Diez momentos de nostalgia en el anime (cortesía de Ryoga Skywalker)

La otra vez mientras hablaba con mi esposa al tanto veíamos la televisión, salió un comercial de la marca de coches Nissan que tenía de fondo la melodía de "Magic" de Pilot y ambos rápidamente nos volteamos a verlo con cierto toque de nostalgia. Aunque el año del 2014 fue bastante duro para ambos, uno de los buenos recuerdos que tenemos venía de ese comercial que pasaban de manera continua ya entrada la noche y cuando veíamos "Códigos de Familia". Esa serie junto con el momento, se nos quedo bastante grabada y claro, el dichoso comercial que pese a no tener nada, su música era bastante emblemática.

Esto me recordó a situaciones similares que he tenido. Pero no solo con la música, sino con el anime en sí. La ventaja de haber tenido una VHS, es que luego de grabar un episodio, podía rememorarlo una y otra vez. Aunque en su momento, al disfrutarlo por primera vez no me causaba emoción, fue de manera posterior y más relacionado con un evento en sí. Por ello, al ver cierta serie o capítulo, no solo el momento sino también todo lo de alrededor, incluido sentimientos y pensamientos, me vienen inmediatamente a la cabeza.

Claro, seguro muchos han tenido esto y es por ello, que quise hacer un conteo con esos grandes momentos que están relacionados con algún capítulo de anime en específico. Ahora que anduve repasando, me di cuenta de que hay más ligado o en el fondo, por lo cual, igual haré un segundo o hasta tercer conteo más adelante. Sí, es lo que llamamos, "Nostalgia".

-Supercampeones 1983 (Captain Tsubasa). Episodio 44.

Argumento: Dicho episodio se enfoca en la larguísima final que tuvieron el NewTeam y el Franco-Canadiense (Meiwa) en el torneo nacional de primarias. La trama se enfoca en el pasado de Steve (Kojiro) y la relación que tenía con su padre, dándole esto motivación para anotarle su primer gol a Benji Price (Genzo).

Experiencia: como ya he comentado, mi hermano fue el que me dió el aviso de que una serie totalmente diferente a lo visto había aparecido en Telemundo y que muchos compañeros de su salón veían extasiados. Lamentablemente, dicha serie se transmitía a las 7:30 de la mañana, por lo cual no podía verla porque estaba en mi primera hora de la Secundaria. Así que mi hermano termino por grabar dicho episodio y debo decir que me marcó en todo sentido. Desde la animación, los diálogos, el doblaje y la acción, Captain Tsubasa se convirtió en el parteaguas de un cambio que disparó mi gusto por la animación japonesa (y por ello, movió casi todo mi mundo hasta la fecha). Aun veo dicho episodio, pero no puedo evitar recordar precisamente aquel 1993 cuando llegaba de la casa, cansado por las clases, aunque chutándome este episodio una y otra vez. Por suerte, pocos meses después, Canal 5 la estrenó en un horario más accesible, pero Supercampeones ya era el origen de todo.

-Dragon Ball capítulo 61: La Torre del Maestro Karin

Argumento: Goku es derrotado por Tao Pai Pai pero sobrevive milagrosamente gracias a la esfera del Dragón que tenía en su pecho. Debido a la diferencia de niveles, Goku decide subir a la Torre de Karin para encontrar el agua ultrasagrada, cuando se encuentra con el ermitaño que la custodia: el mismísimo Karin.

Experiencia: Aun recuerdo que tenía muchísimo miedo de entrar a la preparatoria, lo cual es curioso, ya que la primaria y secundaria habían sido un "meh" en todo lo ancho. Pero el hecho de que estaba por acabar mi educación obligatoria y que en un corto período estaría fuera de la casa (lo cual así ocurrió finalmente), me tenía bastante nervioso. Sin embargo, algo que me ayudó a bajar el estrés es que Dragon Ball al fin lo habían actualizado e íbamos a disfrutar de sus mejores episodios. Y es que la serie mantenía un tono entre ñoño y algo de acción (cortesía del torneo de las Artes Marciales), aunque la trama de la Patrulla Roja había comenzado a cambiar eso. Sin embargo, a partir de Karin, la cosa no dejo de levantar y Dragon Ball, hasta finales de 1996, se convirtió en la serie estrella por excelencia de Televista hasta la fecha. Así que dicho episodio lo recuerdo con nostalgia pero sí con miedo de aquellos tiempos. Curiosamente, luego acuñaría el término "Entrenar en la torre de Karin" para motivarme en el momento que salí de casa definitivamente.

-Guerreras Mágicas Episodio 3: El bosque del Silencio

Argumento: Luego de que Hikaru, Umi y Fuu dejan a Presea, se dirigen al Bosque del Silencio, el cual es el camino más rápido para llegar a la fuente donde se encuentra el "escudo" con el cual podrán forjar sus armas, en dicho lugar se hallan a un espadachín nómada y mentiroso llamado Ferio. Este les acepta a guiarlas a cambio de comida. Sin embargo, Fuu desconfía de él y sus mentiras, lo cual provoca una divertida química entre ambos, la cual culmina con un regalo de Ferio hacia la chica de lentes.

Experiencia: puedo decir que con este episodio, el shoujo se convirtió en uno de mis tópicos favoritos. Estaba en plena adolescencia y lógico, sin novia, solo dedicado a los estudios. Sin embargo, cuando vi dicho episodio, es cuando realmente desee tener una chica con la cual estar (y por supuesto, fastidiar, jeje). Fuu vino a representar un arquetipo que se mantendría como la chica perfecta (bonita, con lentes, inteligente, con lentes, seria, con lentes) hasta que más tarde llegaron Ami o Makoto de Sailor Moon. Pero sobre todo, lo que me gustó es que la relación entre Ferio y Fuu era bastante agradable, dejando de lado el romance cursí barato y enfocándose más en un duelo dialéctico o de personalidades. Aun hoy veo dicho episodio y me suelta entre carcajadas y una sonrisa. Debo decir es que allí fue cuando las niñas realmente comenzaron a gustarme. Por suerte, habría un episodio parecido posteriormente, pero este capítulo sigue siendo de mis favoritos hasta la fecha.

-Robotech capítulo 7: Hasta la vista, Marte

Argumento: La nave SDF-1 se encuentra en camino hacia la Tierra, perseguida de cerca por Breetai y sus tropas. Debido a los problemas que han tenido, le ha pedido a Khyron que instale una trampa en el planeta Marte. Entre tanto, esto sirve para que Lisa Hayes recuerde a su prometido que fue destinado a dicho lugar años antes y que por ello, investigue la base mientras Rick Hunter, ya como piloto probado del Escuadrón Skull, vaya en su rescate.

Experiencia: Robotech creo una diferencia brutal en 1990. Aunque ya había visto retazos de la serie en 1989, cuando volvieron a retransmitirla por canal 5 por aquellos años, no pude evitar engancharme con una serie que lo tenía todo. Desde acción hasta romance, desde drama político hasta escenas espectaculares. Esos años, aunque no nítidos, los tengo muy felices, pero también con cierta angustia, ya que muchas estaban cambiando. Me gustaba el romance, pero como a todo niño y por eso, jamás me puse a discutir si Minmei o Lisa eran mejores para Rick, sino lo pasaba más divertido con los líos en que se metía el susodicho para tener contentas a ambas. No obstante, Lisa gano muchos puntos cuando vi este capítulo, no solo por su personalidad sino también por la fidelidad que le tenía a su fallecido prometido, así esa química que tenía con Rick Hunter. Por supuesto, si adosó la escena de batalla que hay en la base o las acciones de Khyron, viene a representar lo fresco y tranquilo que era ese inicio de los noventas.

-Naruto episodio 59: Las rondas finales, con prisa hacia el campo de batalla.

Argumento: Naruto ha logrado pasar a la ronda final del examen Chunnin. Preocupado por el poder de Gaara, se muestra dubitativo sí ir o no, pero varias muestras de apoyo y cariño de algunas personas, en especial de Hinata, lo animan a ir al estadio, donde llega apenas por los pelos, antes de enfrentar a Neji.

Experiencia: Creo que este episodio lo vi como 10 veces en su momento cuando estaba en el maratón de Naruto anti-depresión del 2006. Aunque muchos episodios de esta serie me ayudaron a levantarme, este en especial cambió mi paradigma ante las cosas, en especial el tipo de mujer que me gustaba entonces. Sonará muy extremo, pero era demasiado cerrado en esas cuestiones y ver que un personaje como Hinata llegase a agradarme al grado de ser uno de mis canones en aquel día (y hoy inclusive), fue dar un giro de 180 grados en todos sentidos. Todo se derivo de un precioso discurso que Hinata le da a Naruto para animarlo. Por eso y muchas cosas, Hinata se volvió un "hit" a nivel personal y claro, el mismo protagonista se convirtió en ese emblema (en especial con la cursí pero ridícula respuesta que le da para agradecerle y que deja traumada a Hinata). Es tal vez de los episodios más memorables de la serie, más cuando lo vi, en cierta clínica atrapada en las montañas pero que me sirvió para animarme y tener esperanzas. Nuevamente, sonará extraño, no obstante el tiempo me termino de dar la razón de una forma u otra con eso de encontrar a alguien diferente.

-Ranma 1/2 episodio 71: Ryoga recuerda el amor y sufrimiento.

Argumento: Ryoga se encuentra rumiando todo lo sucedido con respecto desde su primer encuentro con Ranma, su amor por Akane y el sufrimiento que le ha causado todo esto. A la par, una cerdita rosa esta escapando de unos pobladores y es cuidada por Ryoga, con funestas consecuencias.

Experiencia: 1998. Cursaba el segundo semestre de la carrera y apenas estaba asimilando donde y como estaba. Pero algo que ayudó en aquel entonces, fue la renovación de Dragon Ball Z y la llegada de un nuevo anime tan comentado en este blog, Ranma 1/2. Técnicamente, Ranma vino a cambiar de muchas formas mi perspectiva, pensamiento, etc. etc., al grado que aquí fue cuando me salió la vena de escritor que para bien o mal he llevado hasta la fecha. Ryoga se volvió mi personaje emblema, el cual sigo conservando su "nombre" hasta la fecha. Este episodio lo vi un viernes y luego de grabarlo, lógico, me lo chute como 4 veces más. No solo tenía los mejores momentos de Ryoga, sino también otros que aun no habían pasado y a la par, supo sintetizar todo lo que el buen hombre había vivido hasta entonces, en especial su tendencia a perderse en todos lados. La personalidad de Ryoga con lo que experimentaba en ese momento se conjuntó para establecer una forma de ver las cosas que duraría por unos buenos años (y que curiosamente, cambiaría al momento de conocer a mi esposa). 

-Supercampeones J (Captain Tsubasa J) capítulo 37: el entrenamiento aislado.

Argumento: Aoi Shingo ya es parte de las fuerzas básicas del Inter de Milán. Sin embargo, su condición de japonés lo hace blanco de continuas discriminaciones por sus compañeros, salvo por Gino Hernández. Este lo ve fallar en los entrenamientos, pero cuando ve que Aoi esta entrenando al máximo, decide dejarlo así. Aoi obtiene una oportunidad única, cuando el entrenador lo manda de cambio en los últimos minutos, demostrando sus mejoradas habilidades en el ataque.

Experiencia: otra vez Supercampeones viene a marcar una etapa importante en mi vida. Aunque este episodio lo vi en 1997, estando ya instalado en la universidad, su emotividad fue tanta que me ayudó en ese semestre a pasarlo no solo con los dientes, sino con una mayor nota (pese a la depresión que me cargaba en aquel entonces), sino años posteriores, cuando tenía alguna baja de cualquier tipo, me ayudaba a ponerme las pilas y seguir echándole ganas. Aun hoy en día sigue teniendo el mismo efecto y ponerlo completo es revitalizante. Aoi se volvió mi personaje favorito por mucho tiempo y un símbolo del trabajo duro (algo totalmente nuevo en Captain Tsubasa, donde el talento de los personajes pesaba más que su perseverancia). De manera extraña, Captain Tsubasa 2002 tendría otro episodio igual de emblemático, pero creo que lo dejaré para otra entrada, ya que no pararía de comentar los buenos recuerdos que esta serie me produjo no solo en su momento, sino hasta la fecha.

-Inuyasha capítulo 31: un monstruo amigable

Argumento: Inuyasha y Kagome van a un pueblo cercano a conseguir unas raíces curativas para Sango y Kirara que siguen intoxicados por el veneno de Naraku. En el trayecto, conocen a una herbolaria anciana que tiene un hijo hanyou como Inuyasha pero de aspecto temible, aunque de buen corazón. Un evento hará que el susodicho (Jinenji) se alié con Inuyasha para proteger a Kagome del ataque de un monstruo.

Experiencia: Este episodio marco un antes y después de mi gusto por Inuyasha. Por buena (¿O mala suerte?) los episodios de la serie que me había tocado ver por allá del 2002-2003 eran bastante oscuros, por lo cual rompía mi gusto en muchos sentidos. Sin embargo, un día que estaba de "vacaciones" en casa, pude grabar este episodio y allí fue cuando vi la genialidad de la serie, al combinar también un buen romance con lecciones de vida sin caer en la ñoñería, en especial en la forma que tiene Kagome en replicar a Inuyasha. Este personaje representó igualmente algo diferente en mi vida y que de manera curiosa, mi esposa comentaría unos años después, con un romance mucho más dialéctico y dejando de lado la cursileria. Esto se refleja en los últimos minutos del episodio que son de mis favoritos, no solo de este anime, sino en general de cualquier anime. Inuyasha vendría a ser como Ranma, a crear un parteaguas que extrañamente, aun mantengo hasta la fecha. 

-Accel World capítulos 1-2

Argumento: Haru es un chico gordito que vive en la internet debido a su inseguridad y complejos. Sin embargo, cuando el juego donde era invencible es roto por alguien más, esto le crea una crisis, la cual es subsana por Kuroyukihime, la chica más popular y lista del colegio donde estudia. La susodicha la introduce en el mundo de la aceleración, donde es capaz de adquirir el poder de detener el tiempo y a la vez estar en un torneo entre usuarios del mismo programa. 

Experiencia: Aunque parece que mis mejores experiencias vienen del pasado, en realidad esta es bastante presente (apenas hace unos 4 años), pero Accel World también me ayudó a sobrellevar un mal momento que tuve en el 2012 y aparte a catapultar las buenas cosas que vinieron posteriormente. Eso sin negar que en su momento me sentí muy identificado con Haru, en especial en la forma de ver las cosas. Pero como algunos años que he tenido, el 2012 también tuvo momentos muy dulces y cuando estaba viendo esta serie se llegaron a remarcar de manera importante, al grado que cuando veo los primeros dos episodios, me suelo emocionar como antes. Lamentablemente, a diferencia de las anteriores series que fueron más constante, Accel World fue perdiendo fuelle y los últimos episodios me parecieron infumables. Una lástima porque de haber continuado como empezó, habría sido de mis series emblemas hasta la fecha. Sin embargo, que esos primeros capítulos me hayan marcado tanto, es tanto por el efecto nostalgia como por la acción que tenían y claro, relacionado con un al fin al cabo, feliz 2012. 

-Samurai X, capítulo 43: El principio secreto.

Argumento: Kenshin se encuentra entrenando con su maestro, Hiko Seijuro, para desarrollar la mayor técnica del Amakakeru Ryuno Hirameki. Mientras, recuerda como lo conoció, a la par que se va adentrando en las diferentes enseñanzas que le permitirán dominar el estilo de manera total, lo cual conlleva al enfrentamiento entre maestro y alumno.

Experiencia: Este capítulo tiene su simil con lo visto en Inuyasha. Samurai X en un principio no me agradaba, ya que una ex-novia hablaba tantas maravillas de la misma, que me terminó produciendo mucho mosqueo. Sin embargo, nuevamente pasando unos días de vacaciones luego de la universidad, fue cuando pude disfrutar la serie. Y vaya que me quito la venda de los ojos, en especial este episodio, que fue de los primeros que disfrute ya con otra perspectiva. Por supuesto, ya sabía un tanto de la serie por lo visto en Internet, pero verlo así, fue una revelación. De manera triste, casi no recuerdo mucho el tiempo en que vi Samurai X, ya que fueron años muy pero muy oscuros y que igual mi cabeza prefiere omitir por sanas razones. Lo que sí me viene a la mente es estar frente a la pantalla viendo como Hiko amedrentaba a su alumno para que pusiera en práctica el principio secreto. Tal vez lo que más me marco, fue la personalidad de Kenshin y que en su momento me sirvió de catarsis por lo que estaba en aquellos meses. Por ello, el valor sentimental que le tengo a esta serie, pero en especial a este episodio es bastante grande. 

----------------------------------------------------------------------

Saludos a mi Kuroyukihime ^^, así a quienes gustan de...bueno, también les agrada la nostalgia.

Adiós a un grande: Que la Fuerza de Pegaso te acompañe, Jesús Barrero

Generalmente no me gusta hacer entradas con tintes tristes en el blog. Siento que este sitio debe ser un lugar más para divertirse y relajarse, para olvidar las tonterías y estupideces que hay afuera, en el mundo real. Sin embargo, en ocasiones la situación sobrepasa todo lo esperado y es inevitable que uno se ponga de luto ante ciertas noticias. Claro, las habrá más importantes y hasta renombradas. Sí, es mi lado freak o ñoño hablando, pero cuando un icono de tu infancia se va, no puedes evitar soltar una lágrima y pensar que la vida sigue girando.

Esta mañana, en la madrugada, falleció el actor de doblaje Jesús Barrero Andrade. Conocido doblador, que interpreto un sinfín de papeles en los años ochentas, en especial en caricaturas y luego anime que fueron la punta de lanza de dicho movimiento. Personalmente, siempre fue de mis voces preferidas por ese tono entre adolescente y joven que tenía su voz, que luego con el tiempo, fue diversificando a todo tipo de papeles. Cierto que hay actores emblemáticos como Germán Robles o Alvaro Tarcicio que hicieron grandes cosas, pero algo que distinguió al señor Barrero fue el haber estado en esos programas que marcaron la infancia de muchos. Desde Mazinger Z hasta Saint Seiya. Eso abarco a muchas generaciones que inclusive disfrutaron su talento en series más modernas, como Digimon, Nube sensei o el protagonista de Gintama. Sin embargo, sus papeles más emblemáticos se reducen a dos personajes: Seiya de Saint Seiya y Rick Hunter de Robotech. Con este par, se gano el corazón de muchos que disfrutábamos ver dichas series.

Claro, luego vino Luke Skywalker con Starwars, así Cutzco en las Lócuras del Emperador, ni se diga la Galleta de jengibre en Shrek o Rex en Toy Story. Sin embargo, eso solamente fue secundario a la gran interpretación que tuvo en años anteriores, donde se convirtió en un grande, en un gigante. Hoy día, todo mundo lo llora, inclusive un servidor. Pero su recuerdo y su voz quedara por siempre en todos los fans, no solo de Saint Seiya, sino de otras tantas series que tuvo el honor de hacer al menos una interpretación. Descanse en paz.
Y por tal motivo, la siguiente entrada va dedicada a los diez mejores trabajos que hizo Chucho Barrero en el doblaje, lo que lo hizo ser tan emblemático aun después de su muerte.



-Red Ranger (Austin St. John) - Power Rangers

Ya Jesús Barrero era famoso para cuando salieron los Power Rangers, una respuesta "tibia" por parte de Televisa contra el anime de Tv Azteca. Pese a eso, la adaptación Saban de los Sentai logró hacerse en un lugar del público. El líder indiscutible de la generación primera fue Jason, el Red Ranger, interpretado por Austin St. John, pero en el doblaje estuvo a cargo a el gran Chucho, que supo darle jovialidad a su personaje, pero también carisma y aplomo, al grado que regreso en posteriores entregas, cuando volvía a ser el emblemático Red Ranger.


-Galleta de Jengibre - Shrek

Para los que no son fans del anime, la interpretación de la galleta de jengibre de Shrek, hizo que el resto conociese el trabajo de Don Chucho Barrero. Ya se había robado parte del carisma cuando hace un duelo dialéctico con el villano (seh, con el "pimpón es un muñeco muy guapo y de cartón"), llegando a la cumbre con "se lava su carita". Más de uno, incluido un servidor, se carcajeo a morir con esa escena. Aquí no solo el actor era capaz de dar potencia a personajes juveniles, sino inclusive hacer voces de niño cuando era necesario.


-Cusco - Las Locuras del Emperador

Muchos no les gusta esta película, pero a mi me fascina. Una comedia pura y dura de Disney apareció en el 2000 y llegó a mostrar que el doblaje podía hacer las cosas por sí mismo, sin necesidad de Startalents. Es harto conocido como Arath de la Torre la regó con su interpretación de Cusco y que llamaron de urgencia a Jesús Barrero para que se lo chutará...en un día. Su actuación fue tal, que inclusive luego Disney le dio ganancia económica debido al éxito que tuvo la película. Y claro, todo gracias al "perfomance" de este formidable actor.


-Frank Martin - Transportador 2


El transportador fue de esas películas que se grabaron en Cuernavaca, Morelos. Sí comencé a tomarle gusto al doblaje de dicho estudio, fue gracias a Jesús Barrero, que también estuvo allí haciendo genialidades, como Nube Sensei. Aquí, en esta película, se luce al interpretar a un personaje serio y duro como Jason Staham y ponerse a patear traseros mientras no dejaba su acento varonil pero rudo. Sí le agarre gusto a esta película, fue a la genial actuación del buen Chucho Barrero. Es recomendable verla doblada, mejora con creces lo ronco del actor original.


-Profesor Quirrell - Harry Potter

Sí, hubiese sido mejor poner otra actuación, pero este papel demuestra la versatilidad de Jesús Barrero. Paso a hacer a un personaje tartamudo e inseguro como Quirrell, a ser uno de los esbirros de Lord Voldemort, con un toque malvado y oscuro. Es justamente la actuación de don Chucho Barrero que logra hacer que pasemos desapercibidos la verdadera naturaleza del profesor de Artes Oscuras aun cuando muchos ya sabíamos que era el villano a vencer. Una de sus mejores actuaciones, rompiendo con el molde que tenía de otros papeles.


-Rex - Toy Story

Rex, el entrañable y cobarde dinosaurio de Toy Story, fue otro papel clave para la fama de Jesús Barrero. Formando parte de la vieja guardia de actores de doblaje de Disney, se encargo de hacer famoso a este secundario que brilló aun más en la segunda parte, cuando se obsesiona con vencer al enemigo de Buzz Lightyear. En parte fue gracias a la labor del propio actor, que le daba ese tono medio miedoso, pero también muy chillón, rompiendo con su imagen de tiranosaurus rex. Irónico pero estupendo de muchas maneras.


-Rick Hunter - Robotech

Otro de los papeles que lanzo a la fama al actor y debo decir, mi segundo favorito. Luego de un entrenamiento que tuvo en Los Angeles, Jesús Barrero regreso a México e inmediatamente le toco ser parte del cast de la mitica serie Robotech, que sería un hitazo en nuestro país y toda Latinoamérica. Su interpretación, aunque parecida a la de Koji Kabuto en Mazinger Z, le daría un nuevo protagonismo, al grado que su aparición en Saint Seiya estuvo en riesgo. Sin embargo, también le daría la oportunidad de dirigir esa serie.


-Ozzy - Ozzy y Drix

Un papel atípico, pero a la vez predecible. La voz de Ozzy en inglés estuvo a cargo de Chris Rock, que también Jesús Barrero le dio voz en varias ocasiones. Por esto, tal vez fue elegido y el papel le quedo como anillo al dedo. Alejándose del prototipo de héroe, ahora encarna a uno pero con mala actitud, lo cual sería una marca que también desarrollaría el actor con creces, recordándonos un poco a Cusco de las Locuras del Emperador, pero combinado con los héroes clásicos como Rick Hunter o Seiya de Pegaso. De mis papeles favoritos de este gran actor.


-Gintoki Sakata - Gintama

Una sorpresa que el doblaje de Cuernavaca saco en los últimos años. Aunque muchos, incluido un servidor, se quejaron de que Jesús Barrero hiciera un papel como Gintoki, su interpretación y forma de ser se ha terminado ganando el papel de una manera u otra. Es de esos viejos papeles que veíamos al actor a principios de la década pasada. Divertido, cómico, ameno, fue de las últimas joyas de este formidable actor y que es una tristeza que no pueda continuar, ya que Gintama aun tiene mucho camino por delante.


-Seiya - Saint Seiya

El papel de papeles. Simplemente Jesús Barrero hizo a Seiya tal y como es. Por ello es inevitable que todo mundo lo relacione con este personaje. Seiya hizo famoso a este gran actor...o tal vez fue al revés, ya que pese a tener una eminencia como Tohru Furuya en el doblaje original, Don Barrero supo darle su propio cariz al personaje y darle una mezcla de heroísmo, comicidad y sobre todo, hacerlo entrañable. Todo mundo hoy recuerda su mítica frase: "Dame tu Fuerza Pegaso", que el mismo actor improviso antes de ya llamarla como Dios manda: Los Meteoros de Pegaso.

------------------------------------------------------------------

Saludos a mi esposa, así a quienes son y fueron fanáticos de Jesús Barrero. Vaya con Dios y ¡Dale tu Fuerza Pegaso!

Macross, Do you remember the love? y Un Gran Dinosaurio: dos filmes de animación muy diferentes

Estos días de limpieza los he aprovechado para ponerme al tiro con varias películas que no había podido ver en su momento en cine. Por suerte, no ha sido la cuestión económica que nos ha detenido a mi esposa y a un servidor de ir al cine, sino más bien el tiempo, ya que a veces llegamos tan cansados a la casa, que solo nos acurrucamos y nos quedamos dormidos. Aparte, los fines de semana no son un buen momento para ir, ya que esta lleno de personas o precisamente lo utilizamos para recuperar fuerzas. Así que hemos sido muy selectos a la hora de escoger filmes que nos gusten y optar los demás para chutarnolos en casa de la manera poco legal que ya todo mundo conoce, jeje.

El motivo de la siguiente entrada es de hablar de dos películas de animación diametralmente opuestas, no solo en diseño, país de origen y momento en que fueron hechas. Hablo de "Macross, Do you Remember the Love?" de 1984 y "El Gran Dinosaurio" de Pixar, del 2015. En su momento pensé en hablar por separado de cada una de ellas, más tratándose de Macross, que es una franquicia que merece un universo aparte, pero también no puedo hacerme tarugo al respecto y ponerme hispter/gafapasta, ya que pese a su renombrada, el filme de Macross no es taaan bueno como se dice por allí. Lo mismo iría con el "Gran Dinosaurio", que parece ser uno de los filmes menos valorados de la familia PIXAR.

Pero bueno, vamos a hablar cada uno al respecto.


Un Gran Dinosaurio.

Argumento: han pasado 65 millones de años desde que los dinosaurios...bueno, en realidad no fueron extinguidos por el meteorito, sino que lograron llegar a nuestros tiempos, donde inclusive han llegado a evolucionar, estableciendo familias sedentarias dedicadas a la agricultura. Arlo es el menor de uno de estos clanes y ayuda a sus padres como hermanos a hacer la siembra y proteger lo cosechado de otras especies rapaces como los humanos. Sin embargo, Arlo es un tanto cobarde y siempre depende excesivamente de su familia. Un día, su padre decide entrenarlo para hacerlo más valiente, pero eso cambia la dinámica de la historia totalmente.


Comentario personal: la producción de la película fue bastante accidentada y de una u otra forma, se refleja en el producto final, el cual ha recibido buenas críticas por parte de la prensa especializada, pero siendo muy bajoneada por el público en general. Este proyecto llevaba "años" ya gestándose en la matriz de Pixar. El director y creador de la idea original, Bob Peterson, anuncio en el 2011 que el estudio lanzaría este filme para finales del 2013. Sin embargo, la aparición de "Frozen", retraso el proyecto hasta el 2015. No obstante, la caída de ingresos debido al fiasco de Cars 2, dejo el proyecto más en ascuas, ya que el mismo mandamas, John Lasseter, dijo que necesitaban reformular sus próximos filmes. Finalmente, el 2014 fue el primer año sin Pixar y el "Gran Dinosaurio" se retraso hasta el otoño del año pasado. Durante el trayecto, el filme cambió de casting, de historia, detalles técnicos e inclusive de música. Finalmente, se estreno en París en noviembre del 2015 y en México, a finales de ese mismo mes.

Aquí es donde comienzan los palos. El primero es respecto al argumento. Y es que Pixar siempre nos ha acostumbrado a tramas formidables en parajes extraordinarios o atípicos. De antemano, la supervivencia de los dinosaurios hasta nuestros días es algo genial. Pero todo queda allí, ya que la trama parte en una dirección totalmente diferente y que bien podría haber quedado en otro contexto, pero que no depende exclusivamente del entorno. Esta es la magia de Pixar, donde el fondo se une con la historia. Sin embargo, este filme jamás hace eso y aunque nos muestra una preciosa historia sobre la maduración, el que este hecha por dinosaurios...es totalmente ajena a ello. Simplemente bien pudieron agarrar otro contexto y hubiera pegado igual. Esto termina debilitando demasiado la película, ya que conforme pasaba, yo esperaba ver algo de "dinosaurios" en el contexto. Sin embargo, el concepto de la cultura humana (los ganaderos y agricultores) es tan ajeno y atípico, que aunque es agradable, no termina por encajar.

En sí, la trama no es mala. Narra el típico camino del héroe o la maduración que debe tener toda persona. Con Arlo se ve mejor, ya que nace siendo un alfeñique y su forma en que va creciendo es bastante concisa como coherente. Es la mejor parte de toda la película y sobre todo, no vemos la perdida de la personalidad de Arlo como ocurre en otras tramas parecidas. Aquí siempre parece un tanto cobarde, pero también "buena gente", lo cual se recalca a cada momento y que para ser mejor, no tiene que sacrificar la mejor parte de sí. Esto, con la lamentable pérdida de su padre y el nuevo rol que debe tomar, es lo más entrañable de la película.

El problema es que esto no se ve tan bien con "Spot", el niño humano que se une a Arlo. Tiene carisma el chamaco y es divertido. Inclusive, la forma en que adquiere su nombre también me pareció sumamente original, en relación con el rinoceronte medio loco que encuentran (y que me pareció el detalle Pixar más potente de todos). El problema es que conforme Arlo va madurando, Spot y su presencia va desapareciendo y ya no se puede justificar más. Por ello, cuando vemos la despedida de ambos, es algo que se va previendo durante la película y en lugar de resultar emotivo, parece bastante predecible.

Aquí es donde vamos a otra debilidad intrínseca del filme y es que sus personajes, salvo por el padre y el protagonista, los demás siguen la misma línea y solo sirven para el propósito de maduración. A tal grado resultan sosos, que inclusive los villanos me parecen demasiado sobrevalorados y poco contundentes. Tal vez la diferencia sean los T-Rex Ganaderos, comandados por Butch (interpretado por Sam Elliot) que resulta ser el "maestro" de Arlo y que lo hace magistralmente. Otro elemento "Pixar" que resulta poderoso y que en unas cuantas frases, ya te gana el corazón como el respeto ("nunca se deja de sentir miedo, simplemente lo que haces es dominarlo, como a la naturaleza misma").

Aquí como vemos, la película esta hecha a medias. No hay personajes carismáticos, salvo uno. La historia es lo más normalona y predecible y aunque el diseño gráfico como de animación es soberbio en muchos casos, no termina por dar ese empuje definitivo a la película. No hay un giro de tuerca ni tampoco un intento porque haya originalidad. Sencillamente, se queda en el camino para ser una película de Pixar, aunque en muchos rubros sea superior a otras películas del mismo calibre y presupuesto.

En conclusión, "Un Buen Dinosaurio", es una película muy sencilla del estudio Pixar. Divertida, amena, con buen ritmo, pero que no termina de hacer click, debido a que jamás se decanta por algo. Inclusive, el uso de dinosaurios me pareció de más, ya que la trama nunca se conecta con esto y simplemente vemos a estos geniales animales actuar de humanos y hasta allí. El principio entre épico y chusco cuando el meteorito pasa rozando la Tierra, me pareció muy prometedor para una historia que no tiene nada que ver. No digo que la maduración de Arlo este mal, al contrario, me parece una excelente película para los niños, pero para un adulto, buee...se quedará con hambre de más.



-Macross, Do You Remember the Love?

Argumento: En un futuro muy cercano, la raza de los Zentraedi han invadido la Tierra y se encuentra en plena guerra con la mejor arma de la raza humana, el SDF-1, el cual se encuentra en los anillos de Saturno. Mientras la cantante local, Lyn Minmai da un concierto, un ataque provoca que esta se vea involucrada en la avanzada Zentraedi. Hikaru Ichijou, un novato del escuadrón Skull del teniente Roy Focker, logra rescatarla, pero quedan atrapados en los escombros dentro de la nave. La convivencia hace que se despierte un romance entre ambos antes de ser encontrados, lo cual provoca que en un alarde, Hikaru la saque de la nave para ver el espacio. Allí son capturados, junto con Misa Hayase (uno de los comandantes de la nave) y Roy, por parte de los Zentraedi, que debido a restos y transmisiones, han comenzado a tener curiosidad sobre ellos.

Comentario personal: debo decir que esta película tenía 16 años queriendo verla. Cuando comencé a investigar del anime en la red, de los primeros tópicos que toque fue de Robotech y su contraparte japonesa, Macross. Recordemos que Robotech fue un concepto "gringo"creado por Carl Macek, que pretendía unir tres series de mechas creadas por la Tatsunoko y sin nada que ver una con la otra. Sin embargo, la más emblemática y famosa de todas, fue Macross, Fortaleza Superdimensional, que en el año de 1982, fue un hitazo entre los japoneses. No en balde, los diseños estaban a cargo de un jovensísimo pero talentoso Shoji Kawamori, que se encargaría de hacer las valkirias (varitechs, como fueron conocidos en el concepto Robotech). Debido a que la cantidad de episodios de Macross eran pocos, ello hizo que Macek los uniese con otras dos sagas nada que ver. Sin embargo, algunos de estos conceptos influenciarían a los fans de Macross y Robotech años después.

Con este hitazo, el estudio  Toei y la Tatsunoko hicieron una película conmemorativa en el año de 1984, retomando el mismo hilo argumental y mejorando la animación de manera espectacular para aquellos años. Esta es la película "¿Recuerdas el Amor?" que curiosamente, serviría más de base para las tramas y diseños posteriores, como Macross Seven o Macross Plus. El filme llego a ser un éxito rotundo en Japón, al grado que inauguro los estrenos nocturnos en aquel país, donde filas interminables de fans poblaban los cines, con la intención de ser los primeros en entrar. Claro, Carl Macek trato de traer dicho filme con el concepto Robotech, pero la Harmony Gold se rehusó a razones de censura y políticas (por lo cual veremos a continuación).

Posteriormente, el filme sería estrenado en EUA a mediados de los noventas y tendría un éxito importante, y que ocasiono la cisma entre los fans de Macross y Robotech: Aquellos que defienden el producto original, con su música y trama, mientras otros apelan a la música de Orber y la historia creada por McKinley (el seudónimo que uso Carl Macek para hacer las novelas relativas a Robotech), la cual continua hasta la fecha (inclusive un compadre cree que es mejor Macross y yo por supuesto, Robotech, aunque igual puedo ver ambas versiones sin desquiciarme). En México, la película jamás se estreno en cines, pero sí pudimos disfrutarla a principios de la década pasada, cuando el canal Locomotion decidió transmitirla por primera vez doblada (como paso con Akira y otras películas del mismo corte) aunque con un cast totalmente diferente al de la saga original y claro, respetando el canon Macross en lugar del Robotech (léase, los nombres japoneses originales y con la música de aquellos años).

Antes que nada, debo decir que la película es una condensación de dos horas de los episodios 6 a 27 de Macross, reformulando y cambiando algunos conceptos, de tal manera que la película se pueda ver sin necesidad de recurrir a tanto contexto. El problema, es que pese al excelente trabajo (e inclusive mejoría de algunas tramas, como la acción entre el SDF-1 contra los Zentraedi y el triángulo amoroso entre Hikaru, Misa y Minmei), el contexto se deja volando y la película nos transporta directamente a la batalla de la nave Macross contra los alienígenas. No nos explican como inició la guerra y el origen de muchos personajes. Claro, se lo quieren solventar ya poniendo a Minmei como una cantante conocida y a Hikaru ya como piloto del Skull Squadron. Sin embargo, la falta de una trama previa, provoca que muchos personajes no tengan el mismo impacto que la original, como el caso de Roy y de Ben Dixon (Kakizaki), que aunque mueren de manera dramática, no genera esa lágrimita como en la serie original.

Esto conlleva a que la película es más un homenaje para los fans de la serie original y para los nuevos, puede resultar interesante, divertida y con ritmo, pero también puede resultar un tanto inconclusa y hasta extraña. Por suerte, el haber sido un fan tan acérrimo de Robotech, me permitió acercarme a la película con ojos más inocentes y críticos, lo cual me hace ver que a nivel de guión tiene algunas fallas importantes, aunque en animación es simplemente espectacular. Inclusive, algunos cambios a los diseños de los trajes y la moda, la hacen mucho más atemporal que la original Macross (ya que sí uno ve Robotech o la mencionada, la moda ochentera es tan explícita que de repente resulta mal envejecida). Sin embargo, no todos los rubros se salvan y la música sufre bastante.

La música japonesa de los años setentas y ochentas era bastante peculiar, aun demasiado atrapada por los coros y la solemnidad de los años sesentas y cincuentas. Fue hasta finales de los ochentas y principios de los noventas, cuando se dio un giro a la situación y el estilo pop comenzó a predominar en todas las canciones. Macross, la serie original, es un fiel reflejo de ello, ya que muchas de sus rolas son baladas lentas, medio románticas, muy al estilo de finales de los setentas. Algo que me gusto de Robotech, fue la banda sonora de Minucci y Ober, que la hicieron mucho más tecno y popero. Claro, también hoy en día ya se queda algo envejecida, pero de mejor manera. Esto se ve sobre todo en la película, donde algunos tramas musicales, en lugar de darle algo de epicidad, lo hace más lento y hasta aburrido. Aparte, de dotarle de un aire de angustia bastante patente.

Por suerte, el romance principal, el triángulo entre los tres protagonista es formidable y manejado de mejor manera que la serie original. Aquí sí vemos con argumentos a Misa y su relación con Hikaru, así con Minmei, lo cual me agrado y muchísimo. Claro, hay momentos subidos de tono (como la misma violencia, que es bastante gráfica), pero creo justifican estupendamente la trama romántica. Aparte, también me agrado esa condensación del romance entre Max y Miriya, en especial cuando él la ve de tamaño gigante y le dice que le parece muy linda, a lo cual Miriya, herida, no sabe que responder y solo se apena. En un momento lograron ejemplificar una de las mejores relaciones de la serie.

¡Te adoro Misa!

Lamentablemente, a nivel acción no se logra lo mismo y la batalla final resulta un tanto sosa y hasta aburrida, pese a la formidable canción de "Do you remember the love?", que resulta un tema emblemático y potente para la película.
Por cierto, el doblaje me pareció muy bueno en algunos rubros. Aunque con voces diferentes, estuvo al nivel del de Robotech, inclusive Mónica Villaseñor le daba un tono estupendo a Misa, recordándonos a la Lisa Hayes de Patricia Acevedo.

En conclusión, "Macross, Do you remember the love?" es una buena película de animación japonesa. Con una buena historia, buen ritmo, por momentos resulta un poco lenta, pero no tiene ningún desperdicio. Claro, falta algo de contexto y los fans de la serie la disfrutarán mucho mejor en ese sentido. La música y la animación son estupendos, aunque sí ya un tanto atrasados con respecto a la época que vivimos actualmente. Un clásico en todo el sentido de la palabra.

-----------------------------------------------------------------------

Saludos a mi Lisa Hayes ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Cinco "adaptaciones" gringas del anime.

Hace unos días, mientras escuchaba un podcast sobre la trilogía de "Volver al futuro" (con motivo de la venida de Marty McFly a la mítica fecha del 21 de octubre del 2015), los locutores de dicho programa, comentaban sobre las libertades en traducción que se habían tomado para el doblaje de las películas. Allí es cuando caí en cuenta que las "adaptaciones" hechas para nuestros territorios son de lo más variopintas y extrañas, no solo en las películas, sino en la animación japonesa. Y es lógico, ya que series como Kimagure Orange Road o Captain Tsubasa, en varios países tuvieron cambios de nombres, debido a la dificultad para pronunciar los nombres nipones y claro, lograr una mejor identidad con el público.

Sin embargo, quien supera con creces este tipo de cuestiones, son los norteamericanos, los gringos pues. Sus ediciones y distribuciones siempre han sido los más discutidos, no solo alterando nombres de los personajes, sino también en el contenido, tratando de hacerlo más afin a una audiencia occidental. Y es que Japón tiene una forma distinta de ver las cosas, siendo mucho más abierta en ciertas cuestiones, como la sexualidad y la violencia.

También, en los años ochentas, varias compañías como Saban o Nelvana trataron de traer estas animaciones por su propio pie, con resultados desde brillantes hasta funestos (desgraciadamente más en este último rubro). Por tal motivo, la siguiente entrada se enfocara en algunos ejemplos de estas "rarezas" que curiosamente, aun nos alcanzaron hasta la década pasada.


-Voltron 

Hubo una moda "interesante" en los años ochentas, cuando diferentes productoras y distribuidoras americanas trataron de traer animaciones de gran calado a su propio país. Sin embargo, las reglas de sindicación en aquellos lares siempre han sido bastante peculiares. Ya hemos comentado que la sindicación, consiste en vender la serie, no solo a una cadena, sino "repetirla" en diferentes regiones de EUA, dado su gran tamaño. Esto le da muchos dividendos y ganancias a la productora. Una de las reglas es que sí uno quería una serie para estrenar, debía tener el mínimo de 65 episodios. Bien sabemos que las animaciones niponas pocas llegan a ese número. Por ello, en su momento Carl Macek (creador del concepto Robotech) y la productora World Events Productions, decidieron traer varios animes y "fusionarlos". Uno de ellos, fue este, Voltron.

Para los conocedores y viejunos que vieron a Voltron, notaran que la serie pese a su gran animación y concepto, llego a tener una continuidad bastante rara. Para empezar, el dichoso Voltron se enfocaba en dos robots totalmente diferentes, pero que pertenecían a la dichosa Alianza Galáctica. Resulta que Voltron se componía de dos series llamadas Go-Lion y Dairugger XV, que como es lógico, tenían dos "plots" diferentes.

Go-Lion trataba de un antiguo robot independiente que había caído en soberbia y una antigua diosa lo separo en cinco partes, para darle una lección de humildad. Sin embargo, esa diosa se corrompió y se volvió la bruja Haggar que luego se aliaría con Zarkon para tomar el control de Voltron y el planeta. 5 ciudadanos comunes del planeta donde habita Go-Lion tomarían el mando de este junto con la princesa Allura, la gobernante huerfana del planeta para derrotar a Zarkon y sus villanos.
Como ven, la historia es totalmente diferente a la de Voltron, donde se supone que los 5 protagonista son exploradores de la Alianza y que vienen por el dichoso robot para ayudar a Allura.

En el caso de Dairugger XV, la cosa es más liviana, donde sí se mantiene el concepto de exploración (El Imperio y la Tierra buscan un mundo más habitable), pero igual que Go-Lion, se censuraron muertes, torturas y violencia, donde los soldados y personajes se veían como androides, lo cual justificaba, en su caso, la muerte sin atentar contra un ser vivo. El caso más grave fue el de Sven, que en Go-Lion moría realmente, pero en Voltron, se insinua que queda tan malherido que tiene que ser hospitalizado. Posteriormente, aparecería el gemelo de Sven en la versión japonesa, mientras en Voltron, sería el mismo Sven, ya recuperado. 

Curiosamente, la primera temporada, Go-Lion (y que llegó por error a World Events, ya que ellos esperaban otra serie, llamada Albegas) tuvo un éxito rotundo en 1984, al grado que se crearon 15 nuevos episodios, solamente para su versión americana. Sin embargo, Dairugger XV o el Voltron de los "vehículos" no tuvo el mismo impacto y eso motivo la cancelación de la tercera temporada, que estaría a cargo de Albegas (y que llegaría luego a Latinoamerica, pero en su versión original).

A nivel personal, lo mejor que le dieron a Voltron, fue su tema, que ha sido de los más emblemáticos de los años ochentas. 


-Jinete Sable y los Comisarios Estrella.

World Events Productions volvió al ataque adaptando otro anime, llamado en Japón Star Muskeeter Bismarck, que modifico no solo el contenido del mismo, los nombres, sino inclusive la música, tal como sucedió con Voltron. Sin embargo, nuevamente el soundtrack creado por Dale Shacker es una joya que ha sido remixeado de muchas formas.

Los cambios más notables que hizo la productora, para cuando se emitió la serie (esto en 1987, mientras en México fue a principios de los noventas), fue en los personajes. No solo se modificaron los nombres, sino también los rangos. En Saber Rider, Jinete Sable era el líder, pero en Bismarck, es un cadete de origen inglés. El verdadero jefe del grupo es Bolido (Hikary) mientras Potro es un mercenario que reclutan en el equipo y no un comisario estrella encubierto.

Se omitieron de forma fuerte las nacionalidades de los integrantes, al grado que April Eagle, en realidad era de origen francés. Aparte, el romance que tuvo ella con Jesse Azul (otro personaje que fue modificado de manera drástica) fue meramente invención. Aquí, la productora fue más tajante, ya que se cambiaron episodios completos e inclusive se crearon "nuevos" a partir de las animaciones de otros capítulos (lo cual se ve de manera evidente en el primer episodio, donde recrean el flashback de como Jinete Sable conoció a sus compañeros, el cual sí se ve bastante piñaton).

Lógico, también se cambió la cuestión de las muertes, al hacer que los villanos, los famosos seres de vapor, cuando uno los liquidaban, según volvían a su dimensión. En realidad estos morían en la versión japonesa y había sangre de por medio (de allí que muchas escenas de violencia también fueron cortadas y es evidente cuando uno ve la serie).


-Pokémon

Ya hemos visto dos ejemplos de los ochentas, pero vamos a uno más reciente y dramático. Pokémon es una serie que hasta la fecha, ha cosechado un sinfin de éxitos, no solo en Japón, sino también en EUA, pese a que fue objeto de una censura harto dramática por la productora 4Kids (hoy en quiebra). Para empezar, los gringos hicieron lo mismo que en otras series: quitaron escenas de violencia, de alto contenido sexual o de eventos un tanto traumáticos o sensibles para la audiencia. De allí que varios episodios nunca hayan salido al aire (uno donde Ash es amenazado por un personaje con una pistola, otro donde James se pone unos implantes para senos y cierto episodio donde un Tentacruel ataca una ciudad muy parecida a Nueva York).

El caso más dramático fue con la lentificación de algunas escenas de efectos visuales, ya que cuando estos capítulos fueron emitidos en Japón, causaron crisis convulsivas en varios niños. Por ello, al ver los primeros episodios, se veían en cámara lenta estos sucesos.

Lo que más calo entre los fans, fue el cambio de la música y de la occidentalización de los nombres. Claro, el impacto de dicha adaptación hoy en día es tan fuerte, que muchos prefieren llamar al protagonista "Ash" que en su versión original. Sin embargo, la música que se creo para la serie, en especial los temas vocales, fueron objeto de debate y división entre los fans. Particularmente a mi me encantan las canciones, ya que inclusive las sacaron en su versión larga en CDs. Pero también conozco gente que las aborreció y añoñaban más la serie (lo cual no se puede negar).

Claro, desde que 4Kids dejo la serie, esta perdió su toque infantil y se fue más hacia una serie de aventuras tal como vemos en Japón. Aunque el problema luego vendría en el doblaje latino, donde hubo enfrentamiento entre los fans, por ver quien doblaba a Ash en su momento: Miguel Ángel Leal y Gabriel Ramos. Pero eso, es otra historia.


-Yugi-oh

El caso de esta serie es bastante extraño, ya que las modificaciones vinieron desde su misma versión original, la japonesa. Para los conocedores, hubo una primera versión de Yugi-oh, basada en los primeros arcos del manga. La serie no funciono, debido a la adultez de la misma y su seriedad. Se hizo una segunda version que fue mucho más popular. Sin embargo, la productora 4Kids volvió a hacer de las suyas e igual que con Pokémon, adaptaron la serie para el público americano.

Lo primero, fue la censura de la violencia/erotismo/blasfemia religiosa. Esto se demostró en especial en las cartas, donde muchas fueron modificadas o cambiadas, debido a que tenían una alta dosis de erotismo (desnudos, bustos prominentes), religión (ángeles, demonios, referencias como la cruz o pentagrama) y la violencia (algunas cartas tenían pistolas en sus manos y se cambiaron por cuchillos).

Esto también alcanzo a los personajes, que no solo también se americanizaron sus nombres, sino también quitaron y censuraron muertes, cambiándolas por cosas mucho más normales, como el dormir, la hospitalización, etc. etc. Sin embargo, lo que me pareció más horrendo y que parece digno de los ochentas, fue el cambio de algunos dialogos. Para quienes hayan visto la serie adaptada, verán que algunas conversaciones son sumamente ñoñas o sin sentido, en especial le improvisan chistes horrendos a Joey (Junichiro), haciendolo un patiño horrroroso, cuando es un duelista de alto nivel.  Para colmo, muchos romances insinuados también se rebajan y otros personajes que tenían más relevancia, los dejan en segundo lugar en fijos estereotipados.


-Nausica en el Valle del Viento

De los casos más atroces y que causaron más daño en la distribución de anime, fue la que hizo Disney en su momento con la primera película de Hayao Miyazaki: Nausica. Basada en el manga homónimo del mismo autor, narra las aventuras de Nausica, una princesa que busca reestablecer el equilibrio en el mundo donde habita.

Cuando la película tuvo un enorme éxito en 1984, Disney se apunto para tener los derechos de la misma. Sin embargo, ya teniendo el filme en sus manos, procedieron a hacer horrores: primero, recortaron 25 minutos de la historia, en aras de acelerar la trama. Sin embargo, esto hizo que muchas subtramas de importancia, así paisajes que eran formidables, se dejaran de lado. Aparte, esto se hizo sin que los actores de doblaje lo supieran, lo cual ocasionó la ira de Miyazaki y compañía.

Lógico, escenas de violencia fueron también modificadas y los nombres de los protagonistas también cambiaron, siendo Nausica llamada Zandra. Esta versión apareció en EUA y en otros lugares, teniendo fuertes críticas del publico especializado. Esto hizo que Miyazaki rompiera relaciones con las distribuidoras extranjeras y que los filmes del afamado director no viesen la luz hasta 15 años después, cuando el éxito de la Princesa Momonoke, orilló que otra productora se acercara a Miyazaki. Sin embargo, esta trato de hacer lo mismo con el filme, lo cual provoco, según las leyendas urbanas, que Ghibli le enviara una katana real a la compañía, con una nota diciendo "sin cortes".

Miyazaki posteriormente volvería a tener buenas relaciones con Disney, luego del estreno del viaje de Chihiro. Sin embargo, hoy en día, "Los Guerreros del Viento" (como se llamo esta versión) aun sigue circulando y es que en su momento fue la versión oficial para muchos países, lo cual creo un mal antecedente para Miyazaki y en sus posteriores filmes.

----------------------------------------------------

Ya en otra entrada, hablare de Robotech y otros ejemplos igual de dramáticos. Saludos a mi Lisa Hayes ^^, así a quienes gustan de esta serie.

Robotech: el comienzo

Ya había comentado en una entrada previa, sobre la saga Robotech, pero en esta ocasión, quiero profundizar un poco más sobre esta magnifica saga, que ha creado tantos fans alrededor del mundo.

Para los adultos jovenes y adultos ya mayores, que nacieron al menos entre finales de la decada de los setenta hasta mediados de los ochentas,el fenómeno del anime y manga era bastante reducido, aun pese a contar con un catalogo más o menos surtido.
 Claro, para ello, solo tenemos que ver la barra de programación que tiene Antena o canal 28, donde pasan desde la abeja maya hasta Mazinger Z. Y a eso añadimos series como Kimba, la princesa caballero, la princesa de los mil años, Josemiel, Marco o Perrine.

Sin embargo, si lo vemos fríamente, esto no era considerado "anime" por el público, sino como caricaturas orientales u occidentalizadas, lo cual disminuía un tanto su calidad, tanto gráfica como de historia (Jinete Estrella y las sagas de Voltron). Aparte, como las historias se ubicaban en un mundo muy poco japonés, la cosa estaba lejos de ser considerada un producto oriental.

Tuvo que llegar un producto que fue un derivado de la multitud de sagas "Mechas" que a su vez surgió a raíz del éxito de Gundam, que vino a revolucionar todo el ambiente del anime en México: Robotech.

Y aunque su "creador intelectual", Carl Macek, hizo lo mismo de Saban, al adaptar series japos al ambiente gringo y minimizar un tanto su violencia, supo hacerlo de tal manera, que hoy en día, la saga Robotech  viene a ser un universo paralelo que rivaliza en calidad e historia a la original Macross.


Robotech es una franquicia de series de televisión, películas y cómics de ciencia ficción. Uno de los rasgos distintivos de este universo es el uso de robots transformables en las batallas.

El hilo argumental en que se basa la historia es la protocultura, que se traduce en avances científicos obtenidos por la humanidad a partir de los restos de una nave alienígena estrellada en el Pacífico Sur. Lamentablemente, estos conocimientos traerán como consecuencia una serie de guerras contra diferentes razas extraterrestres.

El universo ficticio de Robotech creado por Carl Macek en un comienzo estuvo compuesto por una serie de animación de 85 capítulos, creada a partir de tres series de animación japonesa sin ninguna relación argumental entre ellas (Super Dimensional Fortress Macross, Super Dimensional Cavalry Southern Cross y Genesis Climber Mospeada). Luego, con los años, fue expandido con películas, novelas, cómics y videojuegos.


Starwars cambió la manera de hacer negocios, tanto en la pantalla grande como chica. De sobra se conoce como Lucas saco un as en la manga, que le garantizo hacerse millonario de la noche a la mañana y era el uso de la mercadotecnia. Esto consistía en sacar un montón de productos, desde juguetes hasta posters, relacionados con la franquicia.
De aquí, se agarraron los productores posteriores para tratar de sacarle "jugo" a cualquier cosa. Las series de televisión partieron principalmente de esto. Por ejemplo, la serie de He-Man o Mask, venían acompañados de sus juguetes, que fueron muy populares por aquellas épocas. A veces primero aparecía el juguete y luego la serie de TV o viceversa.

Por alla de principios de los ochentas y con el éxito de Voltron, tanto a nivel audiencia como mercadotecnia, otras compañías quisieron emular ese éxito.

Por aquel entonces, Revell, una compañía alemana dedicada al modelismo, comenzó a sacar un montón de modelos armables, derivados de Japón, entre ellos, los de una saga que había tenido cierto éxito, llamada The Super Dimensional Fortress Macross. Digo, inclusive en México salieron "modelos" de los valkirias (Varitechs en su versión gringa) que iban desde los más fashion hasta los "piratas" que consistían solo en un F-14 con patas y que le salía la cabeza, al estilo Transformers. Sin embargo, los modelos en EUA llegaron a vender poco, debido a que no se conocía el "producto" original.

El traer este producto, recayo en la productora Harmony Gold, que tenía en la cabeza a un creativo, un sujeto llamado Carl Macek, que solo había destacado de manera parcial, siendo adaptador de algunas series de anime o extranjeras, así había publicado uno que otro libro sobre la música pesada, algo que se había hecho popular en aquella época.

Harmony le encargo a Macek adaptar Macross, que ya había renombrado "Robotech", para la TV gringa. De antemano, Macek tuvo algunas broncas. La clásica es cambiar el nombre y nacionalidad de muchos de los personajes principales. De los que no se perdonaron, fue a los protagonistas, Lisa Hayes y Rick Hunter (Misa y Hikaru respectivamente), que dejaron de ser japos y se volvieron entre gringos o americanos. También Claudia LaSalle paso de ser francesa a ser gringa.

 La bronca principal consistió en la "duración" de la serie, ya que los seriales o caricaturas, según la ley, tenían que tener mínimo 65 episodios. Macross solo tenía 36.
Aquí se podría hablar del "genio" o "lócura" de Macek, ya que decidió tomar otras dos series (Super Dimensional Cavalry Southern Cross y Genesis Climber Mospeada), que Harmony había adquirido con el paquete de Macross, para fusionarlas en una sola y crear un concepto totalmente distinto.
Claro, esto entre los productores, creo un pánico temporal, ya que podría resultar un gran fracaso.
Para colmo, Macek ordeno "quitar" toda la banda sonora original de las 3 series, ya que no encajaba para ser una saga de 85 episodios. Otro movimiento arriesgado, ya que los 3 OST eran bastante buenos, inclusive el de Macross ha sido recordado como uno de los mejores de toda la historia del anime.

El encargado de musicalizar la serie e inclusive sustituir las canciones "idol" de la serie, fue Ulpio Minucci y Arlon Orber, que con ayuda de Reba West, una actriz de medio pelo entonces y que aparte le hacía a la cantada, crearon uno de los soundtracks más emblemáticos de la historia de la TV. La misma West le puso voz a Lyn Minmei e interpreto sus rolas, de un corte más romántico o épico (no podemos olvidar el formidable tema de "We Will Win" que se escucha cuando es la batalla final entre los Zentraidi y los humanos).

Finalmente, la serie se estreno en 1985 y tuvo un éxito mediático, al grado que el anime comenzó a entrar de manera directa y dura en los fans, no solo gringos, sino de toda latinoamérica.

Robotech fue emitida, al menos en México a finales de los ochentas. Un servidor le toco verla, al menos en 1989, de manera repetida y con los episodios desordenados. Por momentos veía capítulos de la Cruz del Sur o me saltaban a cuando Rick y compañía eran capturados por Breetai en su nave comando.

Aunque había conocido la crudeza de la muerte con Remi o Josemiel, el impacto más duro vino de Robotech. Aun hoy en día, la escena de la muerte de Ben me sigue produciendo un vacío en el estomágo y aun peor, cuando pude disfrutar de la versión extendida. 
Otra escena igual de cruda, fue la muerte de Roy Fokker, que aparte de dramática, fue agónica.
Ya para cuando había pasado estos episodios, la ansiedad de que otro personaje entrañable se lo cargara el payaso, era bastante. Pero aun así, allí seguía viendo la serie sin parar. ¿Y como no hacerlo? Este anime vinó a madurar mi gusto por ciertas cosas. Ya no solo me conformaba con series llenas de acción o romance, sino tenían que tenerlo todo. Por suerte, el anime cumpliría tales parametros, en menor o mayor medida.

La última vez que ví Robotech fue en 1993. Lamentablemente, cuando mi padre nos compró a mi hermano y a mí una VHS, ya no pude grabar la serie, ya que la habían sacado de la programación.
La nostalgia por el serial duro bastantes años. Aunque se emitieron animes de gran calibre, siempre recordaba con cariño esta serie, que combinaba romance, acción y dramatismo en un solo paquete.

Para colmo, la serie había causado un furor sin precedentes en Sudamerica. Países como Perú, Chile y en especial Argentina, tenían en un altar a Robotech. Por tal motivo, las televisoras de aquellos países emitían la serie de manera continua, "presumiendo" tales cosas en páginas que llenaban de información la red en aquellos tiempos. Inclusive, fue gracias a esto, que comence a estudiar la cronología Robotech, inspirada en las novelas escritas por "Jack McKinney", un seudonimo que usaron dos escritores que ya habían trabajado en la saga de Galaxy Rangers. Pero eso ya comentaremos en otra entrada.

Fue hasta el año 2001, cuando pude disfrutar nuevamente de Robotech y de manera bastante fortuita, ya que fue emitida al menos por dos semanas, en el canal 5. Tristemente, con los cambios tan bruscos de programación, Robotech no duro y ya no he vuelto a verla en TV abierta.

¿Como es que volvió mi fanatismo al tope por esta serie? Bueno, eso se verá en una próxima entrada, donde veremos algo de DVD piratas, el canal Retro y una adorable esposa que hizo mil malabares al respecto XD.

---------------------------

Saludos a mi princesa, así a quienes gustan de la saga Robotech.