le trae comida a Ferio, mientras este duerme afuera de la tienda de campaña que hizo Mokona y tienen una sabrosísima plática donde la pobre sale huyendo. Este sera el tenor de la relación, donde Ferio siempre estará acosando a Fuu de una manera u otra. Sin embargo, la chica en lugar de ponerle un alto definitivo, llega inclusive a coquetear con él, ya que es obvio que también le gusta.

Técnicamente, los episodios más divertidos eran cuando esta pareja llegaba a interaccionar y fue allí donde me di cuenta de que tener novia no podía ser tan malo (bueno, tuve que darme un par de golpes posteriormente, pero debo decir que a la fecha tengo una relación de ese tipo). Esto también me permitió conocer mucho más a Fuu y ver que era un personaje mucho más complejo de lo que parecía. Parte de su forma de ser era para contener una parte sensible que se descubre de manera importante, en especial cuando tienen que matar a la princesa Esmeralda para restaurar el equilibrio de Céfiro.

Parte de esto también se nota por el tipo de magia que comienza a dominar Fuu, que es tanto defensiva como de curación (inclusive hay un hechizo que le permite apresar al oponente sin necesidad de matarlo, en una especie de cárcel hecha de aire). Por lo tanto, el elemento que llega a dominar es el Viento y sus ataques se basan en este (Viento Curativo, Huracán Verde, Vientos de captura, Vientos de defensa y Tornado verde. Este último, exclusivo del anime).

El Mashin (Genio) de Fuu, es Windom, una especie de Ave Fénix que está en un palacio ubicado en las alturas. Ella es la segunda en obtenerlo y Window le pone una prueba, donde debe elegir entre escogerlo a él o a sus amigas (las cuales están siendo atacadas por Caldina). Finalmente, Fuu escoge a sus amigas y eso hace que Windom la elija como su poseedora. También su espada es bastante particular, ya que mientras el arma de Hikaru es una espada bastarda y la de Umi nos recuerda a un estilete, la de Fuu es como una mezcla de una espada mandoble y una claymore escocesa, siendo de un tamaño bastante considerable.

Aparte, el equipamiento final de la joven es mucho más conservador que el de sus compañeras, donde tiene una falda lisa que apenas le llega encima de las rodillas y tiene tonalidades verdes y amarillas. Por supuesto, al igual que las otras dos chicas, Fuu tiene la capacidad de invocar su arma y su traje de batalla del guante que lleva en su mano derecha (esto para la segunda temporada).

Para la segunda parte de la serie, vemos algo de la familia de Fuu, donde su hermana Kuu (Lulú en versión latina), se le ve preocupada por ella, ya que desde su regreso de la Torre de Tokio, ha estado distante. Rapidamente se revela una buena relación entre ambas, aunque el contraste con su hermana es bastante notorio, siendo ella mucho más abierta y relajada.
Cuando Fuu vuelve a Céfiro, es obvio que el reencuentro con Ferio es bastante fuerte, ya que ella se entera de que él era hermano de Esmeralda y por lo cual, la chica no deja de llorar y pedir disculpas (y por supuesto, el bueno de Ferio la disculpa sin problemas).

De allí, la presencia de Fuu se veía diluida, en demérito de Hikaru, aunque tiene una participación destacada cuando cae con Aska de Faren, donde tiene un duelo de arqueras con ellas (que por cierto, la primera arma de Fuu es el arco y la fecha, siendo una experta en este tipo de disciplina en la escuela). El escape del Dragón de Faren es bastante emblemática y vemos como Ferio logra escapar con Fuu a bordo de una criatura mágica (por cierto, ese episodio tiene el sabor de la primera temporada, donde vemos a Fuu gruñirle a Ferio por su intervención).

De allí, la participación de la chica vuelve a disminuir, hasta la batalla final, donde se fusiona con Umi y Hikaru para batir a Deboner y devolver la paz a Céfiro (y donde este y Ferio se declaran su amor, una vez más).

A título personal: Fuu es de mis 12 personajes favoritos femeninos del anime. La razón ya la había comentado, pero el contraste entre su forma de ser me encanta y también la forma de tratar a Ferio (que va por momentos con ciertos momentos tsunderes), donde, pese a su su carácter, puede ser también capaz de quererlo sin tapujos. Aparte, el físico de la chica, aunque no es mi fascinación, el hecho de usar lentes ya es un punto extra para mí (seh, mi fetiche por las chicas que usan anteojos). También otra cosa que me ayudo a tenerle tanta estima fue la voz que le pusieron, que estuvo a cargo de Marcela Bordes (que es conocida también por darle voz al Conan chibi en Detective Conan).

Si lo vemos objetivamente, no es tanto el gusto que tengo por este personaje, sino el binomio que hizo con Ferio, otro personaje que igualmente le tengo bastante aprecio. Sin embargo, también es cierto que Fuu tiene su impacto y es carismática, al menos para mí (ya que he escuchado varias opiniones donde la critican de forma muy dura). Curiosamente, en Japón, para 1997, se realizo un ranking entre las mejores chicas del anime y la susodicha queda en una buena posición, al menos entre las primeras 20. Cosa curiosa.

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Saludos a mi Fuu ^^, así quienes gustan de este tipo de personajes.

Rebelión en la Granja: Una buena fábula de George Orwell

Es curioso, pero a finales del año pasado (técnicamente el 31 de diciembre) aun seguía apesadumbrado por como irían las cosas para este 2015. Luego de un resbaloso y duro 2014, esperaba que todo fuera distinto. Sin embargo, lo mismo pensé para finales del 2013 y la situación fue de mal en peor. Debo admitir que en el fondo soy bastante supersticioso y que de una manera u otra, trato de aferrarme a momentos o situaciones que me indique que todo va a ir mejor.

Pero la vida (o el Todopoderoso), se ensaña que no sea así y que tenga un poco más de confianza en mí mismo y en lo que sigue. De allí que me siga dando mamporrazos emocionales y mentales a cada rato. Como sea, en restrospectiva veo que hubo algo diferente ese fin de año y fue leer un libro que ya tenía en la mira desde hace bastante tiempo: Rebelión en la Granja.

Como toda familia mexicana, las comilonas de fin de año son de ley y por supuesto, estuve en una. Curiosamente, uno de los familiares de mi esposa trajo varios libros al cantón (cosa extraña, pensé que solo lo hacía yo) y al ver uno de ellos, me lo apropie en cierta manera, para chutarmelo durante casi toda la cena de Año Nuevo.

Seh, cosa más extraña, mientras los demás platican y brindan por el nuevo Año, un servidor estaba en un sillón leyendo con rapidez dicha novela, que en su versión de Editorial Porrua, no tenía más de 90 páginas. Así como dicen, me lo chute de una sentada y debo decir que es apasionante, más cuando sabes en que contexto el escritor lo hizo. Y es por tal motivo, de que esta, entrada, aparte de hablar de Animal Farm, también daremos una vuelta por la vida del escritor inglés George Orwell.


Rebelión en la granja (en inglés, Animal Farm) es una novela satírica del británico George Orwell. Publicada en 1945, la obra es una fábula mordaz sobre cómo el régimen soviético de Iósif Stalin corrompe el socialismo.

¿Por qué demonios tenemos que saber de Orwell para leer adecuadamente este libro? Razón muy sencilla y es que este escritor estuvo dando tumbos, entre diferentes ideologías y aunque muy famoso en nuestros tiempos, en su momento murió enfermo de tuberculosis y siempre criticado por el régimen estalinista.

Eric Arthur Blair nació en la India Británica, en 1903, justo en Motihari, una de las tantas provincias cercanas a Birmaria. Justamente, su madre era de ascendencia birmana, mientras su padre era administrador del ministerio del opio en la India. En otras palabras: era un traficante legal de drogas.

Sin embargo, el chibi Eric no volvió a ver a su padre, ya que un par de años después, su madre y sus hermanos se trasladaron a Inglaterra, donde debido a su talento escolar, pronto fue recomendado en las mejores escuelas de la región. Pero el joven Erick no se sentía contento y desde entonces se veía un tanto "contreras", ya que tendía a tener un pensamiento más independiente. Por suerte, sus calificaciones le hicieron merecedor de varias becas y su familia no tuvo que costear tanto su educación. Al menos esto le alcanzo para estudiar en el famoso colegio Eton, donde refiere unas épocas felices.

Sin posibilidades para seguir en la universidad, por su alto costo, Eric se enrola en el Ejército Imperial, justamente destacado en Birmania. La experiencia del colonialismo le sienta fatal al pobre y en los siguientes años, luego de abandonar el cuerpo, no dejará de relatar la opresión que los británicos hacían sentir hacia los pueblos autóctonos. Luego de estar chambeando de aquí y allá en Inglaterra, se lanza con su tía a Francia, donde planea volverse escritor. Por supuesto, su estilo no pega y hasta termina lavando vajillas en un hotel de París. Entre el estrés, la falta de billete y comida, Eric se rebela como un hombre enfermizo, así que para principios de 1930, vuelve a Inglaterra, a casa de sus padres.

Sigue queriendo ser escritor, pero mientras tiene que trabajar a chambas intermedias, como profesor en una escuela. Justo para 1933, adopta el seudónimo de George Orwell, que lo acompañara por toda la vida. La razón de dicho sobrenombre, fue que no quería mancillar el honor de sus padres (sus novelas, publicadas por estos años, eran críticas duras hacia la sociedad) y también como muestra de representación de su cariño por Inglaterra.
Como es lógico, Orwell siguió viviendo de trabajos como profesor, escribiendo aquí y allá, así publicando sus novelas, con escaso éxito. Por suerte, para no fastidiarse, en el pueblo donde vivía, era una importante comunidad de escritores jóvenes y pronto se impregno del ambiente cultural, lo cual afino más su estilo.

Un compadre editor anima a Orwell a escribir sobre las clases obreras inglesas y luego de hacer un gran ensayo de campo, escribe El camino a Wigan Pier, que tiene un moderado éxito y pronto le granjeo a Orwell, una fama de izquierdista. Sin embargo, el hombre nunca perteneció a ningún partido de dicha afiliación.

En 1936, la Guerra Civil Española hace que se aliste a las fuerzas repúblicanas para combatir a los fascistas de Franco. Sin embargo, su idealismo un tanto desproporcionado, hace que tome por el bando más castigado de la República (el POUM). Por supuesto, no voy a echarme un "choro" sobre las extrañas circunstancias de la República Española y como este mismo lado estaba dividido en un montón de feudos que peleaban entre sí y contra Franco. El chiste es que Orwell conoce el peor lado del comunismo (encarnado en el estalinismo) y luego de casi morir por un tiro en el cuello en Huesca en 1937 (y trás haber combatido en varios frentes como miliciano), decide salir corriendo de España, en parte gracias a una tuberculosis que desarrollo durante la guerra.

Ya en el periodo de la Segunda Guerra Mundial, vuelve con su esposa (su primera, la cual contrajo nupcias unos años antes y habían adoptado un chamaco) y gracias a sus contactos, trabaja como periodista y corresponsal de la BBC. Ganaba una buena lana, pero viendo que era objeto de propaganda, decidió dimitir y escribir en un diario de tendencias más izquierdas, The Tribune. Fue durante este periodo, que incubo la idea y luego escribio "Rebelión en la Granja".

Para 1945, Orwell era vigilado por la Foreign Office por su tendencia procomunista (aunque luego se ha visto que él era una especie de espía). En ese año fallece su primera esposa y su producción literaria va aumentando. Sin embargo, para 1949, su estado de salud se agrava (el año en que publica 1984), debido a la tuberculosis y finalmente fallece en enero de 1950 (no sin antes casarse, por segunda vez, un año antes).

Viendo esto, podemos darnos una idea de la forma de ser y los ideales que ostentaba dicho escritor: siendo más un socialista democrático, un crítico feroz del fascismo y del comunismo, los cuales creía el extremo malo de todo. Por supuesto, todo lo que vivió, le hizo ver que un sistema sociopolítico no puede ser perfecto y que lo hace caer son las ambiciones de las personas que lo forman

Y justo esto irá plasmando en "Animal Farm".
Por cierto, ¿De qué va esto?

En la ficción de la novela un grupo de animales de una granja expulsa a los humanos tiranos y crea un sistema de gobierno propio que acaba convirtiéndose en otra tiranía brutal. 

Sep, reseña corta pero muy explícita. Para empezar, el libro es una especie de fábula, donde los hombres y animales hablan, se comunican y tienen sus ideales. Por supuesto, Orwell refleja una peculiaridad del ser humano de acuerdo al tipo de animal, lo cual hace tan divertida, pero a la vez grotesca esta novela.

Estamos en una granja administrada por un hombre que ha tenido esclavizados a los animales. Estos, luego de expulsar al tiránico Mr. Jones, comienzan a administrar el lugar y lo hacen a tal nivel que resulta ser la más competitiva de todas, no solo externa, sino internamente. Todo porque han seguido los consejos y reglas del "Cerdo Mayor", que era el animal más listo de la Granja, pero que ha fallecido un poco antes de la revolución. Los animales comienzan a seguir dicho listado de manera casi religiosa...

1. Todo lo que camina sobre dos pies es un enemigo.
2. Todo lo que camina sobre cuatro patas, o tenga alas, es amigo.
3. Ningún animal usará ropa.
4. Ningún animal dormirá en una cama
5. Ningún animal beberá alcohol.
6. Ningún animal matará a otro animal.
7. Todos los animales son iguales.

Sin embargo, las cosas comienzan a salirse de control, cuando los cerdos comienzan a dominar a los demás animales y van manipulando las reglas. Snowball y Napoleón quedan como los líderes nominales de la granja. Mientras el primero es representado como un líder tranquilo y paciente, Napoleón es brutal y dominador, al grado que manipula las intenciones de Snowball con los demás animales y luego de escapar al ataque de los perros (amaestrados por Napoleón), se queda como el líder absoluto de la Granja. 

Finalmente, dicho lugar vuelve a ser casi igual que antes, cuando estaba el Señor Jones, al grado que se ve a los cerdos caminar en dos patas y vestirse como humanos. Al grado que solo queda un enunciado de los 7 originales: Todos los animales son iguales, pero algunos lo son más que otros.

Como se ve, el libro es una crítica abierta al proceso que vivió Rusia, desde la revolución de 1917 hasta la época en que Orwell vivía, donde Stalin era el regidor de la Unión Soviética. El escritor, de manera estupenda, hace que cada animal que hable o interaccione con los otros, sea una representación de la sociedad rusa de aquellos tiempos. Por ejemplo, el señor Jones es el símbolo del zarismo. Los cerdos son los bolcheviques y los caballos la poderosa pero obediente clase obrera. Inclusive sale un cuervo, que es un obvio signo de la manipuladora Iglesia Ortodoxa de aquellos años.

Cuando estaba leyendo el libro, como ya comenté, no paraba de sacar una sonrisa complice o de sentirme acongojado. El autor relata de manera fidedigna, no solo el cambio que tuvo Rusia en aquellos años, sino que critica de manera satírica ese proceso y como se fue yendo al demonio, en el momento que Stalin entró al poder. Por supuesto, el hombre de Hierro en su momento prohibió la publicación de este libro en Rusia, ya que aparte defendía un hombre que lamentablemente, en 1940, fue asesinado en México: León Trotsky.

Por supuesto, la novela no es tan sencilla y Orwell va haciendo que cada animal (o elemento) vaya encajando y como este, de manera directa o indirecta, va provocando el cambio sútil en la Granja. Por ejemplo, los caballos inician laborando al doble y por eso, reciben el doble de comida. Pero conforme pasa el tiempo, su trabajo se va multiplicando y sus prestaciones se van al demonio, al grado que el más representativo de todos, Boxer, muere y todo bajo una sombra de duda, no para la clase intelectual (representada por el burro Benjamín) y un engaño para el resto de los animales (como las ovejas y las aves). Por cierto, el detalle de incluir a las clases nobles zaristas (la yegua Mollie) fue una puntada formidable, ya que al principio quieren adaptarse al cambio, pero están tan acostumbradas a su vida perezosa, que dejan la granja y se van a otro lado a hacer exactamente lo mismo.

Otro punto importante de este libro es que el autor no tiene necesidad de meter ni un solo comentario moralino o crítico de su cosecha. Solo se centra en los hechos y como estos le van dando la razón conforme vamos leyendo. Y es tal vez el efecto que toda fábula logra en una persona: darnos una lección, de manera figurada o metafórica, sin necesidad de incurrir en el horrendo sermón. A diferencia de 1984, esta novela logra ser un tanto más impactante, pese a solo tratar de manera muy ligera el nacimiento de la URSS. Pero como ya he comentado hasta el hartazgo, la forma de hacerlo, no solo es original, sino brutal y muy simple. Por algo, George Orwell es considerado uno de los grandes referentes de la novela inglesa en los últimos años.

En conclusión "Rebelión en la Granja" es un libro que todo lector, aun siendo novato, debe leerse. Es ameno, divertido, pero sobre todo muy desolador. Sí, rara combinación, pero Orwell te hace desfilar por ese tipo de emociones y es que no se contiene en críticar la condición humana, sea política, religiosa o social.

Por cierto, conseguirlo está bastante fácil. Editorial Tomo como la "Sepan cuantos..." de Editorial Porrua lo tienen editado a un precio bastante accesible (un poco más de 6 dolares) y aparte incluye 1984, así que es toda una ganga.

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Saludos a mi esposa, que me aguanto con ese libro en fin de año jeje, así a quienes gustan de este tipo de libros.

Avengers, La Era de Ultrón: Buen entretenimiento, pero de transición.

Hace un año, las cosas estaban bastante peliagudas y debo ser sincero, no disfrute del todo Captain America: The Winter Soldier, precisamente por eso. Aunque trataba de enfocarme en la película, de repente me ponía a pensar en otras situaciones más delicadas. De allí que saliese del cine un tanto atribulado y sin haber disfrutado como se debiese la película.

Pensé que lo mismo sucedería con este filme, que llevaba ya tres años esperando, pero afortunadamente, un golpe de suerte hizo que pudiese concentrarme totalmente en la misma y solo dedicarme a comer palomitas con mi esposa y disfrutar un eslabón más de la saga de Los Vengadores.

Lamentablemente, en esta ocasión lo que me falló fue el mismo filme. Sí, debo decirlo de manera rotunda y es que Avengers: Age of Ultron, no resulto ser el batacazo que fue su predecesora. No es que sea una mala película, pero en lugar de evolucionar (tal como decía el bueno de Ultron), decidieron quedarse en el mismo sitio y eso conllevo una serie de errores como de puntos predecibles que le restan muchísimo al filme. Pero vamos a ver porque en el análisis.


Ficha técnica: The Avengers: Age of Ultron (Los Vengadores: Era de Ultron).
Países involucrados: EUA.
Año: 2015.
Productora: Marvel Studios.

Distribución: Walt Disney Pictures Studios.
Idioma: Inglés. 
Dirección: Joss Whedon.
Guión: Joss Whedon.

Antecedentes: si uno esta al tanto de la producción y desarrollo de esta película, notará que tuvo un montón de baches y que muchos de estos pudieron influir en que no fuese un producto tan contundente. Para empezar, desde el 2011, un año antes de la primera de los Vengadores, ya Joss Whedon había proyectado hacer al menos dos películas (y por supuesto dirigirlas). Con el éxito de Avengers en el 2012, todo mundo pidió que el hombre volviese a dirigir. Sin embargo, Whedon había expresado su renuencia, ya que estar al tiro de tantos personajes, con una enorme producción a cuestas y sincronizar el resto de las películas con las suyas, era muy agotador. Para colmo, tuvo que adaptar su guión a las exigencias del nuevo patrón de Marvel, Disney Studios y claro, con el amo de todo, Kevin Feige. Ya había comentado las diferencias que hubo entre Edgar Wright con Feige y su salida de Ant-Man, donde Whedon lo apoyo de manera indirecta. Por ello, este último opto por retirarse de los Avengers 3 y 4 (Infinity War) y dejar a alguien más el testigo (Los hermanos Russo).
No es que Whedon haya dejado en mal plan "Age of Ultron", muy al contrario, se enfocó en hacer un gran proyecto, pero el mismo le dejo trabas. Para empezar, aunque quiso utilizar a los gemelos Maximoff (Bruja Escarlata, Quicksilver), tuvo que censurar varias partes de su pasado y recrear otros puntos, ya que parte de los derechos están con Fox. Esto provoco una enorme polémica el año pasado, cuando se estreno X-Men y donde vimos a la versión Quicksilver de los mismos y resulto ser bastante carismática. Parece que Whedon no se quiso quedar de brazos cruzados y fue cuando se optó por sacar a The Vision, el androide creado por Ultron y que era casi su hijo. Este se convirtió en el punto "ciego" de la nueva película y fue uno de los mejores, ya que beneficio en exceso al filme.
Finalmente, luego de tres trailers y muchos spots, la película se estreno a nivel mundial en algunos lugares, el 24 de abril de este año, en Latinoamérica y España el 30 de abril y en EUA, el 1 de mayo.

Argumento: Sokobia es un país ficticio de Europa del Este y es donde el Baron Von Strucker, uno de los últimos reductos de Hydra, se encuentra atrincherado. El Captain America y el resto de los Vengadores estan limpiando las diferentes bases de la organización. En ese punto, un par de gemelos, los Maximoff, deciden enfrentarlos con sus poderes, resultantes de la combinación con el cetro de Loki, el cual fue robado de las instalaciones de SHIELD. Los Vengadores logran vencerlos, pero Tony Stark resulta perturbado por las insinuaciones mentales de Wanda y luego de robar la tecnología que estaba usando Strucker, se decide a construir una interfaz, una suerte de inteligencia artificial, que le permita controlar a las armaduras que tiene a su disposición y así crear una suerte de muro de hierro que defienda al planeta.
Sin embargo, la interfaz (creada también con los dotes de Bruce Banner), se sale de control y comienza a dominar los alrededores de la red, convirtiendose en Ultron, que rapidamente desea la paz mundial, pero a costa de destruir primero a los Vengadores y luego a la humanidad.

Historia: La concepción de una historia y el desarrollo son cosas totalmente distintas. Puedes tener una idea brillante, pero desarrollarla es lo que cuesta. Para quienes leen el argumento, la cosa era estupenda, pero cuando la vi en pantalla me resulto muy poco trabajada. Y curiosamente, no es tanto porque Whedon no haya tenido los arrestos para plasmarlas, sino parece que debido a que el corte original duraba cuatro horas, el director no tuvo otra opción que pasarle tijera y de manera muy brutal. Muchos dijeron que la película se les paso rápido, pero a mi si se me hizo lenta, al grado que pensaba "Ya es mucho ¿No?". No porque fuese aburrida, sino porque algunos planos apenas me estaba encarrilando cuando de repente veía el tijeretazo de edición y pum, se rompía el ritmo. Salvo algunas pocas escenas, el resto eran así y eso me dejaba desconcertado y hasta por momentos, molesto. Para colmo, era demasiada información, demasiada acción que te dejaba aturdido. El único momento (SPOILER) que realmente me gusto, fue cuando Barton lleva al grupo con su familia. No solo ví un plano mucho más trabajado, sino un desarrollo de personajes mucho más complejo. Curiosamente, de esta parte, hasta la batalla final, la película tiene un mejor arreglo y se ve más compacta, menos acelerada. Y es que así podría describir el filme, donde la primera parte es atroz, rápida, abrumadora y poco coherente, mientras la segunda, que inicia con la batalla entre Hulk y Verónica (Hulkbuster), que aparte me encanto, hasta casi el final, la cosa mejora y con creces.
Por cierto, el romance entre Hulk y la Viuda Negra no me pareció forzado, sino bastante interesante. 

Personajes: Siempre que hago una crítica a un filme, notó que el guión puede fallar, pero el desarrollo de personajes y actuación lo compensa. Acá lamentablemente la cosa no es así y tenemos graves deficiencias. No al menos en términos de actuación, ya que todos cumplen y de manera muy eficiente (inclusive Evans ya transmite ese aplomo que tiene el Capi. Aparte de que la Olsen y Taylor Johnson convencen en sus papeles como Wanda y Pietro). El problema viene con el diseño de personajes, el cual se ve sobre todo con Ultron. Cuando lo anunciaron, pense que el robot maníatico iba a hacer de las suyas, pero en la película se ve muy pálido, poco amenazante. Con el argumento de que debe autoprotegerse primero, su presencia en el filme es débil y como villano se queda muy atrás. Tal vez fue por el efecto "The Dark Knight", cuando vimos a un Joker imponente, que robaba la escena y aquí esperaba lo mismo con Ultron. Lamentablemente, no ocurrió y fue un villano más de opereta, que tenía mucho más potencial, pero se quedo en el tintero. Por ello, los héroes tampoco brillaron como debían (al grado que el Capi, que lo vi sangrar un montón en la anterior, acá recibía cada porrazo y se volvía a levantar como si nada). Aunque los Cthlauli no eran tan contundentes, sus ataques resultaron más amenazantes, mientras acá, el efecto villano se vio diluido entre un enorme meteoro y los mismo robots sirvientes de Ultron. Curiosamente, hubo otros charas que se beneficiaron terriblemente y fueron The Vision, que me gusto su introducción y aparición, así como la profundidad que le dieron a Barton, Hawkeye. Muchos decían que era el personaje de la película, pero creo fue porque permitió el respiro en el ritmo y le dio un aspecto hogareño a la misma.

Efectos especiales, edición: una palomita para lo primero, un enorme tache a lo segundo. Como ya dije a pierna suelta en los anteriores puntos, la edición fue un asco, al grado que casi me echa a perder la película. Los efectos especiales siguen siendo estupendos, al grado que Ultron se me hizo totalmente real y no me hizo ruido verlo interaccionar con los demás.

Música: cuando escuche que Danny Elfman iba a entrarle a los trancazos, me emocione. Pero el resultado final me decepciono y mucho. La música que tanto había brillado de la mano de Alan Silvestri en las anteriores películas, aquí de paso trono como ejote. No me gusto mucho, aunque tampoco desentono. Pero casi inexistente.

Doblaje: Mi mujer mientras veía la película se quejo un tanto de que cambiaran la voz de Nick Fury. A mi personalmente me gusta la voz de Blas García, pero ya Gerardo Vasquez había hecho sus pinitos y pues si se noto un tanto la diferencia. Los demás me agradaron, pero Arturo Castañeda no me gusto como pego con Quicksilver o Irina Indigo con Elizabeth Olsen. Tal vez porque Víctor Ugarte y Karla Falcón habían hecho un buen trabajo con ambos en Godzilla, pero esto es mera cuestión de opiniones. El resto, como siempre, dando una altísima nota.

Curiosidades: la escena de mitad de los créditos, donde ya vemos nuevamente a Thanos, calzandose el Guantelete del Infinito, pero sin las gemas. Aparte de la multitud de guiños que hay en la película a los fans del cómic (cuando se trata de levantar el Mjolnir, los poderes de la Visión, la rivalidad entre Tony y el Capi, etc. etc.). En ese rubro, debo admitir que me la pase como enano y mi esposa preguntandome porque me había emocionado.

A título personal: como dije previamente, la situación personal mejoró durante la semana previa al estreno y estaba emocionado, no solo por ver la película, sino también por la pelea que habría el fin de semana, entre Pacquiao y Mayweather. Pero al terminar el día, si me quede un tanto frío con ambos eventos. Lo mejor, fue ir con mi mujer al cine, donde estuvimos comiendo palomitas y tomando refresco mientras disfrutabamos de la película. Sí, el cine estuvo repleto de enanos y al principio no paraban de hablar, pero se fueron callando y al final, salvo un niño chillón, la película fue disfrutable sin interrupciones. Pero a opinión muy personal, la película se queda corta con su antecesora. Le falto dar ese brinco y volverse más madura. Sin embargo, creo que Marvel no quiso perder su target, que son los enanos y por eso aun tiene ese tono medio infantil. Aparte de que la edición estuvo del asco y muchas cosas se quedaron a medias o sin resolver, o peor, sin empezar. Aun con ello, la acción (la batalla de la Hulkbuster o la final, cuando todos los  héroes estan reunidos a espaldas protegiendo el pilar de energía, fue brutal), los personajes, los momentos cómicos, todo estuvo bastante bien y me sirvió para entretenerme, pero no para profundizar.

El poster que prometía taaaaanto.

En conclusión, Avengers: Age of Ultron, es buena, divertida, poderosa, pero no es la mejor del universo Marvel. La segunda del Captain America y los Guardianes de la Galaxia aun siguen ostentando dicho trono. No es que este mal, pero para ya que estaba acostumbrado a algo mucho más impactante, esto se quedo en una ligera sobada. Lamentablemente, no es el "Imperio Contraataca" y solo lo vemos como un producto más de transición, que seguro todo desembocara en la Guerra del Infinito, que veremos en 3 y 4 años. Aun así, es recomendable, por el hecho de no solo ver a todos juntos, sino también ver a un personaje tan interesante como La Visión y ver el destino que les deparara a los demás de aquí a tres años.

También que mi crítica sea tan dura es que esperaba algo más, pero fueron expectativas mías, al fin al cabo.

Como dato extra, debo decir que mi comadre, en su critica de los 3GB, tuvimos casi al 100% de opinión. Seh, ya estamos viejos.

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Saludos a mi esposa ^^, que me aguanto durante todo la película, así a quienes gustan de este tipo de filmes.