Como ya he comentado en un sinfín de entradas, las ventajas de estar casado, es que tu universo se ve ampliado de manera formidable. Ahora veo series, programas, libros, etc. que antes ni siquiera hubiera notado, si no fuese por mi esposa. Así que es harto interesante cuando ella le toca escoger películas y encontrarme con unas buenas sorpresas.
Dos justamente se dieron en los últimos dos meses. Sí, no tengo perdón por haberme tardado tanto en reseñar una de ellas, pero no encontraba un hueco apropiado. Iba originalmente a ser parte de un especial de Halloween, sin embargo el trabajo de esos días, hizo que finalmente la dejara nuevamente aparcada, hasta que ví otra película que escogió mi mujer hace unos días. Así que me parecio justo hacer una entrada con motivo de ella (más cuando este mes es su cumpleaños, jeje).
Así que vamos a hablar sobre "Hotel Transylvania 2" y "Pasante de Moda".
-Hotel Transylvania 2.
Argumento: han pasado varios años desde que Johnny llego al mítico Hotel Transylvania. Luego de adaptarse a la vida de su prometida Mavis, hija del Conde Drácula y regente del lugar, finalmente se casan y tiene a su primer enano, Dennis. Drácula ha estado un tanto descolocado con los cambios que han hecho Mavis y Johnny al lugar, incorporándo tecnología como célulares y Wi-fi. Sin embargo, lo que más le alarma es que Dennis ya tiene cierta edad y no ha desarrollado poderes de monstruo. Aprovechando un viaje de la pareja para ver a los padres de Johnny, Drácula decide llevarse a su nieto para entrenarlo y así desarrollar sus poderes.
Opinión personal: Esta película, que es la secuela de que salió en el 2012, debo decir de antemano, que no la he visto. Sí, ví el último tercio cuando un día la pasaron en la televisión, pero solo me dio el contexto de que Drácula no quería que su hija se juntase con un humano, pero el carisma de Johnny logra vencer la reticencia y sobreproteccion del padre, aceptando su vida en pareja. Claro, en ese entonces, mi esposa y yo solo enarcamos una ceja, pero por alguna razón vimos ese trozo y nos dejo un buen sabor de boca, muy en especial a ella. Así que un día, que le comenté que quería ver, fue cuando decidió que entramos a esta película. No puse peras al respecto, ya que me parecía un buen cambio, por una película de animación, aunque igual tendría que aguantar las tonteras de Adam Sandler, que no solo es la voz de Drácula en inglés, sino también es uno de los productores ejecutivos y hasta guionista.
Sin embargo, me lleve una sorpresa desde el principio: Gendy Tartakovsky había sido el director de la primera y esta, eso me daba un mínimo de calidad, ya que en su momento fue la cabeza de proyectos tan potentes como Samurai Jack o The Clone Wars de Cartoon Network.
Para empezar, la idea del filme es harto sencilla, pero efectiva: Papá Drac ha aceptado, a medias, la relación de su hija con un humano. Aun le impresionan los gagdets, pero todo lo tolera de buena manera, porque su nieto es adorable (literalmente adorable. No solo lo diseñaron chulo, como dice mi mujer, sino tiene una personalidad de un chiquelo normal). Sin embargo, parte de sus prejuicios vuelven cuando se da cuenta de que el mocoso no ha desarrollado ningún poder. Claro, a Mavis le da igual, pero esto genera una tensión entre ambos, ya que Papá Drac piensa que su hija lo sobreprotege (con cierta razón, pero nuevamente algo normal para una mama primeriza). Por ello, cuando la pareja se va de viaje, Drácula aprovecha para entrenarlo y aquí es donde empieza la parte jocosa del asunto, ya que la modernidad también ha afectado a sus amigos, los cuales se han adaptado mucho mejor a ello (Franky tomándose selfies, el hombre lobo como padre de familia...de al menos 50 cachorros, etc. etc.). Por supuesto, Mavis se llega a enterar, aun pese a los encubrimientos de Johnny (que en cierta manera está de acuerdo con su suegro, ya que si Dennis no se vuelve monstruo, Mavis ha pensado en mudarse del hotel). Claro, uno sabe que esto lleva a malentendidos y situaciones de lo más chuscas.
Aunque los personajes son estereotipados, todos cumplen su función perfectamente y lo mejor, llegan a minizar la presencia de Johnny, ya que debo admitirlo, este personaje me choco bastante en lo poco que vi en la primera. Sin embargo, acá lo dejan como el esposo comparsa inquieto y divertido. La trama gira alrededor del entrenamiento de papá Drac, así luego de la relación entre Mavis y su propio padre, teniendo a los demás enmedio, incluyendo al adorable Dennis.
Sin embargo, lo que me sorprendió fue la ausencia del chiste fácil. Realmente todas las ocurrencias y situaciones divertidas estan bien trabajadas y aparte, dejando de lado del cliche de los monstruos, sino al contrario, explotandolo y llevándolo al máximo. Y es que temía que Sandler se viese demasiado estúpido, como he visto en sus producciones más recientes, pero aquí nuevamente vemos un humor un poco más trabajado. Por ejemplo, la parte donde llevan a Dennis al viejo campamento, es de lo más cómico, pero también generacional, ya que Drac ve como sus antiguas enseñanzas se han quedado atrás, por métodos un poco menos convencionales. Claro, para un nostálgico y vejete como yo, eso me hizo identificarme demasiado con el personaje. Aparte, supieron darle cierto protagonismo a cada uno de los cuates de papá Drac, sin caer en lo simplón.
Lamentablemente, el último tercio cae un tanto el ritmo y aunque el final es un tanto predecible, aun teniendo una épica pelea final, la parte donde aparece el padre de Drácula, Vlad (interpretado en inglés por Mel Brooks), me pareció también un estupendo acierto, aunque un tanto apresurado.
Por cierto, el doblaje me parecio bastante correcto, aunque los Startalents, sí se notaron bastante por momentos.
En conclusión, "Hotel Transylvania 2", es una película botanísima, divertida y sobre todo, con un buen humor. No cae nada pesada y es agradable, teniendo un buen ritmo. Aparte, sabe meter las cosas "serias" o de reflexión en el momento adecuado. Me sorprende que siento un guión de Adam Sandler, las bromas y gags esten bien trabajados (bueno, se nota que tuvo otros dos que le echaron la mano de sobremanera). Bastante recomendable, aunque claro, tampoco es una joya de la animación, pero bien trabajada y nada pretenciosa. Por lo menos, el éxito de esta, ya aseguro una tercera parte, que se estrenara en el 2018.
-Pasante de moda
Argumento: Ben Whitaker (Robert De Niro) es un ejecutivo de 70 años, retirado y viudo, que tiene mucho tiempo libre. Para alejarse de las pretensiones nada sanas de su loca vecina, decide aplicar para un novedoso trabajo como pasante en una compañía de modas, para personas de la tercera edad. Rapidamente, su forma de ser comienza a chocar de frente con las nuevas tendencias y comienza a crear un cambio, no solo en la gente de su alrededor, sino también en la jefa de dicha empresa, Jules (Anne Hathaway).
Comentario personal: De un tiempo para acá, Robert De Niro ha tratado de incursionar en otro tipo de papeles, sobre todo en el cómico. Desgraciadamente, parece que el drama ya no le llama la atención y aunque recibió una nominación al Oscar por su papel del padre del protagonista en "Silver Lining Playbook", este fue más por su sobreactuación que por otra cosa.
Por ello, cuando lo vi aparecer en esta película, pensé que sería un megachurrazo. Sin embargo, la trama reflejada en un trailer bastante divertido y claro, teniendo a Anne Hathaway como co-protagonista (lo cual he dicho, me encanta su sonrisa - me recuerda a la de mi mujer -), es obvio que no tuve que hacer ninguna pera para acompañar a mi mujer a ir al cine. Ella adora las películas de "viejitos" (mientras estas no tengan drama excesivo y el típico tópico de la muerte) y como está parecía ser mucho más fresca y ligera, allí fuimos una tarde de domingo sin nada de prisas.
Tal como dije, la película es una especie de comedia ligera, con ciertos toques muy leves de drama y reflexión. Tal como dice la primicia, el personaje de Ben es una persona con unos ideales que ya no se ven hoy en día. A diferencia de otros filmes, donde alguien como él, terminaría chocando o friccionandose con los demás, su personalidad y empatía hacen que se gane el favor de los demás, no solo "educando" sino formando y enseñando las viejas costumbres. Es harto conocido este tópico, pero a veces es tan mal manejado que termina por crear una situación tensa o forzada. Sin embargo, la actuación de De Niro y la forma en que estan escritas sus participaciones e intervenciones, son muy sútiles, nada agresivas, lo cual hizo a su personaje bastante continuista y estable.
Claro, uno podrá criticar precisamente que el personaje de De Niro no evoluciona en el filme. Precisamente él no tiene que hacerlo, ya que mediante comentarios que hace, él mismo ya cambio y se encuentra en una especie de posición de "maestro", donde se dedica a repartir sabiduría y dar ese pequeño empuje, que lamentablemente hoy se ha perdido en las generaciones actuales, más acostumbradas a la informal y la velocidad.
Justamente, esta parte recae en el personaje de Hathaway. Ella es la que va cambiando, no solo por la presencia de Ben, sino también porque su vida parece haber llegado a una "cima" bastante peligrosa. Su apoyo en la compañía se lo dice constantemente: "no puedes hacer crecer tanto la compañía o corremos el riesgo de salirnos del carril, hay que hacerlo tranquilo". Sin embargo, Jules, como la mayoría de su generación, buscan el éxito de manera inmediata, sin mediar bien lo que sucede.
Esto se ve sabrosamente en la primera mitad de la película y sobre todo, el papel mediador o de profesor de De Niro está muy bien trabajado. No vemos a alguien ridículo, tendencioso o metiche, sino como una persona que piensa que es mejor decir poco y hacer mucho.
Otro acierto de esa primera mitad, es no caer en los cliches. Ben no se vuelve una figura paterna, sino se vuelve un consejero, alguien con más experiencia y que le enseña a Jules a como lidiar, no solo con el trabajo, sino también con su hija y su esposo. Sin embargo, esta parte y la segunda mitad, es cuando el filme pierde velocidad y potencia. La parte en que Ben y Jules se va compaginando, pierde fuerza a raíz de cierto evento bastante crucial en el filme. Lamentablemente, en lugar de verse como un punto más, termina por marcar la diferencia durante el resto de la película. No es que este mal y me pareció adecuado, ya que las reflexiones secundarias a este, fueron harto interesantes. Pero, se enfocaron tanto en esto, que inclusive la participación de Ben es minimizada de fea forma. Esto hizo que el último tramo de la película, ya no estuviese tan enganchado como al principio (y que se pudo resolver de otras maneras).
Aunque he hablado maravillas de Ben y algo de la irregularidad del personaje de Jules, los secundarios son fantáticos. Aparece Rene Russo como una masajista bastante curiosa, así los amigos que Ben hace en la oficina, que aunque tienen la pinta de nerds y de ninis, en realidad son buenas personas y gracias al carisma del protagonista, es como comienzan a avanzar, reflejándose, no solo en su actitud, sino también en su forma de vestirse e inclusive de llevar un pañuelo.
También hay otros aspectos de la película que me parecieron de más, como el secuestro de una laptop, pero solo sí soy estricto. Aunque me pareció fuera de contexto, en realidad me reí a mandíbula batiente con la situación y me hizo ver que pese a la cara de enojado de De Niro, sí sabe hacer comedia de la buena, más con sus compañeros que le servían de buenos patiños.
Por suerte, la película la disfrute doblada y me pareció un trabajo bastante bueno, en especial de Cristina Hernández y José Lavat.
En conclusión, "Pasante de Moda" es una buena película. Ligera, divertida y sin muchos quebraderos de cabeza (gracias a Dios). Agradable para verse al menos un par de veces y sobre todo, con cierto toque de nostalgia. Claro, en su ligereza, es cuando vemos que un poco más de drama no le hubiera caído mal. Sin embargo, ver el choque de generaciones y la forma de arreglar las cosas, por un lado y por otro, es harto divertido. Más de uno se quejará de que la película peca de la inutilidad de las actuales generaciones, pero muchas partes en la película también se alaba a la misma, por su genialidad. Así que lo considero como algo equilibrado y sin ser tendencioso. Bastante recomendable para un fin de semana.
Lo curioso, es que la película tuvo bastante buena aceptación entre el público, pese a que la crítica la trato a mitades. El filme costo casi 40 millones de dolares, pero en recaudación total lleva 180 millones. Nada mal, nada mal.
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Saludos a mi princesa, que gracias a ella, pase un par de buenos ratos, así a quienes gustan de este tipo de cine.
jueves, 12 de noviembre de 2015
Dos películas opuestas, pero cortesía de mi mujer: Hotel Transilvania 2 y Pasante de Moda.
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martes, 10 de noviembre de 2015
Star Wars, a Musical Journey: uno de los grandes extras del Episodio III.
Para cuando se publique esta entrada, estaremos a 37 días del estreno del llamado Episodio VII, "El Despertar de la Fuerza", al menos aquí en México. En EUA y otras latitudes será el día 18 de diciembre del presente. Hasta el momento, la sorpresa y fascinación que ha causado el último trailer, estrenado hace pocas semanas, generó un impacto tal en la preventa que no solo rompió records, sino ya ha asegurado pronósticos sorprendentes para el estreno y recaudación del mismo.
Claro, personalmente no me hago tantas esperanzas, ya que lo mismo se preevía con el Episodio I y al final, las cosas no resultaron tan bien, al menos a largo plazo. Curiosamente, mi expectativa para ver de nueva cuenta mi saga favorita, no es tan grande. La razón es que puede ser un gran truño, ya he comentado y que es mejor ir con un fanatismo tranquilo. A tal grado ha sido esto, que mejor pospuse mi estreno personal hasta unos días después, dejando que el mayor impacto de la ola se lo lleven los demás en las primeras horas. También por supuesto, es que mi mujer me dijo que "ni maíz" al estreno nocturno. Y obvio, no iba a ir solo al cine. Ya he comentado que algo que disfruto de la compañía de mi esposa son sus comentarios y como es capaz de ponerle a uno los pies sobre la tierra. Eso servirá mucho más para hacer un buen análisis y claro, disfrutarla de manera retrospectiva.
Mientras, he dejado salir mi gusto por otros lares, escuchando el soundtrack de manera repetida, visualizar las películas un par de veces más y claro, llenarme de notas y otros datos curiosos de la franquicia. Inclusive, he visitado sites favoritos, como Loresdelsith.net para impregnarme de aquellos mágicos años, cuando Episodio I estaba en el firmamento. Claro, aun espero conseguir la sixtología en Blu-ray, pero las finanzas no van bien y es mejor enfocarme en cosas de crucial importancia. No es que Starwars no lo sea, pero creo que comer y dormir bien es lo fundamental para ver bien una película, jeje.
Después de tan larga introducción, es hora de hablar del producto que reseñare a continuación: Star Wars, a Musical Journey, una de las felices recompensas que tuvo el soundtrack del Episodio III.
Star Wars: A Musical Journey' es un documental conducido por Ian McDiarmid (Palpatine) quien nos cuenta cada detalle de la historia de la Saga de Star Wars, desde Episodio I hasta Episodio VI.
Como ya comenté previamente, me puse a reseñar y ver productos de Starwars al por mayor en los últimos meses. Starwars no solo es de mi saga favorita, al grado que mi nick esta inspirado en el protagonista, sino también ha formado parte importante de mi vida en diferentes grados. En su momento, llego a impulsarme y a ayudarme en cierto período crucial, donde no sabía si continuar con mi vida actual o no. A tal grado ha llegado mi fanatismo que inclusive mi fanfic más largo está basado en un universo alternativo, donde los Jedis y Siths manejan poderes fantásticos, pero sin dejar a lado el uso de la Fuerza y los sables de luz.
Sin embargo, uno de los aspectos más potentes de la saga es la música, creación de John Williams, que supo revitalizar el género de fanfarria y orquesta, recreando los leimotivs que serían tan característicos en las diferentes películas. Ahora, no puedo dejar de pensar en Star Wars, en el momento que escucho la música, aun cuando no este viendo el filme directamente.
Por ello, cuando las precuelas comenzaron a salir, rapidamente me comence a hacer de los CD que salían en aquel momento. Sin embargo, de mis favoritos fue el episodio III, ya no solo tenía una banda sonora potente, sino también incluyo un regalo que no me esperaba: un DVD.
Para las generaciones actuales les parecerá extraño, ya que ahora cualquiera de estas cosas se puede conseguir en un formato digitial y sin problemas, pero hace diez años, el CD ya estaba en decadencia ante el DVD y por consiguiente, muchos artistas sacaban este último para acompañar al disco y seguir dándole apoyo. Por ello, un CD de ERA que tengo, también incluyo un DVD con sus mejores videos. Star Wars no podía ser la excepción y todo recayo en el dichoso "A Musical Journey".
El contenido del DVD se divide en 16 capítulos, los cuales ejemplifican un tramo musical y visual de alguna parte de los 6 episodios. Antes de cada capítulo, Ian McDiarmid, el actor que interpreto a Darth Sidious/Palpatine es el encargado de hacer una leve presentación de cada uno. A continuación, una lista y descripción de cada uno.
La duración total de todos los episodios llega un poco más de una hora, pero es muy ameno escuchar y ver cada video, pero sobre todo disfrutar de la presentación que hace McDiarmid de cada uno.
Sin embargo, lo primero que uno piensa es que los videos que pertenecen a la trilogía de precuelas, son copia y calca de los que salieron entre 1999 y el 2005. Sin embargo, no es así, ya que los productores de dicho DVD, trataron de hacer sus propias versiones de cada canción, algunos con mejores resultados que otros.
En el aspecto musical, es innegable que cada tema es brutal y de lo más emblemático de la saga. El problema, como repito, son las imagenes que escogieron. Mientras en lo referente a la trilogia clásica, me encanto como hicieron la edición y así los shots que eligieron, en el caso de las precuelas, el trabajo es un tanto más mediocre y para colmo, llega a desentonar de fea forma. Por ejemplo, "Across the Stars", el video original del año 2002 es mucho más divertido y tiene un aire starwariano más clásico, donde se enfocan en mezclar 3 temas del Episodio II: el tema principal, la persecusión en Coruscant y luego el tema romántico de la serie, alternando esto con dialogos de la película. Aunque no niego que el tema romántico es medio ñoño, el combinarlo con el resto de la música del filme, es formidable (justo el cual escucho ahora mientras hago esta reseña).
El problema viene con el tema que incluyeron en el DVD, que me parece poco potente y para colmo, haciendo aun más ñoño el romance entre Anakin y Padme (que de todas formas tiene esas características en la película). Curiosamente, el video de "Battle of Heroes", es el único que fue trasladado en su totalidad al DVD y me pareció un poco mediocre este punto, ya que pudieron crear un video mucho más sustancial y poderoso como lo fueron sus antecesores.
Por suerte, mis quejas con los siguientes capítulos es mucho menor, ya que la edición es muchísimo mejor y hasta parece estar hecha con mucho más cariño. Inclusive, los temas más épicos, como la batalla en el bosque de Endor, aunque tiene imagenes del Episodio I y II, realmente realzan mucho más la escena, dandole aun más ese aire nostálgico. Personalmente, de los mejores videos, es el que hicieron para honrar la vuelta al lado luminoso a Darth Vader, que me pareció fenomenal, tanto en edición como en las imagenes que escogieron.
En conclusión, "A Musical Journey" es un buen documental de la saga de Starwars. La ventaja es que aparte de conseguirlo en el soundtrack del Episodio III, próximamente estará incluído en un pack con lo mejor del soundtrack de toda la saga, esto para enero del 2016. Mientras, aquí les dejo un enlace en el "tubo", donde puede disfrutar los diferentes episodios del mismo.
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Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de Starwars.
Claro, personalmente no me hago tantas esperanzas, ya que lo mismo se preevía con el Episodio I y al final, las cosas no resultaron tan bien, al menos a largo plazo. Curiosamente, mi expectativa para ver de nueva cuenta mi saga favorita, no es tan grande. La razón es que puede ser un gran truño, ya he comentado y que es mejor ir con un fanatismo tranquilo. A tal grado ha sido esto, que mejor pospuse mi estreno personal hasta unos días después, dejando que el mayor impacto de la ola se lo lleven los demás en las primeras horas. También por supuesto, es que mi mujer me dijo que "ni maíz" al estreno nocturno. Y obvio, no iba a ir solo al cine. Ya he comentado que algo que disfruto de la compañía de mi esposa son sus comentarios y como es capaz de ponerle a uno los pies sobre la tierra. Eso servirá mucho más para hacer un buen análisis y claro, disfrutarla de manera retrospectiva.
Mientras, he dejado salir mi gusto por otros lares, escuchando el soundtrack de manera repetida, visualizar las películas un par de veces más y claro, llenarme de notas y otros datos curiosos de la franquicia. Inclusive, he visitado sites favoritos, como Loresdelsith.net para impregnarme de aquellos mágicos años, cuando Episodio I estaba en el firmamento. Claro, aun espero conseguir la sixtología en Blu-ray, pero las finanzas no van bien y es mejor enfocarme en cosas de crucial importancia. No es que Starwars no lo sea, pero creo que comer y dormir bien es lo fundamental para ver bien una película, jeje.
Después de tan larga introducción, es hora de hablar del producto que reseñare a continuación: Star Wars, a Musical Journey, una de las felices recompensas que tuvo el soundtrack del Episodio III.
Star Wars: A Musical Journey' es un documental conducido por Ian McDiarmid (Palpatine) quien nos cuenta cada detalle de la historia de la Saga de Star Wars, desde Episodio I hasta Episodio VI.
Como ya comenté previamente, me puse a reseñar y ver productos de Starwars al por mayor en los últimos meses. Starwars no solo es de mi saga favorita, al grado que mi nick esta inspirado en el protagonista, sino también ha formado parte importante de mi vida en diferentes grados. En su momento, llego a impulsarme y a ayudarme en cierto período crucial, donde no sabía si continuar con mi vida actual o no. A tal grado ha llegado mi fanatismo que inclusive mi fanfic más largo está basado en un universo alternativo, donde los Jedis y Siths manejan poderes fantásticos, pero sin dejar a lado el uso de la Fuerza y los sables de luz.
Sin embargo, uno de los aspectos más potentes de la saga es la música, creación de John Williams, que supo revitalizar el género de fanfarria y orquesta, recreando los leimotivs que serían tan característicos en las diferentes películas. Ahora, no puedo dejar de pensar en Star Wars, en el momento que escucho la música, aun cuando no este viendo el filme directamente.
Por ello, cuando las precuelas comenzaron a salir, rapidamente me comence a hacer de los CD que salían en aquel momento. Sin embargo, de mis favoritos fue el episodio III, ya no solo tenía una banda sonora potente, sino también incluyo un regalo que no me esperaba: un DVD.
Para las generaciones actuales les parecerá extraño, ya que ahora cualquiera de estas cosas se puede conseguir en un formato digitial y sin problemas, pero hace diez años, el CD ya estaba en decadencia ante el DVD y por consiguiente, muchos artistas sacaban este último para acompañar al disco y seguir dándole apoyo. Por ello, un CD de ERA que tengo, también incluyo un DVD con sus mejores videos. Star Wars no podía ser la excepción y todo recayo en el dichoso "A Musical Journey".
El contenido del DVD se divide en 16 capítulos, los cuales ejemplifican un tramo musical y visual de alguna parte de los 6 episodios. Antes de cada capítulo, Ian McDiarmid, el actor que interpreto a Darth Sidious/Palpatine es el encargado de hacer una leve presentación de cada uno. A continuación, una lista y descripción de cada uno.
- A Long Time Ago - "20th Century Fox Fanfare" / "Star Wars Main Title" (de todas las películas)
- Dark Forces Conspire - "Duel of the Fates" (de La Amenaza Fantasma)
- A Hero Rises - "Anakin's Theme" (de La Amenaza Fantasma)
- A Fateful Love -"Across the Stars" (de Star Wars Episodio II: El Ataque de los Clones)
- A Hero Falls - "Battle of the Heroes" (de Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith)
- An Empire Is Forged - "The Imperial March" (de Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca)
- A Planet That Is Farthest From - "The Dune Sea Of Tatooine" / "Jawa Sandcrawler" (de Star Wars Episodio IV: Una Nueva Esperanza)
- An Unlikely Alliance - "Binary Sunset" / "Cantina Footage" (de Una Nueva Esperanza)
- A Defender Emerges - "Princess Leia's Theme" (de Una Nueva Esperanza)
- A Daring Rescue - "Ben's Death" / "Tie Fighter Attack" (de Una Nueva Esperanza)
- A Jedi Is Trained - "Yoda's Theme" (de El Imperio Contraataca)
- A Narrow Escape - "The Asteroid Field" (de El Imperio Contraataca)
- A Bond Unbroken - "Luke And Leia" (de Star Wars Episodio VI: El Retorno del Jedi)
- A Sanctuary Moon - "In The Forest (Concert Suite)" (de El Retorno del Jedi)
- A Life Redeemed - "Light Of The Force" (de El Retorno del Jedi)
- A New Day Dawns - "Throne Room" / "Finale" (de Una Nueva Esperanza)
La duración total de todos los episodios llega un poco más de una hora, pero es muy ameno escuchar y ver cada video, pero sobre todo disfrutar de la presentación que hace McDiarmid de cada uno.
Sin embargo, lo primero que uno piensa es que los videos que pertenecen a la trilogía de precuelas, son copia y calca de los que salieron entre 1999 y el 2005. Sin embargo, no es así, ya que los productores de dicho DVD, trataron de hacer sus propias versiones de cada canción, algunos con mejores resultados que otros.
En el aspecto musical, es innegable que cada tema es brutal y de lo más emblemático de la saga. El problema, como repito, son las imagenes que escogieron. Mientras en lo referente a la trilogia clásica, me encanto como hicieron la edición y así los shots que eligieron, en el caso de las precuelas, el trabajo es un tanto más mediocre y para colmo, llega a desentonar de fea forma. Por ejemplo, "Across the Stars", el video original del año 2002 es mucho más divertido y tiene un aire starwariano más clásico, donde se enfocan en mezclar 3 temas del Episodio II: el tema principal, la persecusión en Coruscant y luego el tema romántico de la serie, alternando esto con dialogos de la película. Aunque no niego que el tema romántico es medio ñoño, el combinarlo con el resto de la música del filme, es formidable (justo el cual escucho ahora mientras hago esta reseña).
El problema viene con el tema que incluyeron en el DVD, que me parece poco potente y para colmo, haciendo aun más ñoño el romance entre Anakin y Padme (que de todas formas tiene esas características en la película). Curiosamente, el video de "Battle of Heroes", es el único que fue trasladado en su totalidad al DVD y me pareció un poco mediocre este punto, ya que pudieron crear un video mucho más sustancial y poderoso como lo fueron sus antecesores.
Por suerte, mis quejas con los siguientes capítulos es mucho menor, ya que la edición es muchísimo mejor y hasta parece estar hecha con mucho más cariño. Inclusive, los temas más épicos, como la batalla en el bosque de Endor, aunque tiene imagenes del Episodio I y II, realmente realzan mucho más la escena, dandole aun más ese aire nostálgico. Personalmente, de los mejores videos, es el que hicieron para honrar la vuelta al lado luminoso a Darth Vader, que me pareció fenomenal, tanto en edición como en las imagenes que escogieron.
En conclusión, "A Musical Journey" es un buen documental de la saga de Starwars. La ventaja es que aparte de conseguirlo en el soundtrack del Episodio III, próximamente estará incluído en un pack con lo mejor del soundtrack de toda la saga, esto para enero del 2016. Mientras, aquí les dejo un enlace en el "tubo", donde puede disfrutar los diferentes episodios del mismo.
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Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de Starwars.
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lunes, 9 de noviembre de 2015
El Último Catón: una de las obras cumbre de Matilde Asensi
Hace unos cuantos días, mientras mi esposa y un servidor estabamos dando vueltas por una popular tienda comercial del Imperio, llegamos a la sección de libros y me tope con la sorpresa de que una de mis escritoras favoritas, Matilde Asensi, había escrito una nueva obra: la continuación del Último Catón.
Considerada una de mis novelas favoritas de dicha autora, no pude menos de animarme para conseguirla próximamente (ya cuando mi economía se vaya componiendo, espero en un futuro cercano), aun ante los ojos extrañados de mi esposa.
¿Por qué le tengo cariño a los libros de Asensi? Bueno, en la entrada anterior ya comentaba de una díficil época que viví a principios de los años 2000 y que por razones aun desconocidas, no sé como no me volví loco, literalmente, con tanta presión que obvio, mucha yo me eche encima y no supe como manejar. Sin embargo, me ayudo a definir lo que realmente quería y que hoy disfruto intensamente. Aparte de que supo marcar que tipo de libros son mis favoritos hasta hoy en día, como son la épica de aventuras. Por lo tanto, ahora vamos a la reseña del "Último Catón", uno de mis libros favoritos, no solo de Asensi, sino en general.
El último catón es una novela superventas de ficción, de la escritora española Matilde Asensi (1962–), ambientada temporalmente en la actualidad y que cuenta una historia en la que a través de una investigación del Vaticano se pretende descifrar el misterio de los robos en todo el mundo de fragmentos de la Vera Cruz. Salió a la venta en el año 2001 y según Editorial Planeta, se han vendido más de 1,25 millones de ejemplares.
Antes de hablar de esta genial obra, vamos a hacer nuestro cachito dedicado a la autora.
Matilde Asensi, nacida en Alicante, España, en 1962, desde muy pequeña manifesto el deseo de ser escritora. Inclusive, desde pequeña estando en un colegio religioso, llegaba a sacrificar recreos por continuar las lecturas que tenía pendientes (lo cual ha llegado a manifestar de manera explícita en los personajes femeninos de sus obras).
Ingreso a la Universidad autonóma de Barcelona, donde se licencio en periodismo. Estuvo trabajando en diferentes agencias y en radio, hasta que se dio cuenta de que la chamba le robaba tiempo para escribir. Por lo tanto, consiguió una plaza administrativa y fue cuando comenzo a dedicarse de lleno a estos menesteres. Publicó su primera obra, el Salón del Ambar, en 1999 (la cual también tengo en mi biblioteca) la cual le genero éxito y reconocimiento. Posteriormente vinieron Iacobus (otra que ya he comentado en el blog) y posteriormente esta, "El Último catón".
Lamentablemente, la autora paso un trago amargo a mediados de los noventas, cuando otra de sus obras, El Origen Perdido, tuvo una demanda por parte de un historiador argentino, que manifesto haber sido objeto de robo de material por parte de la autora para crear su libro. En su momento quise tener dicha obra, pero curiosamente ahora no la encuentro en las librerías. Finalmente, luego de publicar la trilogía de Martín Ojo de Plata, volvió hacia los orígenes, que se plasman en la continuación del Último Catón.
Por cierto, ¿De qué va el libraco?
Ottavia Salina es una reputada paleógrafa del Vaticano. Perteneciente a una orden religiosa, se encarga de analizar y desincriptar archivos secretos de la Santa Sede. Cuando el capitán de la guardia Suiza, Kaspar Glauser-Röist, se aparece frente a ella con el cadáver de un etíope, es cuando se ve arrastrada a una aventura para desentrañar los misterios que rodean no solo a antiguas relíquias santas, como la Vera Cruz (la Cruz de madera donde fue cruficado Jesucristo), sino también a una antigua orden religiosa, fundada por la madre de Constantino I y que está detrás de la busqueda de dichas reliquias y su custodia.
Opinión personal: Aunque los libros de Matilde Asensi me parecen excepcionales y con una narrativa bastante amena, debo decir que la evolución de su narrativa ha mejorado con el tiempo, lo cual se nota con sus dos obras anteriores, el Salón del Ambar y Iacobus.
Mientras en la primera, su diseño de personajes era estupendo (adosandolos con unos dialogos muy chispeantes y amenos), esta cuestión bajo un tanto más con Iacobus, donde la autora se enfrasco en llenar de datos y referencias de todo tipo la obra, lo cual para un novato o alguien que requiere algo más ligero, sí llega a causar un serio dolor de cabeza. Lo digo porque cuando me chute la segunda, me tenía que detener en cada página y luego ir consultando en libros así en la red, las diversas menciones que hacía Asensi y que marcaba el protagonista, lo cual puede resultar en un freno para un lector que desea algo mucho más rápido y digerible.
Sin embargo, con El Último Catón, es cuando Asensi llega a un punto cumbre, tanto en narrativa como en saber equilibrar sus datos. Lo primero, crea personajes sumamente carismáticos. Ottavia, el capitán y Farag (que aparece luego como apoyo e interés romántico para la protagonista) son muy divertidos, en especial la protagonista. No duda en dotar de un sentido del humor cínico y muy negro a la misma, llegando a ser chispeante la química que mantiene con sus dos co-protagonistas. Sin embargo, el estilo de este personaje es muy típico de las chicas españoles, ya que de repente me recordaba a los fanfics que leía en aquellos años y donde esta joven, un tanto borde y temperamental, era algo clásico entre las protagonistas. Aunque el mérito de la autora fue darle un contexto mucho más potente con respecto a su familia, que es de origen siciliano (creo que con eso, lo digo todo).
En cuanto al otro punto, la narrativa, está mucho mejor planteada y llevada, aunque sí un tanto predecible, ya que nos recuerda un tanto a "Iacobus", donde los personajes deben llevar una busqueda que está inspirada en antiguos duelos o mitos que rodean a la cristiandad. Claro, Asensi nuevamente se saca un diez, ya que las pruebas son muy diferentes unas de otras y tienen un carisma muy especial, ya que inclusive una de ellas es recrear la carrera de Maratón, lo cual me pareció muy original y ameno.
Un extra, es que Asensi crítica de manera velada muchas de las actitudes y acciones que ha tomado el Papado y sus anexos con respecto a ciertas situaciones. En Iacobus vemos como el protagonista sufre ante los mandatos del Papa y acá, como Ottavia se ve un tanto molesta con la gestión del entonces Papa, Juan Pablo II. Sin embargo, no dejan de ser críticas un tanto indirectas a algo que era evidente en aquellos años (nada para caer en un estilo de Dan Brown).
Sin embargo, el libro no es perfecto. Y es que el último tercio del mismo es cuando comienza a perder fuerza. Pasamos de una trama detectivesca potente y muy elevada en cuestión de datos y cultura, a una semi-aventura de Indiana Jones que tiene un final muy feliz y poco relevante. Sí, al final nos enteramos de quien es el Catón y la misión de los Staurofílakes, pero resulta tan soso y tan predecible, que fue la parte del libro que me costó horrores acabar.Y es un problema bastante común en la autora, ya que Iacobus y el Salón del Ambar tenían esta misma situación, donde las últimas páginas perdían fuerza en todo sentido. Solo hasta "Todo bajo el Cielo", es cuando hay un final mucho más decente, aunque igualmente predecible.
Travesía personal: Ya había comentado como Iacobus vino a ser de los primeros libros que compré por mi cuenta a principios de los dos mil. Quede tan encantado con él, que cuando vi que salió "El último catón", quise comprarmelo inmediatamente. Sin embargo, el precio de 170 pesos en aquel entonces (que actualmente serían como 250 para arriba), me lo impidió de primera cuenta. Por ello, fue cuando comence a trabajar para comprarme dicho libro. Posteriormente me dio horas muy amenas en el trabajo y en la escuela, en esos intervalos donde no había nada que hacer o no quería estudiar lo de la universidad. Lamentablemente, el libro luego sufriría cierto daño cuando una casera casi mojo mis cosas ¬¬, pero bueno, eso es otra historia por contar.
El libro en su momento, fue editado por Plaza & Janés, en su versión de pocket book (la cual tengo y oscila entre las 500 a 600 páginas). Luego, cuando Asensi se cambió a Editorial Planeta, fue editado en corto tiempo por esta hasta que se descontinuo. Actualmente solo se puede conseguir en México por librerías de segunda mano, aunque espero lo reediten ahora con la salida del Regreso del Catón.
En conclusión, "El último catón", es un libro bastante interesante, ameno y con unos personajes muy carismáticos. Claro, de repente hay ciertos cliches en los mismos y el final del mismo es predecible, pero es bastante fácil de leer (más si te interesan los datos históricos) y con una buena narrativa. Bastante recomendable por donde se vea.
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Saludos a mi "Ottavia" ^^, así a quienes gustan de este tipo de libros.
Considerada una de mis novelas favoritas de dicha autora, no pude menos de animarme para conseguirla próximamente (ya cuando mi economía se vaya componiendo, espero en un futuro cercano), aun ante los ojos extrañados de mi esposa.
¿Por qué le tengo cariño a los libros de Asensi? Bueno, en la entrada anterior ya comentaba de una díficil época que viví a principios de los años 2000 y que por razones aun desconocidas, no sé como no me volví loco, literalmente, con tanta presión que obvio, mucha yo me eche encima y no supe como manejar. Sin embargo, me ayudo a definir lo que realmente quería y que hoy disfruto intensamente. Aparte de que supo marcar que tipo de libros son mis favoritos hasta hoy en día, como son la épica de aventuras. Por lo tanto, ahora vamos a la reseña del "Último Catón", uno de mis libros favoritos, no solo de Asensi, sino en general.
El último catón es una novela superventas de ficción, de la escritora española Matilde Asensi (1962–), ambientada temporalmente en la actualidad y que cuenta una historia en la que a través de una investigación del Vaticano se pretende descifrar el misterio de los robos en todo el mundo de fragmentos de la Vera Cruz. Salió a la venta en el año 2001 y según Editorial Planeta, se han vendido más de 1,25 millones de ejemplares.
Antes de hablar de esta genial obra, vamos a hacer nuestro cachito dedicado a la autora.
Matilde Asensi, nacida en Alicante, España, en 1962, desde muy pequeña manifesto el deseo de ser escritora. Inclusive, desde pequeña estando en un colegio religioso, llegaba a sacrificar recreos por continuar las lecturas que tenía pendientes (lo cual ha llegado a manifestar de manera explícita en los personajes femeninos de sus obras).
Ingreso a la Universidad autonóma de Barcelona, donde se licencio en periodismo. Estuvo trabajando en diferentes agencias y en radio, hasta que se dio cuenta de que la chamba le robaba tiempo para escribir. Por lo tanto, consiguió una plaza administrativa y fue cuando comenzo a dedicarse de lleno a estos menesteres. Publicó su primera obra, el Salón del Ambar, en 1999 (la cual también tengo en mi biblioteca) la cual le genero éxito y reconocimiento. Posteriormente vinieron Iacobus (otra que ya he comentado en el blog) y posteriormente esta, "El Último catón".
Lamentablemente, la autora paso un trago amargo a mediados de los noventas, cuando otra de sus obras, El Origen Perdido, tuvo una demanda por parte de un historiador argentino, que manifesto haber sido objeto de robo de material por parte de la autora para crear su libro. En su momento quise tener dicha obra, pero curiosamente ahora no la encuentro en las librerías. Finalmente, luego de publicar la trilogía de Martín Ojo de Plata, volvió hacia los orígenes, que se plasman en la continuación del Último Catón.
Por cierto, ¿De qué va el libraco?
Ottavia Salina es una reputada paleógrafa del Vaticano. Perteneciente a una orden religiosa, se encarga de analizar y desincriptar archivos secretos de la Santa Sede. Cuando el capitán de la guardia Suiza, Kaspar Glauser-Röist, se aparece frente a ella con el cadáver de un etíope, es cuando se ve arrastrada a una aventura para desentrañar los misterios que rodean no solo a antiguas relíquias santas, como la Vera Cruz (la Cruz de madera donde fue cruficado Jesucristo), sino también a una antigua orden religiosa, fundada por la madre de Constantino I y que está detrás de la busqueda de dichas reliquias y su custodia.
Opinión personal: Aunque los libros de Matilde Asensi me parecen excepcionales y con una narrativa bastante amena, debo decir que la evolución de su narrativa ha mejorado con el tiempo, lo cual se nota con sus dos obras anteriores, el Salón del Ambar y Iacobus.
Mientras en la primera, su diseño de personajes era estupendo (adosandolos con unos dialogos muy chispeantes y amenos), esta cuestión bajo un tanto más con Iacobus, donde la autora se enfrasco en llenar de datos y referencias de todo tipo la obra, lo cual para un novato o alguien que requiere algo más ligero, sí llega a causar un serio dolor de cabeza. Lo digo porque cuando me chute la segunda, me tenía que detener en cada página y luego ir consultando en libros así en la red, las diversas menciones que hacía Asensi y que marcaba el protagonista, lo cual puede resultar en un freno para un lector que desea algo mucho más rápido y digerible.
Sin embargo, con El Último Catón, es cuando Asensi llega a un punto cumbre, tanto en narrativa como en saber equilibrar sus datos. Lo primero, crea personajes sumamente carismáticos. Ottavia, el capitán y Farag (que aparece luego como apoyo e interés romántico para la protagonista) son muy divertidos, en especial la protagonista. No duda en dotar de un sentido del humor cínico y muy negro a la misma, llegando a ser chispeante la química que mantiene con sus dos co-protagonistas. Sin embargo, el estilo de este personaje es muy típico de las chicas españoles, ya que de repente me recordaba a los fanfics que leía en aquellos años y donde esta joven, un tanto borde y temperamental, era algo clásico entre las protagonistas. Aunque el mérito de la autora fue darle un contexto mucho más potente con respecto a su familia, que es de origen siciliano (creo que con eso, lo digo todo).
En cuanto al otro punto, la narrativa, está mucho mejor planteada y llevada, aunque sí un tanto predecible, ya que nos recuerda un tanto a "Iacobus", donde los personajes deben llevar una busqueda que está inspirada en antiguos duelos o mitos que rodean a la cristiandad. Claro, Asensi nuevamente se saca un diez, ya que las pruebas son muy diferentes unas de otras y tienen un carisma muy especial, ya que inclusive una de ellas es recrear la carrera de Maratón, lo cual me pareció muy original y ameno.
Un extra, es que Asensi crítica de manera velada muchas de las actitudes y acciones que ha tomado el Papado y sus anexos con respecto a ciertas situaciones. En Iacobus vemos como el protagonista sufre ante los mandatos del Papa y acá, como Ottavia se ve un tanto molesta con la gestión del entonces Papa, Juan Pablo II. Sin embargo, no dejan de ser críticas un tanto indirectas a algo que era evidente en aquellos años (nada para caer en un estilo de Dan Brown).
Sin embargo, el libro no es perfecto. Y es que el último tercio del mismo es cuando comienza a perder fuerza. Pasamos de una trama detectivesca potente y muy elevada en cuestión de datos y cultura, a una semi-aventura de Indiana Jones que tiene un final muy feliz y poco relevante. Sí, al final nos enteramos de quien es el Catón y la misión de los Staurofílakes, pero resulta tan soso y tan predecible, que fue la parte del libro que me costó horrores acabar.Y es un problema bastante común en la autora, ya que Iacobus y el Salón del Ambar tenían esta misma situación, donde las últimas páginas perdían fuerza en todo sentido. Solo hasta "Todo bajo el Cielo", es cuando hay un final mucho más decente, aunque igualmente predecible.
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| Matilde Asensi, la autora. |
Travesía personal: Ya había comentado como Iacobus vino a ser de los primeros libros que compré por mi cuenta a principios de los dos mil. Quede tan encantado con él, que cuando vi que salió "El último catón", quise comprarmelo inmediatamente. Sin embargo, el precio de 170 pesos en aquel entonces (que actualmente serían como 250 para arriba), me lo impidió de primera cuenta. Por ello, fue cuando comence a trabajar para comprarme dicho libro. Posteriormente me dio horas muy amenas en el trabajo y en la escuela, en esos intervalos donde no había nada que hacer o no quería estudiar lo de la universidad. Lamentablemente, el libro luego sufriría cierto daño cuando una casera casi mojo mis cosas ¬¬, pero bueno, eso es otra historia por contar.
El libro en su momento, fue editado por Plaza & Janés, en su versión de pocket book (la cual tengo y oscila entre las 500 a 600 páginas). Luego, cuando Asensi se cambió a Editorial Planeta, fue editado en corto tiempo por esta hasta que se descontinuo. Actualmente solo se puede conseguir en México por librerías de segunda mano, aunque espero lo reediten ahora con la salida del Regreso del Catón.
En conclusión, "El último catón", es un libro bastante interesante, ameno y con unos personajes muy carismáticos. Claro, de repente hay ciertos cliches en los mismos y el final del mismo es predecible, pero es bastante fácil de leer (más si te interesan los datos históricos) y con una buena narrativa. Bastante recomendable por donde se vea.
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Saludos a mi "Ottavia" ^^, así a quienes gustan de este tipo de libros.
sábado, 7 de noviembre de 2015
Gundam Wing: así comenzo mi gusto por esta franquicia
Ahora que he estado pasando mis viejos Dvds a formato digital, es cuando estoy repasando un montón de series que había dejado "enlatadas" por un buen tiempo. Claro, al ver una y otra, sentimientos y recuerdos de todo tipo han ido emergiendo, tanto buenos como malos. Debo decir que este rubro, como la música y las películas, siempre me sirven de referencia, ya que mi mente siempre las utiliza como un "router", que me permite enlazar a cierto momento o instante de mi vida que fue significativo.
Sin embargo, la saga Gundam es una de las que más he relacionado en este aspecto. Y no solo hablo de la Wing, sino también de Seed y la 00, así en tiempos recientes, la Build Fighters. Al menos, las últimas han sido un sinónimo de mejores tiempos, mientras la primera, aun me despierta un sabor mixto cuando la veo. Y no hablo solamente por su contenido, personajes e historia, sino también en el momento que me toco disfrutarla y que aparte, me toco un sinfín de aventuras para tener al menos unos cuantos capítulos grabados en los viejos VHS.
Por tal motivo, ahora me enfocare en una de las mejores series que han existido de la saga y que sirvió para catapultar su fama, no solo en Japón, sino a nivel mundial. Seh, hablo de Gundam Wing.
Antecedentes: Gundam es de las series mecha más añejas de la historia de la animación japonesa. Sento un precedente, un hito en el momento que se estreno la primera serie en 1979. Diseñada por Yoshiyuki Tomino en conjunto con un grupo de animadores del naciente estudio, Sunrise, se caracterizo por crear la primera historia de mechas, con tintes de seinen o puntos adultos. Antes de Gundam, las series de robots eran mitad parodia, mitad acción a lo bruto, como Mazinger Z, donde los robots eran creaciones cuasi mágicas y que el objetivo era darse de catorrazos con robots del mismo vuelo.
En cambio, Gundam se enfocaba en el realismo, no solo de sus robots (los cuales podían ser destruidos, se les acababa la energía o las municiones), sino se enfocaban en las historias personales de sus protagonistas y todo envuelto en una trama de corte militar/político muy potente, donde los buenos y malos no estaban bien definidos, provocando que uno tomara partido por cualquier bando. Esto provoco que los japos se volvieran locos con las primeras series de Gundam, que se enfocaban en la lucha entre dos facciones: La Federación terrestre y el principado de Zeon. Aparte, también se tocaría el tema de los humanos "evolucionados", llamados Newtypes.
Durante los ochentas, Gundam sería una de las mejores franquicias, tanto a nivel audiencia como económicamente. Debido al modelismo naciente, los diferentes Gundam que aparecían en las series, fueron retratados en modelos a escala, comercializados por Bandai y esto generó que muchos patrocinadores le echaran billete a la saga de una manera u otra. Sin embargo, para principios de los noventas, la franquicia había envejecido notablemente y se reflejo sobre todo, en la última obra que hizo que Tomino antes de darse un descanso, Gundam Victory, donde el director/autor creo la saga más sangrienta de todas (lo cual es una marca que se rompió curiosamente con Gundam Wing), ya que muchos protagonistas como antagonistas llegaron a caer en batalla.
Los bajos índices provocaron que Sunrise replantease la serie en todos niveles con Gundam G, que vino a crear otro paradigma. Primeramente, esta se planteo en un universo alternativo, luego, la trama militarista quedo muy de lado y se enfoco más en una especie de torneo de artes marciales con Gundams, lo cual provoco la molestia de muchos fans, a la par de otros que se acercaron a la serie, que explotaba más el modelismo y las batallas sin tener ese extra "crudo" que tanto caracterizaba a la serie. Curiosamente, Gundam G fue extremadamente popular pese a los detractores y alcanzo cuotas de audiencia mayor que otra saga Gundam de los noventas (incluyendo a Wing, X y Turn).
Debido al éxito de la saga G, los creadores de esta se enfocaron en volver un poco a las raíces de la original, pero enfocándola en otro universo alternativo (After Colony, como se llamó la línea del tiempo) y el enfocarla en cinco protagonistas tal como su sucesora (lo cual fue otro hito, ya que antes, solo había un par de protagonistas, tanto el villano como el héroe, así con un friego de secundarios carismáticos). En su momento, Masahi Ikeda, su director, quería llamarla Gundam Meteor, pero terminaron por darle el título de "Wing", en honor al Gundam principal. También el diseño de los personajes fue objeto de estudio de varios meses, donde Duo Maxwell iba a ser el principal, pero Heero Yui tomo el relevo.
Esto fue motivo de debate. Los protagonistas de las sagas Gundam oscilaban entre una personalidad depresiva, tipo Shinji Ikari a ser alegres carismáticos (justo como Duo), pero los creadores se terminaron por arriesgar con Heero Yui, que resultaba ser parco y marcial. La maniobra resulto, ya que este personaje se termino volviendo de los más populares hasta la fecha e inclusive sirvió de modelo para otros personajes, como el protagonista de Gundam 00.
Gundam Wing se estreno en abril de 1995 y termino en marzo del siguiente año. Tuvo un éxito modesto en Japón, aunque a la larga, motivo una cantidad de doujinshis enorme, gracias a las fans que se enfocaron en el aspecto homo-homo de la serie. En cambio, en Norteamérica, fue un éxito rotundo, al grado que cuando se estreno en el 2000 en el bloque Toonami de Cartoon Network, fue de las series más vistas y tuvo el ranking número 1, inclusive igualando la audiencia de Dragon Ball Z. Tal impacto hizo que la serie se estrenase en el bloque de Toonami del Cartoon Network latino, entre el 2002 y el 2003, llegando a ser bastante popular, al menos en México.
Por cierto, ¿De qué va la serie?
Argumento: La saga se ubica casi dos siglos después de que la Tierra ha colonizado el espacio exterior, mediante zonas habitables de gran tamaño llamadas Colonias espaciales. Estas últimas han visto sus derechos oprimidos por la Federación Terrestre. Un respetable ciudadano de las mismas, Heero Yui, trato de mediar un tratado de igualdad entre ambas facciones, pero fue asesinado por Oz, una organización paramilitar al servicio de la Federación. Esto provoco que 5 científicos de Oz se rebelasen y juraran venganza por su propia cuenta.
A raíz de un mobil suit experimental llamado Tallgesse, diseñan cada uno un "Gundam", un mobil suit bastante poderoso y altamente armado que les permitirá llevar a cabo su venganza contra Oz y la Federación, a favor de las colonias. Los tripulantes de dichos aparatos, son cinco adolescentes que tienen diferentes motivaciones y nacionalidades: Heero Yui, Duo Maxwell, Trowa Barton, Wufei Chang y Quatre Winter.
Vivencia personal: El año 2000 vino a representar un hito en todo aspecto para un servidor. En la década de los noventas, esperaba con ansias el inicio de la mencionada década, ya que aparte de empezar un nuevo siglo, parecía que las cosas iban a mejor en muchos aspectos. Sin embargo, me lleve un tremendo chasco a nivel personal y académico. Aun recuerdo que pase muchos momentos duros, al grado que me plantee dejar varios pasatiempos que pensaba que me estaban restando capacidad, como el anime. Por ello, cuando varias de estas series llegaron a Cartoon Network por aquellos años, como Yu Yu Hakusho, Love Hina o Gundam Wing, no les preste atención en absoluto.
Por suerte, las cosas comenzaron a cambiar y volví a enfocarme en el anime como Dios manda. Sin embargo, ver estas series era harto difícil, ya que no tenía cable. Sin embargo, un compa de la facultad me permitió instalar mi VHS en su casa y grabar algunos episodios de dichos animes. Claro, me enfocaba en Yu Yu Hakusho o Inuyasha. Gundam Wing no me interesaba, ya que le tenía cierto fastidio debido a un fan medio loco que conocí unos años antes en el famoso foro de Cemzoo. El pobre argumentaba TODO en base a la terminología Gundam, al grado que cuando escuchaba de dicha serie, me fastidiaba.
No obstante, pese a que la VHS tenía un "timmer" para grabar, el horario de las series no era estable y a veces grababa algunos minutos de Gundam Wing, la cual seguía inmediatamente de las dos series mencionadas. Claro, no podía obviar tales fragmentos y aunque el opening, Just Communication, era formidable (toda una joya a cargo de Two-Mix), lo poco que lograba ver del episodio de Gundam, me parecía soporífero, confirmando mis peores sospechas de la misma: era una saga para hipsters megalomanos.
Tuvo que ser una amiga que tenía entonces, que vivía en EUA, que logró enfocarme en la serie nuevamente. Como allá iban por la tercera repetición de la serie y gracias a su fanatismo, un poco más tranquilo, que me hizo ver la serie enfocándome en su personaje favorito: Duo Maxwell (y que posteriormente se volvería uno de mis grandes también). Gracias a esta estrategia, fue como comencé a agarrarle gusto a la serie y de que forma. Con razón los directores de la serie querían que Duo fuese el principal, ya que el carisma del mismo era innegable. En cuestión de semanas, ya veía la serie de manera regular y aunque la trama política me parecía un tanto pesada, poco a poco le fui tomando cariño y entendimiento.
¿Por qué Gundam Wing es tan popular? El secreto radica más que nada en sus personajes principales, los 5 protagonistas. Sí, la historia militar y política es harto interesante, así toma unos giros espectaculares, ya que al principio, los 5 chavales no se conocen uno al otro y cada quien va por su propio rumbo, pero luego hacen un frente común al verse metidos en una trampa de Oz bastante ingeniosa. Posteriormente se vuelven enemigos unos de otros por diferentes razones, luego aliados, enemigos, etc. etc., lo cual da un aire sumamente interesante. Aparte de meter personajes secundarios tan carismáticos, como Lady Une, Sally Po, Dorothy Catalonia, etc.
Sin embargo, como decía, lo mejor recae en los cinco pilotos de los Gundams, que rebosan en carisma, profundidad y desenvolvimiento. Aunque ya comente mi favoritismo por Duo Maxwell, el resto no se queda tan atrás. Heero me comenzó medio pesado, ya que le tengo tirria a los emos superpoderosos, pero el personaje va evolucionando de tal manera, que no tardo en volverse uno de mis 3 favoritos. Trowa Barton es otro que parece una copia de Heero, pero su relación con Catherine Bloom lo hace formidable. Quatre, por su forma de ser, parecía el típico aniñado, pero su personalidad y su relación con su grupo (La tropa Manawack) me pareció ejemplar. Inclusive, el atarantado de Wufei tenía su punch, aunque mucho de su trasfondo se explica en los mangas que salieron posterior a la serie.
Y no solo el propio charming de los personajes es potente, sino la forma en que los hicieron interaccionar, que lejos de caer en el típico "chin chin vamos todos juntos", acá cada quien jalaba por su lado y sus formas de ser chocaban de manera creíble, lo cual hacía una dinámica bastante potente. Sin embargo, no solo ellos tenían tal carisma, sino también Zech Marquise, siendo el hombre enmascarado que siempre aparece en toda serie de Gundam y que resulta ser mucho más complejo y atormentado que los demás. Aparte, un malo maloso como Treize, que hasta su muerte me resulto conmovedora.
Si a esto agregamos batallas un tanto espectaculares, inclusive con "power-ups" en los Gundams, que igualmente resultaban espectaculares, alejándose del diseño original, haciéndolos bastante genuinos, la trama ayudaba a que las peleas fuesen mucho más espectaculares. Sin embargo, hay un elemento que a muchos fans les llegó a desagradar y fue el "McGuffin" de Releena Darlian. Sí, aunque su relación esta emparejada con Zechs, en realidad no es tanta y jamás este llego a cambiar o motivarse tanto por su hermana. Lamentablemente, su personalidad obsesiva y su poca expresividad, la hicieron que muchos llegaron a fastidiarse con su presencia. Claro, a mí no me pareció tan mala, pero debo admitir que por momentos si llegaba a preguntarme que rayos hacía ella en la trama. Por supuesto, el final con Heero me agrado bastante y llego a parecerme muy divertido.
Por supuesto, sería la ocasión de hablar de los dichosos OVAS, el "endless waltz", que en su momento se hizo un par de años después de la serie original. Pretendía dar un final más concluyente a la serie, pero los productores originales no quisieron aventárselo, por lo cual fue una producción aparte y que hoy en día se duda de su canonicidad, ya que no solo cambia las personalidades de los protagonistas, sino inclusive llega a modificar los Gundams originales, en especial el Wing Zero, llegando a darle alas de ángel. Claro, me agrado, pero me pareció poco continuista y aparte el final, muy extraño. Por suerte, pudimos disfrutarlo doblado en estas latitudes, a lo cual comentaremos de este rubro.
El doblaje se realizó en la ya desfallecida Intertrack y por encargo de la distribuidora Cloverway, que también serían de sus últimos trabajos antes de quebrar. Por aquellos años, el estudio de doblaje ya había hecho sus maletas para mudarse a Cuernavaca, por cuestión de costos. Aunque en su momento las voces sí me chocaron un tanto, lentamente Manuel Campuzano, Erik Osorio, Mireya Mendoza, Luis Tenorio, etc. etc. comenzaron a agradarme y ahora no puedo ver la serie sin escuchar este estupendo doblaje, que supo mantener un estándar bastante alto.
Ya he comentado del opening de la serie y que tuvo un segundo igual de bueno, Rhythm Emotion, así un ending muy decente, It´s Love. Sin embargo, la música instrumental de Kou Otani es de los mejores que he escuchado en un anime, llegando a darle un épico y magistral a la serie, tanto en momentos serios como de batallas (así aparte de crear unos leimotivs muy característicos).
Lamentablemente, para el 2004, Gundam Wing tendría su última aparición en las televisiones, ya que el bloque Toonami saldría del aire y aunque trataron de ponerla en la TV abierta, al menos los primeros episodios, no tuvo el mismo impacto. Sin embargo, el tiempo fue suficiente, ya que muchos, como un servidor, se hicieron fanáticos de la serie Gundam, aunque eso, es otra historia.
En conclusión, "Gundam Wing" es un producto excelente de Sunrise y supo darle una buena internalización a una serie que era considerada muy nipona para aquellos años. No solo en EUA y Europa tuvo un gran éxito, sino también en Latinoamerica, lo cual se reflejo ya el gusto por series posteriores, como Gundam X y las renovadas Gundam Seed y 00. En lo personal, esta serie comenzó a mostrarme que las tramas seinen eran bastante buenas y me marcarían de cierta manera, al grado que hoy en día, sigo recordando algunos episodios de la misma con mucha nostalgia y cariño....lamentablemente, las fans yaois también darían lo peor con esta, aunque eso es para otro tipo de blogs.
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Saludos a mi Releena ^^, así a quienes gustan de las sagas de Gundam.
Sin embargo, la saga Gundam es una de las que más he relacionado en este aspecto. Y no solo hablo de la Wing, sino también de Seed y la 00, así en tiempos recientes, la Build Fighters. Al menos, las últimas han sido un sinónimo de mejores tiempos, mientras la primera, aun me despierta un sabor mixto cuando la veo. Y no hablo solamente por su contenido, personajes e historia, sino también en el momento que me toco disfrutarla y que aparte, me toco un sinfín de aventuras para tener al menos unos cuantos capítulos grabados en los viejos VHS.
Por tal motivo, ahora me enfocare en una de las mejores series que han existido de la saga y que sirvió para catapultar su fama, no solo en Japón, sino a nivel mundial. Seh, hablo de Gundam Wing.
Antecedentes: Gundam es de las series mecha más añejas de la historia de la animación japonesa. Sento un precedente, un hito en el momento que se estreno la primera serie en 1979. Diseñada por Yoshiyuki Tomino en conjunto con un grupo de animadores del naciente estudio, Sunrise, se caracterizo por crear la primera historia de mechas, con tintes de seinen o puntos adultos. Antes de Gundam, las series de robots eran mitad parodia, mitad acción a lo bruto, como Mazinger Z, donde los robots eran creaciones cuasi mágicas y que el objetivo era darse de catorrazos con robots del mismo vuelo.
En cambio, Gundam se enfocaba en el realismo, no solo de sus robots (los cuales podían ser destruidos, se les acababa la energía o las municiones), sino se enfocaban en las historias personales de sus protagonistas y todo envuelto en una trama de corte militar/político muy potente, donde los buenos y malos no estaban bien definidos, provocando que uno tomara partido por cualquier bando. Esto provoco que los japos se volvieran locos con las primeras series de Gundam, que se enfocaban en la lucha entre dos facciones: La Federación terrestre y el principado de Zeon. Aparte, también se tocaría el tema de los humanos "evolucionados", llamados Newtypes.
Durante los ochentas, Gundam sería una de las mejores franquicias, tanto a nivel audiencia como económicamente. Debido al modelismo naciente, los diferentes Gundam que aparecían en las series, fueron retratados en modelos a escala, comercializados por Bandai y esto generó que muchos patrocinadores le echaran billete a la saga de una manera u otra. Sin embargo, para principios de los noventas, la franquicia había envejecido notablemente y se reflejo sobre todo, en la última obra que hizo que Tomino antes de darse un descanso, Gundam Victory, donde el director/autor creo la saga más sangrienta de todas (lo cual es una marca que se rompió curiosamente con Gundam Wing), ya que muchos protagonistas como antagonistas llegaron a caer en batalla.
Los bajos índices provocaron que Sunrise replantease la serie en todos niveles con Gundam G, que vino a crear otro paradigma. Primeramente, esta se planteo en un universo alternativo, luego, la trama militarista quedo muy de lado y se enfoco más en una especie de torneo de artes marciales con Gundams, lo cual provoco la molestia de muchos fans, a la par de otros que se acercaron a la serie, que explotaba más el modelismo y las batallas sin tener ese extra "crudo" que tanto caracterizaba a la serie. Curiosamente, Gundam G fue extremadamente popular pese a los detractores y alcanzo cuotas de audiencia mayor que otra saga Gundam de los noventas (incluyendo a Wing, X y Turn).
Debido al éxito de la saga G, los creadores de esta se enfocaron en volver un poco a las raíces de la original, pero enfocándola en otro universo alternativo (After Colony, como se llamó la línea del tiempo) y el enfocarla en cinco protagonistas tal como su sucesora (lo cual fue otro hito, ya que antes, solo había un par de protagonistas, tanto el villano como el héroe, así con un friego de secundarios carismáticos). En su momento, Masahi Ikeda, su director, quería llamarla Gundam Meteor, pero terminaron por darle el título de "Wing", en honor al Gundam principal. También el diseño de los personajes fue objeto de estudio de varios meses, donde Duo Maxwell iba a ser el principal, pero Heero Yui tomo el relevo.
Esto fue motivo de debate. Los protagonistas de las sagas Gundam oscilaban entre una personalidad depresiva, tipo Shinji Ikari a ser alegres carismáticos (justo como Duo), pero los creadores se terminaron por arriesgar con Heero Yui, que resultaba ser parco y marcial. La maniobra resulto, ya que este personaje se termino volviendo de los más populares hasta la fecha e inclusive sirvió de modelo para otros personajes, como el protagonista de Gundam 00.
Gundam Wing se estreno en abril de 1995 y termino en marzo del siguiente año. Tuvo un éxito modesto en Japón, aunque a la larga, motivo una cantidad de doujinshis enorme, gracias a las fans que se enfocaron en el aspecto homo-homo de la serie. En cambio, en Norteamérica, fue un éxito rotundo, al grado que cuando se estreno en el 2000 en el bloque Toonami de Cartoon Network, fue de las series más vistas y tuvo el ranking número 1, inclusive igualando la audiencia de Dragon Ball Z. Tal impacto hizo que la serie se estrenase en el bloque de Toonami del Cartoon Network latino, entre el 2002 y el 2003, llegando a ser bastante popular, al menos en México.
Por cierto, ¿De qué va la serie?
Argumento: La saga se ubica casi dos siglos después de que la Tierra ha colonizado el espacio exterior, mediante zonas habitables de gran tamaño llamadas Colonias espaciales. Estas últimas han visto sus derechos oprimidos por la Federación Terrestre. Un respetable ciudadano de las mismas, Heero Yui, trato de mediar un tratado de igualdad entre ambas facciones, pero fue asesinado por Oz, una organización paramilitar al servicio de la Federación. Esto provoco que 5 científicos de Oz se rebelasen y juraran venganza por su propia cuenta.
A raíz de un mobil suit experimental llamado Tallgesse, diseñan cada uno un "Gundam", un mobil suit bastante poderoso y altamente armado que les permitirá llevar a cabo su venganza contra Oz y la Federación, a favor de las colonias. Los tripulantes de dichos aparatos, son cinco adolescentes que tienen diferentes motivaciones y nacionalidades: Heero Yui, Duo Maxwell, Trowa Barton, Wufei Chang y Quatre Winter.
Vivencia personal: El año 2000 vino a representar un hito en todo aspecto para un servidor. En la década de los noventas, esperaba con ansias el inicio de la mencionada década, ya que aparte de empezar un nuevo siglo, parecía que las cosas iban a mejor en muchos aspectos. Sin embargo, me lleve un tremendo chasco a nivel personal y académico. Aun recuerdo que pase muchos momentos duros, al grado que me plantee dejar varios pasatiempos que pensaba que me estaban restando capacidad, como el anime. Por ello, cuando varias de estas series llegaron a Cartoon Network por aquellos años, como Yu Yu Hakusho, Love Hina o Gundam Wing, no les preste atención en absoluto.
Por suerte, las cosas comenzaron a cambiar y volví a enfocarme en el anime como Dios manda. Sin embargo, ver estas series era harto difícil, ya que no tenía cable. Sin embargo, un compa de la facultad me permitió instalar mi VHS en su casa y grabar algunos episodios de dichos animes. Claro, me enfocaba en Yu Yu Hakusho o Inuyasha. Gundam Wing no me interesaba, ya que le tenía cierto fastidio debido a un fan medio loco que conocí unos años antes en el famoso foro de Cemzoo. El pobre argumentaba TODO en base a la terminología Gundam, al grado que cuando escuchaba de dicha serie, me fastidiaba.
No obstante, pese a que la VHS tenía un "timmer" para grabar, el horario de las series no era estable y a veces grababa algunos minutos de Gundam Wing, la cual seguía inmediatamente de las dos series mencionadas. Claro, no podía obviar tales fragmentos y aunque el opening, Just Communication, era formidable (toda una joya a cargo de Two-Mix), lo poco que lograba ver del episodio de Gundam, me parecía soporífero, confirmando mis peores sospechas de la misma: era una saga para hipsters megalomanos.
Tuvo que ser una amiga que tenía entonces, que vivía en EUA, que logró enfocarme en la serie nuevamente. Como allá iban por la tercera repetición de la serie y gracias a su fanatismo, un poco más tranquilo, que me hizo ver la serie enfocándome en su personaje favorito: Duo Maxwell (y que posteriormente se volvería uno de mis grandes también). Gracias a esta estrategia, fue como comencé a agarrarle gusto a la serie y de que forma. Con razón los directores de la serie querían que Duo fuese el principal, ya que el carisma del mismo era innegable. En cuestión de semanas, ya veía la serie de manera regular y aunque la trama política me parecía un tanto pesada, poco a poco le fui tomando cariño y entendimiento.
¿Por qué Gundam Wing es tan popular? El secreto radica más que nada en sus personajes principales, los 5 protagonistas. Sí, la historia militar y política es harto interesante, así toma unos giros espectaculares, ya que al principio, los 5 chavales no se conocen uno al otro y cada quien va por su propio rumbo, pero luego hacen un frente común al verse metidos en una trampa de Oz bastante ingeniosa. Posteriormente se vuelven enemigos unos de otros por diferentes razones, luego aliados, enemigos, etc. etc., lo cual da un aire sumamente interesante. Aparte de meter personajes secundarios tan carismáticos, como Lady Une, Sally Po, Dorothy Catalonia, etc.
Sin embargo, como decía, lo mejor recae en los cinco pilotos de los Gundams, que rebosan en carisma, profundidad y desenvolvimiento. Aunque ya comente mi favoritismo por Duo Maxwell, el resto no se queda tan atrás. Heero me comenzó medio pesado, ya que le tengo tirria a los emos superpoderosos, pero el personaje va evolucionando de tal manera, que no tardo en volverse uno de mis 3 favoritos. Trowa Barton es otro que parece una copia de Heero, pero su relación con Catherine Bloom lo hace formidable. Quatre, por su forma de ser, parecía el típico aniñado, pero su personalidad y su relación con su grupo (La tropa Manawack) me pareció ejemplar. Inclusive, el atarantado de Wufei tenía su punch, aunque mucho de su trasfondo se explica en los mangas que salieron posterior a la serie.
Y no solo el propio charming de los personajes es potente, sino la forma en que los hicieron interaccionar, que lejos de caer en el típico "chin chin vamos todos juntos", acá cada quien jalaba por su lado y sus formas de ser chocaban de manera creíble, lo cual hacía una dinámica bastante potente. Sin embargo, no solo ellos tenían tal carisma, sino también Zech Marquise, siendo el hombre enmascarado que siempre aparece en toda serie de Gundam y que resulta ser mucho más complejo y atormentado que los demás. Aparte, un malo maloso como Treize, que hasta su muerte me resulto conmovedora.
Si a esto agregamos batallas un tanto espectaculares, inclusive con "power-ups" en los Gundams, que igualmente resultaban espectaculares, alejándose del diseño original, haciéndolos bastante genuinos, la trama ayudaba a que las peleas fuesen mucho más espectaculares. Sin embargo, hay un elemento que a muchos fans les llegó a desagradar y fue el "McGuffin" de Releena Darlian. Sí, aunque su relación esta emparejada con Zechs, en realidad no es tanta y jamás este llego a cambiar o motivarse tanto por su hermana. Lamentablemente, su personalidad obsesiva y su poca expresividad, la hicieron que muchos llegaron a fastidiarse con su presencia. Claro, a mí no me pareció tan mala, pero debo admitir que por momentos si llegaba a preguntarme que rayos hacía ella en la trama. Por supuesto, el final con Heero me agrado bastante y llego a parecerme muy divertido.
Por supuesto, sería la ocasión de hablar de los dichosos OVAS, el "endless waltz", que en su momento se hizo un par de años después de la serie original. Pretendía dar un final más concluyente a la serie, pero los productores originales no quisieron aventárselo, por lo cual fue una producción aparte y que hoy en día se duda de su canonicidad, ya que no solo cambia las personalidades de los protagonistas, sino inclusive llega a modificar los Gundams originales, en especial el Wing Zero, llegando a darle alas de ángel. Claro, me agrado, pero me pareció poco continuista y aparte el final, muy extraño. Por suerte, pudimos disfrutarlo doblado en estas latitudes, a lo cual comentaremos de este rubro.
El doblaje se realizó en la ya desfallecida Intertrack y por encargo de la distribuidora Cloverway, que también serían de sus últimos trabajos antes de quebrar. Por aquellos años, el estudio de doblaje ya había hecho sus maletas para mudarse a Cuernavaca, por cuestión de costos. Aunque en su momento las voces sí me chocaron un tanto, lentamente Manuel Campuzano, Erik Osorio, Mireya Mendoza, Luis Tenorio, etc. etc. comenzaron a agradarme y ahora no puedo ver la serie sin escuchar este estupendo doblaje, que supo mantener un estándar bastante alto.
Ya he comentado del opening de la serie y que tuvo un segundo igual de bueno, Rhythm Emotion, así un ending muy decente, It´s Love. Sin embargo, la música instrumental de Kou Otani es de los mejores que he escuchado en un anime, llegando a darle un épico y magistral a la serie, tanto en momentos serios como de batallas (así aparte de crear unos leimotivs muy característicos).
Lamentablemente, para el 2004, Gundam Wing tendría su última aparición en las televisiones, ya que el bloque Toonami saldría del aire y aunque trataron de ponerla en la TV abierta, al menos los primeros episodios, no tuvo el mismo impacto. Sin embargo, el tiempo fue suficiente, ya que muchos, como un servidor, se hicieron fanáticos de la serie Gundam, aunque eso, es otra historia.
En conclusión, "Gundam Wing" es un producto excelente de Sunrise y supo darle una buena internalización a una serie que era considerada muy nipona para aquellos años. No solo en EUA y Europa tuvo un gran éxito, sino también en Latinoamerica, lo cual se reflejo ya el gusto por series posteriores, como Gundam X y las renovadas Gundam Seed y 00. En lo personal, esta serie comenzó a mostrarme que las tramas seinen eran bastante buenas y me marcarían de cierta manera, al grado que hoy en día, sigo recordando algunos episodios de la misma con mucha nostalgia y cariño....lamentablemente, las fans yaois también darían lo peor con esta, aunque eso es para otro tipo de blogs.
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Saludos a mi Releena ^^, así a quienes gustan de las sagas de Gundam.
jueves, 5 de noviembre de 2015
Tombstone: una buena versión de Wyatt Earp
Los efectos de "Los Imperdonables" aun continuan pegandome hasta la fecha. Gracias al excelente programa que hicieron en la Órbita de Endor sobre el mismo, también recomendaron, muy de pasada, la película que voy a reseñar a continuación: Tombstone.
La leyenda de Wyatt Earp es de las más profundas y perecederas de la cultura estadounidense, ya que no solo marco un gran evento en la historia del Viejo Oeste, sino también es señalado como el fin de aquella época y cuando los EUA empezaron a entrar de lleno en la modernidad y en la industrialización. Por lo tanto, hablar de esta película, es también referirnos a cierto periodo en la historia de aquel país que fue muy importante, tanto para bien como para mal. Lamentablemente no podemos hacer un simil completo para nuestra región, ya que desgraciadamente, el siglo XIX en México y Latinoamerica fue más de pesares y tristezas que de una época romántica que vivieron los gringos hace más de 100 años.
Por lo tanto, la siguiente entrada, será mitad de la película y mitad de la leyenda que forjó Wyatt Earp a finales del siglo XIX y que se vió reflejada en el tiroteo de OK Corral y posteriormente en la llamada "Cabalgata de Earp".
Antecedentes históricos: Wyatt Earp fue un marshall norteamericano muy famoso que nació menos de unos 20 años antes de la Guerra de Sucesión. Debido a su corta edad, no pudo ser admitido en el Ejército de la Unión y comenzó a hacer su vida a partir de 1870, cuando se hizo vaquero y administro varios negocios rurales en el estado de Missouri. Tenía dos hermanos mayores, Virgil y Morgan, que rápidamente hicieron vida al ser ganaderos y casarse felizmente. Earp iba para el mismo trayecto, pero su esposa e hijo murieron en el parto, lo cual provoco que cambiara de aires, por lo cual optó por ser ayudante de alguacil en Dodge City, Kansas. La muerte del alguacil motivo a Earp a hacerse duro y tenaz con los ladrones y forajidos, lo cual le forjó una enorme reputación como hombre de ley.
Sin embargo, luego de 3 años y harto de la vida de alguacil, decidió dejar Kansas y junto con sus hermanos, se fueron a vivir a Arizona, al lejano poblado de Tombstone. Lamentablemente, el Oeste norteamericano aun estaba poblado por los llamados "vaqueros", una suerte de comerciantes/ganaderos que vivían bajo su propia ley, llegando a matar a quienes rivalizaban con sus negocios e intereses. Aun así, la aportación económica que daban a los poblados era bastante, por lo cual muchos sheriffs se hacían de la vista gorda.
Pese a que Wyatt trato de vivir una existencia pacífica, rápidamente Virgil y Morgan decidieron ser comisarios, lo cual provoco que su hermano también volviera a las andadas. Rápidamente, la política cerrada de los Earps provoco conflictos con los vaqueros, lo cual culmino con el tiroteo de OK Corral, donde murieron varios de estos últimos. Los Earps fueron culpados por asesinato, pero un juez les retiro la sentencia, debido a que habían actuado conforme la ley. Los vaqueros lo tomaron personal y hubo venganza: Virgil sufrió un atentado donde perdio la movilidad de un brazo mientras Morgan fue asesinado por la espalda.
Esto provoco la ira de Earp, que con ayuda de su amigo, Doc Holliday, un prominente pistolero y apostador, también objeto de muchas leyendas, inició una persecusión sobre los vaqueros, ya como Marshall de los Estados Unidos. Durante un par de años, tanto Holliday como Earp liquidaron a varios de los implicados, lo cual estuvo a punto de costarle la placa e inclusive la libertad a ambos. Sin embargo, Holliday moriría en un hotel a los 36 años, gravemente enfermo de tuberculosis, mientras Earp continuaría sus aventuras, hasta fallecer a finales de los años veintes. Su historia fue plasmada por varios biografos, que ayudaron a magnificar su leyenda y sus vivencias. Por ello, los eventos en OK Corral fueron un tanto distorsionados con el paso de los años, pasando de ser un sencillo tiroteo a ser una especie de gran encuentro que fue retratado de dicha manera en muchos westerns de los años veintes en adelante. Sin embargo, las producciones más modernas, trataron de desviarse de dicha ruta y presentar al Earp más humano y acercado a la realidad, lo cual, a medias logra "Tombstone".
Antecedentes fílmicos: Tombstone se considera parte del "nuevo" Western que apareció a principios de los años noventas. Este género que decayo bastante a finales de los setentas, trato de tener una nueva vida, con películas como Danza con Lobos, Los Imperdonables, Pistolas Salvajes y otras películas del género. Tombstone siguió dicha línea y lo logro en cierta manera. Sin embargo, otro filme, que retrataría también la vida de Wyatt Earp, terminaría por sepultar la tendencia y fue precisamente el filme protagonizado por Kevin Costner en 1994 y homónimo del personaje.
El filme estuvo lleno de curiosidades y aberraciones. La primera es que Costner, Kurt Russell y William Daffoe estarían como el cast principal. Sin embargo, las diferencias de opinión entre los dos primeros, suscito que Costner se saliera e hiciera su propia película con Lawrence Kasdan (resultando el fracaso mencionado). Russell prometió a Disney, que era la patrocinadora y distribuidora, que haría el filme con poca lana. Sin embargo, el guionista había hecho una libraco y la cosa amenazaba con dispararse. Russell tuvo que intervenir cortando escenas y haciendo sus dialogos, al grado que el director original, Jarre, también fue despedido. George P. Cosmatos, director de Rambo 2, tomo el relevo, pero después de la muerte de este, Russell comentó que él era quien dirigía la película y Cosmatos se hacía de la vista gorda.
Daffoe no logro encarnar al Doc Holliday, ya que Disney estaba enojado con él por su interpretación de Jesús en la Última Tentación de Cristo. Allí es cuando Val Kilmer entró al relevo. Sin embargo, las diferencias entre los actores, que querían más escenas, casi derivo el proyecto al desastre. Finalmente, todo salió avante y se estreno el 23 de diciembre de 1993, logrando recaudar un poco más del doble del presupuesto en taquilla y teniendo críticas mixtas al respecto.
Argumento: la trama sigue a la familia Earp en su camino, estancia y salida de Tombstone, Arizona. Wyatt, conocido sheriff retirado, desea solo vivir una existencia pacífica. Sin embargo, la presencia de los vaqueros, hace que sus hermanos entren al quite. Luego del tiroteo de OK Corral, los susodichos toman venganza, lisiando a Virgil y matando a Morgan. Wyatt toma las armas y junto con el carismático Doc Holliday, emprende una venganza contra los susodichos vaqueros.
Historia y personajes: Aunque "Tombstone" se puede considerar divertida, amena y con ritmo, uno conforme la ve, comienza a ver las consecuencias de las tomas de decisiones que hubo durante el desarrollo de la misma. Para preparar esta entrada, primero me chute la película y allí caí en cuenta que de repente estaba viendo dos versiones en un solo tramo, lo cual crea unas inconsistencias terribles por momentos.
La primera, es que la película es una mezcla de leyenda y verdad. Muchos eventos que ocurren son apegados a la historia, en especial el tiroteo de OK Corral, que empieza como una provocación y termina como una refriega de lo más corriente (contrario a los filmes de antes, donde los hermanos Earp y Holliday hacían un auténtico duelazo por todas las esquinas del pueblo). Sin embargo, el hecho que veamos a los cuatro caminando con pose de justicieros y luego tengamos tal duelo....termina siendo un tanto chamuscado. Es como si uno fuese a un restaurante fino a comer hamburguesas y para colmo, está no estuviese tan bien hecha. Esto inmediatamente contrasta con la infravolarada Wyatt Earp de Costner, que tiene un aire mucho más histórico. Aquí es donde vemos que Russell y el resto de la producción tenían versiones diferentes del mismo hecho.
Para colmo, esto también termina afectando los personajes de fea manera. Wyatt empieza como alguien tranquilo, ecuánime, pero luego se pone loco con los atentados con sus hermanos. Sí, está bien, cualquiera pasaría por eso, pero sí tienes un personaje bien retratado y luego lo pones así, termina por descuadrar. Esto ocurre igual con los Vaqueros, que la escena de inicio, donde nos lo ponen como sanguinarios, crueles y diabólicos, luego vemos que su aportación a la economía local es de suma importancia y para colmo, no son totalmente malos, ya que también velan por los intereses del pueblo. Sin embargo, en otras escenas son diablos y en otros no tanto, lo cual aumenta más la inconsistencia de la película. Solo el asesinato de Morgan, es cuando uno les agarra carrilla y obvio, deseamos que Wyatt se los cargue a todos.
El único que se salva, es Doc Holliday. Val Kilmer, antes de su engordamiento, hace un estupendo papel y le imprime ese aire tan cínico, fino, pero brutal a su personaje. Es el mejor de toda la película y cuando aparece, se roba la cámara y carisma, llegando a eclipsar feamente a Kurt Russell. Esto también ocurre con los secundarios, que aunque uno ve a uno que otro grande o conocido, estos terminan por tener una participación mínima y hasta allí. Para colmo, la forma de hacerlos a un lado, resulta bastante fastidiosa o sumamente estereotipada.
Fuera de esto, la película es disfrutable y amena, pero apela demasiado a un lado emocional, donde vemos persecusiones, balazos y otras cosas. Cuando uno la razona, verá que los eventos son muy grandilocuentes y encajan poco unos con otros. Por ello, tal vez me costó verla de seguido, ya que terminaba por hartarme o peor, de repente sabía que iba a suceder. Lo mejor ocurre en la última media hora, en la cabalgata de Earp, ya que allí, para darle una resolución, todo se vuelve mucho más coherente y divertido, llegando a tener unas cuotas de epicidad bastante altas.
Personajes: ya como dije, todos son sumamente estereotipados, ni siquiera Wyatt Earp se salva. El único que brilla y a su propia manera, es el de Doc Holliday. Aparte de tener unos dialogos tremendos (en especial con Ringo), también Val Kilmer sabe imprimirle sazón a su personaje, llegando a ser carismático. De chico ví esta película una vez en la TV y precisamente, al único que recordaba era a Doc Holliday, ya que aparte de su aspecto enfermizo, la presencia que tenía era formidable.
Acción: aunque hay escenas de balazos, estas están reducidas y acortadas, pero de buena manera. Aquí el filme se fue por algo más verídico y lo logra, llegando a darle cierta potencia e imprevisibilidad, aparte de que refuta la habilidad de Earp como pistolero. Él único realmente hábil era Holliday. Los demás, dos de dos.
Fotografía: A diferencia de la grandilocuencia de Los Imperdonables, la cámara de la película se enfoca más en los personajes, dando planos muy cerrados de los mismo. No me molesto en absoluto y al contrario, podíamos ver perfectamente las reacciones de los personajes y muy en especial, el aspecto demacrado de Doc Holliday.
Música: Uno de los aspectos más altos es el soundtrack de Bruce Broughton. Aunque el pobre ha destacado más en producciones de TV, donde ha tenido hartas nominaciones al Emmy (incluso apareció musicalizando Tiny Toons en algunos episodios), aquí sale soberbio, ya que crea una banda sonora bastante épica que realza momentos, como el tiroteo en OK Corral, así algunos leimotivs que suenan cuando Earp se lanza a su venganza personal.
Doblaje: como siempre, vi el filme doblado y aunque fue hecho en Los Ángeles, las actuaciones estuvieron geniales. Los más destacables son Alejandro Vargas Lugo y el famoso Trujo, haciendola de Val Kilmer.
A opinión personal: Tombstone es una película divertida, amena, palomera. Hasta allí. Aunque los datos históricos son correctos en la mayoría del tiempo, en otros, la cosa se desmadra y ya tiene tintes de una película de leyenda, lo cual llega a ser confuso para el público. La película empieza bien, la segunda mitad es un tanto más lenta y el último tercio es épico a morir. Sin embargo, todo reside en los eventos, ya que los personajes, salvo Doc Holliday, están poco desarrollados y son muy clichés. Para colmo, hay momentos que me salieron sobrando y otros, que soltaron de sopeton, lo cual evidencia una edición bastante malita por momentos.
¿Recomendable? Sí, para quienes gusten del Western y de los balazos, pero hasta allí. Es una película correcta, pero nada más. Para ver una tarde y listo.
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Saludos a la dueña de mis anualidades ^_^, así a quienes gustan de este tipo de películas.
La leyenda de Wyatt Earp es de las más profundas y perecederas de la cultura estadounidense, ya que no solo marco un gran evento en la historia del Viejo Oeste, sino también es señalado como el fin de aquella época y cuando los EUA empezaron a entrar de lleno en la modernidad y en la industrialización. Por lo tanto, hablar de esta película, es también referirnos a cierto periodo en la historia de aquel país que fue muy importante, tanto para bien como para mal. Lamentablemente no podemos hacer un simil completo para nuestra región, ya que desgraciadamente, el siglo XIX en México y Latinoamerica fue más de pesares y tristezas que de una época romántica que vivieron los gringos hace más de 100 años.
Por lo tanto, la siguiente entrada, será mitad de la película y mitad de la leyenda que forjó Wyatt Earp a finales del siglo XIX y que se vió reflejada en el tiroteo de OK Corral y posteriormente en la llamada "Cabalgata de Earp".
Antecedentes históricos: Wyatt Earp fue un marshall norteamericano muy famoso que nació menos de unos 20 años antes de la Guerra de Sucesión. Debido a su corta edad, no pudo ser admitido en el Ejército de la Unión y comenzó a hacer su vida a partir de 1870, cuando se hizo vaquero y administro varios negocios rurales en el estado de Missouri. Tenía dos hermanos mayores, Virgil y Morgan, que rápidamente hicieron vida al ser ganaderos y casarse felizmente. Earp iba para el mismo trayecto, pero su esposa e hijo murieron en el parto, lo cual provoco que cambiara de aires, por lo cual optó por ser ayudante de alguacil en Dodge City, Kansas. La muerte del alguacil motivo a Earp a hacerse duro y tenaz con los ladrones y forajidos, lo cual le forjó una enorme reputación como hombre de ley.
Sin embargo, luego de 3 años y harto de la vida de alguacil, decidió dejar Kansas y junto con sus hermanos, se fueron a vivir a Arizona, al lejano poblado de Tombstone. Lamentablemente, el Oeste norteamericano aun estaba poblado por los llamados "vaqueros", una suerte de comerciantes/ganaderos que vivían bajo su propia ley, llegando a matar a quienes rivalizaban con sus negocios e intereses. Aun así, la aportación económica que daban a los poblados era bastante, por lo cual muchos sheriffs se hacían de la vista gorda.
Pese a que Wyatt trato de vivir una existencia pacífica, rápidamente Virgil y Morgan decidieron ser comisarios, lo cual provoco que su hermano también volviera a las andadas. Rápidamente, la política cerrada de los Earps provoco conflictos con los vaqueros, lo cual culmino con el tiroteo de OK Corral, donde murieron varios de estos últimos. Los Earps fueron culpados por asesinato, pero un juez les retiro la sentencia, debido a que habían actuado conforme la ley. Los vaqueros lo tomaron personal y hubo venganza: Virgil sufrió un atentado donde perdio la movilidad de un brazo mientras Morgan fue asesinado por la espalda.
Esto provoco la ira de Earp, que con ayuda de su amigo, Doc Holliday, un prominente pistolero y apostador, también objeto de muchas leyendas, inició una persecusión sobre los vaqueros, ya como Marshall de los Estados Unidos. Durante un par de años, tanto Holliday como Earp liquidaron a varios de los implicados, lo cual estuvo a punto de costarle la placa e inclusive la libertad a ambos. Sin embargo, Holliday moriría en un hotel a los 36 años, gravemente enfermo de tuberculosis, mientras Earp continuaría sus aventuras, hasta fallecer a finales de los años veintes. Su historia fue plasmada por varios biografos, que ayudaron a magnificar su leyenda y sus vivencias. Por ello, los eventos en OK Corral fueron un tanto distorsionados con el paso de los años, pasando de ser un sencillo tiroteo a ser una especie de gran encuentro que fue retratado de dicha manera en muchos westerns de los años veintes en adelante. Sin embargo, las producciones más modernas, trataron de desviarse de dicha ruta y presentar al Earp más humano y acercado a la realidad, lo cual, a medias logra "Tombstone".
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| Wyatt Earp, el original. |
Antecedentes fílmicos: Tombstone se considera parte del "nuevo" Western que apareció a principios de los años noventas. Este género que decayo bastante a finales de los setentas, trato de tener una nueva vida, con películas como Danza con Lobos, Los Imperdonables, Pistolas Salvajes y otras películas del género. Tombstone siguió dicha línea y lo logro en cierta manera. Sin embargo, otro filme, que retrataría también la vida de Wyatt Earp, terminaría por sepultar la tendencia y fue precisamente el filme protagonizado por Kevin Costner en 1994 y homónimo del personaje.
El filme estuvo lleno de curiosidades y aberraciones. La primera es que Costner, Kurt Russell y William Daffoe estarían como el cast principal. Sin embargo, las diferencias de opinión entre los dos primeros, suscito que Costner se saliera e hiciera su propia película con Lawrence Kasdan (resultando el fracaso mencionado). Russell prometió a Disney, que era la patrocinadora y distribuidora, que haría el filme con poca lana. Sin embargo, el guionista había hecho una libraco y la cosa amenazaba con dispararse. Russell tuvo que intervenir cortando escenas y haciendo sus dialogos, al grado que el director original, Jarre, también fue despedido. George P. Cosmatos, director de Rambo 2, tomo el relevo, pero después de la muerte de este, Russell comentó que él era quien dirigía la película y Cosmatos se hacía de la vista gorda.
Daffoe no logro encarnar al Doc Holliday, ya que Disney estaba enojado con él por su interpretación de Jesús en la Última Tentación de Cristo. Allí es cuando Val Kilmer entró al relevo. Sin embargo, las diferencias entre los actores, que querían más escenas, casi derivo el proyecto al desastre. Finalmente, todo salió avante y se estreno el 23 de diciembre de 1993, logrando recaudar un poco más del doble del presupuesto en taquilla y teniendo críticas mixtas al respecto.
Argumento: la trama sigue a la familia Earp en su camino, estancia y salida de Tombstone, Arizona. Wyatt, conocido sheriff retirado, desea solo vivir una existencia pacífica. Sin embargo, la presencia de los vaqueros, hace que sus hermanos entren al quite. Luego del tiroteo de OK Corral, los susodichos toman venganza, lisiando a Virgil y matando a Morgan. Wyatt toma las armas y junto con el carismático Doc Holliday, emprende una venganza contra los susodichos vaqueros.
Historia y personajes: Aunque "Tombstone" se puede considerar divertida, amena y con ritmo, uno conforme la ve, comienza a ver las consecuencias de las tomas de decisiones que hubo durante el desarrollo de la misma. Para preparar esta entrada, primero me chute la película y allí caí en cuenta que de repente estaba viendo dos versiones en un solo tramo, lo cual crea unas inconsistencias terribles por momentos.
La primera, es que la película es una mezcla de leyenda y verdad. Muchos eventos que ocurren son apegados a la historia, en especial el tiroteo de OK Corral, que empieza como una provocación y termina como una refriega de lo más corriente (contrario a los filmes de antes, donde los hermanos Earp y Holliday hacían un auténtico duelazo por todas las esquinas del pueblo). Sin embargo, el hecho que veamos a los cuatro caminando con pose de justicieros y luego tengamos tal duelo....termina siendo un tanto chamuscado. Es como si uno fuese a un restaurante fino a comer hamburguesas y para colmo, está no estuviese tan bien hecha. Esto inmediatamente contrasta con la infravolarada Wyatt Earp de Costner, que tiene un aire mucho más histórico. Aquí es donde vemos que Russell y el resto de la producción tenían versiones diferentes del mismo hecho.
Para colmo, esto también termina afectando los personajes de fea manera. Wyatt empieza como alguien tranquilo, ecuánime, pero luego se pone loco con los atentados con sus hermanos. Sí, está bien, cualquiera pasaría por eso, pero sí tienes un personaje bien retratado y luego lo pones así, termina por descuadrar. Esto ocurre igual con los Vaqueros, que la escena de inicio, donde nos lo ponen como sanguinarios, crueles y diabólicos, luego vemos que su aportación a la economía local es de suma importancia y para colmo, no son totalmente malos, ya que también velan por los intereses del pueblo. Sin embargo, en otras escenas son diablos y en otros no tanto, lo cual aumenta más la inconsistencia de la película. Solo el asesinato de Morgan, es cuando uno les agarra carrilla y obvio, deseamos que Wyatt se los cargue a todos.
El único que se salva, es Doc Holliday. Val Kilmer, antes de su engordamiento, hace un estupendo papel y le imprime ese aire tan cínico, fino, pero brutal a su personaje. Es el mejor de toda la película y cuando aparece, se roba la cámara y carisma, llegando a eclipsar feamente a Kurt Russell. Esto también ocurre con los secundarios, que aunque uno ve a uno que otro grande o conocido, estos terminan por tener una participación mínima y hasta allí. Para colmo, la forma de hacerlos a un lado, resulta bastante fastidiosa o sumamente estereotipada.
Fuera de esto, la película es disfrutable y amena, pero apela demasiado a un lado emocional, donde vemos persecusiones, balazos y otras cosas. Cuando uno la razona, verá que los eventos son muy grandilocuentes y encajan poco unos con otros. Por ello, tal vez me costó verla de seguido, ya que terminaba por hartarme o peor, de repente sabía que iba a suceder. Lo mejor ocurre en la última media hora, en la cabalgata de Earp, ya que allí, para darle una resolución, todo se vuelve mucho más coherente y divertido, llegando a tener unas cuotas de epicidad bastante altas.
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| Russell y Kilmer (este último antes de entrarle a los tacos). |
Personajes: ya como dije, todos son sumamente estereotipados, ni siquiera Wyatt Earp se salva. El único que brilla y a su propia manera, es el de Doc Holliday. Aparte de tener unos dialogos tremendos (en especial con Ringo), también Val Kilmer sabe imprimirle sazón a su personaje, llegando a ser carismático. De chico ví esta película una vez en la TV y precisamente, al único que recordaba era a Doc Holliday, ya que aparte de su aspecto enfermizo, la presencia que tenía era formidable.
Acción: aunque hay escenas de balazos, estas están reducidas y acortadas, pero de buena manera. Aquí el filme se fue por algo más verídico y lo logra, llegando a darle cierta potencia e imprevisibilidad, aparte de que refuta la habilidad de Earp como pistolero. Él único realmente hábil era Holliday. Los demás, dos de dos.
Fotografía: A diferencia de la grandilocuencia de Los Imperdonables, la cámara de la película se enfoca más en los personajes, dando planos muy cerrados de los mismo. No me molesto en absoluto y al contrario, podíamos ver perfectamente las reacciones de los personajes y muy en especial, el aspecto demacrado de Doc Holliday.
Música: Uno de los aspectos más altos es el soundtrack de Bruce Broughton. Aunque el pobre ha destacado más en producciones de TV, donde ha tenido hartas nominaciones al Emmy (incluso apareció musicalizando Tiny Toons en algunos episodios), aquí sale soberbio, ya que crea una banda sonora bastante épica que realza momentos, como el tiroteo en OK Corral, así algunos leimotivs que suenan cuando Earp se lanza a su venganza personal.
Doblaje: como siempre, vi el filme doblado y aunque fue hecho en Los Ángeles, las actuaciones estuvieron geniales. Los más destacables son Alejandro Vargas Lugo y el famoso Trujo, haciendola de Val Kilmer.
A opinión personal: Tombstone es una película divertida, amena, palomera. Hasta allí. Aunque los datos históricos son correctos en la mayoría del tiempo, en otros, la cosa se desmadra y ya tiene tintes de una película de leyenda, lo cual llega a ser confuso para el público. La película empieza bien, la segunda mitad es un tanto más lenta y el último tercio es épico a morir. Sin embargo, todo reside en los eventos, ya que los personajes, salvo Doc Holliday, están poco desarrollados y son muy clichés. Para colmo, hay momentos que me salieron sobrando y otros, que soltaron de sopeton, lo cual evidencia una edición bastante malita por momentos.
¿Recomendable? Sí, para quienes gusten del Western y de los balazos, pero hasta allí. Es una película correcta, pero nada más. Para ver una tarde y listo.
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Saludos a la dueña de mis anualidades ^_^, así a quienes gustan de este tipo de películas.
martes, 3 de noviembre de 2015
Leyenda Urbana: cinco lugares misteriosos de México
Antes que nada, una disculpa por hacer una entrada tan tardía. El detalle es que he tenido un montón de cosas que hacer estos últimos días, lo cual es extraño, ya que ahora dispongo de un tanto más de tiempo libre, pero en serio no he parado de hacer pendientes. Iba a chutarme dos entradas sobre películas, pero estas van a esperar, porque ni siquiera pude hacer como Dios manda, una sobre el Día de Muertos/Halloween como es costumbre. Por lo tanto, en esta ocasión, quise variar un poco y enfocarme en lugares tétricos y misteriosos, pero de nuestra hermosa República Mexicana.
Ya había comentado en otra entrada sobre leyendas urbanas, sobre lugares místicos del mundo, así que ahora le tocaba al país mostrar sus propias leyendas, y que para colmo, son bastante fidedignas, ya que hay un montón de pruebas o gente que ha comprobado esto de una manera u otra. De aquí que la siguiente entrada, se enfoque en hablar de cinco sitios que hoy despiertan pasión entre los ufologos, investigadores y otros similares con temas de lo paranormal.
-Cerro del Chiquihuite
Cerro que se ubica al norte de la Ciudad de México, tiene una altura de 2,700 metros y es un antiguo domo volcánico que en su momento albergo varios ojos de agua, actualmente la mayoría ya secos. Sirve de límite entre la delegación Gustavo A. Madero y el Estado de México. El lugar desde tiempos históricos ha tenido una fama extraña, ya que muchos argumentan que los camiones o lugareños pueden hacer cosas imposibles, como dar saltos impresionantes o ver como los camiones pese a ir una gran velocidad, no pierden empuje al subirlo. Sin embargo, lo más escalofriante son la cantidad de luces que rondan lo alto del cielo. Cada noche, desde otros lugares, se pueden ver luces flotando en el aire. Muchos argumentan que son las dichosas brujas o bolas de fuego que se raptan a los niños (lo cual se ha reportado en las colonias aledañas) o que son Ovnis y que en su momento Jaime Maussan comentó en su programa de Tercer Milenio. Vaya uno a saber.
-Jardín Secreto
Ubicado en Xilitla, una población que se encuentra a dos horas y tanto de Ciudad Valles, en San Luis Potosí, actualmente es famosa no solo porque el núcleo poblacional se ubica en las serranías de la Madre Oriental, sino también porque alberga el llamado Castillo Encantado o Jardín Secreto, una especie de hacienda que compró un norteamericano, Edward James, a mediados de los años cuarenta. En compañía de su amigo, el cual su hijo actualmente es dueño del lugar y lo regenta, decidió comprar las 30 hectáreas para construir una especie de palacete, mezcla entre naturaleza y piedra. En su momento fue un jardín lleno de todo tipo de plantas, pero una helada en los años sesentas, hizo que cambiara a un zoológico, donde había varios animales de la zona, desde aves hasta felinos. Sin embargo, James fallecería en Italia en 1980 y la propiedad como ya dijimos, paso al hijo de su amigo. Actualmente, parte de la zona no es visitable, ya que sus dueños (que han comprado parte del terreno) no permiten dichas entradas.
-Zona Mágica
Ubicada en el kilómetro 6 de la carretera que lleva a la capital de Colima, se encuentra esta zona, que constituye un trayecto en línea recta de un par de millas. Se le dice así, porque muchos han comprobado que al dejar un vehículo en neutral, en lugar de bajar (ya que hay una ligera pendiente), en realidad comienza a subir o que de repente, al estar manejando, los carros sufren un enfrenón, como si algo los estuviera reteniendo o empujando. Este fenómeno se ha adjudicado a la gran fuerza magnética que hay en la zona y que podría tener cierta explicación, ya que el famoso Volcán de Fuego, coloso que aun está en activo, arroja grandes cantidades de minerales que tienen dichas propiedades. De todas formas, el lugar ha despertado tal pasión entre los turistas, que inclusive hay talleres mecánicos donde aseguran que podrán renovar la potencia de un coche gracias a las propiedades de un lugar y como no, sirve para gente que eleva sus manos para cubrirse de la energía que rodea el sitio.
-Espinazo del Diablo
Ubicado en la carretera federal que va de Mazatlán a Durango, es una formación rocosa de más de 2,000 metros de altura y que tiene la peculiaridad de formar un montón de paleidolias, o ilusiones ópticas basadas en algo real. Debido a las formas que se ven y cambian con la luz o de acuerdo al día, varios han afirmado ver la cara del diablo en ellas o la figura de 3 misioneros. La razón es que muchos comenta que este lugar en su momento fue el escenario de la batalla entre Satanás y el Arcángel Miguel, cuando fue la guerra celestial. Allí dicen que Miguel se apoyo para darle cuello a su rival y que inclusive dejo su huella en el sitio, mientras que Satanás perdió parte de su espinazo y se quedo allí mientras bajaba al inframundo. Luego se hizo famoso porque también fue sitio de asaltos por parte de bandidos en el siglo XIX, por lo cual historias de fantasmas y entes que rondan el lugar son bastante comunes hoy en día.
-Zona del Silencio
Una de las famosas y enigmáticas del país y por mucho, tiene una historia verdadera. Se dice que en 1957, un cohete con carga nuclear gringo se estrello en el lugar y que varias tropas americanas entraron con permiso secreto del presidente, a recoger la carga. Sin embargo, el contenido nuclear se esparció por el lugar y dicen que esto afecto la flora y fauna, la cual hoy es muy rara. Pero no todo acaba allí, ya que esta región, ubicada en el triángulo que hacen los estados de Durango, Coahuila y Chihuahua, está en el famoso paralelo 27, donde se alinea también el triángulo de las Bermudas y las Pirámides de Egipto. El sitio es famoso por sus características de animales y plantas, las cuales se ven de forma rara o con colores exóticos, así que es sitio de avistamientos Ovnis, así de un misterioso autobús que de repente se acerca a los conductores, pero cuando estos bajan la velocidad o tratan de alcanzarlo, este nunca aparece, sino se mantiene constante, lo cual suscita el susto y preocupación entre los usuarios.
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Saludos a la dueña de mis quincenas :3, así a quienes gustan de este tipo de leyendas.
Ya había comentado en otra entrada sobre leyendas urbanas, sobre lugares místicos del mundo, así que ahora le tocaba al país mostrar sus propias leyendas, y que para colmo, son bastante fidedignas, ya que hay un montón de pruebas o gente que ha comprobado esto de una manera u otra. De aquí que la siguiente entrada, se enfoque en hablar de cinco sitios que hoy despiertan pasión entre los ufologos, investigadores y otros similares con temas de lo paranormal.
-Cerro del Chiquihuite
Cerro que se ubica al norte de la Ciudad de México, tiene una altura de 2,700 metros y es un antiguo domo volcánico que en su momento albergo varios ojos de agua, actualmente la mayoría ya secos. Sirve de límite entre la delegación Gustavo A. Madero y el Estado de México. El lugar desde tiempos históricos ha tenido una fama extraña, ya que muchos argumentan que los camiones o lugareños pueden hacer cosas imposibles, como dar saltos impresionantes o ver como los camiones pese a ir una gran velocidad, no pierden empuje al subirlo. Sin embargo, lo más escalofriante son la cantidad de luces que rondan lo alto del cielo. Cada noche, desde otros lugares, se pueden ver luces flotando en el aire. Muchos argumentan que son las dichosas brujas o bolas de fuego que se raptan a los niños (lo cual se ha reportado en las colonias aledañas) o que son Ovnis y que en su momento Jaime Maussan comentó en su programa de Tercer Milenio. Vaya uno a saber.
-Jardín Secreto
Ubicado en Xilitla, una población que se encuentra a dos horas y tanto de Ciudad Valles, en San Luis Potosí, actualmente es famosa no solo porque el núcleo poblacional se ubica en las serranías de la Madre Oriental, sino también porque alberga el llamado Castillo Encantado o Jardín Secreto, una especie de hacienda que compró un norteamericano, Edward James, a mediados de los años cuarenta. En compañía de su amigo, el cual su hijo actualmente es dueño del lugar y lo regenta, decidió comprar las 30 hectáreas para construir una especie de palacete, mezcla entre naturaleza y piedra. En su momento fue un jardín lleno de todo tipo de plantas, pero una helada en los años sesentas, hizo que cambiara a un zoológico, donde había varios animales de la zona, desde aves hasta felinos. Sin embargo, James fallecería en Italia en 1980 y la propiedad como ya dijimos, paso al hijo de su amigo. Actualmente, parte de la zona no es visitable, ya que sus dueños (que han comprado parte del terreno) no permiten dichas entradas.
-Zona Mágica
Ubicada en el kilómetro 6 de la carretera que lleva a la capital de Colima, se encuentra esta zona, que constituye un trayecto en línea recta de un par de millas. Se le dice así, porque muchos han comprobado que al dejar un vehículo en neutral, en lugar de bajar (ya que hay una ligera pendiente), en realidad comienza a subir o que de repente, al estar manejando, los carros sufren un enfrenón, como si algo los estuviera reteniendo o empujando. Este fenómeno se ha adjudicado a la gran fuerza magnética que hay en la zona y que podría tener cierta explicación, ya que el famoso Volcán de Fuego, coloso que aun está en activo, arroja grandes cantidades de minerales que tienen dichas propiedades. De todas formas, el lugar ha despertado tal pasión entre los turistas, que inclusive hay talleres mecánicos donde aseguran que podrán renovar la potencia de un coche gracias a las propiedades de un lugar y como no, sirve para gente que eleva sus manos para cubrirse de la energía que rodea el sitio.
-Espinazo del Diablo
Ubicado en la carretera federal que va de Mazatlán a Durango, es una formación rocosa de más de 2,000 metros de altura y que tiene la peculiaridad de formar un montón de paleidolias, o ilusiones ópticas basadas en algo real. Debido a las formas que se ven y cambian con la luz o de acuerdo al día, varios han afirmado ver la cara del diablo en ellas o la figura de 3 misioneros. La razón es que muchos comenta que este lugar en su momento fue el escenario de la batalla entre Satanás y el Arcángel Miguel, cuando fue la guerra celestial. Allí dicen que Miguel se apoyo para darle cuello a su rival y que inclusive dejo su huella en el sitio, mientras que Satanás perdió parte de su espinazo y se quedo allí mientras bajaba al inframundo. Luego se hizo famoso porque también fue sitio de asaltos por parte de bandidos en el siglo XIX, por lo cual historias de fantasmas y entes que rondan el lugar son bastante comunes hoy en día.
-Zona del Silencio
Una de las famosas y enigmáticas del país y por mucho, tiene una historia verdadera. Se dice que en 1957, un cohete con carga nuclear gringo se estrello en el lugar y que varias tropas americanas entraron con permiso secreto del presidente, a recoger la carga. Sin embargo, el contenido nuclear se esparció por el lugar y dicen que esto afecto la flora y fauna, la cual hoy es muy rara. Pero no todo acaba allí, ya que esta región, ubicada en el triángulo que hacen los estados de Durango, Coahuila y Chihuahua, está en el famoso paralelo 27, donde se alinea también el triángulo de las Bermudas y las Pirámides de Egipto. El sitio es famoso por sus características de animales y plantas, las cuales se ven de forma rara o con colores exóticos, así que es sitio de avistamientos Ovnis, así de un misterioso autobús que de repente se acerca a los conductores, pero cuando estos bajan la velocidad o tratan de alcanzarlo, este nunca aparece, sino se mantiene constante, lo cual suscita el susto y preocupación entre los usuarios.
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Saludos a la dueña de mis quincenas :3, así a quienes gustan de este tipo de leyendas.
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sábado, 31 de octubre de 2015
Doctor Who: fenomenal inicio de la novena temporada
Volvemos a otra de esas entradas sobre nuestro Doctor favorito, sí, Doctor Who, que justo como muchas series de esta temporada, iniciaron su aventura a mediados de septiembre del presente. De antemano, esta ya tiene novedades, ya que Jenna Coleman ha anunciado su retiro de la serie, tan pronto acabe esta "season", lo cual implica que habrá un gran evento para final de la misma, aunque no era nada sopresivo, ya que lo poco que he podido ver de la octava, marca diferencias entre la companion y el nuevo Doctor, no tanto por sus personalidades, sino por lo que ha marcado a los amigos y compañeros del protagonista, que es un repentino cambio en sus vidas lo cual ha terminado por afectarlas de manera irreversible en muchos casos.
Claro, ahora la sorpresa será ver quien es la nueva o el nuevo compañero del Doctor y de por sí, ya vimos cambios importantes (los cuales comentare a continuación), cosa que ya empezo con la nueva forma de El Amo, donde Missy se ha destacado como un estupendo archirrival del Doctor y que repeti nuevamente en este inicio de temporada. Por lo tanto, sin más espera, vamos a ver como fueron estos dos primeros episodios de Doctor Who, para su novena "Season".
Antecedentes: The Magician's Apprentice y The Witch's Familiar, fueron emitidos el 19 y 26 de septiembre del 2015, respectivamente. Ambos episodios fueron obra del ahora productor de la serie, Steven Moffat. Como protagonistas, estuvieron Peter Capaldi, como el Doceavo Doctor, Jenna Coleman como Clara Oswald, su companion, así Michelle Gomez como "Missy" (la actual reencarnación del Amo) y la aparición de Davros, tanto en su forma madura como cuando era niño.
El episodio tuvo excelentes críticas entre la prensa especializada y los fans. Sin embargo, a nivel audiencia, los números de espectadores fueron bastante bajos para el inicio de una temporada. Sin embargo, algunos especulan que fue debido a que en esos horarios, estaba siendo emitido el Mundial de Rugby. La que se llevo la mejor parte, fue Michelle Gomez, que fue alabada por su interpretación del Amo.
Argumento: en un planeta desconocido, un niño se ve amenazado por una serie de "manos-bomba", una suerte de artilugio que cuando te pescan, te succionan y matan. Es cuando aparece el Doctor dispuesto a salvarlo y por ello, le lanza el destornillador sónico. Sin embargo, al momento de ir por él, el chamaco le dice que se llama Davros (el creador de los Daleks), lo cual hace que el Doctor termine huyendo del lugar.
En el presente, Clara mientras da su clase, ve que varios aviones se han paralizado en el cielo y es cuando con ayuda de UNIT, que son los Hombres de Negro de la serie, es cuando localizan a la fuente de tal ataque: Missy. Está con ayuda de Clara, finalmente ubican al Doctor, el cual para variar, está algo trastornado, y es que un guardaespaldas de Davros lo ha estado buscando, ya que este está por morir. El Doctor finalmente decide confrontarlo, lleno de culpa por lo sucedido en el pasado.
Comentario: Los episodios de Doctor Who siguen dos líneas muy diferenciadas. Una se enfoca en los capítulos que uno puede ver sin tener toda la vasta mitología del Doctor como contexto y otros que a fuerzas necesitas tener un poco de continuidad. Por suerte, los primeros abundan de sobremanera y por ello, es fácil ver o engancharse con esta serie en cualquier punto.
El problema viene con los que tienen cierta continuidad o manejan personajes ya previamente explicados o reseñados. Por ello, cuando comence a ver el primer capítulo, no me genero un impacto y tampoco supe porque el Doctor puso una cara de horror cuando el niño le dijo que era Davros. Allí tuve que parar el capítulo y ponerme a ver quien diablos era el susodicho. Y ni más ni menos que el creador de los Daleks, los primeros y más mortíferos enemigos del protagonista. Esto me genero dejar el episodio por un buen rato enlatado (al menos un mes). Técnicamente no me gusta ver capítulos de esta manera, ya que tiendo a perderme mucho y quiero disfrutarlo como Dios manda.
Sin embargo, el aumento de tiempo libre genero que me pusiera a verlo ya con resignación. Y vaya que valió la pena. Aunque si se necesita cierto contexto, como saber quien es Davros, UNIT y claro, saber de Missy, la actual reencarnación del Amo, el capítulo nos lleva directamente a la acción: El Doctor esta perdido, al grado que Missy no lo haya. Por ello, necesita la ayuda de Clara, ya que aunque regañadientes, sabe que la companion podra ubicarlo por su mejor capacidad empática.
Esta unión entre Missy y Clara es dinamita pura. Su interacción es formidable y aunque sea muy radical, es como ver a dos ex novias discutir sobre quien conoce mejor al galan de turno. Esa química tan repelente, tan chocante hizo que los primeros 20 minutos del capítulo fueron formidables. Claro, muchos alabaron la actuación de Michelle Gomez, pero Coleman tampoco lo hace mal y es que su personaje es tan estoico que sabe como pararle los pies a la otra sin contemplaciones.
Pero lo mejor viene con Peter Capaldi, que de repente me recuerda a House, ya que cuando lo encuentran las damas, anda rockeando en plena época medieval. Allí es, donde luego de ver un prologo donde vemos que Davros, el creador de los Daleks, lo anda buscando. Por este, podemos ver porque el Doctor no quiere confrontarlo y es que se siente culpable por haberlo abandonado. Finalmente, los tres deciden ir con el villano, que supuestamente esta muriendo. Este confrontamiento, más dialéctico que nada, es de lo mejor de ambos episodios, ya que Davros y el Doctor se van contestando no solo paradigmas que tienen uno del otro, sino como ven la vida en general.
A la par de esta línea, vemos como Missy y Clara se meten en líos, donde obviamente la primera luce más por sus dialogos chispeantes, hasta que supuestamente mueren, lo cual genera una crisis en el Doctor, dejandonos en un estupendo cliffhanger para el segundo episodio, el cual no decepciona en absoluto (y lo cual orillo a que me descargara en friega el segundo episodio, ya que solo tenía el primero). Pese al drama en que termino el primer capítulo, el segundo empieza de manera hilarante, cuando el Doctor ha sacado a Davros de su silla Dalek y se sube a ella, moviéndose como si estuviese en un hospital amenazando a los Daleks. Puntada genial.
No sé si lo he comentado antes, pero para ver Doctor Who, se requiere algo de paciencia. Y no hablo de la serie en general, sino de cada episodio y es que al principio, el contexto suele ser algo tedioso o muy sencillo, pero conforme pasan los minutos, uno se va enganchando y terminas brincando en el asiento. Ya lo había notado en los otros dos episodios dobles reseñados, como El Pit de Satán o Familia de Sangre. Sin embargo, con este último, el momento de aceleración no llego a su mejor punto y por eso me pareció un poco flojo. En cambio, este doble episodio me recordó más al primer mencionado y ya para mediados del segundo episodio, el dialogo dialéctico entre el villano y el protagonista se acaba, dejando un momento donde parece que el primero ha ganado.
Sí, por un momento creí que Davros tenía algo de bueno (lo cual uno se engaña cuando ve al chiquelo inocente que lo hace de joven), pero en realidad es una artimaña para reforzar a los Daleks con la energía de la regeneración de los Señores del Tiempo. Sin embargo, el Doctor también hace una contra maniobra estupenda, al usar su energía para también reanimar a los Daleks viejos.
Aquí entramos en un momento que enriquece enormemente el universo de Doctor Who, gracias a Missy y Clara, que han logrado sobrevivir. Para lograr entrar, esta última toma el cuerpo de un Dalek y allí Missy hace un divertido, educativo pero crudo ejemplo de como funcionan los Daleks. Esto termina por mostrar muchas de las características de los mismos, pero también a la par, juega con una línea argumental muy interesante, no explícita y es sobre el sentimiento de la compasión. Esta parte, me pareció de lo mejor de ambos episodios y que no solo enriquece a los villanos, sino al mismo protagonista, al grado que aunque hace algo predecible el final, en realidad termine muy satisfecho. Por cierto, hay una escena bastante tramposa que en realidad ejemplifica bien como es este Doctor: tal vez sus acciones sean groseras o malvadas, pero tienen un punto de bondad bastante patente.
Sin embargo, no todo es perfección. Como sucede en algunos episodios de la serie, varias líneas argumentales se abren, pero no todas terminan de buena manera o se dejan a medias. Una de ellas, fue que Missy empezó como un personaje potentísimo, pero va perdiendo presencia y carisma conforme el Doctor se va imponiendo. Y es que Davros ya ha robado parte del papel que le debía tocar, por ello que es normal que la trama se incline hacia uno de los personajes carismáticos, en este caso, el Doctor. Pero eso provoque Missy se perdiese al grado que su destino es incierto al final de la historia (aunque es obvio sabemos que sobrevivió).
Ahora, vamos con uno de los cambios más potentes de estos dos episodios: el destornillador sónico. Sí, el aparato emblema del Doctor se ha ido literalmente y ahora resulta que lo sustituido por unas gafas que cumplen con la misma función. Definitivamente, este punto me saco de onda y aunque sí, unas gafas son más actuales (y claro, no rompen los bolsillos de la chaqueta), creo que no tardaran en volver con el destornillador. Sin embargo, me pareció una puntada muy original. Falta que cuadre.
En conclusión, este episodio doble me pareció estupendo y una forma muy potente de iniciar la novena temporada. Podría decir que inclusive me gusto más cuando Matt Smith inauguro la sexta temporada y al nivel del inicio de la segunda, cuando David Tennant hace de las suyas (las cuales espero reseñar pronto). Sin embargo, como son episodios continuistas, no son recomendables para neofitos. No tanto porque se expliquen cosas a morir, sino porque es necesario un contexto para agarrarle cariño a ciertas cosas que cambian, como el destornillador sónico.
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Saludos a mi companion ^^, así a quienes gustan de Doctor Who.
Claro, ahora la sorpresa será ver quien es la nueva o el nuevo compañero del Doctor y de por sí, ya vimos cambios importantes (los cuales comentare a continuación), cosa que ya empezo con la nueva forma de El Amo, donde Missy se ha destacado como un estupendo archirrival del Doctor y que repeti nuevamente en este inicio de temporada. Por lo tanto, sin más espera, vamos a ver como fueron estos dos primeros episodios de Doctor Who, para su novena "Season".
Antecedentes: The Magician's Apprentice y The Witch's Familiar, fueron emitidos el 19 y 26 de septiembre del 2015, respectivamente. Ambos episodios fueron obra del ahora productor de la serie, Steven Moffat. Como protagonistas, estuvieron Peter Capaldi, como el Doceavo Doctor, Jenna Coleman como Clara Oswald, su companion, así Michelle Gomez como "Missy" (la actual reencarnación del Amo) y la aparición de Davros, tanto en su forma madura como cuando era niño.
El episodio tuvo excelentes críticas entre la prensa especializada y los fans. Sin embargo, a nivel audiencia, los números de espectadores fueron bastante bajos para el inicio de una temporada. Sin embargo, algunos especulan que fue debido a que en esos horarios, estaba siendo emitido el Mundial de Rugby. La que se llevo la mejor parte, fue Michelle Gomez, que fue alabada por su interpretación del Amo.
Argumento: en un planeta desconocido, un niño se ve amenazado por una serie de "manos-bomba", una suerte de artilugio que cuando te pescan, te succionan y matan. Es cuando aparece el Doctor dispuesto a salvarlo y por ello, le lanza el destornillador sónico. Sin embargo, al momento de ir por él, el chamaco le dice que se llama Davros (el creador de los Daleks), lo cual hace que el Doctor termine huyendo del lugar.
En el presente, Clara mientras da su clase, ve que varios aviones se han paralizado en el cielo y es cuando con ayuda de UNIT, que son los Hombres de Negro de la serie, es cuando localizan a la fuente de tal ataque: Missy. Está con ayuda de Clara, finalmente ubican al Doctor, el cual para variar, está algo trastornado, y es que un guardaespaldas de Davros lo ha estado buscando, ya que este está por morir. El Doctor finalmente decide confrontarlo, lleno de culpa por lo sucedido en el pasado.
Comentario: Los episodios de Doctor Who siguen dos líneas muy diferenciadas. Una se enfoca en los capítulos que uno puede ver sin tener toda la vasta mitología del Doctor como contexto y otros que a fuerzas necesitas tener un poco de continuidad. Por suerte, los primeros abundan de sobremanera y por ello, es fácil ver o engancharse con esta serie en cualquier punto.
El problema viene con los que tienen cierta continuidad o manejan personajes ya previamente explicados o reseñados. Por ello, cuando comence a ver el primer capítulo, no me genero un impacto y tampoco supe porque el Doctor puso una cara de horror cuando el niño le dijo que era Davros. Allí tuve que parar el capítulo y ponerme a ver quien diablos era el susodicho. Y ni más ni menos que el creador de los Daleks, los primeros y más mortíferos enemigos del protagonista. Esto me genero dejar el episodio por un buen rato enlatado (al menos un mes). Técnicamente no me gusta ver capítulos de esta manera, ya que tiendo a perderme mucho y quiero disfrutarlo como Dios manda.
Sin embargo, el aumento de tiempo libre genero que me pusiera a verlo ya con resignación. Y vaya que valió la pena. Aunque si se necesita cierto contexto, como saber quien es Davros, UNIT y claro, saber de Missy, la actual reencarnación del Amo, el capítulo nos lleva directamente a la acción: El Doctor esta perdido, al grado que Missy no lo haya. Por ello, necesita la ayuda de Clara, ya que aunque regañadientes, sabe que la companion podra ubicarlo por su mejor capacidad empática.
Esta unión entre Missy y Clara es dinamita pura. Su interacción es formidable y aunque sea muy radical, es como ver a dos ex novias discutir sobre quien conoce mejor al galan de turno. Esa química tan repelente, tan chocante hizo que los primeros 20 minutos del capítulo fueron formidables. Claro, muchos alabaron la actuación de Michelle Gomez, pero Coleman tampoco lo hace mal y es que su personaje es tan estoico que sabe como pararle los pies a la otra sin contemplaciones.
Pero lo mejor viene con Peter Capaldi, que de repente me recuerda a House, ya que cuando lo encuentran las damas, anda rockeando en plena época medieval. Allí es, donde luego de ver un prologo donde vemos que Davros, el creador de los Daleks, lo anda buscando. Por este, podemos ver porque el Doctor no quiere confrontarlo y es que se siente culpable por haberlo abandonado. Finalmente, los tres deciden ir con el villano, que supuestamente esta muriendo. Este confrontamiento, más dialéctico que nada, es de lo mejor de ambos episodios, ya que Davros y el Doctor se van contestando no solo paradigmas que tienen uno del otro, sino como ven la vida en general.
A la par de esta línea, vemos como Missy y Clara se meten en líos, donde obviamente la primera luce más por sus dialogos chispeantes, hasta que supuestamente mueren, lo cual genera una crisis en el Doctor, dejandonos en un estupendo cliffhanger para el segundo episodio, el cual no decepciona en absoluto (y lo cual orillo a que me descargara en friega el segundo episodio, ya que solo tenía el primero). Pese al drama en que termino el primer capítulo, el segundo empieza de manera hilarante, cuando el Doctor ha sacado a Davros de su silla Dalek y se sube a ella, moviéndose como si estuviese en un hospital amenazando a los Daleks. Puntada genial.
No sé si lo he comentado antes, pero para ver Doctor Who, se requiere algo de paciencia. Y no hablo de la serie en general, sino de cada episodio y es que al principio, el contexto suele ser algo tedioso o muy sencillo, pero conforme pasan los minutos, uno se va enganchando y terminas brincando en el asiento. Ya lo había notado en los otros dos episodios dobles reseñados, como El Pit de Satán o Familia de Sangre. Sin embargo, con este último, el momento de aceleración no llego a su mejor punto y por eso me pareció un poco flojo. En cambio, este doble episodio me recordó más al primer mencionado y ya para mediados del segundo episodio, el dialogo dialéctico entre el villano y el protagonista se acaba, dejando un momento donde parece que el primero ha ganado.
Sí, por un momento creí que Davros tenía algo de bueno (lo cual uno se engaña cuando ve al chiquelo inocente que lo hace de joven), pero en realidad es una artimaña para reforzar a los Daleks con la energía de la regeneración de los Señores del Tiempo. Sin embargo, el Doctor también hace una contra maniobra estupenda, al usar su energía para también reanimar a los Daleks viejos.
Aquí entramos en un momento que enriquece enormemente el universo de Doctor Who, gracias a Missy y Clara, que han logrado sobrevivir. Para lograr entrar, esta última toma el cuerpo de un Dalek y allí Missy hace un divertido, educativo pero crudo ejemplo de como funcionan los Daleks. Esto termina por mostrar muchas de las características de los mismos, pero también a la par, juega con una línea argumental muy interesante, no explícita y es sobre el sentimiento de la compasión. Esta parte, me pareció de lo mejor de ambos episodios y que no solo enriquece a los villanos, sino al mismo protagonista, al grado que aunque hace algo predecible el final, en realidad termine muy satisfecho. Por cierto, hay una escena bastante tramposa que en realidad ejemplifica bien como es este Doctor: tal vez sus acciones sean groseras o malvadas, pero tienen un punto de bondad bastante patente.
Sin embargo, no todo es perfección. Como sucede en algunos episodios de la serie, varias líneas argumentales se abren, pero no todas terminan de buena manera o se dejan a medias. Una de ellas, fue que Missy empezó como un personaje potentísimo, pero va perdiendo presencia y carisma conforme el Doctor se va imponiendo. Y es que Davros ya ha robado parte del papel que le debía tocar, por ello que es normal que la trama se incline hacia uno de los personajes carismáticos, en este caso, el Doctor. Pero eso provoque Missy se perdiese al grado que su destino es incierto al final de la historia (aunque es obvio sabemos que sobrevivió).
Ahora, vamos con uno de los cambios más potentes de estos dos episodios: el destornillador sónico. Sí, el aparato emblema del Doctor se ha ido literalmente y ahora resulta que lo sustituido por unas gafas que cumplen con la misma función. Definitivamente, este punto me saco de onda y aunque sí, unas gafas son más actuales (y claro, no rompen los bolsillos de la chaqueta), creo que no tardaran en volver con el destornillador. Sin embargo, me pareció una puntada muy original. Falta que cuadre.
En conclusión, este episodio doble me pareció estupendo y una forma muy potente de iniciar la novena temporada. Podría decir que inclusive me gusto más cuando Matt Smith inauguro la sexta temporada y al nivel del inicio de la segunda, cuando David Tennant hace de las suyas (las cuales espero reseñar pronto). Sin embargo, como son episodios continuistas, no son recomendables para neofitos. No tanto porque se expliquen cosas a morir, sino porque es necesario un contexto para agarrarle cariño a ciertas cosas que cambian, como el destornillador sónico.
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Saludos a mi companion ^^, así a quienes gustan de Doctor Who.
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