5 canciones de película: las rolas tipo "ending"

Las canciones o melodías vocales en las películas son un sello distintivo que aparecieron a mediados de los años setentas. Aunque entonces ya se usaban, estas eran mucho menos populares que los temas orquestados, los cuales podían ser hasta con tintes Wagnerianos o mínimo con un leimotiv bastante pegadizo, como la melodía del Padrino de Nino Rota o el emblemático tema de Starwars de John Williams. Y aunque había películas que usaban el musical como fuerte, como Hello Dolly o Sound of Music, la venta de LP o discos de vinilo eran escasas.

Fue hasta finales de los setentas, con la aparición de películas musicales más poperas como Gloria, Fiebre de Sabado por la Noche o Vaselina, cuando la tendencia cambio y la música más actual, comenzó a abrirse paso de manera estrepitosa.
Como prueba de ello, si uno se pone a escuchar un termométro de estas tendencias, es la saga de James Bond. No solo vimos cambios de look, de coches o de chicas Bond, sino también la música fue moviendose, desde el recordado tema de John Barry hasta las canciones pegadizas de las últimas películas.

Por ello, el motivo de este "cancionero", fue hablar y analizar de algunas canciones que sirven como telón a la película. Hubiera sido más sencillo comentar sobre las "insert songs", pero creo que toda pelí que quiera vender, debe tener un tema pegadizo pegado a los pies. Algunas no llegaron a ser grandes, ni siquiera a recuperar la inversión, pero hey, sus canciones o OST si que valían la pena.

Por cierto, esta entrada esta dedicada al fallecido Bob Hoskins. ¡Vaya con Dios!


-All Together Now - The Farm

Double Dragon, la película, es recordada como uno de los más grandes fiascos de la historia. Con un elenco que prometía en papel, integrado por el artemarcialista Mark Dacascos, el naciente Scott Wolf, una atractiva y joven Alyssa Milano y así Robert Patrick, el "Terminator", todo termino de malos modos, teniendo una historia patética, unos diseños de vestuario extraños y unas coreografías que daban realmente pena. En su momento yo esperaba una joya, la cual me termino decepcionando cuando logre verla en un canal de paga a mediados de los noventas. Tal vez lo único que me gusto fue justamente este temazo de "The Farm", que igual paso desapercibido en su momento, hasta que los fans ingleses de la Euro 2004 la volvieron a revitalizar para apoyar al "Equipo de la Rosa".


-Go Speed Racer, Go! - Ali Dee & The Deekompressors

Hmmmm, no se que pensar. Los años han pasado y el furor que sentí por esta película, hecha por los Hermanos Wachowsky comienza a mermar y cada vez que la veo, comienzo a verle más y más fallas. Nah, no importa. Aun pese a los colores psicodélicos y las tomas de cámara que parecían querer provocarte un vómito, debo reconocer que el intento de los Wachowsky me agrado. Lástima que el fan promedio quiera algo apegado y luego se queje de que lo sea tanto. Pese a ello, la música era bastante pegadiza y este tema (o más diría decir "temas") son estupendos. Una forma genial de remixear uno de los temas más emblemáticos de mi infancia, "Go Speed Racer, Go!".  Por cierto, me gusta cuando comienzan a cantar en español.


-When I can see you Again - Owl City

Ya lo dije hace dos años y lo sigo reafirmando: Ralph el Demoledor es de las mejores películas de animación que he visto. No solo por una historia atrapante y unos personajes increíbles, sino por la cantidad de referencias a los videojuegos que rondaron a esta producción de Disney y que inició el levantón de los estudios del ratón, los cuales culminaron con la éxitosa Frozen. Pero es que no solo era lo anterior, sino una música, que a cargo de Henry Jackman, hizo las maravillas. Y claro, las vocales tampoco podían desentonar, por eso Owl City se encargo de darnos un temazo de cierre que hoy en día pongo al menos una vez al día. Una mezcla de melodía romántica y de acción, parecía cuadrar a la perfección con el espíritu de la película.


-Rockin´Over the Beat -  Technotronic.

Con el próximo estreno de las Tortugas Ninja, Made in Bay, volví a ver las películas anteriores hechas por Chow y su Golden Harvest en co-producción con New Line Cinema. Aunque las pelis han envejecido en muchos sentidos, la música que adornaba a las Tortugas Ninja, se mantienen como melodías muy potentes. En especial esta, que se considera la música de cierre de la tercera. Aunque la Electronic Dance ha quedado un poco atrás, esta rola la sigo considerando todo un clásico de los años noventas. En su momento, Technotronic hizo dos versiones de la canción, una normalona y otra que era el remix y ambas aparecieron en el OST de la película. Para quien la escuche hoy en día, le parecera...bueno, sí, muuuuy viejita, jeje. Sí, ya me hago viejo y con ganas.


-Almost Unreal - Roxette

La considero la mejor rola de Roxette. Aun mejor que "Creo que es amor" o "Joyride". Combina lo mejor de ese ritmo movido de ese fantástico duo sueco con una balada romántica de primer nivel. El problema es que la canción venía incluida en la película de Super Mario Bros, que muchos consideran, la peor película de videojuegos en la historia. Curiosamente, cuando compre el Soundtrack de este film, casi lo mando a la basura y es que yo pensaba que vendrían rolas de videojuegos. Craso error. Pero al escuchar esta melodía, pegue un brinco y me hizo revisitar tantas veces el cassete que lo termine rayando. Aun hoy en día, la considero una de las mejores canciones que he escuchado en habla inglesa, dentro de mi Top 5. Y como negarlo, la letra, la instrumentación, todo es perfecto.


- Roar 

Y no podía faltar el pilonazo. No es vocal en absoluto y hasta parecería que no encajaría con una rola, pero es la única aportación que hizo el gran Michael Giacchino a la legendaria película de JJ Abrams: Cloverfield (y claro, dirigida por Gareth Edwards). Si uno la escucha, te evoca inmediatamente al rey de los Kaijus: Godzilla. Pero con ese toque que solo Giacchino podría meter, ya que te hace vibrar con esa melodía que te hace estar en el centro de un ataque de monstruos.

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Saludos a mi princesa ^^, así a quienes gustan de este tipo de música.

Scott Pilgrim vs. The World: que pedazo de historieta

Aunque en el viejo fotolog ya había hablado de la película de Scott Pilgrim, que se estreno ya hace 4 añotes, por aquel entonces no tenía mucha idea de que trataba el universo de Pilgrim y compañía. Aunque el cómic había demostrado ser una brutalidad en todos sentidos, en México tenemos fama de atrasados y de que forma. 

Hoy en día vemos el logo o emoticón de Scott por todos lados, así del resto de sus personajes, como Ramona, Knives o Wallace, pero para el 2010, Pilgrim era literalmente desconocido por la mayoría de la barriada y solo reconocido por algunos especialistas (entre ellos Doña Cineticamente). 

Por ello, cuando hubo la oportunidad de que Sam me trajera los cómics (novelas gráficas pues, los puristas se enojan) del otro lado del Charco, no me lo pensé dos veces. Digo, la película me había dejado muy satisfecho y quería saber más. 

Unos meses después, Scott Pilgrim (versión Castellana), en su empaque, ya estaba en mis manitas y me entretuve por unos cuantos meses leyendo una de las mejores novelas gráficas que he visto en años.

Scott Pilgrim es una serie de novelas gráficas dibujada por el historietista canadiense Bryan Lee O'Malley, que abarca seis tomos. El primer volumen salió en 2004 y el último lo hizo en 2010, publicados por la editorial independiente de Estados Unidos Oni Press.

En el cómic, se narra la historia de Scott Pilgrim, un joven que tratará de conquistar a una chica llamada Ramona Flowers. Aunque parte como una comedia romántica, a lo largo de toda la obra se presentan múltiples referencias a la cultura popular como videojuegos, música o cómics entre otros aspectos.

Para no perder mi estilo, vamos a hacer un poco de contexto. Y es que tenemos que irnos de un lado totalmente opuesto, ya que para entender Scott Pilgrim, tenemos que entender el término "fanservice".

Según la Wikipedia, no esta bien definido, pero es un terminajo que usan los fans del manga, anime y otras cosas, para definir elementos superfluos que tienen por objeto, divertir al espectador o hacer un crítica un tanto velada a otras obras.

Hoy en día, el fanservice abunda por doquier. Las parodias o los homenajes, pese a ser definidos así, en realidad son fanservice. El objetivo es mostrar un montón de referencias, cliches o comentarios ya vistos en obras conocidas por los fans o frikies. Aquí tenemos a ejemplos recientes como Pacific Rim. 

El detalle es que el fanservice en nuestros días ya ha alcanzado una tonalidad de historia, cuando antes era meramente un recurso del creador de una obra para divertir, enganchar o solamente pasar un rato mientras ibamos a lo bueno. Ahora todo mundo "hace" historias que te rechutan este recurso hasta por los poros. Falta ver a Lucky Star, una serie de anime que parodea hasta morir grandes éxitos, pero con un nulo argumento y personajes, aunque carismáticos, realmente vacíos a nivel personalidad.

Parece que la famosa falta de creatividad se ha venido comiendo a la gente y hoy en día, solo vemos refritos, fritangas y conexos así similares del fanservice, con el único propósito de venderte algo y que lo compres a lo bruto. Ya bien lo decía mi esposa: no sabemos ser consumidores.

Por eso, cuando sale una obra que pretende tomar elementos prestados u homenajearlos (según), hay que tener cuidado, porque si te van a meter eso, sin nada de historia o personajes, solo caemos en el prospecto de zombies consumidores y ya.

Sin embargo, pese a que Scott Pilgrim es una serie que usa el fanservice a morir, el manejo de los charas, una historia congruente y unos momentos cómicos únicos, es lo que le salva de tanta basura que vemos hoy en día. 

Argumento: Scott, nuestro protagonista, es un veinteañero, oriundo de Toronto, Canadá (igual que su creador). Literalmente sería un "nini", ya que no estudia ni trabaja y solo se dedica a cantar y rockear en la banda de sus amigos, "Sex Bob-omb". Vive en un cuarto alquilado por su mejor amigo (y gay), Wallace Wells y recientemente se ha hecho "novio" de una adolescente asiática llamada Knives Chau. 

Pero cuando conoce a Ramona Flowers, no solo corta con Knives, sino comienza una relación con esta chica. El problema es que para tener el "amor" de Ramona, debe derrotar a los Siete Ex-Novios Malvados de la susodicha. Claro, la pelea no significa solo echarse un verbo o unos cuantos..ejem, golpes, sino literalmente partirle la mandarina en gajos al Ex en cuestión y que aparte, tiene superpoderes. 

Para cuando ví esto en la película, estaba brincando en el asiento. La historia es la fantasía de cualquier otaku o freak (sí, ataques, psicoquinesis, espadas, dragones de energía), que conoce a la chica guapa y que aparte de hacerte caso, debes lidiar con los famosos Ex de la comentada. Claro, sabes que tu "novia" aun sigue loca por esos tipos y que no solo debes lidiar con su carisma, sino también con dinero o chance pegue o inclusive empuje sexual. En fin, para rematar, la chica tiene un tornillo suelto y tú también lo tienes, porque otra personal racional y en sus cinco sentidos, se dejaría de tanta idiotez y mejor buscaría un prospecto menos difícil. 

Aquí es donde la historia creada por Bryan Lee O´Malley alcanza niveles de genialidad. Pero ¿Quien es este hombre?

Autor: para empezar, Lee O´Malley también es canadiense. Mitad coreano, mitad franco-canadiense, comenzo estudiando en la universidad, pero la dejo para dedicarse a dibujar (buen chico). Su primer trabajo, Lost at Sea, en la editorial independiente Oni Press, le permitió lanzar el que sería su mayor éxito hasta la fecha: Scott Pilgrim, en el 2004. Finalizo la historia en el 2010, y su penúltimo tomo, Scott Pilgrim vs. The Universe,  le aseguro el premio Eisner, que se consideran los Óscares de la industria del cómic. 

En su vida personal, había estado casado con la caricaturista Hope Larson y la cual le mandaba muchas dedicatorias en los últimos tomos. Lamentablemente, hace un año, la pareja se separo. 

Ya viendo su trabajo en Lost at Sea, uno sabe para donde tiran las neuronas de Lee O´Malley. Para empezar, Scott Pilgrim es una novela de autosuperación. El autor refleja esa difícil, pero amena situación que tiene toda persona cuando esta supuestamente enamorada y a la vez, no ha cerrado todos los círculos posibles. 

Y es que Scott se refleja aparentemente como un joven que vive al día, esta contento y que sabe lo que quiere. Pero en cada enfrentamiento con un "ex" malvado, no solo repasa su vida amorosa previa, sino también la actual y como las decisiones que ha tomado, lo han ido orillando a tomar rumbos poco gratos. 

Para empezar, no lo niego, Scott es un cobarde de primera. Aun cuando es capaz de cortar a Knives para estar con Ramona, allí rapidamente ves la salud mental de alguien, cuando estas brincando de una relación a otra. 

Por suerte, lejos de usar el terrible y aburrido discurso de "es que yo era..." muy usado y diluido en películas románticas, aca nos vamos a flashbacks bastante instructivos. Vemos la vida amorosa de Scott y como el atarantado mete la pata con Kim, su mejor amiga y baterista de la banda y luego con Envy, la típica novia que resulta ser el cocol de todo hombre en su vida. Para luego ver que la relación con ambas no se ha cerrado de manera adecuada y por eso, Scott sigue metiendo la pata, porque no solo tiene miedo de seguir fallando, sino también eso le permite no sentirse culpable ni malo consigo mismo.

Dejando de lado los superpoderes, las escenas de acción, los dialogos chuscos, todos sacados de montón de animes, mangas, cómics y videojuegos (contando la vida extra, eso fue genial) vemos no solo la transición de Scott para una madurez emocional, sino también como esto afecta a los demás personajes. 

Parece que el autor usa sus propias experiencias o el famoso "canon" que todos pasamos. Digo, yo plenamente me sentía identificado con Scott en algunas escenas y no podía dejar de darme palmadas en la frente, ante la sonrisa irónica de mi esposa. 

Aunque aquí el término del camino del héroe puede ser equivocado, podría ser el camino de todo "joven" que le gusta una chica. Claro, omitiendo que uno viva con un chico gay y tenga una banda (sin ofender a nadie).

Curiosamente, pese al protagonismo de Pilgrim, los demás personajes destacan y mucho. Si algo se criticaba a la película, era que Ramona solo tenía el atractivo y ya (y como no, encarnada por la guapísima Mary Elizabeth Winstead), porque en la novela, su forma de ser es explorada de manera mucho más profunda y hasta entiendes sus reacciones. 

Y es que las mujeres también tienen sus bemoles emocionales. Aca Ramona los expresa de manera contundente. Y no solo ella, sino también las decisiones de Kim, Envy y Knives, que representan algunos espectros bastante interesantes. 

Pero mientras las mujeres son bastante profundas, los hombres...bueno, son un pelotazo. Lejos de Wallace, que llega a ser la voz de la razón en el cómic, el resto son solo de adorno y para divertir. Inclusive, los famosos "ex" malvados son en realidad estereotipos muy definidos. Y aunque le duela a Sam, también incluiría a Gideon Graves, que es puesto como el villano máximo, el jefe final que todo protagonista deba defender. No niego su carisma y sus comentarios de chico malo, peeeero, solo sirven para refozar más que el héroe y protagonista sigue siendo Pilgrim.

Por cierto, no hemos hablado de la cantidad de tomos que hay y su disponibilidad.

Volúmenes: A continuación pongo los seis tomos que integran la obra. Debo decir que mantengo los títulos en inglés, porque de plano, los de habla castellano, son...bueno, no encajan. Sigue siendo cool leer en inglés, pese a todo.

    Scott Pilgrim's Precious Little Life
    Scott Pilgrim vs. The World
    Scott Pilgrim & The Infinite Sadness
    Scott Pilgrim Gets It Together
    Scott Pilgrim vs. The Universe
    Scott Pilgrim's Finest Hour 

Por cierto, en México ya se pueden conseguir desde hace un par de años. Previamente editados en España por Best Sellers, son los mismos que venden por acá y tienen un precio entre 150 a 200 pesos, cada tomo. La ventaja de la edición que me trajo Sam (y que es calca de la habla inglesa), es que te lo venden en un pack, claro, con un poster con todos los charas. Así que saquen cuentas.

En resumidas cuentas, Scott Pilgrim es una novela gráfica de obligada lectura. No quise enfocarme en los detalles técnicos, como las referencias a otras obras (el fanservice pues), porque son incontables y aparte, uno debe verlas por sí mismo. Y aunque con ellas, uno tenga suficiente, los personajes, pero sobre todo la historia y el desarrollo de la misma son formidables. Ciertamente el tomo cinco, el cual le hizo ganar el Eisner al autor es potente, por su trama tan dramática, el seis fue mi favorito,  porque aparte de acción, también resoluciona muchas cosas de una manera contundente. El dialogo que se avientan Graves y Pilgrim en el duelo final por Ramona y como esta igual mete su cuchara, es lo que todo noviete quisiera para con su pareja.

Como dato personal, Pilgrim me pareció un personaje aborrecible. Sí, pese a su carisma, era idiota y obtuso. Pero bueno, tal vez me pego en las costillas, porque me sentí identificado con él. Digo, lo que te molesta, es porque te toca, eso es inegable. 

Como dato curioso, mi esposa le encantaron los cómics. Mientras soy un desastre leyendo y me la pasaba brincando de un tomo a otro, ella se agarro del primer volúmen y le dedico un día entero. Luego así con el segundo y el tercero, hasta terminar la colección. No me dijo que le pareció, pero verla sonreír con algunas escenas, carcajearse con otras y poner un gesto ceñudo con algunas, es prueba irrefutable de que le encanto. Digo, a diferencia mía, no es una freak ni una otaku. Eso es una prueba de que esta novela gráfica puede encantar a quien sea, aun pese a las reiteradas y divertidas referencias a otros universos, poco convencionales.

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Saludos a mi mujer ^_^, a Sam y a quienes gustan de este novelas gráficas.

La gran aventura Lego y el Crimen del Cacaro Gumaro: vivimos de la pura parodia

No tengo nada de perdón. Estas películas las ví hace más de dos meses, pero nuevamente por las razones del viejo trabajo y de mis depresiones al estilo Woody Allen, no había podido hablar apropiadamente de ellas. Ambas me hicieron carcajear de lo bien y bonito. El detalle es que mi esposa si la paso un tanto aburrida o fastidiada. Es cuando pienso que mi humor es sumamente simple y que en el fondo, pese a mi neurosis, sigo siendo un chamaco en toda la regla.

No niego que una es una joya encubierta y la otra, una mugre cualquiera, donde inclusive veo a Andrés Bustamante bien desaprovechado, pero no importa. Ambas me hicieron reírme hasta la saciedad y aparte quitaron un poco de amargura a mi alma por un par de horas.


-La gran película de Lego

Un hombre común llamado Emmet (Chris Pratt) es confundido como el "Especial", el único que puede salvar el universo. Con la ayuda del viejo místico Vitruvius (Morgan Freeman), una joven dura llamada Lucy (Elizabeth Banks) y Batman (Will Arnett), un héroe que se enfrenta constantemente al crímen, Emmet deberá luchar para derrotar al malvado tirano Lord Business (Will Ferrell), que está empeñado en destruir el universo con el pagamento.

 El universo "Lego" jamás ha sido uno de mis gustos importantes. Reconozco que de repente quise tener uno que otro juguete para armar y ya. Inclusive cuando salió la colección Starwars con estas simpáticas piezas, mis ojos se iban hacia los diferentes vehículos que salían al respecto. Pero la cosa allí terminaba.

Por ello cuando anunciaron la película basada en el universo Lego, tampoco es que me halla emocionado al respecto. Hasta en su momento pensé en dejarla por la paz. Pero cuando ví el trailer de la susodicha en el cine, me pareció simpática, así que allí me tienen arrastrando a mi pobre mujer, hace unos cuantos meses, al cine más cercano.

Debo decir que salí con una sonrisa en la boca y carcajeandome durante la función. Y es que tenía ese punto exacto de nivel de parodia y de profundidad que toda peli de niños debe tener hoy en día.

• Historia: Lógico, el tópico principal que agarran de "eje" del filme es el camino del héroe. Emmet vive en el mundo Lego, que es un mundo predecible, normal y hasta aburrido, donde debido a los continuos coco-wash que se le hace a la población, debes ser "feliz", si haces lo que te dicen y te indican. Cosa que Emmet cumple sin problemas. Sin embargo, pese a supuestamente estar adaptado al mundo, Emmet en realidad desea ser apreciado y querido, lo cual en un momento lo orilla a salirse de la rutina y meterse con ciertos personajes (Lucy), que forman parte de una resistencia que esta en contra del villano de turno y que tienen la peculiaridad de ser maestros constructores. Es decir, tienen un poder que les permite crear materiales con el entorno. Emmet, con la pieza maestra "pegada" a sus espaldas, comienza a desafiar el mundo y sus propios preceptos, para ser el Elegido que los maestros constructores esperan. 
•   Con esta primicia, tenemos algo predecible: el héroe aparece, despierta, se entrena y luego evoluciona. Pero la forma en que lo contaron, con chistes, situaciones cómicas, a veces dramáticas y con unos dialogos de puntada, fue lo que me hizo entretenerme como enano. Cierto, tiene los deux machina de siempre, pero no importa. Te entretiene, te mantiene pegado al asiento y no pierde ritmo, incusive permitiendo una interacción sabrosa y amena entre los personajes, al grado que le agarras cariño a algunos charas, como Benny.
• Personajes: Aunque en una película de animación, no se ve la actuación (salvo el doblaje, el cual tocaremos más adelante), aca nos enfocamos en el diseño de los personajes. Emmet me resulto buen chara, predecible y tal vez por eso caía en carisma frente a la coprotagonista, Lucy, e inclusive ante secundarios como Benny, que cuando aparecían, daban de que hablar. Tampoco podemos ser tan objetivos, porque muchos secundarios eran copias de originales como Gandalf, Superman, Linterna Verde, Mujer Maravilla, etc. etc. En cuanto al villano, al principio me pareció predecible y hasta insulso, pero el final que tiene, me parecio bastante adecuado. Por cierto, el cameo de Batman, como el "novio" de Lucy, fue estupendo, ya que era el chara amargado y cínico que le daba cierto toque al filme. Curiosamente, aun el personaje de Kitty me parecio bueno, más cuando se vuelve loco, jejeje. El único que si me parecio chafa, fue el de Policia Bueno/Malo, que me parecio un malo muy soso y con poco empaque.
• Aspectos técnicos y visuales: No hay mucho que hablar aquí, ya que la animación y el diseño no eran cosa del otro mundo, pero me parecieron bastante adecuados, al adornar inclusive las explosiones al estilo Lego. Lleno de puntadas y de guiños a todo tipo de películas.
•  Música: jajaja, en Twitter escuche que "Todo es increíble", era mejor que las canciones de Frozen y efectivamente, lo pegajosa de la rola te hace pensar eso. Hasta daría razón de porque los personajes de la ciudad de Lego estaban todo atarantados, ya que la canción pega y con tubo, digo con todo.
• Acción: La película era bastante buena, las batallas espectaculares y la pelea final, de lujo. Mis respetos.
• Doblaje: La parte fuerte de la película. Aunque tenemos a Karla Falcón como Lucy y el gran Pepe Toño Macías como Emmet, los secundarios fueron los que realmente brillaron. José Lavat como el guía, Sergio Gutiérrez Coto como Batman y la mayoría de las voces que salieron, repetían estelares previos, como Arturo Mercado Jr. haciendo a Linterna Verde o Gerardo Reyero a Han solo. De lujo.

En conclusión, La gran película de Lego fue la primera buena película de este año y me divirtió muchísimo. Obviamente sigue siendo para niños y si te metes en asuntos más complejos, si la cosa se pierde. Pero para reírte con lo básico y encontrar el montón de referencias, vale muchísimo la pena. Personalmente me la pase muy bien, aunque mi esposa no tanto (supongo que el "Axis" del Camino del héroe la termino fastidiando).
Como sea, es altamente recomendable y por algo se convirtió en la segunda película más taquillera de lo que va del año (claro, falta ver a los demás estrenos que se vienen en camino).


-El Crimen del cagaro Gumaro

Película mexicana de 2014 llevada a la pantalla por Alameda Films y distribuida por 20th Century Fox; dirigida por Emilio Portes, producida por Daniel Birman Ripstein y escrita por Armando Vega Gil y Andrés Bustamante, marcando igualmente el debut de éste último en el cine. Se trata de una parodia a diversas películas mexicanas tanto modernas como antiguas, teniendo cameos de varios artistas como Carmen Salinas, Freddy Ortega, Germán Ortega, Jorge Rivero, Xavier López "Chabelo", José María Torre y Víctor Trujillo con su personaje de Brozo, por mencionar algunos.

A diferencia de Lego que me llego de golpe, cuando vi los primeros anuncios de esta película de Andrés Bustamante, ya estaba diciendole a mi pobre mujer que iríamos a verla. Y es que ver las producciones del gran Guiri-Guiri no es en balde. El tipo sabe como hacer comedia y de la buena, así que cuando salio a principios de marzo, allí arrastre a mi incondicional esposa al cine, aunque ella ya me había comentado que podría salir algo mal.

Y vaya que las cosas se desmadraron, pero por suerte, para bien. Y es que Andrés Bustamante se decanto por el humor grosero, irreverente y malo que abunda hoy en México. Sin embargo, el exceso de referencias y comentarios a otras películas y situaciones, así los chistes tributos a videos virales del "Tubo", aminoraron eso, al grado que me la pase ríendo a mandíbula batiente por espacio de dos horas.

• Historia: San Andrés Güépez es el tipico pueblecillo mexicano que vive bajo un presidente corrupto interpretado por Andrés Bustamante. Como todo lugar que se precie, tiene un cine rural, que esta administrado por un viejecillo (actuado por el Polivoz que continua vivo) que luego de un accidente, decide heredar el cine a sus dos hijos. Debido al lío al momento de morir, Gumaro, el menor, se queda con el cine, mientras su hermano mayor trata de quitarle el lugar como sea, vendiendo piratería frente al mismo. El choque entre ambos "hermanitos", dará una de las tramas más jocosas, pero irreverentes que he visto en mucho tiempo.
•  La historia no tiene nada. Es sencillamente verse pelear hasta la muerte (literalmente) a Gumaro y a su hermano, por el control del cine, sino también por ver quien fastidia a quien. Y es que en medio de la batalla, se mezclan todo tipo de personajes, desde la novia del hermano mayor, interpretada por una irreconocible Ana de la Reguera, hasta la aparición de mutantes zombies y palomitas radioactivas. Digo, había tanta tontería, tanta irreverencia, tanta estupidez...que literalmente me partía de la risa. Aquí demuestro mi estupidez y mis continuos coco-washes, al grado que los chistes pirateados de los virales del Tubo y de tantas situaciones harta conocidas por el mexicano promedio, me sacaban mínimo una sonrisa pa´arriba. Sin embargo, lo considero el peor recurso que pudo haber usado Andrés Bustamante. Cierto que muchos de sus papeles son improvisaciones o inclusive copias de algo visto, pero acá se fue al extremo y solamente vimos un colectivo de chistes harto conocidos por todos. Es como ver mi "Fanfic Wars" en una película y si resulta nefasto, cuando Bustamante tiene talento de donde sacar ideas. En fin, la historia es de esas que apago el cerebro y me dejo llevar.
• Personajes: No hay actuaciones, solo chistes. Por eso de eso no hablamos o nos morimos. Ni siquiera Bustamante se salva, ya que solo es un chiste su personaje y su interpretación. Curiosamente, los que brillan son los estelares que aparecen como cameos, sea Chabelo, Brozo, etc. etc. que le adosan un adorable y divertido "aquí estoy bola de idiotas". Más basura, pero que gusta. Por cierto, el gordito que era nieto del dueño original, una botana andando. Yo por mí, lo adoptaba al condenado.
• Aspectos técnicos y visuales: Comedia a lo Dr. Chunga. Léase, si uno ha visto los programas del Guiri-Guiri, verá las improvisaciones de material y de efectos especiales chafas y de mala calidad. Pero si ya estamos viendo cine tipo B, ya de perdidos, al menos resultaban graciosos y fosforescentes. Lo de los zombies, no tuvo m...digo perdón.
•  Música: ¿Qué música?
• Acción: De la buena. Se ven decapitaciones, muertes, explosiones, persecuciones, balazos, zombies, armas nucleares (¡Nuclares Jacobo!) y hasta rayos de exterminio masivo. Inclusive un robot Chabelo. Con eso lo digo todo.
• Curiosidades: No terminaría nunca de nombrarlas. Los cameos son múltiples, de todo tipo y color. Hay que verla para captarlos, al menos dos veces. Por cierto, la parodia a los festivales de cine de arte, fue memorable. Con ganas de ponersela a alguien que conozco, jaja.

En conclusión, el Crimen del Cacaro Gumaro es una peli malita, pero bien malita. Pero si te gusta lo retorcido, lo cómico y lo improvisado, es tu película. A mi me encanto y hasta tuve ganas de verla una vez más. Sin embargo, para un público más normal, más inteligente, más certero, como mi esposa, saldrás fastidiado y hasta aburrido. Pero como soy un alien en muchos casos, entonces doy la opinión "buena" del filme. ¿Recomendable? Bueeeno, depende del gusto.

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Saludos a mi mujer, que le doy las gracias por aguantarme en tales irreverencias. Gracias princesa, así quienes más se toman la molestia de leer este blog.

Sailor Mercury: Ami Mizuno y el amor de los fans.

Hablar de Sailor Mercury, es...complicado. Aunque había tenido un buen ritmo comentando sobre el resto de las Sailor Seishi, siempre quise retrasar el momento de llegar con este personaje. Y aunque hoy en día, mi favorita es Sailor Jupiter, Mercury siempre va a tener un lugar en mi corazón.

Es como si hablarás de aquella primera novia que tuviste y que aunque ya dejaste atrás, hablar de tu "primera", tiene una mezcla de melancolía y de alegría. Sonará exagerado, más porque es un personaje animado, que no tiene vida, pero para mis años adolescentes, cuando me toco ver Sailor Moon, Mercury venía a encarnar la entonces fantasía que tenía de cualquier chica.

Claro, envejeces, vas madurando (según), pero en el profundo del inconciente, siempre hay un rastro de aquellos días, momentos o personas que marcaron una parte importante de tu vida. No es que halla fantaseado hasta el hartazgo con la chica inteligente de la serie, pero este personaje me ligó con otras personas que formaron parte de aquella extraña, pero divertida juventud.

Tal es el impacto de este chara, que romperé un poco mi molde sobre tocar un tema y en lugar de empezar con la experiencia personal y luego irse a algo más sistematizado, aquí será al revés.

Ami Mizuno (水野 亜美 Mizuno Ami?, "Amy" en los doblajes ingleses y latinos) alias Sailor Mercury (セーラーマーキュリー Sērā Mākyurī?, a veces traducido como "Guerrero Mercurio"), es un personaje de la serie de manga y anime Sailor Moon. Sailor Mercury es miembro del grupo de Sailor Senshi del Sistema Solar Interno que protegen a Sailor Moon desde los tiempos del Reino de la Luna hasta el presente.

Ami Mizuno es una es una estudiante destacada y muy inteligente que asiste a la misma escuela que la protagonista de la serie, Usagi Tsukino (quien fue conocida como "Bunny" en la traducción de España y "Serena" en la versión para Latinoamérica). Usagi, quien ya había empezado a adoptar la identidad alterna como la guerrera Sailor Moon, descubre que Ami tiene el poder de transformarse en otra guerrera justiciera, Sailor Mercury. Eventualmente se descubre que la razón por la que Ami puede transformarse de esta forma es porque ella es en realidad la reencarnación de Sailor Mercury, una guerrera del tipo Sailor Senshi que provenía del planeta Mercurio y protegía a la princesa de un reino llamado el Milenio de Plata en su vida pasada.


Cuando Sailor Moon apareció en la primavera de 1996 en México, un servidor ya tenía un leve antecedente de esta serie. A finales de 1995, Club Nintendo tuvo una leve inclinación hacia el manga y anime. Primeramente publicaron en parte el manga de Street Fighter de Editorial Tokuma y luego comenzaron a hablar de videojuegos de anime, como Dragon Ball Z (inclusive, una portada estuvo dedicada a este videojuego, que parecía querer traerse a México, cuando el viejo Dragon Ball apenas descollaba). Sin embargo, luego de un año, la revista decidió cortar estos temas por lo sano y centrarse nuevamente en los videojuegos.

Pero antes de que esto pasará, se dedicaron a hablar sobre varios videojuegos de tipo anime que tenían posibilidades de salir en el mercado. Entre ellos, el Sailor Moon Stars. Allí pusieron una imagen de todas las Seishi.

Por ello, cuando apareció Sailor Moon, tenía una idea de que Usagi (Serena), no sería una heroína solitaria, sino tendría compañeras (aparte, el mugre opening también te lo mostraba en todo su esplendor). El detalle era ver, ¿Cuando saldrían todas?

Y luego de una tanda de 8 episodios, le toco a la primera aparecer y sería ni más ni menos que Sailor Mercury.

Ami Mizuno, conocida como Amy en Latinoamérica, es una estudiante destacada de la secundaria Juuban. Sin embargo, como es una alumna sumamente inteligente, el bullying no puede estar ausente y sus compañeros la miran como alguien distante y presumida. Usagi parece caer en esos prejuicios, pero cuando ve a Ami jugar con Luna (que sospecha algo sobrenatural en la joven), Usagi se da cuenta de sus buenos sentimientos y comienza a convivir con ella.

Pero Luna sigue sospechando y cuando van a ver a Ami en su escuela vespertina (en Japón, el nivel educativo es tan estricto que los alumnos destacados inclusive van a escuelas que complementan los estudios normales) donde se sospecha que estan siendo atacados varios alumnos, es cuando Luna descubre el poder de Mercurio en el interior de la joven. Allí, con la típica volterera, saca la pluma correspondiente, animando a Ami a convertirse en una Sailor Seishi.

Aquí ya vemos el poder básico de la joven, que consiste en utilizar el elemento del Agua para sus necesidades. Siendo el primer ataque, Burbujas de Mercurio, que serían una neblina tan intensa que desconcierta al enemigo. Aunque Mercury parece más una Seishi defensiva, llegando a agregarsele inclusive una computadora y un visor para ayudar en sus deducciones, luego se revela con un poder bastante elevado, con ataques como la Rapsodia Acuática de Mercurio o Fulgor del Agua de Mercurio.

Ami se va destacando como el cerebro del equipo, como la persona analítica, tranquila, que es capaz de mediar entre sus compañeras y amigas, así dando las puntadas de tímidez, de inocencia y de sonrojos (ja) contrastando rapidamente con la impulsividad de Usagi, el carácter de Rei, la fortaleza de Makoto y la lócura de Minako.

Pero también llega a representar un par de estereotipos: es la tipica chica Nadeshiko, es decir, diligente, tranquila, cumplidora, amable, dulce y sensible, así con una inteligencia abrumadora, como de la chica solitaria que va ganando confianza en compañía de sus amigas y que poco a poco va equilibrando su vida de manera sana, al interesarse, no solo en salir y comer dulces con sus amigas, sino también en fijarse ya en los chicos e inclusive tener puntadas con comentarios fuera de lugar (en especial en Sailor Moon Stars).

En la primera temporada, su aparición llega a ser tan potente que inclusive su "muerte" en la batalla final contra Metalia, fue bastante impactante. 

Aunque en Sailor Moon R y Sailor Moon S, su participación llega a ser menor comparada a la primera temporada, los episodios que van dedicados a ella, son bastante complejos, mucho más que el de sus compañeras, como cuando esta indecisa sobre su personalidad y se siente atacada por todos o cuando vuelve a encontrarse con un amigo que esta enamorado de ella.

Pero cuando le toca realmente brillar es en Sailor Moon SS, donde su participación fue en aumento y los episodios donde es protagonista, son emotivos y a la vez divertidos. En especial el episodio 151 de toda la saga, donde se dan datos sobre su madre y en especial sobre su padre.

Lamentablemente, un defecto que se vio en la serie fue que los personajes los fueron emparejando con rivales y secundarios que eran parecidos o más adoc a ellos, lo cual le quitaba un poco del desarrollo al personaje en cuestión. De allí que Mercury paso a estar un tanto desaprovechada y veíamos los mismos leimotivs una y otra vez.

Como dato curioso, la voz original de Mercury fue dada por la seiyuu Aya Hisawaka, que tiene una larguísima trayectoria y que es capaz de dar tonalidades a personajes muy tiernos o sumamente fuertes. En México, el papel recayo sobre la carismática Rossy Aguirre, que con su voz, enamoro a cuanto hombre escuchaba a esta chica.

Y es que aquí vamos a la parte emotiva: Ami fue mi personaje favorito por muchos años. Técnicamente fue el primer chara femenino que me llamo la atención, al grado que si podía, coleccionaba imagenes, tarjetas o cualquier cosa de la susodicha. A tal punto llegue, que en un momento pensé en comprarme una figurilla de la misma, aunque no soy fan de esas cosas.

¿El motivo? Es lógico. Ami es el prototipo de toda chica que desea un chico: guapa, inteligente, dulce, amable, sincera y con una inocencia impactante. Aparte, el diseño del personaje, desde el pelo corto y el tipo de "azul" (uno de mis colores favoritos), me llamaban poderosamente la atención. Para remate, la preciosa voz de Rossy Aguirre le daba un punch magistral.

Y no soy el único que pensaba eso. Técnicamente los amigos que tenía entonces, sea en la vida real o en la red, pensaban lo mismo. Ami llego a ser el modelo a seguir de la chica ideal. Por un rato, la busqueda de novia era casi buscar un clon de la susodicha. Aparte, eran divertidos los agarrones que tenía con el viejo camarada Eagle, sobre quien se quedaría con ella, al menos a nivel de fanfics. Solo falta ver que el protagonista de mi fanfic, "Hunters", se queda con la susodicha. De remate, Ami quería estudiar medicina y yo andaba en las mismas. Puro amor.

Sin embargo, luego de tener mi primera novia, las cosas como que fueron cambiando y el gusto que tenía por Ami fue diluyendose, al grado que mis preferencias cambiaron y también mi furor. Creo que eso se llama madurar o sencillamente despertarse y ver que no puedes ser un freak para toda la vida (aunque técnicamente, aun lo sigo siendo). Ami paso a ser mi segunda Seishi favorita, luego de Makoto y finalmente hasta la tercera por momentos, rivalizando con Minako.

No niego aun mi gusto por este tipo de personajes, basta ver que mi chara preferido de Naruto es Hinata y es casi una calca de la misma Ami. Sin embargo, creo que también se debio este cambio al poco provecho que pudo sacarle Naoko Takeuchi a un personaje que tenía muchísimo potencial. Una lástima.

Aun así, a la fecha, Ami sigue siendo un chara que me gusta mucho. No entrará en mi Top 10, pero allí sigue, marcando una época de mi vida donde las cosas, tal vez eran no solo fáciles, sino diferentes.

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Saludos a mi Makoto xD, así a quienes gustan de este tipo de personajes. Por cierto, ya en julio, sale la nueva "serie" de Sailor Moon. A ver que pasa.

Anime muy muy pero muy retrasado: Gundam Build Fighters, Hanasaku Iroha y Ginga e Kickoff!

La otra vez mi comadre me comentaba su sorpresa por chutarme una gran cantidad de series de anime en el poco rato que tengo. Claro, si a esas vamos, también me sorprende que ella se vea una importante dotación de películas asiáticas y de terror, así anexos y conexos.

Como sea, su comentario me motivo a regresar a ver las series que tenía allí enlatadas desde hace un bueeen tiempo. Por suerte, al menos dos de las tres susodichas que vamos a hablar a continuación resultaron ser una revelación en todos sentidos, mientras la otra...meh. Al menos estuvo pasable.

Y bueno, comparado con el poco "kilometraje" que las actuales series, lo añejo siempre tiene impacto y de que manera.

-Ginga e Kickoff!

La historia sigue a un muchacho que ve como el equipo donde entrena y juega se ve obligado a disolverse por faIta de jugadores. Sin embargo, después de que el chico conozca a una jugadora de fútbol profesional, esta le ayudará a volver a reflotar su antiguo equipo y volver a poder disfrutar por su pasión por el deporte rey.

En su momento hable maravillas de esta serie y es que Ginga e Kickoff! Prometía y muchísimo. Lejos de otros animes donde el protagonista es una especie de superdotado, sea física o mentalmente, acá teníamos a un chico que gustaba mucho del soccer, pero no tenía el menor talento para ello. Es en base a su tenacidad es cuando comienza a entrenarse y desarrollar ciertas habilidades, pero siempre rodeado de un montón de secundarios con mucho más talento y algunos traumas por delante.

Por ende, el desarrollo del anime había sido bastante bueno, donde no solo veíamos el ensamblaje de los Depredadores, sino también su paso por el torneo local para llegar a la Copa Galaxia, que se jugaría en Barcelona, España.

Para cuando hice la primera crítica, estábamos justo en la mitad del torneo local y se veía, no solo unos juegos impresionantes, sino también un desarrollo de personajes adecuado.

Pero como cual maldición gitana, los episodios que siguieron, fueron decayendo de calidad casi hasta niveles paupérrimos, hasta el partido final, que mis respetos, recobro un poco el impulso de la serie. Sin embargo, como tenía otros animes en puerta, fue cuando realice la primera parada. Y es que tenía miedo de que la cosa se volviera a desmadrar. 

Este parón duro unos cuantos meses, a lo cual reinicie viendo todo el partido final, que me pareció bastante bueno. Sin embargo, cuando quise seguir a las preliminares de la Copa Galaxia, los siguientes dos episodios literalmente me pararon la serie por segunda vez y esta vez la cosa duro todo un año completo. Parte esto y parte que el proveedor donde descargaba tal anime parece que también se harto de la serie y la dejo en "stand by" de manera indefinida. Bien debí hacerle caso, ya que la ubique en otro lado y no tarde en tener la serie completa.

Pero cada vez que trataba de verla, me dolían los ojos y el alma. Diálogos trillados, el carisma de los charas se había ido al garete y para colmo, el formato de la Copa era una improvisación total. Parece que el producto se les salió de las manos a la productora, TYO Animations, y lo de la Copa Galaxia fue un agregado que tuvo poco o nulo éxito.

Cierto, los dos últimos episodios tienen un "agregado", donde vemos la personificación de muchos jugadores de futbol famosos, como Messi, Cristiano Ronaldo, Sergio Ramos, Iker Casillas, Wayne Rooney, etc. etc. pero su aparición y forma de llevarlos también fue medio malita. 

En fin, que Ginga e Kickoff!! Vino de más a menos y de una manera estrepitosa. Había comenzado como una serie de futbol diferente, novedosa, con gran punch, pero se cayó dramáticamente. Y era una lastima, porque mostraba una diferencia con otras series del mismo deporte. 

Solo recomendaría los primeros 30 episodios a lo sumo y eso apenas, porque otro factor que termino golpeando al anime fue el cambio de juego, ya que en la preliminar a la Copa Galaxia, se sacaron de la manga que podían mover a 8 jugadores, no los 11 originales. Creo que fue un intento de remarcar a los principales, pero el carisma de los otros tres que terminaron excluidos, era potente. En fin, como serie de futbol tenía un concepto interesante, lástima que la cosa se frego. 

-Hanasaku Iroha

Hanasaku Iroha se centra en Ohana Matsumae, una adolescente muy alegre de 16 años que vive en Tokio. Su madre se ve obligada a huir con su novio debido a unas deudas, y ella deja a Ohana al cuidado de su madre, con quien no se habla. Ohana llega al pueblo de su abuela y descubre que ella es la propietaria de una pensión de baños termales de la era Taishō llamada "Kissuisō".

Ohana empieza a trabajar en la posada, obligada por su abuela, donde conoce a los diversos trabajadores y huéspedes. Al principio no se lleva bien con algunos de ellos, porque su optimismo no les gusta a sus compañeros. Ella decide cambiar y mejorar las relaciones para poder madurar y hacerse mayor.

Una de las series que deje estancadas por un laaaaaargo tiempo. Literalmente un parón de dos años y todo por la dinámica del arco intermedio. Pero vamos a explayarnos al respecto.

Hanasaku Iroha era parte de la temporada de primavera del 2011. Debido a sucesos personales, tenía ya cinco episodios en mis manos, pero no la vi hasta junio de aquel año. Nuevamente, por situaciones fuera de mi control, apenas me vi los primeros 9 capítulos con resultados mixtos.

La serie empieza bien, donde tenemos a Ohana, una chica de prepa que vive las viscicitudes de ser adolescente. Debido a que ha tenido una vida relativamente fácil, aprovecha problemas económicos con su madre para según ir al Onsen que regenta su abuela materna. Pero lejos de ser un lugar de vacaciones y relajación, como ella espera, comienza a ser empleada del lugar. Obviamente, la convivencia, el trabajo y las situaciones que se dan, comienzan a cambiar su forma de ver la vida, lo cual origina un simpático drama adosado con comedia (y chicas guapas).

El detalle es como decía el desarrollo de la historia. Comienza bien y luego al capítulo 4-7, tiene arranques de genialidad, donde se va contando los traumas de cada personaje que integra el Hotel Kissuisou. Tenemos desde la típica chica Tsundere que gusta del ayudante del cocinero, hasta el subgerente de la posada que tiene una relación bastante curiosa con la promotora de ventas de la misma.

Pero la cosa se empantana del episodio 9 hasta el 14. Y de que manera. Técnicamente solté cada mentado bostezo, porque había episodios que bien pudieron comprimirse en uno solo y no pasaba nada. Estaba a punto de mandar a volar la serie, pero el capítulo cuando conocemos la relación entre la madre de Ohana y su abuela, es estupendo y sembró un precedente muy importante.

Lamentablemente volvimos a caer en capítulos muy sosos, al grado que llegando al episodio 16, le dí un parón casi definitivo (por alrededor de dos años, como bien dije atrás).

Sin embargo, con el comentario de mi comadre, le volví a dar una visitada a la serie y vaya sorpresa que me lleve. A partir del capítulo 18, la cosa se levanta y de que manera. Sonará lógico, ya que debido a la historia, los desenlaces suelen ser bastante potentes, pero con tanta decepción, lógico que tuviera mis dudas. Como sea, el anime vive sus mejores años con este último tercio, donde vemos el destino del Hotel Kissuisou y todos sus ocupantes. Me pareció genial el final, porque aunque pueda ser abierto, tampoco lo es tanto y nos muestra un corte definitivo. 

Particularmente me la pase genial con la resolución de cada personaje y sus motivaciones interiores. Pero en especial con el desarrollo de los personajes, en particular del principal: Ohana. Ella se vuelve el motor de la serie y aunque pueda ser un chara con personalidad de chorlito, en realidad sus motivaciones son las que sirven de catalizador a los demás. 

Tal vez el único problema es que algunas tramas se soltaron de golpe, sin más preámbulos, lo cual me saco de onda por momentos (como el casamiento de Enishi). Sin embargo, la velocidad que no vimos en el resto de la serie, aquí se vio y bastante bien.

Y creo que ese fue un detalle: tal vez no hubiera durado para 26 episodios, sino solo para 14, máximo 15, si hubieran comprimido tantas cosas. Pero bueno, igual el timming era así.

Como sea, Hanasaku Iroha es una serie bastante recomendable, aunque por momentos semilenta, por lo cual, es bueno verla de poco a poco y no de jalón.

-Gundam Build Fighters.

La historia gira en torno a Sei Iori, un estudiante y joven modelador de GunPla. Sei sueña con convertirse en el mejor Luchador Gunpla del torneo y ser tan bueno como su padre. Es hijo unico y su familia es dueña de una tienda de Gunpla. Sei tiene un gran talento para contruir modelos Gunpla, sin embargo sus pobres habilidades para pelear le han llevado a una serie de derrotas. Un buen dia, Sei conoce a un extrano Muchacho llamado Reiji, el cual le brinda su ayuda. Reiji le da una joya, prometiendole que va a acudir en ayuda de Sei en cualquier momento si este lo desea. Juntos entraran al torneo Gunpla y competiran utilizando el gunpla Personalizado de Sei: el Gundam GAT-X105B Build Strike.

La serie que menos tarde en ponerme al día, pero que me pareció la más potente de las tres. Aunque este anime inició a mediados del año pasado, no pude mantenerle la continuidad en su momento debido a que tiene un inicio un tanto promedio, hasta diría bajo: Sei es un modelista de Gunpla, una serie de modelos armables de Gundam, muy populares en Japón. La tecnología ha llegado a tal nivel que el modelaje va unido a batallas con estos mismos juguetes. Sin embargo, Sei es malo con ganas y aunque es un buen modelista, sus habilidades en batalla son mediocres. Pero cuando conoce a Reiji, un extraño pero habilidoso jugador, es cuando tiene la oportunidad de pelear en el Torneo Mundial y ser el mejor.

Este anime es literalmente un fanservice para todo fan de Gundam: las referencias estan por doquier y es tal vez era su punto más fuerte.

El problema es que para un visor común y corriente, la cosa es aburrida y tediosona, al menos los primeros 5 a 7 episodios: Sei es freak, Reiji es como Naruto, hay un rival formidable en turno, la chica enamorada del prota, las continuas y reiteradas referencias a todo el universo del Gundamio. Si uno lo pone así, la cosa no ofrecía nada fuera de lo común.

Por ello, la deje en parón, al menos 4 meses, aun cuando casi tenía todos los episodios en la PC.

Sin embargo, decidí darle un chance estas semanas y oh sorpresa, pero que OH, SORPRESA me lleve. Cuando comienza el torneo mundial, no solo la cantidad de nuevos y carismáticos personajes hace una diferencia, sino también las batallas que se vuelven estupendas y también los Power Ups de cada Gundam. 

Aparte, un detalle que me encanto fue que comenzaron a crearle "parejitas" a cada chara masculino importante de la serie y no solo con cualquier dama, sino con chicas que también tenían bastante carisma (y atractivo visual). Ya para el episodio 20, estaba enganchado, al grado que me chute 5 episodios en un día. Para remate, la batalla final, fue...épica. Casi como si viera el último capítulo de cada serie Gundam que he visto en los últimos años. Es la típica batalla de "todos contra todos". Literalmente estaba brincando en el asiento y es que se sacaron una batalla así de la manga de manera formidable.

El problema es que si eres análitico, la serie tiene muchos agujeros argumentales, muchas cosas Deux Machina que justifican el poner algo aquí y alla. Por ello, es bueno apagar un tanto la cerebro y dejarte llevar por las batallas y el modelaje de robots (al grado que si un día puedo, me comprare y armare un Gunpla jeje).

En resumidas cuentas, Gundam Build Fighers es una serie obligada para todo fan de este universo. Sin embargo, para el resto les parecera un poco sosa y hasta por momentos infantil. Sin embargo, fuera de esto, tiene esos detalles adultos y bien compactos de toda serie Gundam, como el pasado de Alia, la personalidad de Sei y el frikismo de algunos charas, como Mao o Fellini.

Como dije, recomendable y por mucho, la mejor que vi en este último mes. Por cierto, me resultara curioso, pero Alia me pareció un personaje femenino entrañable. 

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Saludos a mi propia Alia ^_^, así a quienes gustan de este tipo de series.

Super Metroid: Samus Aran contrataca

Al hablar de este juegazo, es cuando saco mi mayor debilidad como videogamer y es que soy flojo, pero con ganas.
La mayoría de los videojugadores, no solo de mi generación, sino los que siguieron, siempre se han destacado por su tenacidad y su cabeza para enfrentar laberintos y problemas que tienen por delante. Inclusive mi hermano, que tiende a ser un poco más perezoso que yo, era de estar horas y horas frente a la pantalla, tratando de superar el escollo que tenía enfrente.
Mientras que un servidor optaba por estar unas cuantas horas y luego de un rato, arrojar el control a un lado e irme a hacer otra cosa. Por ello me la pasaba jugando en compañía de mi bro, ya que ambos nos turnabamos un juego y ver quien lo terminaba pasando. Poco egoísta y el triunfo aparte correspondía a ambos.

Por estas razones, cuando mi hermano consiguió el juego de Super Metroid en su momento, estuve reticente a jugarlo. Era un juego complejo, lleno de laberintos y aparte tenías que conseguir "points" para adquirir armas o utensilios que podrían ayudarte en el camino. Todo un reverendo y complicado chiste.
Pero ver a mi hermano enfrentarse a la reina Metroid en el último confrontamiento, lo que me animo a jugarlo. Al principio, este me dejaba pelear con la reina, pero me decía "es mejor cuando terminas todo el proceso". Lógico, le termine haciendo caso y así me adentré en uno de los mejores juegos que he tenido el placer de ver. Fue gracias a Super Metroid que le termine agarrando gusto a este tipo de juegos complicados y me sirvió de compuerta a los RPG, entre ellos, Super Mario RPG y claro, la saga de los Final Fantasy.

Super Metroid es un videojuego concebido en 1994, el tercero en la serie de Metroid. Fue desarrollado por el equipo R&D1 de Nintendo para la consola Super Nes. Con un cartucho de 24 megabits, fue en su tiempo el juego más grande disponible para esta consola.

Super Metroid es un juego de plataformas en 2D con elementos de acción y aventura. La progresión del juego gira alrededor de la recolección secuencial de objetos que permiten que Samus (la protagonista del juego) supere obstáculos para tener acceso a nuevas partes de los escenarios. El mundo tiene una abundancia de elementos y características no lineales y contiene una gran cantidad de áreas ocultas, haciendo de la exploración un concepto central. Incluye elementos totalmente nuevos, como el mapa, la historia, el diseño de personajes y los artefactos para ayudar en la travesía.

Como nuevo arsenal, se tiene a disposición un Gancho (Grapple Beam), un rayo cargable (Charge Beam), un visor de Rayos-X y una infinidad de aparatos más, los cuales serán de suma importancia en el transcurso de la misión. Otra cosa que se agregó, es la integración de un mapa, este facilita más la travesía, ya que ahora se puede ver por dónde se ha explorado. Las armas secretas también se hicieron distinguir, ya que se agregaron alrededor de 10 armas no comunes.


La primera vez que oí de Super Metroid fue gracias a la famosa serie de televisión de dibujos animados, titulada Captain N: The Game Master. Allí sacaban a Madre Cerebro, la villana principal, y que servía de la líder de los malos en turno. Sin embargo, la mención entre Madre Cerebro y Metroid de manera alternada me confundió bastante y termine por relacionarlos de manera indistinta.

Y es que la cultura del videojuego entonces no era tan fuerte en México. Solo los que tenían acceso económico a las consolas, conocían al dedillo charas como Simon Belmont, Kid Icarus o Megaman. Por ello, cuando comencé a adentrarme en estas sagas, me resulto un choque de conceptos harto fuerte. Megaman lo tenía por un simpático barrigon que disparaba rayos y hablaba extraño, mientras en los videojuegos era altamente carismático y tenía una historia distinta. Ni se diga Belmont, que era un todo cazador de vampiros y no un pelele egocéntrico.

Pero el choque más fuerte estuvo con Metroid, al grado que mi hermano paso varias horas explicandome que era eso y que diferencias había con Madre Cerebro. Para shock, resulta que el protagonista de la saga no era un hombre, sino una chica. Y que inclusive existía un truco en el juego del NES para sacar a Samus en traje de baño. Toda una revelación, ya que era el primer chara femenino principal en una saga de videojuegos. Sin embargo, parece que tal truco se lo sacaron de la chistera de último minuto, ya que si uno lee el instructivo que venía, se hablaba de Samus como si fuese un hombre. Para colmo de remates, el diseño tampoco pareció el definitivo, ya que pese a ser una mujer atlética y bastante atractiva, fue hasta la versión del SNES, cuando Samus paso de ser pelirroja a rubia.

Pero el trasfondo de Samus tiene harta historia: resulta que Yoshio Sakamoto, uno de los co-diseñadores del juego, se inspiró en Kim Bassinger para diseñar a la protagonista y tomo el apellido del gran Pelé (Edson Arantes) para ella. Ni se diga que la atmósfera del juego es muy similar a la película de Ridley Scott, Alien. 

Como sea, aun con este concepto, Metroid se me antojaba un juego difícil, lleno de laberintos y de enemigos bastante poderosos. Con mi flojera, lo deje de un lado, hasta que paso ya lo mencionado con mi hermano.

En cambio, lo que paso con Metroid en Nintendo fue harto curioso. Aunque los últimos 10 años, hemos tenido juegos de esta saga a montón, en sus primeros 10 años, apenas salieron tres videojuegos: el de NES, el de Gameboy y el de SNES. Todos enfocados en la mencionada Samus Aran, como una caza-recompensas, que fue adoptada por una raza alienígena llamada Chozo, luego del asesinato de sus padres por unos piratas espaciales, comandados por la llamada Madre Cerebro.

Luego de ser criada y perfeccionada genética por los Chozo, Samus comenzó sirviendo a la Federación Galáctica, pero los dejo para convertirse en una bounty hunter de alto nivel. Sin embargo, aun continuaba trabajando para dicha Federación para cumplir trabajos peligrosos. Entre ellos, destruir a ciertas criaturas llamadas Metroids, una suerte de parásitos capaces de consumir la energía de los seres vivos. Por lo tanto, el objetivo de los primeros dos juegos fue que Samus tenía que destruir a los Metroids, ya que eran utilizados como armas biológicas por los piratas espaciales y la mismísima Madre Cerebro.

Pero el argumento para este tercer juego, la cosa cambió y de manera radical. Resulta que luego del exterminio y derrota de Madre Cerebro, Samus estaba por terminar su misión, cuando encontró un chibi-Metroid en un rincón. Al principio penso en matarlo, pero este se encariño con Samus y parecía seguirla como un niño a su madre. Samus se compadeció de él y lo llevo a una estación de investigación para que fuese criado y cuidado de buenas maneras.

Sin embargo, algo ataco la estación espacial y Samus acude al sitio, donde los científicos han muerto. Allí ve que el pequeño Metroid es raptado por una enorme criatura alienígena, por lo cual, tiene que salir pirando hacia el planeta Zebes, donde cree que estarán los piratas y la cría Metroid.

Con toda esta historia, debo decir que este videojuego fue de los mejorcitos que jugue en su momento y sin olvidar que Super Metroid fue el juego más grande para el SNES para aquellos años.
Todo esto justificado por el grafiquismo increíble del videojuego, la amplitud de los mapas y el diseño de los enemigos y escenarios. Ni se diga la movilidad, que aunque por momentos me parecía extraña, era bastante acertada para un personaje como Samus.

Creo decir que este videojuego me enseño a tener paciencia. Ya que a diferencia de otros que había jugado, este tenías que tener un cierto "timming" para hacer las cosas. No solo era disparar, saltar o correr, sino también moverte en ciertos lugares o saber llegar a un punto en base a astucia y estrategia. Aunque la guia de la Club Nintendo que salió entonces fue de mucha ayuda, otros tantos secretos los sacamos por nuestra propia cuenta e inclusive mi hermano se dio el lujo de diseñar un mapa dibujado de su propia mano, para salir avantes de alguna escena.

Aparte de que me encanto Super Metroid, también renovo mi interés en la maltrecha SNES, ya que esta comenzaba a quedar fuera del escenario con la próxima salida del Nintendo 64. Y es que lo tenía todo: desde un excelente nivel de dificultad hasta un diseño que te gustaba, que si resulta algo tétrico (y más en la noche, ya que la música y la oscuridad si te llegaban a asustar a esas horas), pero con ese toque que era perfecto. Aparte, la cantidad de armas que podías incorporar a la buena de Samus era divertido, ya que igual me la pasaba disparando esas a lo que veía, pero claro, con el inconveniente que tenías que cuidar tu munición.

Como dato curioso, el enfrentamiento final con la Madre Cerebro es la onda, ya que pesé a no tener dialogos, tiene un drama sumamente efectivo. Le terminas agarrando cariño al Metroid cría.

En fin, Super Metroid es de esos juegos que debes probar. Es divertido, ameno y con un reto interesante, diferente al promedio de los "Scroll" clásicos. Aun cuando uno no tenga una consola SNES o un cartucho, los emuladores allí estan y con toda su fidelidad posible.

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Saludos a mi Samus :3, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos.

Noah: cuando intentas cruzar cine biblíco con algo de polémica.

Hollywood se reinventa constantemente...solo para demostrar que esta de capa caída y que producciones provenientes de otros países se lo estan tragando de manera dura y concisa. Digo, falta ver los ganadores de los últimos años y no son las típicas superproducciones que nos tenía acostumbrados la dichosa meca del cine. La última, habrá sido el Señor de los Anillos y para colmo de remate, con un reparto lleno de actores ingleses y con una producción neozelandesa bien afilada.

De allí, el resto de las pelis ganadoras tiene un aire a cine de arte o extranjero (para que veas Sam que si tengo aprecio por esa parte del cine), claro, con dinero gringo y con actores del mismo calado. Claro, si las comparamos contra películas extranjeras, se quedan mochas y no solo por el hecho de ahorrar un buen billete, sino por la calidad de sus interpretes.

Pero ante tal embiste, Hollywood comienza a "refritar" todo lo que ve o tratar de revivir viejas corrientes, con directores de la nueva "ola" o con agregados meramente personales. Gladiador fue un buen ejemplo de ello hace unos ayeres, pero no fue suficiente para revivir el género peplum. Ahora, quieren revivir el género biblíco y sinceramente, les volvió a salir el tiro por la culata.

Sí, hablamos de esa película de Aronofsky que ya se estreno hace más de un mes y que causó cierta polémica en los países árabes, por retratar el mito de Noah de forma distinta. Recordemos que los árabes, judíos y cristianos comparten un mismo "origen", ya que Noah es un antecesor de Abraham que se considera el padre de los judíos y musulmanes.

Como sea, la polémica allí estuvo y lamentablemente, Aronofsky parece que trato de retratar lo que vivió con el Cisne Negro aquí...sin tener el mismo resultado.

Noé (Noah en inglés) es el título de una película estadounidense épica basada en el Antiguo Testamento. Es dirigida por el cineasta Darren Aronofsky, escrita por Aronofsky y Ari Handel, y basada libremente en la historia bíblica del Arca de Noé del libro del Génesis. Protagonizada por un reparto coral en la cual participan Russell Crowe, Anthony Hopkins, Jennifer Connelly, Douglas Booth, Logan Lerman, Emma Watson y Ray Winstone. Fue estrenada el 28 de marzo de 2014.

Curiosamente, cuando se estreno el trailer de "Noah" el año pasado, la que estuvo más emocionadísima por verlo fue mi mujer. Digo, por su forma de ser y su cultura en estos casos, quería ver como retrataban actualmente uno de los más grandes mitos de la humanidad (y que curiosamente se reproduce en otras culturas de manera constante).

Sin embargo, una semana antes de que apareciera la película en los cines mexicanos, estuve leyendo varias críticas al respecto y por suerte, esas me salvaron, porque me bajaron un tanto las expectativas que tenía. Digo, tener a Russel Crowe, Anthony Hopkins y Jennifer Connelly era símbolo de buenas actuaciones (y falta ver si ese mito de que Crowe no se baño en un mes para emular a Noé es cierto), pero con un guión y una dirección recaída en el ganador de un Óscar como Darren Aronofsky iba a ganar más punch.

Pero parece que el mencionado director cayo en esa maldición que ya había comentado con la entrada de Crichton, donde una buena puntada parece marcar muchos trabajos posteriores. Y es que quiso darle un aire de controversia, de profundidad...pero claro, cuando te metes con la Biblia, o tratas de modificar su historia para tu conveniencia, la cosa no jala tan bien.

Aclaro, no hablo desde un aspecto religioso, sino más técnico. Para quien se ha chutado los diferentes libros que conforman esta obra, verá que son bastante amenos y sobre todo, tienen una coherencia de argumento y de personajes redonda. No hablo de las incongruencias morales o éticas que hay entre uno y otro, porque allí no acabamos, sino me refiero al aspecto puramente literario. Digo, es genial ver a Sansón cargarse a muchos filisteos luego de que le mochan la melena o cuando el hijo de Tobías se encuentra a Rafael y como este le ayuda a conseguir novia y nada menos que una que sin querer mata a cuanto prometido tiene a sus pies. Son estupendas historias y que aparte tienen su moralina muy diluida. Por eso cuando tratas de modificar algunos pasajes, no sé, es como si fregaras la historia y todo lo demás.

Partiendo de este punto, vamos a hacer un análisis crítico de la peli a como lo he estado haciendo estos meses.

•     Historia: Como decía, el punto más débil, polémico y poco aprovechado. Aronofsky reproduce el mito de Noah, pero desde su propia perspectiva. Lo cual me pareció un error garrafal, ya que como comentaba, la historia biblíca de Noé me parece perfecta como esta. Claro, puedes agregar cosas o hacer uso de metáforas, pero modificar el relato es arriesgarte a que la cosa no pegue...y pues no pego. Cierto que hay cierta similitud entre lo que hizo Noé con su hijo Caan, que lo que paso con este, pero solo eso. Ya que modificas todo el condenado contexto de que tiene la sangre de Caín y eso, solamente sirvió para refrendar la idea pesimista de la cual empieza Noé y termina con una renovación de esperanza. Y es que es el ideal del mito: esperanza. Acá la trama de la peli esta llena de tristeza, de la poca fe que no solo tienen los propios humanos, incluido el prota, en sí mismos y en relación con los demás. Curiosamente, la inclusión de los Ángeles a muchos les choco, pero a mi me parecieron estupendos. No solo por como los representaron, sino también el final que tuvieron. Lamentablemente, luego de que se "van", la cosa se cae dramáticamente, al grado que mi quisiera la buena actuación de Crowe puede mantener la peli. Se supone el final es harto dramático, pero se pierde que los climax sirven para alterar el orden o que todo caiga o suba por su propio peso. Pero como Aronofsky mantiene una línea baja continua, ya cuando ves la "batalla" final, no tiene chiste. Para entonces yo ya estaba medio aburrido y fastidiado. Ni que decir mi esposa que estaba molesta y un tanto desilucionada. Digo, la entendía. Ella es mucho más religiosa que yo, pero no de gratis y ver que una de sus historias favoritas, la estaban torciendo de una mala poco convincente, le pego fuerte. Extrañamente, la peli pudo haber quedado muy bien, pero otra cosa que fallo fueron los "timming". Si la redención de Noé hubiera llegado antes, la cosa habría jalado y de que forma. No niego que Aronofsky se leyo varias obras, como el dichoso libro de Enoc, donde se menciona a los Ángeles caídos (Vigilantes), pero siento que solo tomo un hecho y luego pensó "esto entraría bien".
•     Actuación: Hmmm, diria que estuvieron bien todos, pero no es cierto. Y no solo por el diseño de los personajes, que si estuvo muy desnivelado, sino también por las actuaciones. Como mencione los actores previos, Hopkins a Connelly, incluyendo a Crowe, estuvieron bastante convincentes. Crowe si nos pone a un Noah atormentado, decepcionado, adolorido con harto punch. Inclusive las villanias de Ray Winston me agradaron, peeeeero de allí todos se caen, inclusive Emma Watson que sigue haciendo gestos a la Hermione. Para remate, quien hace a Cam, quien se supone debía ser el contrapeso, no me convenció en la mayor parte de la película. Muy sobreactuado, al grado que me recordaba a Hayden Christensen de Starwars.
•     Aspectos técnicos y visuales:Ah, otra cosa que se torció a medias. Me gusto mucho el diseño de un mundo pre-apocalíptico y aunque nuevamente se quejaron de los Ángeles, a mi me encantaron. Digo, estaban hechos como si fuese en Stop-motion, pero eso fue su encanto. Aparte, la representación del arca también estuvo bien. El bendito problema fueron los animales. En una entrevista, Aronofsky dijo que prefirió animales digitales, porque los de verdad costaba trabajo domarlos. Cosa más cierta, pero el CGI se veía tan evidente, que casi podría ver la cuadrícula de los animales. Se evidencio en especial con los mamíferos. Cosa lamentable.
•     Música: Ah, estuvo 2 de 3 aquí. Clint Mansell no hace gran cosa, pero los momentos dramáticos estan bien. Nada fuera de lo común.
•     Acción:Lo normalito. Aunque eso sí, me choco que Noé pudiera matar, cuando al principio de la peli lo ponen como descendiente de Seth, que supuestamente fue el tercer hijo que tuvieron Adan y Eva para remediar la caída de Abel. No sé, no me cuadro.
•     Doblaje: El doblaje en México me gusto...pero otra vez a secas. Se repitieron voces, como la de Leyla Rangel a Emma Watson o que Cesar Arías doblase a Hopkins, inclusive Jesse Conde como uno de los Ángeles caídos. el problema vino con el protagonista. Cierto que Andrés Gutiérrez Coto logra una tonalidad muy parecida a la voz rasposa de Crowe, pero no me pegaba. No me gusto. Y es que me paso como cuando este gran actor hizo a Vegeta. Cuando fuerza su voz, no suena bien. En cambio, usando su voz natural, como en Thor o Rush, pega y de maravillas.
•     Curiosidades: desde el desnudo de "nachas" de Crowe hasta el hecho de ver que la Emma Watson le dio un rato de calentura luego de que Matusalén le cura de la esterilidad. Digo, el film estuvo lleno de cosas raras y extrañas. Sin comentarios.

En fin, "Noah" es un producto mediano, con mediana calidad. Todo mediano. No tiene esos tintes de grandeza y no por la polémica, sino por la historia un tanto extraña y distorsionada, sino también por los personajes mal diseñados. No voy a compararla con el Cisne Negro, porque en una es una obra original, la otra una adaptación. Y lamentablemente, ahora este buen director no pudo adaptar de buenas maneras un relato que por sí solo, ya tiene mucho impacto.

Lo que más me gusto, fueron los Ángeles caídos. Repito, no solo por su diseño, sino su historia, sino también por como murieron. Lastima que lo demás no tuvo ese mismo impacto.

¿Recomendable? bueee...si quieres ver algo más, esta bien. Pero así para cambiar la vida, neeh.

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Saludos a mi esposa ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.