Ethernal Zero: una excelente película japonesa de la Segunda Guerra Mundial

A esta fecha, se cumplen 70 años del bombardeo atómico a la ciudad de Hiroshima. Aunque el mundo vivió por un tiempo con una crisis bélica importante, llamada Guerra Fría, precisamente el miedo a que ocurriesen 100 Hiroshimas o Nagakakis más, hicieron que los gobiernos de las superpotencias (URSS y EUA) se pensasen cuidadosamente el apretar el gran botón rojo y soltar algún misil intercontinental que volara algún buen sector de la población civil o militar del enemigo.

Esto no significa que el sacrificio de más de 300,000 personas estuviese justificado. Al contrario, se pudo haber prevenido esto de algún otro modo, pero en su momento, la decisión que tomó el gobierno de los Estados Unidos, encabezado por el recien elegido Harry S. Truman, fue apoyada por muchos sectores. Y es que el desembarco que EUA y sus aliados estaban planenado (operación Downfall) hubiese acarreado mínimo, un millón de bajas al menos de su bando. La razón estaba en la obstinada defensa que los japoneses habían puesto en los últimos dos años.

A diferencia de Alemania o Italia, que luchaban por una ideología enfocada en el éxito, los japoneses siempre lo hicieron con la conciencia de que era su último chance de sobrevivir. Podrá ser un efecto de la propaganda militar en los años treintas, pero efectivamente, los nipones eran entonces una nación desarrollada, pero altamente dependiente de los recursos naturales de otros países. El comenzar a avanzar a otros territorios, fue por la sencilla razón de aumentar la riqueza y bienestar en su país. Nuevamente, no justifico esto las atrocidades cometidas en Manchukuo y otras latitudes, pero las guerras se inician y terminan siempre por dinero.

Sin embargo, que un soldado japonés se inmolara, era traumático para cualquiera. Esto se retrata de manera excelente en "The Pacific", donde los japoneses llegaron a ser temidos y odiados por los infantes de marina gringos debido a su tenacidad y falta de aprecio por la vida, todo por su Emperador y su nación.

Hoy en día, este sacrificio, ejemplificado en mejor medida con los "Kamikazes", es objeto de estudio y de crítica. Por ello, me sorprendió que una película como "Ethernal Zero", tuviese una manufactura japonesa y que se lanzase sin más, a dar un mensaje de paz y antibelicista tan importante, al grado que causó controversia entre los nacionalistas de aquel país. Por ello, siento que la entrada de hoy debe hablarse de este filme, que critica un aspecto que conllevó a tomar la decisión de lanzar "The Little Boy" sobre la ciudad de Hiroshima.


Ficha técnica: Eien no Zero (Ethernal Zero)
País involucrado: Japón.
Año: 2013.
Producción: Robot Communications/Toho
Idioma: Japónes.
Dirección: Takashi Yamazaki.

Argumento: Kentaro es un joven de 24 años que acaba de reprobar nuevamente el examen de ingreso a la escuela de abogados. Su vida da tumbos, pero él no parece importarle, hasta que acude al funeral de su abuela Matsuno. Allí, en compañía de su hermana mayor Keiko, se entera de que su abuelo no es realmente su pariente, sino quien se caso con su abuela cuando la madre de ambos había nacido. Keiko anima a su hermano a hacer una investigación sobre su verdadero abuelo biológico, ya que fue un conocido piloto en la Segunda Guerra Mundial. Al principio, se ven desilucionados por las opiniones de los compañeros de su abuelo, tachandolo de cobarde. Sin embargo, también se revela una verdad que los dejará atonitos, muy en especial a Kentaro.

Antecedentes: Ethernal Zero se estreno en diciembre del 2013, luego de una producción y toma de fotografía que fue en el 2012. El guión esta basado en el libro de Naoki Hyakuta del 2006, Eien no Zero. Takashi Yamazaki se encargo de ayudar en la hechura del guión de la película en compañía de Hyakuta, eliminando varias subtramas y personajes, pero manteniendo la esencia de la obra original. La película en su momento tuvo una excelente recepción, llegando a recaudar 80 millones de dolares. Sin embargo, generó una serie de críticas muy duras por parte de sectores ultraconservadores de la sociedad nipona, sobre todo por atizar directamente el sacrificio de los pilotos kamikazes y de la mentalidad que tuvo el Ejército en aquellos años. Al grado que tuvieron que salir comentarios positivos como del Primer Ministro japonés y de Yoko Ono, para disminuir el estigma del filme.

Historia: Ya en otras entradas he hablado de la genialidad que esta teniendo el cine nipón en los últimos años. Aunque se ha alejado de los estereotipos que marcó en su momento el teatro Kabuki o el estilo narrativo mezcla de Kurosawa/Toho-época de godzilla, sigue manteniendo los mejores registros del mismo, haciendo que los filmes tengan una mezcla de acción con dramatismo occidental bien dosificado. Ethernal Zero hace apelativo a un estilo "americano" para hacer filmes, pero que en todo momento esta salpicado de ese punto japonés tan característico.

Siendo sinceros, la historia no es muy intrincada y es hasta predecible: dos jovenes quieren conocer a su abuelo, muchos hablan mal de él, hasta que encuentran gente que dice lo contrario, al grado de verlo como un superhombre en muchos sentidos. Sin embargo, la narrativa y el ritmo del filme es formidable. Técnicamente no hay puntos muertos en el mismo y constantemente te lleva de un momento a otro de manera natural, pero sin perder la velocidad. Lo mejor es que la película no se siente pesada, aunque ya para la media hora tienes una cantidad de datos importante, sino sobre todo, por la capacidad del director de crear una historia que se nos abre en los primeros 40 minutos. Generalmente es harto conocido que este tipo de argumentos, vemos al protagonista fallecido ser objeto de vejaciones y críticas poco objetivas, hasta que al final, en los últimos 10 minutos, vemos que era un buen hombre y que nadie lo apreciaba como Dios manda. Nah, acá ya sabemos que era un "grande", pero el resto del metraje se encarga de confirmarlo de una manera u otra. Claro, por momentos podemos ver que el sargento Miyabe casi cae en un estatus de "superdotado", pero también la historia se encarga de detallar sus motivos, sus impresiones y no solo le tomas cariño, sino hasta entiendes su mentalidad. No es que fuese cobarde, sino que amaba tanto a su esposa y su hija recien nacida, que no quería morir. Esto se vuelve la primera crítica hacia el nacionalismo japonés, donde la vida del Emperador y la nación es lo primero (una suerte de fascismo). En cambio, el prota es ambiguo, llora a sus compañeros caídos, es hábil, listo y esto lo ha constituido no por un talento innato, sino por un entrenamiento exhaustivo que le permite salir airoso. Pero no porque quiera ser el mejor. Es por cuestiones más egoístas.

Claro, esto en nuestro mundo actual sonará poético y justo, pero en aquellos tiempos y en aquel país, la cosa era inconcebible. Inclusive, uno de los "cuenta-historias" lo dice directamente. Y bajo esta primicia, la película es un continuo "criticar" de muchas misiones, objetivos y planteamientos que hizo el Imperio durante aquellos años. Desde el hecho de no hundir los portaaviones en Pearl Harbor, el destinar pilotos estupendos a servir como soldados a pie, las decisiones del Almirante Nigumo en la batalla de Midway hasta el uso de Kamikazes. Me sorprendió ver esto y aparte, contado estupendamente, sea mediante el protagonista o por las acciones en batalla. Para rematar, hay una historia de amor bastante bien estructurada y que te saca una sonrisa cómplice. Pensé que esta parte iba a fallar, pero hacen muy llevaderos los últimos 20 minutos de la película, cuando ya sabemos de la muerte del sargento Miyabe.

Tal vez en lo que no me dejo muy "bien", fue el hecho del sacrificio que hace el protagonista. Pasa media película defendiendo su vida y de repente la da por otra persona. Claro, está le salvó y le permitió seguir existiendo un poco más, pero al final al cabo, caemos en el cliche japonés de "era mi destino morir". No sé, eso me pareció forzado en muchos sentidos. Habría sido mejor, si se hubiese expuesto por cuestiones de azar, pero habría dejado a la audiencia un tanto desesperanzada (y es que el filme es bastante pesimista por momentos). Así que dar algo de luz, bueno, deja al público más satisfecho, pero le resta originalidad.

Personajes: Las actuaciones son bastante correctas, pero en especial el actor que encarna al sargento Miyabe. Lo ves y tiene una presencia enorme y al retirarse la ropa, lo ves delgado, flacucho, medio canijo. Y es que verlo con uniforme y la voz, te impone en todo momento. Mejor protagonista no pudieron haber elegido. Mao Inoue, como la esposa del sargento, es la típica chica bonita, pero que llena bien el empaque (más porque me sorprendió verla tan cambiada luego de los doramas de Hana Yori Dango). Los secundarios estupendos, en especial el "yakuza" que llega a confrontar a Miyabe en todo momento. Sin embargo, el que me sacó de quicio fue Miuma Haruma, encarnando al nieto del sargento. Sobreactuado en unos instantes, por momentos sin ritmo. Inclusive verlo llorar en un final tan desgarrador, hizo que me tragara mis propias lágrimas y solo sintiera pena ajena.

Batallas, efectos especiales: aunque mucho de la película fue hecho con CGI, lo hicieron bastante bien y "canta" poco el mismo. Me agrado ver el desarrollo de la batalla de Pearl Harbor o la de Midway, combinando exteriores con ambiente de computadora. Pero sobre todo, las piruetas de los aviones "Zero". Estos ya no hay replicas originales, ya que todos fueron destruidos por cuestiones militares. Sin embargo, las reconstrucciones, tanto para exterior como en computadora, estuvieron magistrales. Te meten totalmente en la trama, aparte de que lograron una caracterización estupenda de la época, tanto en uniformes como en los trajes que se usaban en aquellos tiempos.

Opinión personal: no tenía ni idea de esta película, hasta que hace un par de meses, mientras discutía con Yayoi-sama en el twitter, me termino recomendando esta de manera encarecida. Lógico, comence a buscarla en la red y debo decir que me costó encontrarla, ya que no es tan conocida en el fandom. Luego, en un fin de semana que tenía libre, me la chute completa. Al principio, por ser una recomendación femenina, esperaba un drama, así que me sorprendió mucho encontrar una película con una buena dosis de acción bélica y de términos complejos muy bien distribuidos, al grado que las escenas de batalla me tenían pegado literalmente al asiento.

Debo decir que la película me gustó mucho y lo mejor, es que se puede recomendar a cualquier lego en la materia, ya que hace un repaso importante a porque Japón entró en guerra y porque siguió manteniendola. Léase, no es necesario tener cultura histórica para entenderla y alguien ajeno a este país, puede disfrutarla enteramente. Combina bien los momentos bélicos, con los románticos, así como ciertos momentos de reflexión, que en especial tiene el protagonista con respecto al conflicto. Sin embargo, como ya comente previamente, el sacrificio del sargento Miyabe me parece fuera de proporción y aunque se explica al final, sigue sin convencerme del todo. Hubiese esperado algo más cliché y hasta habría calado mejor, pero al fin al cabo, la esencia japonesa del filme no pudo ser rebasada del todo y se ejemplifica perfectamente con el destino que tuvo el protagonista.

En conclusión, "Ethernal Zero" me parece una buena película bélica/drama. Es recomendable para cualquier público y tiene un ritmo que te mantiene atento a lo que sucede. Particularmente fue una sorpresa y la disfruté muchísimo, pero sobre todo, la crítica que mantiene hacia el nacionalismo de aquellos tiempos es bastante patente, lo cual la hace un filme con un "plus" extra muy interesante y original.

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Saludos a mi propia Matsuno ^^, así a quienes gustan de este tipo de filmes

Draft Day: una película de futbol americano para calentar motores

Técnicamente, iba a ser otro tópico que iba a reseñar, pero no pude dejar pasar la oportunidad de hablar de una película que practicamente ví hace una hora más o menos. Sí, habló de "Draft Day" o "Decisión Final", como fue nombrada aquí en Latinoamérica.

El Futbol Americano es mi deporte favorito. Sí, me vuelvo loco con el futbol o con otros deportes, pero el Football, como es conocido en EUA, sigue siendo mi grande. Ya varias veces he comentado que fue gracias a mi padre que logró inculcarme el gusto por el deporte de las tackleadas. No en balde, de mis primeros recuerdos vienen de estar sentado a lado de mi jefe en el sillón, mientras disfrutaba algún partido de los Vaqueros de Dallas. Por ello, para paciencia de mi mujer, allí me tiene cada domingo o lunes, sentado frente al televisor y gritandole lindezas a los jugadores de mi equipo.

Por lo tanto, es obvio que las películas de este deporte me fascinen en todos sentidos. Desde las típicas motivaciones como "Rudy" hasta las cómicas como "Golpe Bajo". Sin embargo, es bueno que de repente saquen joyas que toquen los aspectos menos vistosos de este deporte, pero también igualmente importantes. Cosa que Ivan Reitman se dió el lujo de hacer con el filme del que voy a hablar a continuación.


Ficha técnica: Draft Day (Decisión final)
País involucrado: EUA.
Año: 2014.
Producción: OddLot Entertrainment/Montecito Picture Company.
Distribución: Summit Entertrainment/Lionsgate.
Idioma: Inglés.
Dirección: Ivan Reitman.


Argumento: Sonny Weaver es el manager general del equipo de futbol americano de los Cafés de Cleveland (Cleveland Browns). Agobiado por la reciente muerte de su padre, famoso entrenador de dicho equipo, se ve confrontado por su entrenador en jefe (Dennis Leary) y su novia (Jennifer Gardner), lo cual le obliga a hacer un trato desventajoso que le comienza a estallar en las manos. Weaver tiene unas cuantas horas para arreglar las cosas, no solo para ventaja del equipo, sino también con su novia y de paso impedir que el entrenador renuncie debido a la presión.

Curiosidades: este filme es el regreso de Ivan Reitman a la dirección, después de casi 4 años, luego de un par de películas que hizo en los últimos diez años. Todo mundo conoce al buen Reitman, ya que fue el artífice de películas como los Cazafantasmas 1 y 2, Un policía en el Kinder o Junior.
La película originalmente se iba a centrar en los Buffalo Bills, pero debido a que era más barato rodar en Ohio, los Browns terminaron siendo los protagonistas. Muchas de las escenas corresponden a tomas reales de ciertos protagonistas, como el comisionado de la NFL Roger Goodell y otras, personalidades del medio, como Chris Berman, se ofrecieron a filmar sus partes de manera integra. La fotografía principal se hizo a finales del 2013 y la película se estreno el mismo fin de semana que la de Captain America: The Winter Soldier, teniendo críticas mixtas, más positivas que negativas.

A opinión personal: Para quienes gusten de las películas de corte deportivo, inmediatamente está les recordara un tanto a la formidable "Moneyball" (el Juego de la Fortuna) que el señor Brad Pitt estrenó hace 4 años. Técnicamente, se enfoca en el aspecto de las negociaciones que hace un manager para no solo salir con un buen jugador del Draft, sino a la par, poder seguir sacando ventaja con los otros managers de equipos distintos.

Sí niñas, sale Tom Welling.

Antes de esto, hay que explicar que fregados es el Draft de la NFL. Cada año, los 32 equipos de la Liga ingresan a una especie de "tarima", donde los mejores jugadores de futbol americano universitario desfilan para ser seleccionados por algún equipo. El turno de cada equipo depende de la posición que hayan tenido al final de cada temporada. Léase, el peor equipo, es el que tiene la primera oportunidad de elegir y por consiguiente, de reforzarse mucho mejor, lo cual sirve para nivelar las cosas durante la temporada. Por supuesto, este sistema no es perfecto, ya que muchas estrellas del futbol americano colegial, inclusive ganadores del trofeo Heysman (es el máximo galardón que se da al jugador más destacado en todo EUA a nivel universitario) han pasado por la NFL sin pena ni gloria. A la par que las negociaciones en el Draft, muchas veces se hacen de antemano y al llegar al día, solamente se confirman las transacciones.

Con esto que comentó, uno notará que la película tiene una hechura técnica bastante complicada. No voy a negarlo. Sí, hay momentos de cierto romance entre Gardner y Costner, así de drama familiar entre el protagonista con su reciente madre viuda. Sin embargo, estos son pequeños y los ratos de comedia están bastante diluidos, dejándolos como anecdotas cotidianas. El resto, es mero y puro futbol americano.

Aquí es la primera "pega" pero acierto del filme. Para el público que no sepa de americano, la película les resultara muy pesada y por momentos aburrida, ya que no hay nada de acción, salvo unos minutos del final y todo se apoya en una discusión verbal nada más. Por ello, me extraña que la película haya estado dos semanas en exhibición en el país hace varios meses. Inclusive, en su momento, pese a la crisis económica que estaba pasando, pensé en ir al cine con mi mujer. Y que bueno que al final mi tacañería funcionó, porque igual habría salido un tanto aburrida del filme. Por suerte, gracias a la magia del Internet, ahora pude conseguirla de ejem, otro lugar y verla finalmente.

Volviendo al tema, no es que haga menos los conocimientos de americano de mi mujer (es divertido verla comentar mientras ve conmigo un partido, ya que inclusive llega a usar términos como mariscal de campo, fullback o touchdown), pero para que negarlo: la película se enfoca en los fans y quienes conocen un tanto este mundillo. Por ello, es lógico que media película yo estaba con la boca abierta y hasta dando brinquitos de emoción. Pese a esto, la trama es agil, no dejan de pasar cosas y Reitman hace uso de esa capacidad para narrar hechos a una velocidad rápida (ya que todo ocurre en unas horas), pero sin perder detalle de lo que está sucediendo.

A esto hay que agregar que las actuaciones de todos son bastante convincentes, en especial la de Dennis Leary (el entrenador gruñón y egocéntrico de los Browns) y también de Frank Langella, como el dueño del equipo. Gardner hace bien su trabajo y Costner igualmente, pero como sus papeles no requerían taaanta interpretación, al final salen aceptables. El que realmente me agradó, fue el becario que trabaja como secretario para el protagonista, siendo bastante convincente en su papel.

Lo que me impresiono aparte, fue la edición del filme, llegando a ser soberbio, en especial cuando los managers de diferentes equipos, intercambiaban tanto opiniones, críticas y obvio, negociaciones. Esto contribuyo a mejorar aun más el ritmo del filme y que estuviese casi dos horas pegado al asiento, sin darme cuenta. Aunque algo que no me agrado tanto, es que eligiesen a un villano y a un héroe en la película y que para colmo, fuesen las corporaciones de dos equipos. Allí si falto algo de ambivalencia al filme (aunque era difícil, ya que encubría una historia de autosuperación).

Un punto positivo, pero a la vez negativo, es que ví el filme doblado. Lamentablemente, fue con doblaje argentino y lógico, algunas voces me chirrearon bastante, en especial las femeninas, que llegaban a sonar bastante agudas (todas, absolutamente tooodas). Sin embargo, Adrián Wowczuk hizo un excelente trabajo con Kevin Costner, dandole un mátiz muy potente al personaje, así sabiendo hacer una adecuada interpretación, sin sonar sobreactuado, pero manteniendo los registros del actor original.

En conclusión, "Draft Day" o Decisión Final es una película recomendable...pero solo para fans del futbol americano. Para el lego, le resultara muy pesada por momentos, pese a que no dejan de pasar cosas. El problema es que todo tiene que ver con dinero, posición en el Draft, primera y segundas rondas de selección, posiciones, como puntos técnicos que se ven en el peso que levantan los jugadores o la cantidad de yardas que puede lanzar un mariscal. Léase, sí no pones atención o no te gusta el deporte, no es la película adecuada. En cambio, para un fan, se la pasará pipa y vivirá el drama casi como si estuviese allí (seh, fue mi situación), lo cual demuestra que es una película bien actuada, con un gran guión y con un toque de original, peeero, un tanto técnico que el profano puede objetar. Aunque claro, la prueba final será cuando se la pase a mi mujer en los próximos días, jeje.

Otra cosa por la cual me anime a hacer una reseña de este filme, es que sirve de preparación para la temporada de la NFL que se acerca. Dudo que mi equipo sea campeón, pero animas para que esto cambie (y hablo en serio, sniff).

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Saludos a la dueña de mis quincenas y que me aguanta :3, así a quienes gustan del deporte de las tackleadas.

Underground: mi primera novela de Haruki Murakami

Pese a que mi comadre piense que soy un mentado mercenario en cuestión de gustos (léase, que leo, veo y como todo lo que tengo enfrente), en realidad soy bastante quisquilloso con mis gustos. Y una de mis reglas es no ver o leer algo que la fanaticada tenga enfrente. No solo porque lo consideraría un producto de masas y que es algo bastante común (como la saga de Crepusculo o la de 50 sombras de Grey, que en realidad ambos son una especie de fanfic de baja calidad), sino también porque le llego a restar "credibilidad".

Un ejemplo de esto, es con Naruto. Aunque mi comadre (y otra amiga) me recomendaron esta serie de manera encaredida por allá del 2001-2004, fue hasta el 2006, cuando comence a verla y allí pude disfrutarla de una manera más porfunda y sin necesidad de entrar en la categoría de un "Naruto-boy". Por ello, iniciar con un libro de Haruki Murakami tampoco era mi "hit", ya que este laureado autor japonés se encuentra en boca de todos y ponerme a leer alguna de sus novelas, tampoco me hubiese convencido.

Por suerte, reitero por tercera ocasión a mi comadre, y es que fue hace unos meses, cuando me regaló uno de los tantos libros de Murakami. Pero no cualquiera, sino una especie de crónica de los terribles sucesos que ocurrieron el 20 de marzo en el Metro de Tokio: el ataque con el gas "sarín" por parte de la secta Aum Shinrikyo.


No quiero hacer muy engorrosa y larga esta entrada, ya que el objetivo es hablar claramente del libro y aunque hay mucho material para reseñar, ya en otra entrada hablare del dichoso atentado del Metro, ya que merece un tratado aparte. Por lo tanto, hablare del autor y algo muy sómero sobre el ataque de la secta Aum al Metro.

Empezando, ¿Quién es Haruki Murakami?

Escritor de origen japonés, nació hace más de 60 años en Kioto, aunque desde pequeño, residió en la ciudad de Kobe (la cual sería azotada por un fuerte sismo a mediados de los noventas y que le motivaría a escribir un libro sobre tal suceso). Hijo de un monje budiste y una profesora, es lógico que el pequeño Haruki estuviese empapado de una importante cantidad de literatura, aunque sus autores favoritos fueron en especial de corte occidental. Esto lo motivo a estudiar artes en la Universidad, donde conoció a su actual esposa. Ambos tuvieron un bar que regentaron por la década de los setentas y durante el período que Murakami comenzó a escribir. Gracias al éxito de varias de sus novelas, en especial Tokio Blues, es cuando decide mudarse a EUA, donde se establece por más de una década. Sin embargo, el terremoto de Kobe y el ataque con gas Sarín, lo motivo a regresar a su tierra y establecerse definitivamente allí. 

La crítica en general alaba el talento de Murakami para crear novelas con un aspecto surrealista bastante patente. Sin embargo, en su país, como dice el dicho: no es profeta en su tierra. Precisamente es criticado por tener un estilo demasiado occidental, llegando a rozar el estilo "pop". No obstante, esto le ha garantizado un gran éxito en el resto del mundo, al grado que en el 2013 estuvo nominado para el Premio Nobel de Literatura. 

Como se ve, uno de los motivos que propició el regreso de Murakami a Japón fue el ataque terrorista al Metro de Tokio. Justamente el autor hace un prologo bastante extenso de esta situación en "Underground" y que sirve de base para establecer el axis de dicha obra.

"Underground" es un relato cuasi periodístico, que recopila las experiencias de varios sobrevivientes (así familiares de algunos fallecidos) del atentado con gas Sarín que hizo la secta Aum al Metro de Tokio en marzo de 1995. El autor transcribe dichos relatos de manera cuasi integra y agrega comentarios a los susodichos de su propia cosecha, o llega a hacer preguntas que cuestionan varios tópicos que se manejaron sobre el incidente: desde la ayuda recibida en el momento (tanto médica como del resto de las personas), hasta las secuelas que sufrieron, tanto físicas como emocionales.

La segunda parte del libro se enfoca en la recopilación de relatos de ex-integrantes de la Secta Aum, teniendo la misma estructura de la primera parte (está fue agregada un año después). La primera parte se publicó en 1997 y la segunda en 1998. Actualmente, el libro que se edita unifica ambas en un solo tomo. 

Opinión personal: Antes de dar mi conclusión con respecto al libro, tengo que hacer otro paréntesis sobre el suceso que motivo a Murakami a escribir dicha obra. El atentado con gas Sarín vinio a romper y crear un paradigma con respecto a la sociedad japonesa.

Aunque hoy en día las personas aun siguen teniendo al país del Sol Naciente como una nación desarrollada, con una cultura avanzada y con gente honrada, en realidad los últimos sucesos (Terremotos en Kobe y Tohoku, como el propio atentado por la secta Aum) han demostrado que el país no es tan "potente" como muchos occidentales llegamos a pensar. Y es que la nación japonesa siempre ha sido considerada muy cerrada, al grado que eso ha llegado a perjudicarlos de manera importante, tanto en la respuesta como en las consecuencias a largo plazo.

Claro, para muchos occidentales actualmente esto les parecera sorpresa y toparse con un libro de este calibre puede romper muchos prejuicios. Sin embargo, es curioso que un servidor, por azares del destino, haya sido inmunizado en parte. Ya he comentado que en un tiempo, leía Selecciones de Reader´s Digest y que en un momento, sus artículos eran harto interesantes. Hubo uno que narraba los eventos relacionados con el terremoto de Kobe, mostrando lo mejor de la sociedad nipona, pero también su peor lado (reacción tardía, poco interés en el prójimo, programas obsoletos y mal manejados ante los desastres). Así que en cierta manera, cuando leí este libro, me hizo recordar a ese artículo de Selecciones.

Y es que el autor se enfoca en hacer una crítica velada, mediante los relatos, de la actual sociedad japonesa y su forma de reaccionar ante sucesos que se escapan de su control. Para colmo, aunque se incluye una segunda parte que se enfoca en los ex-sectarios, el rumbo del libro no cambia. Por ello, se le ha criticado a la obra de Murakami, por ser sumamente parcial y enfocarse solamente en lo "malo" y en criticar el manejo de la policía y el gobierno ante la situación.

Por supuesto, esto igual mi comadre me lo comentó y no puedo dejar de darle razón. Sin embargo, es inevitable que el libro sea tan parcial. Lo sucedido y narrado por supervivientes y familiares ejemplifica la rígida estructura de una sociedad tan cerrada como la japonesa. Desde el primer momento evidenciamos (aun antes de llegar a los ex-sectarios) de que Aum había logrado infiltrarse en el país de manera arrollada y para colmo, con displicencia de las autoridades. Las pocas que lograron ponerse al brinco ante la situación, fueron rápidamente silenciadas (incluyendo el trágico caso del abogado y de su familia). Es obvio que las señales ya estaban dispuestas y que Aum iba a "atacar" en cualquier momento, pero nadie prestó atención.

Lo peor, es que de repente ví muchas similitudes con lo sucedido con el temblor de 1985 en la Ciudad de México. Sí, podrá sonar extraño, pero la lenta reacción del gobierno, del aparato médico y de los medios, tratando de "tapar" la situación, llegaba a niveles patéticos. Es inevitable que el autor sienta una gran compasión por los heridos y constantemente critique, mediante los entrevistados, la actitud de su país ante el problema. Lo peor es que algunos de los cronistas, también manifiestan una reacción pasiva ante la situación, tratando de dejarla a un lado o hacer que no sucedió.

Por supuesto, cada cronica es diferente a otra y cada uno tiene su impacto diferente. Hay algunas donde el protagonista no tuvo mayores efectos secundarios, pero no tiene empacho en criticar la actitud de sus paisanos. Otros que sufrieron daños importantes, y sin embargo, han perdonado a los atacantes de una manera u otra. Es inevitable que el libro no te despierte una empatía sobre los afectados y que comiences a cuestionar de manera dura a los gobernantes o ejecutivos que estaban al tanto de la situación.

Aunque la segunda parte no hace más que reafirmar lo anteriormente comentado, le añade un toque mucho más potente y real, ya que sin necesidad de tanta intervención (aunque algunas preguntas del autor son sumamente duras hacia los sectarios), los que fueron integrantes de la secta Aum, no solo cuestionan a la propia organización, sino también describen como muchos llegaron a tal lugar. Por momentos tales relatos alcanzan un nivel sorprendente y describen perfectamente la crisis de identidad que sufrió el país a raíz de la Segunda Guerra Mundial. Muchos de ellos, herederos de una sociedad patriarcal que fue cruelmente desgarrada, orientada a un camino de burocracia y que perdió el rumbo, también debido a la occidentalización. Por momentos esos tramos del libro son soberbios y te hace plantearte que la secta Aum, solamente llenó un hueco que se había formado en tal nicho.

Por supuesto, tampoco podemos achacar todo a la sociedad nipona. Muchos de los ex-integrantes y quienes cometieron el ataque, eran gente que pese a ser lista, inteligente, capaz, tenían una nula inteligencia emocional o social. Está última es básica para integrarte en un medio y no sentirte excluido. Que una secta como Aum, que empezó de buenas maneras, es lógico atrayera a muchos acólitos y que estos quisiesen  morir por el gran Shoko Asahara (el cual rara vez es mencionado por los ex-integrantes) y sus supuestos ideales.

Aunque me tomé mi tiempo para leer este libro (un mes, cuando el promedio es menos de dos semanas), en realidad lo hacía de forma pausada, ya que cada historia merecía su tiempo de análisis. Murakami logró que me enfrascase en la lectura y que disfrutara de las diferentes crónicas, al grado que cuando lo acabe, me dejó un sabor agradable, pero a la vez un tanto pesimista.

En conclusión, "Underground" es un libro estupendo. Se aleja, como es obvio, del tópico que maneja Murakami, pero la labor casi periodística es formidable (y eso que según él, no logró tener los "mejores" relatos de lo sucedido). El hecho de tener tantas historias, diferentes unas de otras, hace el libro enriquecedor y abrumador. Claro, algunas tienen menos nivel, pero lo compensan perfectamente otros relatos que te ponen la piel chinita. Los de la segunda parte, son más que nada reflexivos y hace que uno se de cuenta de que pese a lo cerrada que puede ser una sociedad, siempre hay huecos psicológicos que lamentablemente, son llenados por gente que está chiflada, en todo el sentido de la palabra. En términos simples, lectura recomendable en nivel casi obligatorio.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades ^^, así a mi comadre por regalarme este pedazo de libro, como quienes gustan de este tipo de lecturas.

La Leyenda de Korra, tercera temporada: que subidón de calidad

Para estas fechas que estoy escribiendo esta reseña, técnicamente ya me chute toda la saga de la Leyenda de Korra. Lo ideal hubiese sido hacer una mega "entrada" sobre la tercera y cuarta temporada, pero abarcar tantos conceptos que traigo en la cabeza, hubiese sido sacar un mentado libro y ahora no estoy en las condiciones físicas, mucho menos mentales, para hacer tamaño artículo.

Ahora, el objetivo es enfocarme en la tercera temporada. Simplemente el título de la entrada lo dice todo y aunque esta parte no fue perfecta por muchos detalles, por otros tantos si tuvo un nivel altísimo, al grado que el tiempo que tarde en verla fue infinitamente muy inferior al de la segunda.

Sin embargo, no solo por calidad la serie fue motivo de discusión y habladurías entre los fans, sino también por el asunto que tuvo en sus primeros capítulos, cuando de repente fue cancelada en su emisión abierta y fue enviada directamente al Internet, para verse en formato "stream". Pero de esto y aquello hablaremos en las siguientes líneas.


Libro Tres: Cambio (易) es el título del primer libro de la segunda temporada de La Leyenda de Korra, que consta con un total de trece episodios. Se establece dos semanas después del final del Libro Dos: Espíritus. El título se refiere a los cambios provocados por el cambio de energía del planeta debido a la Convergencia Armónica y la batalla de Korra con Unalaq y Vaatu.

Sí, aparece Zuko.

Detalles técnicos: El Libro "Cambio", se denomino a la tercera temporada de la Leyenda de Korra y se emitió en EUA entre junio y agosto del 2014. En Latinoamérica, la saga se emitió entre noviembre y diciembre del mismo año. Lo llamativo de esta temporada en estas cuestiones, fue que a partir del episodio 8, la serie dejó de emitirse en la TV y pasó directamente al formato internet, pudiendose ver en stream, los demás episodios como la cuarta temporada. La versión oficial es que Nick hizo esto en función al bajo rating que habían tenido los capítulos, aunque otros aseguran que la piratería terminó por menguar una serie que iba remontando, pero sus  malos antecedentes no la ayudaron a mantenerse a flote.

Argumento: Han pasado unos meses desde que Korra dejó abiertos los portales espirituales del Norte y Sur, provocando que los espíritus ahora vaguen a sus anchas por todo el mundo. Ciudad República es la primera afectada, ya que un montón de lianas han invadido el lugar. Mientras el presidente instiga a Korra por esta situación, Bumi se da cuenta de que ha desarrollado poderes de un Maestro Aire secundario a la apertura de los portales, lo cual motiva a su hermano Tenzin a salir en busca de ellos. Debido a su mala popularidad, Korra deja por la paz la cuestión de las lianas y se lanza con su maestro a la busqueda de otros Airbenders, para refundar la Nación del Aire. Sin embargo, a la par, un poderoso villano del pasado amenaza con resurgir y poner en peligro la actual estabilidad del mundo.

Opinión personal: No puedo negar la calidad brutal que tuvo esta tercera temporada con respecto a sus antecesoras. Técnicamente es la mejor de toda la saga (incluyendo a la cuarta), no solo en cuestiones argumentales, sino también en personajes como en el ritmo. Ya antes había acusado que Korra, en sus inicios, tenía personajes irregulares, una trama muy trillada y poco hilvanada, aparte de un ritmo cortante y poco consistente. Sin embargo, la primera había logrado salvarse de la quema, debido a la novedad de presentar a personajes nuevos, la ansiedad de saber que había pasado con los anteriores protagonistas y el grafiquismo de un mundo "rediseñado", luego de casí 100 años de paz.

Sin embargo, la segunda temporada ya sin contar esto, había demostrado una debilidad muy patente: Korra no evolucionaba, el resto de los "Avatar Friends" parecían personajes de relleno y la trama parecía una sencilla repetición de la primera, con un villano que amenazaba con conquistar el mundo. El único punto fuerte, era la historia del Avatar Wan, el primero que existió, que no solo tenía una historia exquisita, sino también una animación y diseño soberbio. Sin embargo, el manejo posterior, con el espíritu bueno y malo, resultó ser una porquería total.

La tercera temporada vino a "revisar" estos conceptos y aterrizarlos de mejor forma. Eso no signifique se hayan eliminado todos los errores. Al contrario, hay momentos que la trama sigue teniendo momentos trillados y la forma de encuadrarlos sigue siendo pésima (cosa que lamentablemente, se mantiene constante en toda la serie). Pero para empezar, aunque tenemos el mismo "axis", donde un villano trata de dominar el mundo, en este caso, tenemos un PEDAZO DE VILLANO. Sí, Saheer viene a ser un oponente formidable en toda la regla: inteligente, capaz, determinado, soberbio y para colmo, carismático. Su aparición en la pantalla roba atención y no porque sea solo malo, sino también tiene un trasfondo, un ideal que aunque suene trillado, está bien fundamento y que es la anarquía. Para rematar, tiene achichincles bastante capaces, desde una novia que lanza "plasma" hasta dos hábiles maestro agua y lava, formando un equipo formidable y que cuando uno los ve, literalmente saldríamos corriendo.

Y es que el axioma que dice: para que una historia funcione, tiene que haber un buen villano, es más que contundente aquí. Pero también supieron manejarlo de mejor manera. En las anteriores sagas, los anteriores villanos nominales eran muy ostentosos y los momentos que aparecieran llegaban a ser aburridos. Acá, Saheer aparece puntualmente, pero lo hace con una frase potente o con una acción que rompe el ritmo (generalmente para bien) de la historia que nos cuenta. Aquí también podemos hacer otro punto positivo de la historia. Nuevamente comparando a los anteriores libros, la forma de entrelazar diferentes historias fue en mejor medida. Para empezar, los cambios entre la busqueda de los maestros Aire, luego para pasar a hablar de la familia Beifong, para rematar con la intriga de Saheer, tuvo un ritmo tan exacto que cada vez que terminaba de ver un episodio, enseguida quería ver otro. Esto permitió que la serie pudiese verla de manera muy fluida y que no me cortase como con el anterior libro.

Pero no solo la trama estuvo mejor hilvanada, sino también ayudó el posicionamiento de algunos personajes. Un ejemplo es Bolin, que no perdió en ningún momento su vena cómica, pero supieron meterlo en momentos para que se viera gracioso, pero sobre todo, para ver una evolución en él, al menos en sus poderes (llega a desarrollar Lava Control de una manera que me hizo abrir la boca de sorpresa). En otras palabras, los personajes dejaron de ser de relleno y tuvieron una posición mucho más adecuada, mejorando aun más la trama.

Algo que también ayudó fue la inclusión de personajes muy carismáticos, como la hermana menor de la capitana Beifong y de toda su familia (incluyendo su prole). Así sí agregamos también a la familia de Zuko y Mako, tenemos unos personajes mucho más potentes y menos chatos.

Sin embargo, aquí comenzamos con otro punto que lamentablemente, ya hasta la cuarta temporada se arregla un poco y es el Avatar. Korra sigue sin tener el carisma suficiente para ostentar dicho título. Las comparaciones con Aang son odiosas, que hasta ella misma lo dice, pero es inevitable. Mientras Aang va evolucionando a saltos formidables en la serie anterior, acá la cosa jamás termina de pegar. Korra, pese a haber tenido peleas importantes, sigue siendo una niña que quiere arreglar todo a golpes o a base de impulso. Y lo peor es que en este libro, sus apariciones son más contadas, limitando sus poderes o sus apariciones. Aunque Saheer trata de encontrarla, esto no se vuelve relevante hasta los últimos 3 a 4 episodios y no precisamente por ella, sino porque los demás personajes hacen un círculo formidable. Desde los propios villanos, hasta los demás héroes, en especial Tenzin, que tiene una lucha formidable en el Templo Aire del Norte.

Aquí resalto otro punto positivo de la serie y es el "bending". Si ya había comentado que este estaba casi ausente en las anteriores sagas, acá la cosa es diferente. Hay peleas de altísimo nivel en algunos episodios que me hicieron saltar en el asiento, tanto la pelea por el rescate de Korra en la Ciudad Metal, como la que se desata entre los Maestros Aires novatos y Tenzin, contra los 4 villanos del Loto Rojo. Inclusive, el episodio final, pese a ser algo irregular, tuvo un aire magnífico, cuando el tornado atrapa a Saheer y permite salvar a Korra.

Pero va de una de cal, por otra de arena. El último tercio de la historia tiene demasiados cabos sueltos y el acelerón que pega, los hace más evidentes. Por ejemplo, no se explica como el Loto Rojo se va ramificando y creando secuaces por todos lados. Tampoco que sucede con ciertos personajes que aparecen de la nada. Para colmo, el protagonismo de algunos charas, como Kai, va disminuyendo al grado de hacer inexistentes para la cuarta temporada. Los autores abusan demasiado de algunos puntos y otros los desechan como si nada. Es lo que más malestar me causó, ya que el mencionado Kai me parecía un personaje original, carismático y muy diferente a los demás. Pero su asimilación se hace de tal manera que termina formando parte del fondo y nada más.

Por suerte, otros personajes, como Asami, recuperan relevancia. Ver a la chica "no bending" más involucrada e inclusive dando patadas y golpes, fue estupendo, en especial cuando usa sus conocimientos para reactivar un dirigible de la nación Tierra. Aquí aclaro que la aparición de la Reina Tierra me pareció otro desacierto. Si esta nación, eran tan poderosa y carismática en la Leyenda de Aang, acá solo sirve de pretexto para crear problemas, pero de una manera poco consistente y que de repente solo sirve para justificar los debrayes de los creadores. Insisto, esta situación no deja de repetirse en toda la saga, llegando a fregarla por momentos.

Claro, insisto que hay momentos estupendos: la pelea que tienen las dos hijas de Toph entre sí (y ver una imagen de la Toph adulta no tiene precio) es estupenda. También el episodio donde Tenzin trata de enseñar a los nuevos Maestros Aires, es soberbio. Uno podrá objetar que es mero relleno, pero hacer hincapié en el desarrollo de la Nación Aire, tiene su punto.

El doblaje sigue siendo soberbio. Es increíble que los actores chilenos hagan un papelazo y sepan darle un matiz a sus personajes, pese a que las voces de repente pueden sonar parecidas (en especial con algunos secundarios). Aquí debo destacar la enorme labor de Jessica Toledo, que no solo se encargó de hacer una dirección estupenda, sino también una adaptación soberbia.

En conclusión, "El Libro Cambio" me parece la mejor saga de la Leyenda de Korra. No corrige los errores vistos en anteriores libros, pero vuelve a combinar unos personajes sumamente carismáticos con un mejor ritmo, al grado que algunos episodios rebozan calidad y dan más ganas de ver. El problema es que la protagonista sigue sin tener punch y algunas tramas siguen sin hilbanarse de manera adecuada. Lamentablemente, esto no se solucionará tampoco en la cuarta y hasta tendremos un bajón de calidad, pese a la mejora en otros rubros. Pero por supuesto, eso se tratará en otra entrada. ¿Recomendable? Por supuesto y hasta diría, no hace falta ver la segunda temporada (salvo por lo del Avatar Wan), para entrar directamente a esta. Por cierto, otro punto altísimo fue el "final" que tuvo Korra. Al fin ví algo diferente y eso me agrado, al punto que potencia el inicio de la cuarta temporada.

Por cierto, iba a comentar lo de Zuko, pero es mejor dejarlo para la siguiente reseña. Tengo mis motivos (y que sirven para criticar a los pro-Aang). 

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Saludos a mi Earthbender ^^, así a quienes gustan de este tipo de series.

Pixeles: Una película (fallida) de Sandler y las Arcadias

Es increíble que para estas fechas, no haya visto aun Ant-man, pero sí esta película. "Pixeles" era una película que había estado esperando desde hace uh, bastante tiempo, más cuando se anunciaron los trailers a principios de este año. Aunque muchos comentaron que podría ser una basura (y en cierta manera lo es), tuve la esperanza de que no fuese tan mala. Y es que siendo sinceros, dando mi opinión desde un principio, Pixeles no es horrenda como medio mundo dice. El problema viene por detalles que se van acumulando y terminan por fregar una historia que sí se hubiera desarrollado en otros términos, hubiese funcionado, aun teniendo a Adam Sandler como protagonista.

Pese a no ser todo lo esperado, este filme demuestra que lo "Retro" está de moda y que los ochentas aun es fuente y semillero de muchas ideas, debido a la escasez que sufren hoy en día las generaciones actuales. No en balde, estamos en un mundo más libre, más perverso (en el buen sentido de la palabra). Ante tan poco neuroticismo, no hay ideas y por consiguiente, nos tenemos que ir a épocas mejores. "Pixeles" estuvo a punto de ser legendaria, pero lamentablemente, quedó a medias y seguimos debiendo más al público. Vamos a ver porque. Por cierto, será otra reseña corta, porque no hay mucho que decir al respecto.


Ficha técnica: Pixels (Pixeles)
País involucrado: EUA.
Año: 2015
Producción: Happy Madison/1492 Productions.
Distribución: Columbia Pictures.
Idioma: Inglés.
Dirección: Chris Columbus.

Argumento: Son los principios de los ochentas y dos chamacos, Sam y William van a un local de videojuegos que acaba de abrir. De repente se ven sumergidos en el mundo de las arcadias, donde Sam destaca como un jugador nato. Sin embargo, una dolorosa derrota en el campeonato mundial de arcade, lo termina amargando y volviendo un técnico de cablevisión. Años después, William se ha convertido en presidente y pide ayuda a su viejo amigo, ya que una amenaza que tiene que ver con su infancia, está a punto de destruir el planeta.

A opinión personal: Sí algo me llamó la atención de esta película y lo hizo hasta el final, pese a su desarrollo pobre y obtuso, fue el concepto de la invasión extraterrestre en base a personajes y conceptos de "Arcade" de los años ochentas. Ese fue el punto por el cual el trailer me encantó y porque fui a ver esta película. Lamentablemente, el desarrollo posterior es de lo peorcito que he visto.

Para empezar, la forma de cuadrar una historia de invasión con comedia así gags geeks estuvo muy descuadrada por todos lados. Y lo peor, tal como dijó mi comadre, los trailers ponen lo mejor en acción de la película. Yo esperaba una invasión así en masa y que los héroes estuviesen luchando cabo a rabo, tratando de salvar sus vidas. No es que el concepto de "ganar 2 de 3" estuviese mal, al contrario, me pareció original y una forma de minimizar los efectos especiales y que hubiese más trama entre los protagonistas.

El problema es que no hay trama. Todo está lleno de gags demasiado groseros por momentos y otros, que solamente se dedican a explotar ciertas situaciones que no valen la pena (como lo del ex-esposo de la protagonista, interpretada por Michelle Monaghan) o por ejemplo, lo de la esposa del presidente. Para colmo, los momentos de interpretación o forma de ser de algunos personajes es realmente odioso. Generalmente me gustan los personajes que hace Sandler, porque tienen una mezcla de comedia e ironía. Sin embargo, acá es un ser castroso, fastidioso y que se las da de que sabe, aunque en el fondo es un acomplejado. Casi se le ve que hace la película a fuerzas y con mala leche, lo cual le resta mucha credibilidad a la redención que tiene al final.

Para colmo, los demás personajes, incluyendo al patético presidente, SON MUCHO MEJORES. Así de duro. Dinklage, Gad, inclusive Brian Cox se ven mucho más divertidos, creíbles, amenos. Los momentos que aparecen, uno se divierte con ellos y tienen mucho más carisma y empaque que el mismo protagonista. Lo peor, es que en aras de darle protagonismo a Sandler, la cosa no termina en despegar, teniendo momentos muy crudos y difíciles de tragar en la película.

Pero el problema más agudo y para colmo, fue la mentada posproducción, quedó a cargo del doblaje. Y no tanto en las voces, ya que Gerardo García se ha acomodado a Sandler o Octavio Rojas como Dinklage. El problema viene con los dialogos, la traducción pues. Está fue horrenda, muy mexicanizada y con un exceso de modismos, que caía de la patada. Lamentablemente, el buen Gus Rodríguez fue el encargado de hacerla y debo decir, que está vez reprobó en esta cuestión. Una lástima, ya que admiro el trabajo de este hombre y en esto, sí se vió muy mal.

Por suerte, en lo demás, la acción y los efectos especiales, debo decir que si estuvieron a la altura de la situación e inclusive, superaron mis expectativas. Los cambios de cámara, los planos y los disparos y ver como todo se fragmentaba en cubitos como "pixeles", me pareció muy buen detalle. En especial esa parte donde vemos de lado como los personajes corrían en la batalla contra Donkey Kong. Allí si apelaron a mi espíritu de antiguo "arcade" y lo hicieron estupendamente.

Aparte, el soundtrack, mezcla de rock sintético ochentero, cortesía de Henry Jackman, con música de aquellos años, fue un enorme acierto. Algunas batallas me las pasaba pipa (en especial con el Centipede) y en otras, servía para dar contexto a la situación. Y es que en esto, el filme resulta bastante bueno, al evocar varios momentos y situaciones que toda persona arriba de los treinta o que vivió en los ochentas (como un servidor) suele recordar de forma continua.

Lamentablemente, aun pese a estos aciertos, la película resulta fallida en algunos tramos, con la consiguiente de que por momentos se me hacía un tanto tediosa, pese a que estabamos hablando de videojuegos (un tópico que disfruto muchísimo). Y ya como comente, en realidad la acción de la película es corta y eso hace que de repente no sepas donde ubicarla: si en un filme de acción o de comedia.

Curiosidades: La ideal original vinó de un filme corto francés que realizó Patrick Jean en el 2010 y que justo trataba de una invasión extraterrestre mediante personajes de videojuegos. Tim Herlihy uno de los guionistas, escribió un primer esbozo junto con Adam Sandler hace unos 3 años, pero le pareció tan horroroso que tuvo que reescribirlo de nuevo. Gad, Dinklage y Kevin James estuvieron casi desde el principio y la protagonista iba a recaer sobre Jennifer Aniston, que termino rechazando el papel. Finalmente, Monaghan fue la elegida para ser la protagonista femenina. El filme se estrenó con críticas duras hacia el filme, tachandolo de grosero y con poco punch argumental (por momentos es cierto esto).

En cuanto a un servidor, pues fui a verla con mi mujer y dos de mis cuñados al cine. Sin embargo, lo curioso es que cuando nos sentamos, pusieron "Minions", lo cual desato la ira entre los demás espectadores del cine. Así que no hizo falto que me levantase y fuese a pelearme con los encargados del cine, ya que otros lo hicieron en mi lugar, jeje. Aparte, aproveche para ver el inicio de los Minions (la cual dudo vaya a ver al cine) en al menos sus primeros 10 minutos.

En conclusión, "Pixeles" es una película malita de Sandler. El hombre había caído de mi gracia con sus anteriores filmes, pero cuando lo ví en "Luna de Miel en Familia", volví a tenerle un poco de fe, ya que había recuperado la comedia que lo hizo tan potente en los años noventas y principios de la década pasada. El problema, es que volvió a ser un personaje bastante fastidioso y que termina robando el protagonismo. Digo, esto tampoco habría salvado el filme, pero hubiese sido más divertido, más fácil de llevar y lamentablemente, es solo una parte de la poca trama y potencia que tiene la película. ¿Recomendable? Solo si eres un geek y apagas el cerebro un rato. Si no, te vas a llevar un bueeen chasco. Y ah, por cierto, rara vez lo digo, pero vayan a verla subtitulada. Así se ahorran muchos bochornos (al grado que mi esposa le hizo guacala al doblaje, cuando en ese rubro, es bastante tolerante).

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Saludos a la dueña de mis quincenas ^^ que me  invito al cine, así a mi comadre que me previno de dicho ataque y también quienes gustan de este tipo de cine.

Dr. Who: Otro episodio doble, pero de drama y humanidad

Volvemos a la crítica de otro episodio de Dr. Who y no solo hablamos de uno, sino un episodio doble, que está rankeado entre los mejores de la serie moderna. Sí, hablamos de "Naturaleza humana" y "Familia de Sangre", que curiosamente, antecedieron la aparición del que es el mejor episodio de la saga: "Parpadeo".

Atrás deje mi promesa de ir saltando de Doctor en Doctor, ya que luego del golpazo que me dí con Eccleston, mejor me enfoque en dos actores que me han dado mucho más "charming" (y mejores historias) como lo fueron Matt Smith y claro, David Tennant.

Con las historias que he visto de este singular personaje, siempre pensé que me encontraría con tramas muy potentes y con finales sorprendentes. Sin embargo, debo decir que con este par, la serie no solo tiene un potencial en un rubro, sino también en la actuación. Por algo, muchos se terminaron encariñando con Tennant, ya que supo hacer suyo este personaje y con estos capítulos, debo decir que el sujeto me sorprendió en muchos sentidos. Y vamos a ver adelante porque.


Naturaleza humana (Human Nature) es el octavo episodio de la tercera temporada moderna de la serie británica de ciencia ficción Doctor Who, emitido originalmente el 26 de mayo de 2007. Se trata de la primera parte de una historia en dos episodios que concluye con La familia de sangre. La compilación de estos dos episodios fue nominada al premio Hugo 2008 a la mejor presentación dramática en forma corta


Detalles técnicos: Aunque muchos alaben la manufactura de esta historia, en realidad la trama de ambos episodios está basada en el quinto libro escrito por Paul Cornell de la saga "literaria" del Doctor. Sep, pese a que la serie tuvo un importante hiatus entre finales de los ochentas y mediados de la década pasada, la popularidad de la serie, al menos en Gran Bretaña, era altísima. Por ello, cómics y libros llenaron ese hueco por varios años. Uno de esos libros, justamente llamado "Naturaleza humana", se enfocaba en el séptimo Doctor y como este, por experimentar, decide convertirse en humano. Deja las cosas arregladas para que su "companion" lo cuide mientras está en tales circunstancias.

Como ven, justamente el libro sirve de semillero para las tramas y personajes de ambos episodios, solo que cambiando un tanto los villanos de las mismas (que en este caso, fueron la "Familia", una suerte de extraterrestres muy agresivos, pero de vida corta). Sin embargo, el resto esta casí integramente, incluyendo el "alias" que toma el Doctor, como que se termina enamorando de una humana, a la cual le ofrece viajar con él, pero le rechaza debido a que se enamoró de la otra personalidad del Doctor.

Pese a esto, Russell T. Davies hizo una buena adaptación de dicho libro, no solo en la cuestión de los villanos, sino en saber matizar la actuación de Tennant en muchos sentidos. Ambos episodios se emitieron a finales de mayo y principios de junio del 2007, cosechando muy buenas críticas, al grado que ambos episodios fueron nominados para varios premios de ciencia ficción. Los comentarios conformen han pasado los años, han seguido positivos por los fans y críticos especializados, al grado que ha entrado en el Top 10 de los mejores de la saga moderna.


Argumento: Es 1913 en un colegio-internado típico inglés de corte masculino. La vida transcurre normalmente con los profesores de dicha escuela enseñando a sus jovenes alumnos, no solo cuestiones de historia y aritmética, sino también a aprender a utilizar una ametralladora (con los inicios de la Primera Guerra Mundial en ciernes). Sin embargo, pronto vemos al "Doctor" encarnando a uno de los tantos profesores de dicha academia, así como a Martha, su "companion" de dicha temporada, haciendo de mucama. Pero pronto vemos que algo ha pasado: el Doctor ya no existe y en su lugar esta John Smith, un afable profesor que comienza a enamorarse de la matrona de la Academia, mientras Martha trata de tapar la situación de una manera u otra...hasta que aparecen los villanos en turno, la Familia.

Dato curioso: el libro que elabora John Smith con sus sueños  y que enseña a Joan, es un objeto de colección hoy en día, aparte de tener un montón de referencias, no solo a la serie moderna, sino también a la clásica, lo cual se considera el primer homenaje que hace la susodicha a su antecesora.

Opinión personal:A estas alturas, ya es un tanto difícil ser crítico con Dr. Who. Técnicamente, me he hecho fan de la serie y cada episodio que veo (salvo los ya comentados de Eccleston), los disfruto como enano. Aun me pregunto como pase tanto tiempo sin ver una genialidad como está. Claro, también lo hago desde la perspectiva de alguien que ve los mejores episodios y que no ha tenido que tragarse o fumarse otros capítulos con menos calidad. Pero no hay problema, no tardare en hacerlo, ya que el "Doctor", merece todos mis respetos.

Sin embargo, debo decir que este episodio "doble" tiene sus altas pero también sus bemoles, así teniendo una característica "diferencia" con respecto a otros capítulos que he visto, al menos a nivel argumental (lo cual confirma que Davies se baso en algo más para hacer el argumento, más que en sus propias ideas o de sus guionistas).

Para empezar, la historia es un tanto predecible, pese a que los primeros 20 minutos te pueden destantear, más cuando ves al Doctor y a Martha haciendo de personajes del siglo pasado. Sin embargo, la expresión que pone la "companion" a cada momento, mientras no deja de ver John Smith, es una muestra de que algo está pasando y que lo que está pasando es solamente una pantalla, lo cual se confirma poco después, cuando se ven flashbacks de lo sucedido y donde el Doctor comenta a grandes rasgos su cambio de biología, en aras de escapar de una truculenta familia de villanos que desean su cuasi inmortalidad. Martha debe velar por el secreto del Doctor hasta que la familia muera por acción natural.

Pero como es lógico, la "Familia" no tarda en aparecer y la situación se complica, cuando Smith se enamora de la matrona del lugar y comienzan un romance ante el horror y tristeza de Martha. Aparte, si metemos a un chico bastante listo que sirve de "pivote" de la situación (al robarse el reloj que sirve de contenedor a la naturaleza verdadera del Doctor), es lógico que el primer capítulo sirva de presentación de la situación y nos quedemos en la parte más emocionante, para rematar una continuación que no solo tiene acción, sino lo mejor de ambos episodios.

Como ven, la trama no es nada compleja y uno la va deduciendo con facilidad conforme avanzan los minutos. Acaso lo mejor es la resolución final, en especial el destino de la Familia, una vez que el Doctor vuelve a su cuerpo (lo cual no es un spoiler, es obvio que va a pasar).

Lo verdaderamente potente es la interpretación de David Tennant en ambos capítulos. Es sencillamente soberbio, magistral. Realmente es capaz de cambiar el matiz y tono de su personaje, creando uno totalmente nuevo. Esto permite al espectador entender la posición que tuvo la matrona, Joan, con respecto al Doctor, cuando le ofrece viajar con ella. Y es que John Smith es un personaje distinto, con una personalidad y forma de ser diferente. Pero aquí también recae la genialidad del guionista, al perfilar al personaje en varias decisiones de capital importancia, como cuando Martha y el chico le piden a Smith abrir su reloj para volver a ser el Doctor. Tennant se ve espectacular, mostrando miedo, incredulidad, terror ante lo que va a pasar y esta actuación se mantiene hasta que se revela a la Familia, donde también vemos su lado más oscuro (aunque no puedo negar que me encanto el final que les dió).

Por supuesto, el resto de los personajes también estan estupendos. Desde Freema Agyeman como Martha hasta el ya no tan juvenil, Thomas Brodie Sangster (bastante reconocido por ser el adorable hijo de Liam Neeson en "Love Actually"). También si añadimos a los "villanos", estos realmente lucían atemorizantes (pese a que sus pistolas de energía...bueeeno, sí parecian de juguete).

Es en estos episodios, cuando entiendo porque muchos le tomaron cariño a Tennant como el Doctor, ya que el actor supo matizar ambas actuaciones y hacer dos personajes diferentes, pese a tener el mismo aspecto. Tecnicamente el primer episodio me la pasaba desesperado, viendo a Smith sin saber que hacer ante la amenaza de la Familia y en el segundo, igual, claro, hasta que tiene  que tomar la decisión de volver a ser el Doctor, para salvarlos a todos.

Aquí, pese a la notable actuación, veo un error craso del argumento: Si el Doctor estaba escapando de la Familia...¿Cómo es que al final decide enfrentarlos? Claro, se argumenta de que era un cobarde y de que solo por otra persona (el mismo Smith) es como decide enfrentarlos, pero esto me pareció muy jalado de los pelos. Aquí es donde el argumento se cae y solo vemos la entrada del protagonista para apantallar, pero sin tener una razón de peso.

En conclusión, "Naturaleza humana" y "Familia de Sangre" son un buen par de episodios de Doctor Who. Bastante recomendables y que tienen un perfomance sumamente alto. La trama si es un tanto predecible, pero bastante compensada con las actuaciones y el final, que me pareció cruel, pero estupendo. Ahora a ver, que capítulo más me chuto, antes de poder reseñar "El Día del Doctor".

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Saludos a mi esposa y "companion" ^^, así a quienes gustan de Doctor Who.

Saber Marionette J: Una reseña con una punzada de nostalgia

Hablar de Saber Marionette J, no es solo referirnos a una de las franquicias más exitosas que hubo en Japón en la década de los noventas, sino también una de las más famosas, al menos en el continente americano, y en especial en México, a principios de la década pasada. Para muchos, es considerada como uno de los animes que iniciaron el recorrido de muchos otakus o freaks en tiempos actuales (como un servidor).

Mientras en otras entradas, siempre comienzo con un dato técnico de la serie, aquí nuevamente vuelvo a hacerlo al revés y describir en el prologo, mi recorrido con esta franquicia.
Para empezar, aunque la Internet ya era conocida en muchos países a mediados de los noventas, aquí en México aun estaba dando sus primeros pasos. En parte por la tecnología obsoltera que teníamos y en parte porque el adquirir una computadora personal, era bastante caro. Eso no impidió que conociese este mundillo a finales de los noventas, cuando por un evento que he comentado muchas veces (cuando un amigo me llevó al salón de computación de la facultad), se conviertese en el parteaguas de mi vida actual.

Como es lógico, en aquel entonces, la "japoanimación" en México también se encontraba en pañales. Se emitían las series más populares como Dragon Ball Z, Sailor Moon, Captain Tsubasa. Pero del resto, no teníamos ni idea. No se sabía, salvo por los amigos que vivían en la frontera y por consiguiente, podían accesar a VHS y láser discs, que contenían el anime que se importaba (también de manera escueta para los estandares) a los Estados Unidos. Por ello, la Internet se convirtió en una buena manera de conocer series. Así fue como en mis primeras incursiones, comence a buscar páginas sobre el tema y no me terminaba de maravillar por la gran cantidad de información que había.

En aquel entonces, el dominio Geocities estaba en lo más alto del escalafón y es que permitía por sus servidores, tener una página donde podías subir lo que tú quisieras (yo también tenía una, que se encargaba de recopilar fanfics, el viejo Skytemple). Por supuesto, entonces las páginas de anime eran mínimas, mucho más en español, pero tenían datos bastante precisas de las series. Aquí fue cuando conocí animes como Fushigi Yuugi, Wedding Peach, Marmalade Boy y por supuesto, Saber Marionette J.


Saber Marionette J (セイバーマリオネットJ "Seibā Marionetto Jei"?) es una parte de la saga de anime Saber Marionette. Saber Marionette J consta de 25 capítulos y fue emitida en Japón por TV Tokyo desde el 1 de octubre de 1996 hasta el 25 de marzo de 1997. La historia fue creada por Satoru Akahori y el diseño de personajes por Tsukasa Kotobuki. Está licenciada por Bandai Visual.

Como decía en el prologo, Saber Marionette J se convirtió en un tópico harto común en la Internet en aquellos años. No en balde, la serie había sido un rotundo éxito en Japón y debido a su trama, personajes y detalles, terminó repitiendo el resultado en otros países, como el nuestro.

Claro, yo no lo sabía en aquel entonces, pero el hecho de que muchas páginas hablaran de la serie, me daba una idea de la importancia de la misma. Y fue gracias a esta, que inclusive comence a acercarme a los fanfics de alguna manera u otra.

No se puede negar que el "Norte" del país siempre ha sido más desarrollado. No solo por su cercanía a los EUA, sino también por la mentalidad de la gente (no en balde, la mayoría de los buenos podcasters, lócutores, vloggers, etc. vienen de esta parte del país) que los hace explorar y conocer mucho más que el resto de la República mexicana. No en balde, mis primeros VHS "piratas" de anime venían de un distribuidor que residía en Mexicali.

Y fue mediante la página de un universitario que estudiaba en el "Tec" de Monterrey, que fue como me enteré de Saber Marionette J. Allí, el susodicho hacía una reseña interesante, apasionada pero bastante certera de la franquicia. Al grado que inclusive comentó que se hicieron ciclos de anime en el Tec y que según recuerdo,  los fans se reunían los fines de semana para "proyectar" la serie en una pantalla grande (Claro, con un primitivo proyector, una VHS y un cassette que contenía algunos episodios de Saber Marionette, subtitulados en inglés).

Dicha página tenía links a otras, que también trataban la serie u otras, incluyendo la archirreconocida "Aventuras de Fly". Uno de estos, era Blackwolf X, un escritor que se había encargado de "traducir" varios fanfics míticos del inglés, como "Boy Meets Girls" (Donde Mirai Trunks caía en el mundo de las Sailor Scouts y se terminaba enamorando de Makoto, alias Lita). Claro, allí comenzó mi andanza en los fics, pero como dice la tía Chona: "eso es otra historia...".

Pero ¿Por qué es tan famosa y tan recordada Saber Marionette J? Para empezar, debemos darle honores a su creador: Satoru Akahori.

Aunque hoy en día, el susodicho es poco recordado, en su momento el hombre era conocido por ser el padre de franquicias tan potentes como Sakura Wars, Nadesico, los Gatos Samurai o Cyber Team in Akihabara. Inclusive otras menos conocidas, pero igualmente originales como Master of Mosquition o VS Knight Lamune 40.

Pero la más recordada es la de Saber Marionette, que se compusó de dos partes bien diferenciadas, aunque la última se desgrano en muchas "sub-secuelas". Con una trama más adulta, apareció Saber Marionette R en mayo de 1995, en formato de 3 OVAS. La trama se enfocaba en un reino llamado Romania, en una Tierra futurista. Junior era el posedor de 3 marionetas, una suerte de robots femeninos que le ayudaban a custiodar su reino. Sin embargo, su hermano, teniendo también unas robots femeninas de su lado, comienza a pelear con el primero por el control de su reino.

Claro, para quien haya visto esta serie, SMR es mucho más compleja y violenta que su sucesora. Aquí vemos muertes, momentos dramáticos y situaciones bastante súbidas de tono. El autor quiso continuar esta franquicia, pero diferencias con el estudio, hizo que la serie se cancelase súbitamente y que Akahori sensei se mudase a otro estudio (Hal Film Maker).

En este, se encargo de guionizar y crear un derivado de su anterior obra, que retomaba algunos personajes de su predecesora, pero ubicarla en otro momento de la historia, teniendo el apoyo de un diseñador de personajes como Tsukasa Kotobuki. Saber Marionette J vió a la luz en la temporada de otoño de 1996 y se prolongo por 25 episodios, terminando en marzo de 1997, cosechando buenas críticas, tanto en animación como en la historia.

¿De qué va la trama?  

En un futuro cercano, la sobreproblación en la Tierra ha provocado que el hombre comience a colonizar planetas para subsistir. Una de las naves, La Mesopotamia, con una extraña inteligencia artificial a bordo, los lleva cerca de un planeta que tiene las características del original. Sin embargo, un incidente entre la única mujer tripulante, Lorelei, con la inteligencia, provoca que los restantes tripulantes (6 hombres de diferentes nacionalidades, entre ellos Fausto e Ieyasu), tengan que abandonar la nave, la cual termina orbitando alrededor del planeta.

Pronto, los sobrevivientes se dan cuenta de que van a morir sin tener descendencia, por falta de mujeres. Fausto les propone a todos que se clonen y crean seres iguales a ellos. Sin embargo, la complejidad del genoma femenino hace que una mujer no pueda ser creada a partir de ellos y por lo tanto, comenzaron a fabricar marionetas: androides con forma femenina, que sirviesen de apoyo. 

Los años pasaron y los descendientes se multiplicaron, formando un mundo poblado con 6 reinos o países, llenos de puros hombres, entre ellos, Otaru Namiya, un habitante y descendiente de Ieyasu, que por casualidad, se encuentra a tres marionetas (que se considera un accesorio de lujo) en la basura. Claro, al activarlas, se da cuenta de que estas no actuan como las demás: sonríen, tienen emociones, lloran, etc. Esto provoca que Otaru comience una odisea con estas feminas, que parece tienen implantados un chip "virgen" desarrollado por Lorelei y que sirve para optimizar a las marionetas. 

De los aspectos más reconocidos de la serie, son los personajes. Aunque Otaru se puede considerar el típico chico harem, su personalidad y valía, lo hacen un protagonista diferente y que precisamente, sirvió de molde a muchas "copias" que vinieron después. Sin embargo, el verdadero punch de la serie viene con las 3 marionetas: Lime, Cherry y Bloodberry.
Lima es la protagonista y tiene una personalidad como de una niña pequeña. Cereza es más madura, pero tiene debrayes amorosos tremendos y Zarzamora, que es la dura del equipo.

El ver a las tres chicas interaccionar con Otaru, en un mundo netamente masculino, dió lugar a un sinfín de tramas e historias que los creadores de la serie supieron explotar sabrosamente durante 25 episodios, al grado no solo de involucrar a un villano descendiente de Fausto, sino que este tuviera 3 marionetas, con fines mucho más malvados, pero con un carisma que se terminaron robando el corazón del público (como Tigresa).

Claro, otros personajes también dieron de que hablar, como Hanagata, que causó bastante escandalo, ya que fue de los primeros personajes homosexuales en mostrarse abiertamente (aunque siendo algo bastante correcto para la trama, ya que estando en un mundo poblado de hombres, este tipo de cuestiones no era nada criticada). 

Otros aspectos le dieron más lustre a la serie. Para empezar, la animación de la misma era espectacular para la época, llena de movimientos y detalles (ejemplificado con el opening), aparte de tener actores de voz (seiyuus) que se consagraron, como la misma Megumi Hayashibara (Lime) que se lanzó a la fama con este papel. Si a esto agregamos una música incidental estupenda y un opening como ending soberbios ("Successful mission" y "i ́ll be there") interpretado por la misma Hayashibara, el anime no tardó en permear en todos lados y volverse extremadamente popular.

Lamentablemente, la serie generó una serie de secuelas que pretendían madurar la trama y tocar otros aspectos importantes del uso de marionetas en un mundo lleno de hombres (bueno, ahora con Lorelei). Sin embargo, el hecho de que las tramas de dichos OVAS (Again) y la continuación (J to X) fuesen tan lentas, aparte de un horrendo cambio de diseño de los personajes (volviéndolos más infantiles y con colores más chillones), termino por fregar un poco la franquicia.

En el caso de México y muchas partes de Latinoamérica, la serie se dió a conocer por el canal Locomotion en el 2000. Teniendo un excelente doblaje (Cristina Hernández como Lima, Rossy Aguirre como Cereza o Ricardo Tejedo como Hanagata), se convirtió en uno de los emblemas del mismo. Curiosamente, a un servidor le tocó verla con una novia (ya que ella tenía el famoso DirecTV, que entonces era la única cadena que poseía los derechos de transmisión de Locomotion) y fueron al menos los primeros 6 episodios. El resto los terminaría disfrutando cuando la serie ya se vendía "pirata" en algunos lados (curiosamente, la serie parecía ser un DVDrip de una serie que salió en EUA, ya que tenía tanto lenguaje original, como doblaje gringo y latino).

Dejando de lado la nostalgia y sentimentalismo, Saber Marionette J ha tenido un ligero envejecimiento, más en su trama que en la cuestión de animación. Aun hoy en dicha, la susodicha sigue teniendo un estándar de calidad muy alto y claro, representando el estilo y diseño de aquellos años. Pero viéndola hoy en día, pasa sin mayores problemas. Pero volviendo a la cuestión de historia, si se denota su baja, ya que tiene demasiados gags y chistes noventeros, lo cual puede hacer que un espectador actual salga aburrido o desconcertado. Aparte de que pese a que es un tanto más dinámica, algunos episodios sin son medio sosos o se van de manera muy lenta.

Aun así, Saber Marionette J es de esas series que uno debe ver de manera "obligatoria", no solo por el contexto que tiene en la historia, sino también porque marcó una revolución en la forma de ver el anime, es decir, nos mostró que las historias podían ser mucho más complejas e involucrar un montón de subtramas (robots femeninos, clonación, homosexualidad, dilemas filosóficos, etc.) que la hacían mucho más potente. Hoy en día, aun veo un episodio y no puedo evitar una cierta sonrisa de nostalgia.