Leyenda Urbana: La Pascualina

Vuelvo a las entradas de Leyendas Urbanas que disfruto bastante. En este caso, también hago una vuelta a las distintas leyendas que ocurren en México y que son bastante ricas. Ya había hablado de la Planchada o de la Llorona. Pero ahora vamos a un mito que es poco conocido a nivel nacional o internacional, pero localmente, es una de las más extrañas. Sí, hablamos de la Pascualina.

¿Cual es la historia de este maniquí? Según las crónicas oficiales, este apareció en el año de 1930, en una tienda de vestidos de novia, llamada "La Popular", en la ciudad norteña de Chihuahua. Hay dos versiones de como el maniquí apareció allí y es que la dueña de aquella tienda, Pascualita Esparza Perales de Pérez, fue quien la compró. La primera hace referencia es que lo mando traer directamente de Francia y la otra, que cuando fue a la capital, cuando se surtía de cosas en la tienda Liverpool, le gusto el maniquí y luego de presionar, logro comprar el susodicho y traérselo a su tierra natal.

¿Por qué tiene el nombre de la Pascualina? La razón es que la dueña de la tienda, la propia Pascualina Esparza era muy parecida al maniquí. Como este estaba hecho de cera y mucho de sus accesorios, como el cabello o las pestañas, eran reales, parecía casi viva. La propia dueña comento en su momento que la razón por el cual compró dicho maniquí es porque este se parecía a su hermana, que era quien confeccionaba los vestidos en la tienda. En un principio, la dueña le llamo la "Chonina", debido a que lo puso el día de la Encarnación (25 de marzo), pero los ciudadanos locales no tardaron en decirle "Pascualina", tal como su propietaria.

¿Qué la hace tan famosa? Resulta que a partir de 1967 (que coincide con la muerte de la dueña), la gente comenzó a notar que el dichoso maniquí se movía. Sí, debido al realismo del mismo, las personas que se detenían a ver el aparador, comenzaron a documentar movimientos, guiños o hasta sonrisas de la Pascualina. También que varias empleadas de la tienda comenzaron a renunciar, debido a que habían cachado al supuesto maniquí moviendose o hasta llorando en un rincón del aparador. Así que cuando alguna empleada comenzaba a vestirlo, veían que aparecían venas en las piernas o manos del susodicho maniquí o hasta trayectos venosos en los ojos. Otros paseantes han visto que la Pascualina esta en una posición extraña o que inclusive en ocasiones, se encuentra en un rincón del aparador, lejos de su lugar habitual, como si se hubiese movido por sí misma.

¿Cuáles son las teorías que apoyan estos hechos extraños? La primera es que la muerte de la Señora Esparza tuvo que ver con el "encantamiento" del maniquí. Y no es de extrañar, ya que los hechos paranormales comenzaron a registrarse luego de 1967, año del fallecimiento de la original Pascualina. Muchos dicen que el maniquí era tan apegado a su dueña, que por eso llora o se mueve para hacer honor a su poseedora original. La segunda, es la más famosa y tiene dos derivaciones: resulta que el maniquí es el cuerpo embalsamado de la hija de la señora Esparza, que murió por la picadura de un alacrán el día de su boda o que fue asesinada por la apuñalada de un pretendiente celoso que al ver que se casaba con otro hombre, decidió matarla el día del casamiento. Claro, esto último se ha tejido más como un mito, ya que las crónicas oficiales dicen que la Pascualina tuvo un solo hijo y que era varón. La tercera es más mágica, ya que dicen que un chamán que visito Chihuahua en una ocasión, al ver al maniquí, se enamoro de él y le dio vida con sus poderes mágicos, por lo cual la Pascualina cobraba vida en la noche y acompañaba al chamán en sus salidas. Otras más disparatadas hablan de que la hija de la Pascualina se caso en secreto con un taxista pobre y que la madre mando matar a este último y que por pena, la hija se suicidó y su alma recayó en el maniquí. Una más comenta que una joven de mal comportamiento termino recayendo en el susodicho por sus acciones.

¿Por qué otras razones es famosa la Pascualina? Es debido a que mucha gente ha obtenido milagros o beneficios de la misma. Una mujer dicen que recibió un balazo frente al aparador y que sangrando, le pidió a la susodicha que le salvará la vida, lo cual sucedió. Otra que la mujer que compré un vestido que tenga puesto la Pascualina, tendrá un matrimonio feliz.

Sea cierto o no, el maniquí se ha vuelto una de las atracciones del Centro Histórico de Chihuahua y más de uno, pasa por la tienda, embelesado por la belleza y el realismo de la Pascualina, hasta que la susodicha guiña un ojo o hasta emite una sonrisa al espectador.

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Saludos a mi princesa ^^, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.

World Masterpiece Theater: clásicos emitidos en los ochentas y noventas en México

Para los que gustan de las series viejitas, como un servidor, ha sido una grata sorpresa que Cadena Tres, una televisora privada del centro del país, hace algunos años, haya comenzado a repetir animes que fueron altamente populares hace algunos ayeres, como Heidi, Candy, Mazinger Z o Remi.

Como la animación de tales series era altísima y con historias muy crudas, más de uno piensa que los nipones están locos, ya que los animes eran bastante crudos en muchos sentidos (muertes, cambios de rol, situaciones dramáticas, etc. etc.). Sin embargo, tales historias solo eran "adaptaciones" de cuentos o novelas que tienen esos aspectos de crudeza. Y es que Nippon Animation, desde 1975, comenzó a emitir una cantidad bastante fuerte de animes, en forma de adaptaciones, que resultaron altamente populares. Aunque la emisión se dejo en 1997, con la versión femenina de Remi, en tiempos recientes, han salido tres animes más, adaptando más obras que han tenido éxito fuera de Japón.

Con una calidad de animación altísima y con un rasgo característico en sus personajes (estilo que implantaría Miyazaki y Takahata, cuando trabajaban para Nippon Animation), fueron la delicia, no solo en nuestro país, sino en todo el mundo. Así que en esta entrada, haremos una reseña de dichos animes, mediante sus característicos openings.


-Heidi (1974)

Johanna Spyri escribió "Heidi, la niña de los Alpes" a mediados del siglo XIX. Sin embargo, el anime producido por Nippon Animation a mediados de los setentas (aunque no forma de manera canonica del World Masterpiece..), fue la que hizo que el personaje y su trama  fueron conocidos de manera internacional. Heidi, la chiquilla que vivía con su abuelo y que luego termina por caer en la casa de los Sesseman, donde conoce a Clara, una niña invalida, tuvo un éxito abrumador en México cuando se emitió primero en los setentas y luego en los noventas. Cadena Tres la ha venido repitiendo en los últimos años y aun sigue siendo bastante popular, no solo por su opening, sino por su animación, doblaje y su historia ("Abuelito dime tú...").


-Marco (1976)

Uno de los animes "debutantes" en el WMP (Abreviación), apareció en 1976 y resulta una adaptación del cuento corto incluido en la novela "Corazón" de Edmundo de Amicis.  Marco es un chamaco italiano que vive feliz con sus padres. Sin embargo, por cuestión de billete, la madre del susodicho debe irse a Argentina a trabajar. La noticias de esta dejan de llegar y Marco se embarca en una aventura para ir por ella. Para cuando escribó, se me asoma una que otra lagrimita y es que este anime me toco verlo en una etapa de la vida donde comienzas a desarrollar el concepto de muerte, por lo cual, era bastante traumante (y en la de muchos). En México se emitión con gran recepción a mediados de los años ochentas.


-Perrine (1978)

No paramos con los traumas, ya que este anime esta basado en otra novela de Hector Malot (seh, el mismo de Remi) y trata de las aventuras de Perrine, una chica que tiene que ir con su madre enferma por toda Francia, para encontrar a su abuelo, el padre del padre de la protagonista para que les ayude económicamente. Perrine es una chica dulce y a base de su carisma y talento, va ganándose amigos en su travesía. Lamentablemente, la madre muere en el trayecto no sin antes contarle varios secretos relacionados con su familia. En México se emitio de manera irregular entre los ochentas y noventas, para colmo, con dos doblajes distintos, uno chileno como otro mexicano. Por ello, la serie pese a tener su impacto, no fui muy constante con ella. Aunque claro, tiene su dosis de drama bien puesta.


-La Familia Robinson (1981)

Ya con cierto salto en la animación con respecto a las anteriores, apareció esta a principios de los años ochentas. En México no tuvo tanto impacto, ya que siempre se le confundía o se fusionaba con otras animaciones que trataban de Robinson Crusoe (aunque teniendo la misma temática, con diferentes historias). Una familia suiza, camino a Australia para conseguir chamba, naufraga en una de las islas Orientales y entonces tiene que aprender a sobrevivir como pueda en ese ambiente, donde van limando asperezas y problemas que traía cada miembro al inicio de la historia (la cual fue escrita por el pastor suizo Johann Davis Wyss a principios del siglo XIX). En nuestro país se emitió de manera irregular a finales de los años ochentas, en canal 5 en los horarios vespertinos.


-Mujercitas (1987)

Basado en el clásico de Louise Mary Alcott, narra las aventuras de cuatro hermanas (Las March) durante el conflicto de la Guerra Civil Estadounidense. Fue emitida en 1987 y es una de las series referentes del WMT hasta la fecha. En México, se llego a emitir completa a principios de la década de los noventas, aunque con una curiosa diferencia: mientras el resto de los doblajes eran mexicanos o hasta uno chileno, esta serie fue doblada en Venezuela. La razón es que DIC la compró y la quiso emitir, lamentablemente con un cierto grado de censura, por lo cual no pudimos ver la muerte de Beth como Dios manda y el anime resulto bastante descafeínado, aunque hoy en día muchos lo recuerdan con cariño (en especial un servidor) y con un opening bastante pegadizo.


-Peter Pan (1989)

Otro anime que DIC y Saban le metieron mano, aunque realmente fue muy poco (salvo el opening que lo cambiaron totalmente, lo cual no me decepciono en absoluto), pese a que algunas historias de esta adaptación de la novela original de J.M. Barrie eran bastante crudas o fuertes por momentos (en especial el arco final, donde inclusive se ve la muerte de uno de los protagonistas principales) y los personajes mantenían su perfil original (que por momentos son bastante cínicos o duros, como Garfio o el mismo Peter). Aquí en México tuvo un gran éxito y mi hermano y un servidor le toco verlo en canal 5 a principios de los noventas. Justamente lo emitían en el horario vespertinio (4:00 pm) y era una bocanada de aire fresco entre tantas animaciones por momentos un tanto absurdas.


-Sonrisas y Lágrimas (1991) - La novicia rebelde

Basada en la novela de María Augusta Trapp, narra las aventuras de una novicia que entra a trabajar como niñera de los niños Von Trapp, vástagos de un militar retirado de la Primera Guerra Mundial. Debido a diferencias con la incipiente dirigencia nazi de aquellos años, los Trapp deciden fugarse a Suiza luego de un elaborado plan, para continuar su vida como cantantes. Este anime es poco conocido en México y es que solo se emitió en el canal ZAZ, de corte privado, a mediados de los noventas. Aunque muchos criticaban el doblaje, así las canciones, a mi me parecio una serie estupenda y con una animación increíble. Fue técnicamente esta serie la que me permitió conocer esta trama que culminaría hace unos años cuando vi la película de Julie Andrews con mi esposa.


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Saludos a mi mujer ^^ que adoro, así a quienes gustaban de estos animes.

Dr Who: Comienza mi andanza en esta magnífica serie

Siempre me he jactado de tener un cierto conocimiento de las cosas en general. Ser capaz de conversar de temas tan intrascedentales como el tipo de espada que usa Jon Nieve en "Juego de Tronos", hasta situaciones de mayor importancia, como el inicio de la Guerra de Independencia de México.

Sin embargo, en los últimos años, he comprobado que dichos conocimientos se quedan muy cortos si los comparo con los de otras personas que he ido conociendo, de manera directa o indirecta. Hay un mundo enorme allá afuera y vaya que me ha tocado probarlo de poco a poco. Esto gracias a ciertos podcasts que me han abierto más las "entendederas".

Claro, hablo de la "Órbita de Endor" y en su momento de "Pus ya que", que me han servido de referencia para estudiar un montón de series, desde en el formato cómic hasta el de televisión. Y justamente, una de esas tantas, tenía que ser Dr. Who.

Así es, luego de tantos años, tenía que volver a esta serie, casi como un boomerang, que ha tardado su buen rato en regresar. Sí, un servidor fue testigo de Dr Who aquí en México. Pero aquí es donde vamos a hablar un poco más al respecto de mis inicios y luego de uno de los episodios más emblemáticos de la serie moderna: "Parpadeo".


Parpadeo es el décimo episodio de la tercera temporada moderna de la serie británica de ciencia ficción Doctor Who. Se emitió originalmente el 9 de junio de 2007 en BBC One. La dirección del episodio corrió a cargo de Hettie MacDonald y es el único episodio de la temporada de 2007 escrito por Steven Moffat. Está basado en un relato corto anterior de Moffat que escribió para el Doctor Who Annual de 2006 titulado "Lo que hice en mis vacaciones de Navidad" por Sally Sparrow.


La historia de Dr. Who es harto conocida por los fans de la serie. No voy a chutarme (por el momento) los pormenores de como inició la serie y como fue adquiriendo notoriedad, no solo en su patria natal, Inglaterra, sino en todo el mundo. Ahora me enfocaré más en mi experiencia personal y como fue que comencé a interesarme en la serie.

Para los pocos o nulos conocedores de la serie, sabrán que esta comenzó a emitirse en noviembre de 1963, justamente un día después del asesinato de JFK y por ello Dr. Who comenzó a labrarse una historia bastante peculiar al respecto. Debido al magro presupuesto y otras cuestiones, mucha de la mitología actual se baso en las improvisaciones que tuvieron que hacer productores y guionistas para mantener viva la serie (desde las transformaciones que va teniendo el Doctor hasta la aparición de villanos tan emblemáticos como los Daleks).

Una de las curiosidades de la serie, al menos la clásica (que abarca los primeros siete doctores), es que algunos episodios de estas temporadas están perdidos y que la BBC desde hace tiempo, inició una campaña a nivel mundial para recuperar dichos episodios, que podrían estar enlatados en alguna cadena local. Curiosamente, pese a que el serial no tenía una alta popularidad en Inglaterra en aquellos años, varios de sus episodios terminaron llegando aquí, a México. Por Internet uno puede hallar un fragmento de Dr. Who doblado aquí en México.

Si alguno piensa que me toco ver a este Doctor, para nada (estoy viejo, pero no tanto), pero si me toco ver las temporadas que se doblaron del cuarto Doctor, el interpretado por Tom Baker. Así es, cuando Tv Azteca era Imevisión, la televisora estatal en aquel entonces, le dió por traer series diferentes o extrañas a nuestro país. Digo ¿Quién no recuerda a Rescate 911? ¿O series de animación como Punky Brewster? La razón de que Imevisión estrenara tales cosas, era porque su costo de derechos no era tan alto como los seriales que manejaba Televisa, en especial el Canal 5. No obstante, muchas llegaron a ser unas joyas en todo el sentido de la palabra.

Y sí, una de las series que me toco ver, los sabados en la tarde, fue Dr. Who. Sus horarios de transmisión eran entre 5 a 7 de la noche, sea los sábados o los domingos. A veces llegaban a pasar antes del Guiri-Guiri, de Andrés Bustamante, o inclusive después. Sin embargo, cuando fue esto, eran los ochentas y yo era apenas un molzabete, por lo cual no podía disfrutar enteramente de la serie, ya que me parecía extraño que un sujeto que era un extraterrestre, se vistiera como un inglés de los años Veinte. En fin, que solo vi algunos episodios de pasada y sin prestar demasiada atención.

Fue hasta hace unos pocos años, cuando volví a escuchar de Dr. Who. Y fue mediante el podcast de "Pus ya Que", donde comenzaron a hablar de la serie. No significa que me halla olvidado totalmente de ella. Al contrario, siempre tenía presente a "Dr. Who" como una serie emblemática de ciencia ficción, pero es como aquel pariente que sabes que siempre va a las reuniones familiares, pero solo sabes su nombre y ya, hasta el grado que a veces ni lo saludas. Sin embargo, lo ves en otra fiesta, lo reconoces, pero hasta allí.

Si Dr. Who se considera un referente actual, ¿Por qué tarde tanto en verlo? Primeramente, porque mis propios prejuicios y luego por mi falta de cultura pirata, jeje. Bueno, esta última se soluciono hace unos cuantos años, cuando ver en Internet era más fácil que esperar un milagro a que pasase en las televisoras (y hoy uno puede disfrutar en el cable, el canal BBC internacional que emite generosamente Dr. Who los fines de semana. Claro, a ver si un día me toca ese privilegio).
La cuestión más grande siempre fueron mis ideas preconcedidas de la serie: es un show inglés, que maneja un humor más sobrio y aparte con unas vueltas de tuerca extrañas. Sí, me toco ver los Monty Python en su momento y me quede traumado. Ahora me rió genuinamente con ellos, pero cuando eres un niño, te deja un sabor agridulce. Sin embargo, uno se va refinando y se demuestra con la actualidad.

Por suerte, una serie como Sherlock (otra serie de uno de los creadores modernos de Dr. Who, Moffat) me termino por quitarme ese sabor añejo y vino a revitalizar mi gusto por las buenas series inglesas. Léase, ya estaba lo suficiente maduro para ver Dr. Who. Sin embargo, por miedo a que la serie no fuese de mi gusto, no la empecé a ver sino hasta hace un mes aproximadamente, pese a que ya tenía en mis manos, dos de los mejores episodios calificados por la crítica especializada (y uno de los cuales voy a hablar ahora).

Ahora, antes de empezar ¿Por qué decidí empezar por un episodio avanzado y no digamos, con el primero del noveno doctor? Digo, es cuando se marca el inicio de la serie moderna. Bueno, porque traté de hacerlo, pero el ritmo semilento y extraño, hizo que me parará a la mitad. Por suerte, escuchar las recomendaciones del podcast de La Órbita de Endor me ayudo a tomar esta decisión y vaya que me funcionó en muchos sentidos. Sin embargo, si ustedes son más cuadrados, iniciar con la temporada del doctor encarnado por Eccleston, es una buena opción al respecto.

Bien, el episodio a analizar es "Parpadeo", Es el décimo capítulo de la tercera temporada moderna de Dr. Who. Léase, para este momento, ya David Tennant es la decima encarnación del Doctor y su acompañante es Martha Jones. Es considerado el segundo mejor episodio de toda la saga de Dr. Who. Le represento a Steve Moffat un BAFTA y hasta un premio Hugo por episodio corto.

Argumento: Sally Sparrow (Carey Mulligan) es una fotografa que entra a una casa abandonada a realizar varios screenshots de la misma. Allí encuentra un mensaje extraño dirigido hacia ella, donde es prevenida por un sujeto llamado "El Doctor". Cuando su mejor amiga desaparece de repente, Sally recibe una carta de esta del pasado. Desconcertada, la protagonista acude con el hermano de Sally, Larry, que le dice de extraños mensajes que hay en varios DVD´s, donde el "Doctor" le dice sobre ciertos seres sobrenaturales que van trás ella, que se llaman Ángeles Llorosos. Estas criaturas, tan longevas como el universo, se alimenta de energía potencial, por lo cual "matan a una persona, regresandola en el pasado para robarle dicha energía. Debido a que la Tardis, la máquina del tiempo del Doctor, tiene una energía inmensa, los Ángeles buscan la manera de entrar a la misma. Sally se adelanta y consigue la llave de la Tardis, mientras trata de ayudar a regresar al Doctor y a su compañera, Martha, que quedaron atrapados en el tiempo.

La idea original para este episodio fue harto curiosa. Steve Moffat, uno de los productores de la serie y aparte guionista, hizo el guión de este capítulo en base a uno que había escrito para el noveno Doctor. Conjuntando ciertos temores que tenía de niño hacia las estatuas como una experiencia que tuvó al visitar un viejo cementerio, fue cuando ideó a los Ángeles Llorosos y la distorsión en el espacio-tiempo tan mencionada.
Aunque el capítulo es un episodio "ligero" (con poca aparición del Doctor), tuvo tal aclamación entre la crítica que le hizo ganador de muchos premios. Y aparte, los Ángeles Llorosos se convirtieron en unos villanos bastante reconocidos, al grado que tuvieron algunas apariciones más posteriormente.

¿Y por qué es tan bueno este episodio?

Si algo ha caracterizado a las temporadas recientes de Dr. Who, según la crítica, es la calidad de sus historias. Mientras las primeras temporada se enfocaban en una ciencia ficcióna algo rudimentaria, los guionistas actuales han hecho geniales con la serie. Un ejemplo es este, donde Moffat hace un capítulo fantástico, con ligeros tintes de horror, combinando algo de trama bien elaborada, como ciertos conceptos un tanto extravagantes, pero muy divertidos, como los cambios en la línea temporal, amen de tener unos villanos de primera como los Ángeles Llorosos.

Claro, a mi me encanto el capítulo y lo disfruté muchísimo, ya que pese a los 5 minutos iniciales un tanto extraños, ya cuando le agarras ritmo, te quedas prendado. Así estuve por 30 minutos (y eso que no puedo prestar atención por más de 15 minutos a una cosa), hasta que mi esposa me llamó para hacer algo. Y es que eso tiene este episodio, que te engancha, te emociona y hasta te hace brincar de miedo (la aparición de los Ángeles Llorosos, es formidable).

Si la historia y la trama son estupendos, los personajes lo son aun más. Carey Mulligan hace una gran actuación, aparte de que la chica tiene bastante ángel. Sin embargo, los personajes como Larry o el detective tampoco desmerecen. Cierto que vemos poco a David Tennant, pero sus apariciones puntuales despliega un carisma formidable. Tal vez la que medio desentona es Martha Jones, pero es en que en estos episodios, él que debe brillar es el Doctor.

A tal grado me encantó, que se lo mostré a mi esposa y aunque pasó un par de buenos sustos con los villanos, admitió finalmente que le gusto. Y es que otra ventaja que tiene esta serie es que cualquiera puede empezar a verla por ningun lado. Salvo los capítulos continuistas o de fin de temporada, uno tiene la posibilidad de ver Dr. Who, con un mínimo de conocimiento.

¿Recomendable? De manera absoluta. No solo para los fans de la ciencia ficción, sino para quienes gustan un tantito del horror. En lo particular me encantó y no pude haber iniciado de mejor manera una serie (y eso que no dejaba de emocionarme con el especial de Navidad que vi hace unos momentos). Por algo, Dr. Who es la serie del momento, no solo en Reino Unido, sino también en el mundo.

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Saludos a mi acompañante, mi esposa :3, así a quienes gustan de este tipo de series.

Iacobus: la vuelta hacia la novela medieval

Hace diez años, cuando estaba en una etapa bastante cruda (mitad por otras personas, mitad por decisiones mías bastante erradas), llegaron a mi vida dos libros que me marcaron de manera determinante hasta la fecha.

Uno de ellos, fue proporcionado por mi hermano, y es la joya de Antony Beevor: "Stalingrado" (y que espero en una próxima entrada hablar del susodicho). El otro, lo compré de manera casual, un día que tenía algo de dinero extra y que no solamente reafirmó mi gusto por las novelas históricas, sino también marco mucho de mi estilo de escritura de manera posterior. Sep, hablo de la novela de Matilde Asensi: Iacobus.

Pero como es lógico en este blog, primero vamos a hacer una reseña de la escritora, luego del libro en sí y finalmente mi opinión personal al respecto.

Iacobus1 es una novela histórica de aventuras escrita por Matilde Asensi y fue publicada por editorial Plaza & Janés2 en el año 2000. Está ambientada en la época del final de las cruzadas, en el momento de la disolución de la orden de los templarios.

Matilde Asensi es originaria de España, más específicamente de Alicante. Desde pequeña fue educada en un colegio católico, administrado por una orden religiosa, las Teresianas. Pese a que la primera novela que publicó fue a los 37 años, Matilde desde los tiempos del colegio, siempre soño con ser escritora.

Estudió periodismo en la Universidad Autónoma de Barcelona y estuvó en los medios informativos por un buen periodo, hasta que en 1991, decidió tomar una plaza administrativa para tener tiempo para la escritura. Luego de quedar finalista en algunos premios, finalmente en 1999 público el Salón del Ambar, con la cual comenzó a tener éxito. Le siguió Iacobus en el 2000, el último Catón en el 2001 (y que es de sus novelas más famosas y laureadas), el Origen Perdido en el 2003, así continuaciones aparte de Iacobus como Peregrinato, Todo bajo el Cielo en el 2005 y la trilogia de Martín ojo de Plata entre el 2007 y el 2012.

La producción de esta gran autora bajó durante mediados de la década pasada debido a un conflicto que hubo entre el gobierno boliviano y la editorial, por cuestiones de alteraciones de nombres y derechos.

Ahora con este preambulo, hay que hablar de Iacobus. ¿De qué va el argumento?

Galcerán de Born, es un monje hospitalario militar que se ha hecho famoso en su orden por sus grandes conocimientos médicos y sus dotes deductivas. Luego de estar moviendose por toda España, termina en un convento de novicios, donde al estar leyendo documentos para pasar el rato, le llega una carta del mismísimo Papa Juan XXII, proveniente de Avignon. Born no tiene otra opción que encogerse de hombros y salir pirando a la ciudad francesa, acompañado de un aprendiz de novicio, apellidado García y que esta relacionado con su pasado. Durante su travesía, Born comenzará a enterarse de ciertos misterios que rodearon la muerte del gran maestre Jacques de Molay y de toda la Orden de los Templarios, que pereció unos cuantos años antes.

Fue esta primicia y el escudo que tenía la vieja edición de Iacobus (Plaza & Janes) con un escudo medieval con la cruz blanca hospitalaria pintada, lo que me hizo comprarlo. Y vaya que resulto una buena inversión. Asensi hace un estupendo relato de la Europa de la Baja Edad Media y de los conflictos religiosos que rodeaban aquellos tiempos y todo en boca del personaje principal, Born. El libro esta escrito en primera persona, lo cual facilita a la autora hacer un relato pormenorizado de ese tiempo y a la vez, por el mismo protagonista, hacer una crítica velada de aquellos tiempos, aprovechando que el sujeto es bastante ilustrado y tiene un conocimiento crítico e imparcial de la situación, pese a ser un monje militar.

Y es algo que me gusto mucho con Asensi, donde nos mete en una especie de montaña rusa, en que los protagonistas se la pasan de un lado a otro, tratando de armar un enorme puzzle, que no solo resulta divertido, sino también bastante intelectual. Particularmente, tuvé que ponerme al tiro con viejas lecturas para poder entender ese medio, en especial la trama que envolvió a los Caballeros Templarios. Es siempre bien sabido que las novelas históricas se toman sus licencias y no puedes creer todo lo que ponen. Aquí ocurre lo mismo, pero eso me permitió saber más sobre este tipo de temas.

Otra genialidad de la novela son sus personajes. Born es carismático y tiene unas expresiones bastante cómicas cuando maldice o algo le sorprende. Igual si vemos a la bruja que se encuentra posteriormente y que resulta ser un agradable personaje de soporte. El problema tal vez viene con García, el aprendiz de novicio que lo acompaña. Aunque se nota que su función es ser la parte representativa del lector, al preguntarle cuestiones a Born, que también le haríamos nosotros, a veces su personalidad es chocante y fastidiosa. Solo hasta el final de la historia es cuando le tomas cariño, cuando deja de ser el tipico adolescente idiota a ser un auténtico "sidekick" del protagonista.

Otro detallito y que tal vez Asensi peca bastante es las largas pero larguísimas explicaciones que se avienta con sus personajes. Cierto que son muy instructivas, sin embargo llegan a ser fastidiosas y le restan cierta velocidad a la trama. Para colmo, la cosa cae peor cuando hay momentos que son de transición, lo cual hace que la historia se embarre a niveles groseros.

No obstante, fuera de estas situaciones, la novela se lee bien y es bastante divertida. Aparte, tiene un final bastante original y da a pie a futuras continuaciones (la cual se dió posteriormente, pero de muy diferente manera).
En conclusión, "Iacobus" es una novela histórica de primera nivel. Tal vez no tiene la la duración de otras obras y aun se quede corta con el "Último Catón", la novela emblema de Asensi, pero aun así, es llevable, divertida y amena.

Ahora ¿Dónde conseguirla en México? Bueno, hace unos años era fácilmente conseguible en cualquier lado, al grado que regale una a la madre de mi mejor amiga. El problema es que la existencia de los medios digitales, ha hecho que sea más sencillo conseguirla en e-book y tiene un precio entre 50 a 70 pesos. Si en cambio te gusta el papel y leer a la antigua, aun se puede conseguir en la cadena de librerías, "El Sotano", donde esta a 50 pesos y curiosamente, por 200 pesos si la quieres con otra novela de la misma autora, "Todo bajo el Mismo Cielo". Curiosamente, estas copias son hechas por editorial Planeta, mientras la anterior era Plaza&Janes.

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Saludos a mi esposa ^^, así quienes gustan de las buenas novelas.

De mendigo a millonario: una clásica pelicula de Año Nuevo

Ahora que paso las navidades y las festividades de Año Nuevo con mi esposa, es cuando recuerdo las viejas tradiciones que tenía con mi familia hace algunos años. Las cosas no podían ser más diferentes, ya que entonces consistía en las típicas comidas familiares, donde comíamos casi hasta las doce de la noche, mientras brindabamos al son de los especiales que ponían en la TV. Nos quedabamos un rato despiertos y luego a dormir.

Con mi mujer, la cosa no puede ser más distinta y es mucho más relajada en otros sentidos, ya que cuando las familias son grandes, uno va corriendo de un lado a otro, mientras cuando somos dos, todo es más lento. Sin embargo, si hay tradiciones que aun recuerdo con añoranza es ciertas peliculas que llegue a ver con toda mi familia en aquellas temporadas. Recuerdo una película muy en especial, en el año de 1989, que estrenaba el canal 5. En aquel entonces, mi padre era el dueño del mando de la TV y se intereso por una película que tenía por protagonistas a dos actores que con el tiempo se convertirían en grandes cómicos: Dan Aykroyd y Eddie Murphy.

Sí, hablamos de esa película tan famosa e icónica, que inclusive hace una semana la estuvieron pasando en el Canal 5, "Trading Places" o como es conocida en Latinoamérica: de Mendigo a Millonario. Así que para iniciar este año, hablemos de este peliculón, que pese a su tiempo, sigue siendo bastante contemporáneo.


Introducción: Aykroyd y Murphy eran dos viejos conocidos del programa Saturday Night Live, que durante mucho tiempo, fue el semillero de muchos futuros comediantes en los EUA y que no tardaron en emigrar al cine. Aykroyd tendría de sus primeros éxitos en esta película, aunque en 1984, igual que Murphy, alcanzaría la fama con Ghostbusters, mientras el segundo lo haría con la primera de "Un detective suelto en Hollywood". En este filme, que se rodo en las navidades de 1982, tuvo como guionistas a Timothy Harris y Herschel Weingrod, que se inspiraron en un filme de 1953, llamado el Millonario, que a su vez esta inspirado en una novela de Mark Twain. Se termino estrenando en junio de 1983 y durante dos años seguidos, comando la taquilla, en cuanto a películas con clasificación "R" en EUA, llegando a recaudar hasta 90 millones de morlacos, mientras la inversion inicial fue de 15 millones. Las actuaciones de Denholm Elliot y de Jamie Lee Curtis le valdría a la producción un par de BAFTAS en el mismo año.

Argumento: los hermanos Duke (Bellamy y Ameche), dos millonarios inversores en la Bolsa de Valores, un día se ponen a discutir, si para ser pobre o millonario, la cuestión esta en la herencia social o genética. Por lo tanto, como los vejetes están aburridos, deciden hacer una apuesta (de un dolar) donde arruinan la vida de su socio más prominente, Louis Winthorpe (Aykryod) a la par que ponen en su lugar a un mendigo de la calle, Ray Valentine (Murphy). Winthorpe se cae a pedazos mientras trata de descubrir la trampa de sus jefes, mientras Valentine comienza a revelarse como un hombre de negocios bastante puntilloso y serio. Pero al descubrirse el plan de ambos viejillos, Valentine y Winthorpe unen fuerzas para arruinar a sus jefes mientras tratan de ganar dinero en la Bolsa de Valores con un informe robado.

Historia: Cuando uno revisiona una película que uno disfruto en su más tierna infancia, es lógico que a estas alturas te parezca falsa o demasiado simple. Sin embargo, hace unos meses volví a verla y debo decir que la película ha envejecido muy poco. La razón es que el argumento, el hilo de la historia es bastante original y aparte muy dinámico. Cierto que la primera media hora puede resultar un poco tediosa, por las charlas medio raras de los Duke, así como la presentación de los personajes (donde vemos una faceta de Eddie Murphy que desgraciadamente ha sacado mucho actualmente), pero luego de que vemos a Winthorpe arruinado y Valentine en alza, la cosa prende y de que manera. La transformación se va dando en ambos personajes de manera diametral y es de lo más divertido. Valentine pasa de ser grosero, petulante y guasón, a portarse seriamente y ser escrupuloso, como si siempre hubiese sido rico, mientras Winthorpe va cayendo en el consumo de sustancias y en una actitud cuasi demente. Y aunque los papeles de ambos estan muy equilibrados, el estilo de Murphy se va imponiendo al del pobre Aykryod. Sin embargo, este tiene de apoyo un personaje tan carismático como Jamie Lee Curtis, que al principio es una prostituta contratada para fastidiarlo, pero luego se va encariñando a él y hasta enamorando. Como ven, la historia es divertida, tiene momentos de comedia muy buenos, y aunque hay ciertos puntos de drama, estos terminan siempre con algo de diversión. Inclusive, el último tercio, que podría ser medio cliché, en realidad es ameno a morir, y es que el ritmo no deja de hacer avanzar a la película y mostarrnos a los personajes de manera dimensional.

Personajes: Aunque en la anterior parte ya hable de los charas, en especial de los principales, que son divertidísimos, debo recalcar: rebozan carisma y con ganas, inclusive los hermanos Duke que son estupendos. Al principio podrían ser la mitad de un solo personaje y es precisamente lo que los hace tan geniales. Pese a ser los villanos de la película, son harto carismáticos (al grado que tuvieron un cameo en otra película de Eddie Murphy, un príncipe en Nueva York, como dos medigos ¿Continuidad?). Y allí no acabamos, porque los secundarios, como Lee Curtis y Elliot son geniales, pese a tener apariciones realmente puntuales en la película. No niego que son medio estereotipos, pero aun así, quedan perfectos y es curioso que pese a la moda ochentera de aquellos años, aun sigan tan frescos hasta la fecha.
Música: Elmer Bernstein fue el encargado de musicalizar la película y lo hace de manera estupenda. Claro, los leitmotivs de la misma son reminiscencias de música clásica que suenan bastante bien durante algunos momentos clave de la película o simplemente para hacer más enfásis en el ambiente de negocios que domina en la película.
Doblaje: Un punto y aparte en la misma. Si por algo le agarre gusto a esta película, fue por el estupendo doblaje que tuvo. Primeramente, Gabriel Cobayashi supo darle ese punto cómico a Murphy mientras Salvador Nájar hizo los honores con Aykryod. Parece que el buen Nájar regreso de EUA (donde hizo el doblaje de Starwars) y volvía a dar una nota altísima al interpretar a Winthorpe de manera estupenda, dandole ese aire aristócratico. En general, el doblaje es estupendo.
Curiosidades: la primera a mencionar es la clasificación "R" de la misma, que inclusive en México se mantuvo como "C" durante los primeros años, al grado que el filme lo pasaban a elevadas horas de la noche y por razones notables en aquellos años (lenguaje soez, desnudos gráficos, uso de drogas, intento suicida, etc.), pero parece que la cosa se ha relajado con los años y ahora vemos esta película en la tarde. Otro detalle a mencionar es la cuestión del capitalismo en la misma: técnicamente el filme es un homenaje al libre comercio, la oferta y la demanda, así como a la ganancia que tienen pocos a costa de muchos; eso sin mencionar las practicas corruptas que tienen algunas compañías para salir avantes en la Bolsa de Valores. Aunque a los 9 años, no entendía mucho del asunto, la cosa es bien fácil de entender cuando ves como sube o baja el mercado de Valores.

En conclusión, Trading Places o "De Mendigo a Millonario", es una película agradable, divertida, amena y con el suficiente grado de comedia para que no resulte tediosa, pese a haber sido hecha en los Ochentas. Aykryod y Murphy salieron tan beneficiados de esta que sus papeles más grandes saldrían un año después. Es altamente recomendable.

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Saludos a mi mujer :3 y un Feliz Año Nuevo a todos.

Anime semanal: una estupenda temporada de Otoño

Este último semestre ha sido bastante fuerte en todos sentidos. Aunque no niego que me molestaría mejor, en parte me ha ayudado para entender mejor ciertas cosas y ser más comprensivo. Tampoco esperen un milagro y que me convierta en una mejor persona de la noche a la mañana. Eso solo pasa en el anime o en las películas jeje. Pero aquí, tratando de plantarle cara a la vida y dando lo mejor de mí. Por suerte, hay cosas que aun me ponen de buenas, como estar con mi esposa, ir al cine o ver anime.

Y al menos, la temporada de Otoño ha sido de las mejorcitas en los últimos años. Claro, tampoco tenemos series impactantes, al contrario, son bastante promedio, pero comparado con otros años y con las temporadas pasadas (y con lo que se viene en la próxima), al menos me ayudo a pasar los malos tragos de mejor manera. Aun hay dos a tres series que siguen en emisión, así que es lógico, las dejaré para el siguiente ciclo. Lamentablemente no he podido hacer ese especial de "Beisbol" que tanto quiero, pero siento que no lo podré escribir hasta que este de mejor ánimo. No ayudó en nada que Seidou perdiera ante Inashiro (Sí, SPOILER, pero ustedes saben que si entran aquí, verán el sitio lleno de tales cosas).

En fin, ya no más vueltas, vamos a hablar de algunos de los animes de esta cálida y otoñal temporada.


-Sword Art Online II

Datos técnicos: basada en las novelas ligeras creadas por Reki Kawahara, abarca los tomos 5, 6, 7 y 8 (solo parte de este) de las susodichas, que tienen por título: Phantom Bullet, Caliber y Rosario´s Mother. Producida por A-1 Pictures, se estreno en la temporada de verano del presente.
Argumento: la historia transcurre un año después de los eventos de SAO, donde Kirito es contactado por la Agencia de Seguridad de la Red. Aunque Kirito tiene una feliz existencia con Asuna y el resto de sus amigos, aun se siente culpable por las muertes que ocasiono mientras estaba en SAO. Esto lo impulso a aceptar el trabajo, el cual consiste en especial un nuevo juego en línea, que es de pistoleros y francotiradores. Resulta que un sujeto ha logrado "matar" a jugadores en línea, aun cuando esto no es posible debido a las específicaciones técnicas del nuevo aparato de realidad virtual. Con la ayuda de Sinon, una chica con un pasado bastante trágico, es cuando Kirito se embarca en una nueva aventura para detener al asesino y así limpiar un poco su alma de las culpas.

A título personal: SAO causo un furor intenso hace tiempo ya. Los primeros 12 a 14 episodios fueron una obra maestra en muchos sentidos y provocó no solo la presencia de animes derivados, sino también de muchos fans que apoyaban los juegos en línea. Pero como ya dije en un análisis previo, SAO se quemó sola cuando su primer arco argumental metió todas las canicas en un solo juego, haciendo que las demás historias no pueden tener el mismo impacto que su predecesora.
Y aquí vemos otra vez ese problema. Cierto que esta nuevamente esa sensación de que puedes "morir" en línea, pero no es tan intensa como la primera y aparte sabes que hay otra opción con la que te puedes salvar. Esa sensación de hiperrealidad que veías en la primera saga ya no es tan patente aquí. Ahora, eso no signifique que SAO II sea mala, al contrario, el primer arco argumental, donde vemos la historia de Sinon es bastante bueno y nos maneja un personaje atormentado. El problema, nuevamente viene con un arco intermedio que es una mini-aventura del grupo de Kirito, que realmente chafea. Sin embargo, cuando nos enfocamos en el pasado y la familia de Asuna, la cosa vuelve a levantar, en especial con cierto personaje secundario que se vuelve entrañable.

En resumidas cuentas, SAO II es buena, es un producto muy superior en materia argumental y de animación a otros que he visto. Lamentablemente, la sombra de su antecesora si es muy fuerte y termina como un producto de mediana calidad. Por lo tanto, si no has visto SAO, una opción sería empezar a ver este y luego irte al más potente. Como dato curioso del anime, me encanto que incluyeran los sables de luz al estilo Starwars, jojo.


-Danna ga Nani o Itteiru ka Wakaranai Ken 

Ficha técnica: producida por el estudio Seven, esta basado en un yonkoma (manga de 4 viñetas o paneles), creado por Cool-kyō Shinja. Inicio su publicación en el 2011 y a la fecha, lleva 4 volumenes recopilatorios.
Argumento: la historia se basa en la relación entre Kaoru, una guapa secretaria, con su esposo Hajime, un otaku en toda regla. Las viñetas relatan como ambos van sobrellevando su relación, mientras tratan de adaptarse a los modos tan extraños que tienen uno del otro (me suena conocido).

A título personal: en español, el título de la serie sería "No entiendo lo que dice mi esposo". Ahora se ha hecho moda que se adapten mangas o yonkomas para convertirlos en formatos de 10 a 5 minutos. Trate de ver algunos en temporadas pasadas, pero su calidad iba de promedio a mala. Sin embargo, este por su línea argumental, decidí verlo desde el inicio y me sorprendió bastante. Cierto que maneja los ultra cliches de una pareja dispareja, como Hajime/Kaoru, ya que el primero es un nerd, un freak de primer nivel, mientras su esposa es ajena a todo esto. Sin embargo, el autor maneja un humor entre picante y adulto, lo cual hace la serie divertida y bastante amena, aparte que el tiempo restringido de tiempo, hace que las historias sean compactas pero llevaderas.

¿La recomendaría? He allí el detalle. Si eres un chamaco o un joven, puede que la serie no te pegue en absoluto. Sin embargo, a mi me encanto, porque me siento identificado con la situación (jeje) y aparte estoy en esa etapa de mi vida donde conjunto a mi esposa con mis gustos, cosa que muchas veces no se da, como bien muestra la serie. Léase, solo para un público muy específico.


-Ōkami Shōjo to Kuro Ōji

Datos técnicos: basado en la obra manga de Ayuko Hatta, publicado por Shueisha, actualmente lleva 10 volúmenes recopilatorios. El anime fue producido por el estudio TYO Animations y consto de 12 episodios.
Argumento: Erika Shinohara es una chica insegura que llega a la preparatoria tratando de dar una imagen más adulta para ser popular. En el proceso, le inventa a sus nuevas (y pomposas) amigas que su novio es Kyouya Sata, un atractivo pero serio estudiante de su mismo grado. Claro, Sata al principio acepta muy amable la propuesta de ser su novio de mentiras. Sin embargo, el susodicho comienza a mostrar una personalidad arrogante y petulante, al grado de martirizar a Erika para que haga lo que él quiera, a cambio de que sigan siendo novios.

A título personal: si alguien ha leído 50 sombras de Grey, podrá decir que este anime es su contraparte en todos sentidos. Y es que la autora (con el perdón de la pobre), se va hacia el cliche más grande y enorme del mundo: una chica inocente, torpe y atolondrada hace pareja con el chico guaperas pero socialmente dañado. Pensé que la historia correría diferente con el pasar de los episodios, pero la personalidad distorsionada del protagonista se va afianzando y hasta se hace más pesado, mientras Erika se queda en un personaje bastante cliche, que a base de perseverancia (y su torpeza natural), va conquistandolo. Aunque a muchas feminas les duela leer esto, pero es una historia harto conocida y hasta estuve a punto de aventar la serie por la ventana, porque en cierta manera refuerza muchos estereotipos machistas que existen en Japón. Curiosamente, cuando iba a hacerlo, la serie de repente daba ciertos coletazos de calidad y aunque no lo parezca, los dos últimos episodios, dedicados a la familia de Sata, se salen de ello y nos da una historia divertida y bastante redonda.

Sin embargo, no le recomendaría este anime a ninguna feminista y mucho menos a alguien que busca algo diferente. Es demasiado predecible, demasiado rosa. Pero bueno, la menciono porque me gusta lo rosa en parte. Ni modo.


-Gugure! Kokkori-san

Datos técnicos: el anime esta basado en el manga creado por Midori Endo y publicado en la revista Square Enix, el cual continua hasta la fecha y tiene 7 volúmenes. La serie fue producida por TMS Entertainment y consto de 12 episodios.
Argumento: Kohina es una simpática pero aterradora chica con aspecto de muñeca que se la pasa viviendo de fideos instantáneos y de invocar espíritus con algo parecido a la Ouija. En una de esas, al mencionar el nombre de Kokkori-san, el espíritu de un zorro acude a su llamado y decide cuidarla. Claro, Kohina lo va sacando de quicio con sus peculiares costumbres mientras él trata de llevarla por un buen camino. En el trance, irán conociendo más espíritus que irán poblando el casonon que tiene la susodicha protagonista.

A título personal: la serie parodia de la temporada. Por un momento pensé en dejar de verla, ya que empezo muy predecible con la aparición de Kohina como un personaje raro pero carismático, rodeada de puro personaje bishonen o bishoujo, cuya única intención es dar todo tipo de fanservice (desde visual hasta cómico). Sin embargo, necesitaba reírme un rato y la serie te da eso: carcajadas o mínimo te saca una sonrisa, porque los japos para comedia situacional se las gastan y de que manera. Lamentablemente, cada episodio es autoconclusivo y aunque hay continuidad en personajes como en algunos detalles, esto es bastante superficial. Cada capítulo esta repleto de omakes o situaciones muy precisas que no requieren mucho tiempo. Pero repito, entre el diseño de cada personaje, su personalidad y su forma de sacarte una risa, esta bastante bien.

¿La recomendaría? Bueno, si te gusta la comedia barata o divertirte un rato sin mucho pensar, es bastante amena. Claro, también que no veas la serie de golpe, porque si te puede chocar por lo repetitivo o cliches de algunos personajes (aunque Kohina es cool, en especial por su deseo de siempre comer fideos instántaneos. La apoyo totalmente, sniff).


-Denki-Gai no Honya-san

Datos técnicos: Creado por Asato Mizu, el manga en que se inspira el anime tiene actualmente 7 tankobou y esta publicado por Media Factory, en su revista Comic Flapper. El anime fue producido por Shin-Ei Animation y consto de 12 capítulos.
Argumento: Umio es un freak u otaku tímido, que por diferentes cuestiones, comienza a trabajar en una tienda de manga del centro de la ciudad. Aunque él se siente diferente, rápidamente hará migas con sus compañeros, que pronto se volverán sus amigos y verá que puede haber personas más dañadas que él.

A título personal: la sorpresa/decepción de la temporada. Cuando comencé a ver esta serie, pensé que sería la típica Sitcom japonesa, al estilo de Kokkori-san: montón de personajes desadaptados en una tienda de manga, situaciones graciosas y cliches. Y no niego que la cosa iba por esos carriles. Sin embargo, el guión también maneja una continuidad asombrosa en algunas cosas, como el romance entre personajes, como la evolución en algunos. Esto fue lo que más me agrado y sorprendió de este anime, ya que cada capítulo, aparte de soltarte la típica carcajada, también tenía momentos emotivos o dramáticos (bueno, no tanto, pero si bastante llegadores). El problema y allí no puedo saber, es que también esta repleto de muuuucho fanservice y en todos sentidos. Sí, hay guiños por doquier a otros animes y mangas (lógico de trabajar en una tienda dedicada a tal cosa), pero en algunos episodios era tan extremo que llegaba a sacrificar la trama. En fin, que para el episodio 8, a veces no sabía si me iba a encontrar un pedazo de joya o un bodrio completo. Sin embargo, no puedo achacar el problema al mangaka original o a las libertades que se tomó el estudio, como sea, terminan por hacer muy inconsistente una serie que iba por buen camino y eso que tiene personajes bastante bien delineados y así carismáticos.

Es de esas series que recomendaría, ya que tiene de todo y aparte es divertida, claro, si soportas de repente las inconsistencias o algunos agujeros argumentales bastante fuertes. Pero bueno, como para esto no tengo mucha cabeza, a mi me encanto.


-Amagi Brilliant Park

Datos técnicos: Creado por el gran Shoji Gatou en formato de novela ligera (también responsable de Full Metal Panic! y sus secuelas) con ayuda de Yuka Nakajima en el trazo y dibujos, el estudio encargado del anime de 13 episodios, fue Kyoto Animation.
Argumento: Seiya Kanie es un talentoso estudiante de preparatoria que un día es confrontado por la guapa (y terriblemente sexy...erh, lo siento) Isuzu Sento. Amenazado por un rifle, Sento lleva al pobre Seiya a visitar un parque de diversiones casi abandonado, el cual se supone es el centro de refugiados de un montón de personajes de un reino mágico muy lejano. La misión que Sento le pone a Seiya es que se convierta en su gerente general y logre traer 500,000 visitantes en un periodo de 3 meses, ya que si el parque cierra, sus habitantes desaparecerán con él.

A título personal: mi serie favorita de toda la temporada. Sinceramente, no puedo ser muy imparcial con esta, porque era de los animes que esperaba cada semana para ver y disfrutarlo. Lejos del atractivo visual (que con Sento llega a niveles altísimos, literalmente es una de mis charas femeninos favoritos), la serie lo tiene todo: comedia, trama, diversión, personajes entrañables y una historia bien trazada, así con el ritmo emocionante de ver si los protas podrán salvar el susodicho parque.
Inclusive, vemos de manera insertada a Bonta-kun, pero en otra versión, llamada Muffie. Resulta que el creador de esta serie es el mismo de Full Metal Panic! y por eso tenemos a la susodicha mascota haciendo de las suyas, siendo como una especie de Sousuke Sagara, jejeje.
Claro, no niego que hay episodios fillers y que son puuuro fanservice, pero se agradece (seh, mi fase de pervertido). Sin embargo, dejando esto, la serie es buena, te saca carcajadas y aparte te emociona con algunos capítulos. El final podrá haber resultado chafa o forzado, pero creo no había otra mejor manera de terminarla. Espero saquen otra temporada pronto (y que no demerite este buen trabajo), porque realmente se lo merece.

¿Recomendable? ¡Por Dios que sí!

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Saludos a mi Isuzu ^^, así a quienes gustan del buen anime.

Card Captor Sakura: un manga inolvidable de CLAMP...conseguido en 50 tomos.

Card Captor Sakura sigue considerandose una de las series de anime más emblemáticas de toda la historia. Aun a 15 años de su termino de publicación en Japón, sigue dando de que hablar, en parte por los fans y en parte por sus creadoras, que trataron de reutilizar a los personajes de Sakura y Syaoran en un nuevo manga que no tuvo tanto éxito: Tsubasa Chronicles.

Y aunque la serie de anime fue la que dió éxito a la franquicia, al menos fuera de su país natal, el manga creado por las CLAMP en 1996, fue el origen de todo. Aunque las creadoras ya eran harto conocidas, por historias como X 1999, Tokyo Babylon o Guerreras mágicas,  las aventuras de Sakura Kinomoto terminaron por lanzarlas al estrellato.

Por lo tanto, el motivo de la siguiente entrada es hablar de ese mítico manga que curiosamente en México se publico a cuentagotas, completo, pero a cuentagotas. De la serie de anime, ya hablaremos en otra ocasión.


Cardcaptor Sakura (カードキャプターさくら Kādokyaputā Sakura?, también conocida como Sakura Cardcaptors o Sakura, cazadora de cartas en la versión en español, o simplemente abreviado como CCS o SCC) es una serie de manga escrita e ilustrada por el grupo de mangaka CLAMP, y cuya adaptación al anime fue dirigida por Morio Asaka. La historia se centra en Sakura Kinomoto, una pequeña niña que descubre sus extraños poderes mágicos después de haber liberado accidentalmente un conjunto de cartas que se encontraban dentro de un libro. Tras esto, Sakura, con la ayuda de sus amigos, se ve obligada a recolectar y cuidar las «cartas Clow» para evitar que ocurra una «catástrofe» en el mundo.

Card Captor Sakura inicio su publicación en mayo de 1996 en la revista Nakayoshi de la editorial Kodansha. Entonces constituía el proyecto número 15 de las CLAMP, una serie de mangakas que habían empezado en la preparatoria como dibujantes de doujinshis. Con el tiempo, la serie se volvería un éxito rotundo, al grado que en 1998, el estudio Madhouse decidió adaptar el manga en el formato anime que daría la vuelta al mundo.

Aunque hoy en día es raro quien no conozca la historia, vamos a dar un leve esbozo del argumento: Sakura Kinomoto es una chamaca de 10 años que de repente un día encuentra un libro mágico en el desván de su casa. Al abrirlo, las cartas mágicas que contenía en su interior salen desperdigadas. Kerberus (Kero chan para los cuates), el guardián del Libro y antiguo ayudante de Red Clow, un mago muy poderoso y creador de las susodichas cartas, le pide a Sakura que recapture a las cartas y se convierta en su nueva guardiana. Claro, las aventuras para lograr tal cosa son a la par divertidas y con momentos entre románticos, tiernos, divertidos, cómicos y dramáticos. 

Luego de 50 capítulos, el equivalente a 12 tankobou o tomos tradicionales, el manga terminaría su edición en junio del 2000. Sin embargo, para aquellas fechas, la franquicia ya sería un éxito en todo el Mundo. En España, la madre patria, la serie comenzó a dar coletazos en 1999 y en Latinoamérica pasaría lo mismo en el año 2000 cuando se emitió la serie en Cartoon Network y un año después, por Canal 5 de Televisa. El anime duraría hasta el 2001 y tendría repeticiones con igual éxito hasta el 2004, cuando Cartoon Network dejaría de emitir anime por aquellos años.

Como es lógico, el serial tuvo diferencias significativas con el manga por diferentes cuestiones.

La primera estuvo encuadrada en la cuestión de la censura: diferentes romances de lo más bizarros estuvieron muy censurados o de plano omitidos en la versión de anime. Para empezar, la relación entre Syaoran y Yukito fue muy diluida, mostrando al mocoso como que tenía un gran gusto por Yukishiro, cuando en el manga se hace notorio que por un momento realmente le llego a gustar Yukito. En esta situación, otra parte muy rebajada fue el romance entre Touya y Yukito, que en el manga se muestra de manera muy explícita (no hace falta mencionar el gusto de las CLAMP por el yaoi). Pero las partes más censuradas (sí, aun más), fueron el romance entre el profesor Terada y Rika. En el caso del anime, uno podía ver que esta última le gustaba el profesor y que este solo aceptaba su cariño con una sonrisa. En cambio en el manga, la situación es mucho más potente, al grado que se dice que ambos estan comprometidos (pedófilo!). Otra situación igual de rara fue el romance entre Eriol y la profesora Mizuki. Nuevamente en el manga la cosa se va a extremos bastante fuertes (en especial cierta escena del capítulo final), mientras en el anime se insinua levemente.

La segunda diferencia se va a la presencia de personajes "inventados" para el anime, como lo fueron Meilin y el tutor de Syaoran, Wei. La primera vino a darle un poco de frescura a la serie (al menos a mi parecer) y así elongar un poco más la serie, ya que como es típico, el manga se iba quedando corto en trayectoria comparado con el anime. La segunda fue por cuestión de censura: que un chamaco como Syaoran estuviese viviendo solo en un país extranjero era algo escandaloso, por lo cual pusieron la figura del mayordomo de los Li.

La tercera se enfoca en la cantidad de cartas que había. Mientras en el manga apenas suman 19, en el anime son 52. Por lo tanto, muchos episodios animados (se hicieron 70 en total) son historias inventadas para la misma, como se diría, fillers. Sin embargo, no niego que algunos de estos eran bastante divertidos u originales.

La cuarta, tiene que ver con cuestiones un poco menores, como cambios en el uso de algunos personajes, así situaciones un poco más desarrolladas. Las que considero más importantes tienen que ver con el final de la serie: mientras en el anime la cosa fue muy descafeínada, en el manga, el desarrollo de los sentimientos de Sakura por Syaoran fue mucho más compleja y aparte hubo un agregado de final feliz para el papá de Kinomoto. Durante el trance final, cuando Sakura recupera a Dark y Light, su padre aparece en escena, sin sentirse afectado por los poderes de las cartas. Resulta que él es un descendiente que creo Red Clow al momento de morir y que el otro era Eriol. Este le traspasa sus poderes al padre de Sakura y gracias a ello, es capaz de ver el fantasma de su esposa, Nadeshiko (particularmente me encanto ese detalle).

En opinión de muchos expertos y como es tradicional, el manga es mucho más complejo e impactante que el anime. En lo particular, los dibujos de Mokona Apapa son espectáculares y aunque los fondos son realmente escasos, no son necesarios ante el buen trazo que presentan los personajes y otros accesorios de la serie. Lamentablemente, por razones poco conocidas y variadas, esta sería la última serie que tendría tales dibujos. El siguiente manga, Angelic Layer, ya mostraría el dibujo que actualmente ostentan las CLAMP en sus diferentes proyectos.

Ahora viene lo bueno ¿Qué paso con la edición mexicana? Aquí es donde volvemos a hablar de los golpes de suerte e infortunios de la edición hecha por Editorial Toukan.
Como ya hablamos en la entrada dedicada a Supercampeones del futbol, Toukan fue la dueña indiscutida del manga/adaptado a mediados de los noventas. Sin embargo, cuando Vid se enfocó en el mercado, las cosas comenzaron a girar a su favor y Toukan se vió en cierta crisis: el manga de Ranma que estaba publicando al estilo del formato de Viz EUA se fue a pique, mientras mangas que habían prometido como One Piece o el Diario de Sana, también fueron parados.

Card Captor Sakura fue de los últimos intentos por Toukan de publicar un manga y por los pelos, lograron hacerlo, esto mediante la publicación de los 50 capítulos de manera individual, lejos del tomo o tankobou que luego harían los de Vid.

Aunque la publicación fue un tanto rústica (en tipo revista, con mala calidad de repente en las impresiones y con un papel extraño y rugoso), los anexos y agregados a cada tomo eran a la par divertidos y originales. Como ya había hecho Gaby Maya con Supercampeones, acá se volvió a sacar el formato de intercambio de cartas entre la editorial y los lectores, en este caso, a cargo de Yoshie Kiyota, que se encargaba de hacer la traducción del manga directamente del japonés, lo cual aseguraba una mayor fidelidad en el contenido y dialogos. Aparte, con una sección que tenía cierta dosis de pícardia, sacaba una que otra sonrisa con sus comentarios o situaciones con respecto a su propia vida o lo que venía en el tomo correspondiente. La edición del manga, en México, duraría entre el 2001 y 2004, costando en un principio 15 pesos cada tomo y luego 18 morlacos ante la crisis.

A nivel personal, el manga no lo tuve nunca completo en mis manos. La razón es que aquellos años tuve una crisis económica y personal bastante fuerte. Fue hasta el 2006, cuando apenas salía de una sima importante, cuando en un pueblecito cerca de donde hacía el servicio social, pude comprar en varios tomos y por módicos 10 pesos, los tomos que iban del 30 al 50. Así pude enterarme del final de la serie, en formato manga y disfrutarla como es debido. Curiosamente, estos tomos se los terminaría regalando a mi ahora esposa, cuando eramos novios. Ahora al menos puedo disfrutar un tomo, en japonés y formato tankobou en casa, cortesía de mi mujer y el cual hojeo de manera ocasional.

En conclusión, el manga de Card Captor Sakura es un producto que cualquier fan de la franquicia debe tener. No solo el dibujo es precioso, sino también se lee de manera dinámica y aparte tiene detalles que profundizan mucho más la trama, sin dejarle tan al aire. Claro, sigue siendo un manga shoujo que reboza miel, pero ¿Ya les dije que por momentos tengo manías de niña? Aparte, a nivel personal, en su momento leer este manga, me permitió volver a mi deteriorada carrera de escritor y plasmar en fics, la relación entre Tomoyo y Eriol (pesé a no ser una pareja oficial, como ya vimos).

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Saludos a mi Tomoyo ^^, así a quienes gustan de este tipo de mangas.