Iron man 3: la tecnología disminuye, la psicología aumenta

Este fin de semana estuvo bastante pesadito. Por no decir una palabra más fuerte. Mi esposa y un servidor estuvimos a punto de no ver la pelicula, tanto por ironias del destino, como por estupideces mías.

Felizmente llegamos al cine, pero entre que estaba abarrotada la función, apenas alcanzamos unos sitios que no acostumbramos, pero que curiosamente, resultaron perfectos por su visibilidad y tranquilidad.
Parecía que todo iba a salir bien y que la peli, que inicia la fase 2 de los Vengadores, iba a ser la cereza en el pastel.

Pero bueno, la cereza no resulto tan jugosa y solo sirvio de remate para un dia desangelado. Digo, no es que sea mala, pero yo esperaba un poco más.



Iron Man 3 es una película estadounidense de superhéroes presentando al superhéroe Iron Man, de Marvel Comics, producida por Marvel Studios y distribuida por Walt Disney Pictures. Es la secuela de Iron Man (2008) y Iron Man 2 (2010), y es la primera película con la que se dió inicio a la segunda fase del Universo Cinematográfico de Marvel, siendo el primer gran estreno de la franquicia después de The Avengers (2012) que fue la sexta y última película de la primera fase del ya mencionado universo cinematográfico.
Shane Black fue requerido para dirigir un guión escrito por él mismo y Drew Pearce, el cual está basado en la historia Extremis de Warren Ellis. Jon Favreau, quien dirigió las dos primeras películas, sirvió como productor ejecutivo junto con Kevin Feige. Robert Downey Jr. repite su papel como Tony Stark, con Gwyneth Paltrow y Don Cheadle repitiendo sus papeles como Pepper Potts y James Rhodes, respectivamente.
El reparto cuenta con las incorporaciones de los actores Rebecca Hall, Ben Kingsley y Guy Pearce.



El fenómeno Ironman nacio ya hace 6 años, cuando Marvel anunciaba con bombo y platillo la contratación de Robert Downey Jr. como Tony Stark, aka el Hombre de Hierro, con Jon Favreau en los controles.

De antemano, Marvel se arriesgo en 3 puntos con esta decisión: Downey Jr. era famoso por su indisciplina y sus problemas extra-cámara, saliendo apenas de una rehabilitación mandada por su esposa. Por otro lado, Favreau había cosechado buenas críticas con sus anteriores pelis, pero no era un director de peso, mientras Marvel se hacía cargo del proyecto por sí misma, sin necesidad de venderle derechos a ninguna otra productora (como Sony, Fox, New Line Cinema, etc. etc.).

Y resulta que la jugada pego y bastante duro: Ironman fue un éxito inmediato y se convirtió en la punta de lanza de la llamada "fase 1" de los Avengers, donde siguió la peli de Hulk (versión Norton), que pese a no ser tan contundente como la de Tony Stark, cosecho criticas muy positivas con argumento sólido.De allí salió Thor y Capitan América, para rematar con el fenómeno Vengadores.

Pero previo a esto, salió la segunda parte de Iron man. Aunque fue un éxito de taquilla, a nivel técnico estuvo inferior a la primera. Las razones son varias, pero la que refería Favreau era diferencias creativas con Marvel: estos querían mucho dinero y querían una peli rapida. Favreau ya tenía ciertas ideas para este personaje que no cuadraban con el estudio, lo cual creo diferencias. El director hizo un producto rápido, donde el argumento era bastante endeble, basandose todo en el carisma de Downey Jr. para soportar la trama.

Debido a esto, Iron man 3 perdió al director original y trajo al novato Shane Black. Aun estaba Favreau en la producción, pero se nota que no fue lo mismo. Lo cual se reflejo en parte de esta pelicula.

Admito que esta entrada la escribí en dos partes. Ya luego de enfríar mi cabeza de ese domingo espantoso, me dí cuenta de que la peli no era tan mala como esperaba y que hay más cosas que analizar. Igual a futuro hare dos entradas sobre una pelicula: una cuando salga del cine y otra cuando ya tenga el DVD. Digo, ya han sido varias las ocasiones donde mi opinión va variando conforme pasa el tiempo (otro ejemplo es The Dark Knight Rises, que ví hace unos días en Blu-ray y me parecio aun mejor de lo que se veía en el cine).

En fin, vamos a lo bueno. SPOILERS, SPOILERS, SPOILERS.

Tony Stark es el millonario de siempre, lo tiene todo. Su empresa, sus armaduras, su novia.
Sin embargo, se nota que tiene una leve crisis de ansiedad, surgida del enfrentamiento que tuvo en Nueva York contra los Chtlauli y que luego de casi morirse, es lógico que estuviese un poco paranoico en su seguridad.
Es tal su inseguridad que no escucha a su antiguo guardaespaldas, Happy, que casi lo pierde en una explosión terrorista, provocada por un villano al estilo Osama: El Mandarín. Tony lanza un desafío descabellado a el Mandarín y claro, este destruye su casa. Tony en el afan de proteger a Pepper y una ex amante del pasado, ahora convertida en científica renombrada, casi muere en el enfrenamiento.
De aquí cae en Tenessese, donde debe buscar al culpable de las supuestas armas terroristas, mientras arrastra pateticamente al Mark 42, su última creación. La interacción entre él y la armadura resulta de lo más graciosa y lastimera, al grado que un niño le enseña que no siempre debe depender de sus juguetes para salir adelante. Luego Stark va a buscar al Mandarin para llevarse un par de sorpresas, teniendo una novia que literalmente se quema por dentro y su viejo amigo, Jim Rhodes que trata de cazar al Mandarin a bordo de War Machine.

Para quienes lean esta reseña, ignorando los spoilers, de antemano suena un tanto "jugoso" el argumento de esta tercera película.
Tenemos un guion mucho más solido que el de la segunda y aparte toca algo que se ha puesto de moda últimamente: la psicología del personaje.

Generalmente estamos acostumbrados a ver a los charas como personajes invencibles, tanto física como mentalmente. Sin embargo, como la entrada de "La broma asesina", también sabemos que son gente un tanto desequilibrada. Ya sea porque así entraron en el traje o porque salieron así.

Y Stark resulta ser lo segundo. Un tipo aparentemente seguro, que luego ver con horror que estuvo a punto de que se lo cargará el payaso y es lógico que este paranoico, que tenga miedo de que le pase algo. Y en este afán de protegerse a él y a los suyos, va cometiendo idiotez trás idiotez hasta que tiene que poner un alto a su ansiedad y vencer sus propios demonios. Es curioso como el guionista (que también Black metió mano), lo cuadra en un niño.

Seh, sonará medio extraño que un chamaco haga reaccionar a un adulto, pero no me extraña. En cualquier terapia, técnicamente debes contactar con ese "niño" interior que tienes para que vuelvas a ese estado elemental y sepas cuales son tus prioridades. El problema de ser adulto es que te enfrascas en tantas cosas, que dejas de lado lo básico, que curiosamente es lo que te ayuda a salir de problemas en muchas ocasiones.
Falta ver el simple pero ingenioso comentario del enano cuando Tony esta en pleno ataque de pánico y le dice "no tienes que preocuparte, solo recuerda que eres un arreglatodo, un mecánico, busca como protegerte".
Allí Tony recuerda quien es y rapidamente vence la ansiedad. Sonará raro y hasta extraño, pero a veces las epifanias vienen de esta manera.

Esto es el punto más fuerte de la película: el manejo de la mente de Tony y como va lideando con sus demonios, dandose cuenta que Ironman no es un ser aparte, sino que es él mismo. Que es el auténtico hombre de hierro.

Digo, esto en un encuadre más sabroso, habría pegado y tendríamos una pelicula de culto casi casi.

Peeeero, hay dos problemas: el dichoso encuadre esta muy superficial, mal hecho y para colmo, es una pésima transición de los fabulosos, pero superficiales Avengers, a la fase dos.

La maldición Avengers cayo fuerte sobre esta peli. Admítamoslo: uno esperaba acción a raudales, comentarios ingeniosos y acción rápida. Esta peli lo tiene, pero en pequeñas cantidades y muy racionadas. Así que cualquiera que vió la peli anterior, se sentirá defraudado con esta. Yo mismo estaba así, en los primeros 20 minutos y me costo un friego cambiarme el chip. Ya para cuando disfrutaba la pelicula, ya iba a la mitad y me había perdido ciertas exquisiteces del guión.
Tal vez hubiera funcionado si Ironman 3 hubiese sido pura acción y esta psicología la hubieramos mandado a Thor 2 o Captain America 2, pero entre querer darle profundidad a Ironman, como el acabose de contrato de Downey Jr., se arriesgaron a esto y debo decir que la pifiaron.

 Y es que pese a las críticas negativas, si la vieramos como una peli por si sola, sería bastante buena, pero no excelente.

Aquí viene el segundo punto: el encuadre.¿Y a que demonios se refiere esto? Tecnicamente, a todo lo que no tenía que ver con Tony Stark.
Pepper ya tiene cierto carisma, así Happy Hogan, pero no ver a nadie de SHIELD, así el resto de los personajes, incluido el propio Mandarín, resultaron ser bastante sencillos, superficiales, para una peli con una profundidad psicológica en el chara principal.

Y es que ni Guy Pearce o Sir Ben Kingsley logran cuadrar con sus charas. Digo, el Mandarin de Kingsley es fabuloso, no tanto por él mismo, sino la forma en que esta plasmado. Es una obra de arte y crítica feroz hacia las políticas antiterroristas.

Sin embargo, el tener un "segundo" villano atrás se ha vuelto una epidemia y sigue sin funcionar. Ya lo vimos con Miranda en TDK Rises y acá igual se van con Pearce, que resulta soso y con una motivación de la patada. Para colmo, es tan poco su punch, que la batalla final resulta ser bastante soso, pese a pelear con dos oponentes de gran nivel.

Hablando de charas malos, viene lo peor: War Machine. Esperaba más de Rhodes, pero el guion lo maltrata tanto y lo deja como un chara muy subestimado, que da pena ajena. No solo por su modo de actuar, sino de interactuar con los demás. Desaprovechado en todos sentidos (lo único novedoso es el cambio a Iron Patriot y ya).

Ahora, a título personal, lo que más me dolió fue la falta de acción efectiva: tenemos más de 30 armaduras diseñadas por Stark en su "retiro" a lo Hughes y aunque es estupendo cuando llegan al enfrentamiento final, casi no vemos de ellas, sino de lejitos, mientras pelean contra los esbirros de Pearce. Cierto que Tony usa algunas, pero demasiadas armaduras, poco tiempo de exposición.
Claro, contradice lo que decía de la genialidad de la psicología, pero un poco más no hubiera estado mal.

Aunque claro, la escena cuando Ironman va a rescatar a los de Air Force One, es fabulosa la forma en que lo resuelve. Digno de un genio.

Ya como conclusión, Ironman 3 me pareció una pelicula regular. No es tan malilla como su antecesora, pero rapidamente se queda corta de las otras pelis de los Avengers, incluyendo la de Hulk.
Como monográfico de Tony Stark es genial, pero tal vez ese fue el problema: se cargaron demasiado hacia el personaje principal y dejaron de potenciar las otras áreas. Tal vez hubiese quedado muy corto lo de Stark, pero por un poco más de acción o de profundidad en los otros charas, habría resultado un poco más efectivo, al menos a nivel crítica.
Y para colmo, la música de AC/DC no aparecio por ningun lado, mucho menos una digna banda OST, como la hecha por Ramin Djawadi. Así que tampoco ayudo mucho por ese lado.

En fin, me gusto, pero a secas. Fue divertidas, pero a secas. El punto fuerte psicológico es lo mejorcito que he visto en el universo Marvel, sin embargo, no cambia el impacto de la misma.

Aun así, es recomendable. Solo hago la observación de que cambien el chip de los Avengers y vayan a verla como un producto más de Ironman. Digo, igual era su intención, pero es sacar una mala jugada en un momento que podría haber demolido a los rivales (sep, como el "azuloso").

Lo mejor: la psicología
Lo peor: lo demás
Lo original: el manejo de la ansiedad de Stark xD.

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Saludos a mi princesa, que me invito el cine :3, así quienes gustan del Hombre de Hierro.

La broma asesina: otra genialidad de Alan Moore

Estos años me han servido para ponerme a "punto" con algunas cosas que  había dejado atrás. Es curioso como una vida "socialmente aceptable" termino por alejarme de muchos gustos que ahora tengo. No significa que no las tengo ambas ahora, pero vaya que uno se pierde de cómics, series y otros detalles por platicar con alguien más (xD).

Como sea, en estos dos últimos años, he comenzado a leer cómics que se consideran legendarios, una obra maestra. Ya había empezado un poco antes con V de Vendetta y Watchmen (cortesía de mi comadre), para luego irme por mi cuenta a otras historias.

Pero una que le tenía ya ganas, era precisamente esta "The Killing Joke", de la autoría de Alan Moore y el arte de Brian Bolland. Aquí se narraba uno de los supuestos origenes del villano favorito de Batman: El Guasón o Joker.

¿Pero porque supuesto? Bueno, vamos a hacer un poco de contexto y luego meternos en esta obra que es digna lectura para cualquier estudiante de la salud mental :3.


Batman: The Killing Joke (traducido al español: Batman: la broma macabra, La broma asesina, La broma mortal) es una novela gráfica publicada por la editorial estadounidense DC Comics en 1988, escrita por Alan Moore, dibujada por Brian Bolland y coloreada por John Higgins. La obra iba a ser publicada originalmente en 1987, pero su lanzamiento se retrasó un año por diversos problemas. La historia examina el trasfondo del villano conocido como Joker, muestra sus orígenes y su primer encuentro con Batman. También como es que decide atacar al jefe de policía de Gotham James Gordon y a su hija Barbara intentando que él se vuelva loco al ver fotografías de la joven y ensangrentada después de recibir un disparo a quema ropa que la dejaría paralítica para siempre.


Como Batman y el Guasón, también he tenido una dicotomía con la saga del hombre murciélago. Como buen chamaco de la TV ochentera, crecí con un concepto muy diferente al Batman que vemos ahora, y es que me toco ver la serie de los sesentas del encapotado. Ese concepto bien "camp", donde los personajes eran una caricatura en todo sentido y las situaciones tanto cómicas como absurdas estaban a la orden del día.

Y pues eso se me quedo bien impreso en la cabezota: Batman era un tipo serio, en un mundo bufonesco. Los villanos eran ridículos y sus aventuras aun peor.
Todo se confirmaba cuando pasaban las aventuras de los Superamigos, donde Batman seguía teniendo un papel parecido. Inclusive pensaba que Superman o Aquaman eran más "cool" que el encapotado.

Pero llego el año de 1989 y de repente tal concepto cambio bruscamente. No solo se atribuye a la salida de la peli de Tim Burton, donde ya veíamos un concepto mucho más "oscuro", aun pese a tener ciertas cosas extrañas, sino también coincidio con la salida de una saga poco conocida derivada de los "Superamigos" y era "Equipo de los Superpoderosos: Guardianes Galácticos".

Con la potente voz de Francisco Colmenero y con un reparto de voces en latino que eran estrellas entonces, estos 10 episodios, eran una "reconstrucción" estupenda, mucho más madura que la original. Y fue donde se comenzó a manejar al Batman más siniestro, ya que un enfrentamiento con el Espantapajaros, hacía despertar sus recuerdos del pasado.

Esto y la peli, me cambiaron totalmente la jugada. Yo veía a Batman como alguien cómico, pero esto volteo la balanza de tal manera que desde entonces, la oscuridad es un concepto ligado al hombre murciélago (y que la serie de 1992 termino por confirmar).

Curiosamente, lo que avanzo en esa corriente no fue tanto el protagonista, sino los mismos villanos. El Guasón fue de esos sujetos que comence a verlo como un demonio escondido en un payaso y que era capaz de poner a Batman en graves aprietos.

Un detalle que vino a confirmar esto, fue cuando a mediados de los noventas, en un puesto de revistas de la ciudad, leí sin querer, "Muerte en la Familia", donde el Guason le da en la torre a Jason Todd, el segundo Robin. Allí conocí de lo que era capaz este sujeto (eso y que al fin conoci la dureza de algunos cómics de entonces). Pero bueno, ya en otra entrada tratare de este tema.

Fue hasta principios de la década pasada cuando comence a empaparme de la psicología de Batman. Mi gusto por la psicología y psiquiatría estaba comenzando y los "origenes" de cada personaje que veía me parecían bastante interesantes.

Tuve una sorpresa con el encapotado. Para empezar, Bob Kane lo había diseñado como un detective, algo brusco, algo rudo, pero no adquirió su verdadero cariz hasta la serie de los sesentas, donde se le vio como un chara más bufonesco. Fue hasta finales de los ochentas, cuando el carácter y personalidad del personaje quedo más definido.

Y todo gracias a tres obras: El Regreso del Caballero Oscuro, Batman año Uno y La Broma Asesina.

Mientras las primeras dos, rediseñan el origen y el ocaso del personaje, así muestran ya aristas de su forma de ser, la tercera es una narrativa actual de la salud mental de Batman y de los villanos que enfrenta, en especial su contraparte.

Mucho se ha hablado de que el Guasón es la otra cara de la moneda de Batman y la obra de Alan Moore lo confirma con creces.
Este genial escritor británico ya había hecho maravillas con V y Watchmen. Ya siendo parte de DC Comics,  Moore había tenido una idea sobre Batman, y mostrar la psicología torcida de este personaje, en conjunto con el Juez Dredd. Sin embargo, se vió con las trabas que tenía DC, de mostrar personajes unidimensionales y generalmente bastante "buenazos" para no lastimar al público.
Pero Moore tuvo un apoyo fundamental en Bollard, un dibujante de gran talento, que le aconsejo que mejor manejara al Guasón y claro, en el editor de Batman, Dennis O´Neil, que ya se había propuesto "modernizar" al personaje.

Fue el mismo O´Neil que dio luz verde al proyecto, aun cuando involucraba el lisiamiento de Barbara Gordon. Sin embargo, aunque la historia estuvo lista, al menos se retraso un par de años, ya que coincidio su concepción y hechura con otros dos monstruos que entonces se gestaban: Batman Year One y The Return of the Dark Knight.

O´Neil aposto a retrasar la Broma Asesina y resulto ser un golpe mediático. Rapidamente cosecho críticas positivas y se ha convertido en una novela gráfica de culto. Solamente que como es típico, el mismo Moore critico su propia obra, ya que no sintió que tuviera el impacto debido, aun pese a usar casi los mismos arquetipicos que utilizo para Watchmen.

¿Y de que fregados trata esta obra? Vamos a darle una pequeña desmenuzada (alerta SPOILERS)

Batman va un día a darle la vuelta al Guasón al Manicomio Arkham. Esta un tanto preocupado por el costo de la vivienda, el clima y que un día ambos se terminen matando, cuando puede haber una solución al respecto. Claro, el Joker esta calladito, hasta que se descubre que no es él.
Más tarde, mientras Gordon y Barbara estan comiendo, el Guasón recien escapado del manicomio, llega a su casa, le dispara a la pelirroja y luego se lleva a Gordon, para meterlo en una montaña rusa de lócura (literalmente) al mostrarle fotos de su hija desnuda y baleada.
Batman llega al lugar, salva a Gordon y luego de darle una leve paliza al Guasón, todo termina con los dos riendose del destino que tienen.
Claro, todo intercalado con viñetas de como fue supuestamente el pasado del Joker, como adquirió su tono de color retro y como la lócura tomo el control de su vida.


Lo primero que el genial Alan Moore hace es darle una identidad psicólogica a los personajes. Volviendo a la referencia de Watchmen, Moore les quita ese adjetivo de superhéroes a los "buenos" y les da el mote de Vigilantes, es decir, no solo haciendolos como personajes comunes, corrientes y hasta corruptos, sino también con una personalidad torcida que los hace ser como son.

Y seamos lógicos. No podemos pensar en un héroe que este totalmente cuerdo. Hay que tener cierto trauma para hacer lo que hacemos. Solo pienso en mi carrera y para estar en ella, si hay que estar un poco dañado (jejeje).

Esa es la primera aportación de Moore y es que Batman es un personaje retorcido, que ponemos en punto de comparación con el Guasón, que igual que él, "tuvo un mal día" y que por eso, enloqueció (claro, el mismo Guasón nos supone que su vida conyugal puede ser un producto de su cabeza, tal como vemos en TDK, pero si denota que algo traumante le paso y por eso perdió la cordura).

Pero no hablemos de locura locura, como se conocería a la psicosis, sino "locura moral", que es la más fácil de perder.

Cuando somos nenes, se nos enseña que por cada acción, hay una contrarrespuesta. Eso en cierta manera alivia la ansiedad al sufrir alguna pérdida. "Si mamá se va, no hay que preocuparse, sabemos que volverá". También nos enseña a creer en la justicia, el perdón, el amor, como todas estas buenas "cosas" nos ayudan a salir adelante.
Pero es triste cuando te das cuenta de que la vida y las personas no somos así. Aunque a veces hagamos bien las cosas, no significa que SIEMPRE vamos a tener lo que merezcamos. Muchas ocasiones, por más que lo intentemos, todo saldrá mal. Y que por más que creamos, la persona que tenemos enfrente decidirá al final que hacer.

Y aquí se ejemplifica con el Guasón, que en su vida anterior, hace todo lo posible por ser un ciudadano recto, darle hogar a su esposa y su futuro hijo. Pero una CRUEL broma del destino, hace que los pierda. Para colmo, no solo a ellos, sino su propia credibilidad, su propia creencia en lo bueno y justo. Esto se muestra de manera genial en esa imagen cuando comienza a reír desquisiadamente y salen lágrimas de sangre. Eso indicaría "oh Dios, ya no tengo nada que perder, así que lo hare todo, pero a la vez el dolor por haber pérdido ese freno y que ya no habrá marcha atrás".

Eso es otro punto fuerte del cómic, y que se va magnificando con la parálisis de Barbara Gordon, que aunque dejo repercusiones posteriores en los cómics del hombre murciélago, se ve parca ante la "psicosis moral" del Guasón.

Y aquí va ligando a los dos puntos y es la mentalidad de Batman: el también tuvo un "mal día", pero en lugar de dejar que la lócura moral lo aplastará (que Nolan en Begins ejemplifica perfectamente cuando Bruce esta a punto de matar a Joe Chill), decide luchar contra ella, y encausar su dolor de una forma más subliminada.

Sin embargo, cuando Batman y el Guasón se ríen al final, demuestra que ambos estan igualmente chiflados, ambos son seres dolidos, que sufren y lloran por lo mismo, pero mientras uno ha elegido dejarse llevar, el otro constantemente lucha contra sí mismo para evitar caer en eso. De allí que sea el chiste recurrente del Guasón desde entonces: "Bueno, sabes que te estoy preparando un lugar aquí en el manicomio junto a mí". El mismo Joker sabe que Batman es su contraparte, su contracara y que espera un día se vuelva como él.

Pero claro, el Guasón quiere demostrar su teoría y aquí va un punto fuerte del cómic, que casi no se menciona y es la "fortaleza" de Gordon.
Si vemos que cualquier evento traumático te puede orillar a ponerte chiflado, Gordon lo desmiente, ya que es expuesto a una tortura psicológica y física horrible, pero aun se mantiene cuerdo hasta el final. Esto demuestra que no eres objeto de las mismas circunstancias y que puedes decidir tu destino. Una muerte o una mala jugada del destino no puede fregarte para toda la vida. Claro, para eso se necesita una fortaleza mental excepcional...o simple suerte.

Como sea, Moore ejemplifica al 100% lo torcido de los héroes y villanos. Los pone en igualdad y eso revoluciona lo que nos enseñan, donde aprendemos a ver la dicotomía de las cosas, cuando en realidad, a veces son lo mismo, solo con diferentes reflejos.

En fin, este es de los mejores cómics que me ha tocado leer. Alan Moore, con el estupendo arte de Bollard, en 48 páginas nos muestra la psicología de Batman en su esplendor. En particular, me dejo con un sabor agridulce, pero bastante intenso. Bastante recomendable, al menos para adentrarse en el universo del encapotado de Ciudad Gótica. De aquí, las cosas no volvieron a ser iguales para Batman y el Guasón.

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Saludos a mi princesa, así a quienes gustan de los buenos cómics :3.

Titanes del Pacífico: ¡Que demonios importa si es Evangelion!

Damas y Caballeros, con ustedes, el footage que se mostro en la Comic Con de San Diego y otras similares, de Pacific Rim (Titanes del Pacífico).

Para los fans de los mechas (y no solo de Evangelion) verán reminiscencias a Mazinger Z, Gundam, Power Rangers, etc. etc.

¡PERO QUE FREGADOS IMPORTA! Adoro el fanservice :3.

Saludos a mi princesa, que solo entorna los ojos xD, así quienes gustan de las BUENAS pelis fanservice x)

Oblivion: una mezcolanza con Tom Cruise incluido

El momento en que mi esposa y un servidor elegimos ver esta pelicula, fue tan atípico como el mismo filme.

La peli se estreno en México y Latinoamérica una semana antes que en EUA. Inclusive Tom Cruise fue a Argentina a promocionarla con gran bombo y platillo. Generalmente cuando pasa esto, es que uno huele a que la peli va a salir mala. Y es que pese a su superficialismo, los gringos son muy duros con algo que no les gusta y según lo visto en la taquilla y crítica, Oblivion no ha tenido tanto empuje en su tierra natal, sino más en el extranjero (y luego dicen que nosotros somos los que sabemos xD).

Como sea y pese a la peligrosa situación, fuimos a verla en un resquisio :3 y disfrutamos más la convivencia de pareja que la misma peli. No digo que Oblivion sea mala, es disfrutable, palomera, pero...bueno, para eso esta entrada.


Año 2077. Hace más de 60 años la Tierra fue atacada; se ganó la guerra, pero la mitad del planeta quedó destruido, y todos los seres humanos fueron evacuados. Jack Harper (Tom Cruise), un antiguo comandante astronauta, es uno de los últimos hombres que la habitan y Victoria (Andrea Riseborough) es su compañera, que le ayuda a través de una tecnología muy avanzada. Jack es un tecnico de Drones que forma parte de una operación masiva para extraer los recursos vitales del planeta. Patrulla diariamente los cielos como parte de su misión, y nada inusual sucede hasta que su vida da un cambio cuando rescata a una desconocida mujer de una nave espacial. La llegada de esta joven desencadena una serie de acontecimientos que lo obligan a cuestionar sus convicciones y lo hacen responsable del destino de la humanidad.


Reseñar esta pelicula es harto difícil, no porque tenga excesivos malos puntos, sino porque tampoco tiene puntos buenos y solo en los aspectos técnicos llega a ser estupenda. Pero vamos por partes.

Joseph Kosinski es el responsable casi total de esta peli. Ya había sido director de algunos comerciales de TV, había sido responsable de los efectos especiales en estos promos. Fue tal su "talento" que Disney lo uso como director de la ambivalente Tron Legacy. Y aunque el no estuvo a cargo del guion en esta pelicula, se nota su cierta "idiotez" (por no decir una palabra más fuerte) en el caso de la dirección.

Kosinski es una especie de "George Lucas", que es más especialista en poner a los actores en planos de primer nivel, pero cuando quieres que la historia arranque y se desarrolle, allí demuestra que le falta mucho talento.

Y Oblivion lo demuestra con creces.

Para empezar, tenemos una peli, cuya historia él fue el responsable. Se había creado una novela gráfica con estas ideas y se la vendio a Disney en un principio. Como es lógico, la productora del raton quería "minizar" algunas cosas y Kosinski no estuvo de acuerdo. Finalmente, Universal acepto el proyecto, siendo positivos con la historia escrita (y que más tarde, Arnd, el futuro guionista de Episodio VII rediseño).

¿Y que puedo decir de la historia? Tenemos a Jack Harper, una especie de "arreglatodo" que vive en una estación aérea en compañía de su pareja (en todos sentidos) llamada Victoria. Llevan una vida normal, reparando drones, una suerte de guardianes que protegen los pocos recursos naturales que le quedan a la Tierra luego de una devastadora guerra contra unos E.T. poco amigables.
Pero mientras Victoria es cuadrada con el programa, con tal de largarse a Titán, donde vive la humanidad, Jack no quiere salirse del planeta y en una de esas, conoce a una misteriosa chica, la cual aparece en sueños.

A primeras, si uno sabe de Sci-Fi, le sonará esta historia (coffmatrixcoff), y no se porque la Universal penso que la historia "era bonita". Sencillamente Kosinski tomo ese concepto del mundo en una botella y lo fue deformando en otros estereotipos. Mesmo arquetipo, mesma historia.

Y es predecible. Mi esposa que ha visto 1% de ciencia ficción, se sabía la hsitoria desde un principio. Y lo peor, es que la trama nunca arranca. Se nota que hay esos momentos emotivos, pero no termina de arrancar, tanto por los desenlaces ya predecibles como por los dialogos simplones (y esto mete miedo. Michael Arndt va volando para Starwars).

Pero lo peor del asunto, es el desarrollo o la velocidad, que eso depende más del director. La trama se vuelve lenta, es consistente, pero tiene muchos puntos muertos. Quitandolos, solo tendríamos una hora máximo de metraje.
Y lo peor es cuando Kosinski dirige a sus personajes. De lejos se nota la diferencia entre Cruise y los demás.

Aquí sabemos como se las gasta el famoso Tomás, que cuando son papeles donde es el héroe, se desenvuelve bastante bien (otra cosa sea su interpretación, que es malita, pero su carisma compensa eso). Y aquí se ve en su ambiente natural, siendo un astronauta y a la vez un reparador, sin perder la sonrisa de siempre.
Y luego tenemos a Victoria y a Julia. Dos mujeres bastante atractivas, pero que en la peli tienen nulo carisma. Victoria es un personaje plano, pero la actriz se ve tan a disgusto que llega uno a sentir pena por ella y Julia es demasiado seca. Pasa a ser la damisela en peligro, pese a tener momentos donde dice "yo puedo".

Pero lo inimaginable, es el papel de Morgan Freeman, que pese a su carisma, no logra despegar y pasa a ser un reducto básico de Morpheus. Para remate, los drones, pese a no hablar o hacer nada, son más carismáticos (en especial el 166, que es un hijo de su tal para cual).

Y esto es lo que destaco de la peli y del mismo director: el plano grafico.
Pese a hablar pestes, Oblivion nos trae un grafiquismo precioso, único. Ver los parajes desolados de una ciudad de Nueva York (donde se ubica generalmente la peli), son fabulosos. Eso y ver también la animación de los drones, las plataformas aéreas y del mismo espacio. Son llevadas a un punto bastante realista, creíble. Inclusive los escenarios que se pueden ver recreados en un set, no desmeritan a lo que se podría filmar exclusivamente con CGI.

 Esto adosado a una música, a cargo de M83, que es increíble. Simplemente el tema del inicio, es alucinante. No había escuchado tal música, desde que Rami Djawadi se había hecho cargo del score de Iron man. Aun no lo bajo, por falta de tiempo, pero seguro se convertirá en mi hit del momento.

En fin, que Oblivion es una de esas pelis palomeras que han inflado antes de su estreno de buena manera y ahora se las ha bajado un tanto el nivel del globo. Es regular, no "prende" y la historia es predecible.
No es recomendable, pero tampoco dejaría la oportunidad de verla en el cine. Solo allí se puede apreciar en toda su extensión los escenarios. Si se ve en una pantalla enorme de HD tal vez, pero ya perdería de las pocas cosas buenas que tiene el film.

Lo bueno: los escenarios
Lo malo: la historia
Lo original: la música.

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Saludos a mi princesa :3 rusa, así a quienes gustan del cine.

Leyenda urbana: El conquistador...radioactivo

La otra vez fui a visitar a mis parientes políticos y como siempre, mientras mi esposa habla con mis cuñados sobre la conquista mundial (xD), a veces me pongo los auriculares y escucho podcasts, como la Órbita de Endor.

Justamente, el último dossier trataba sobre películas malditas. Aun no lo termino, pero estaba harto interesante. Fue uno de estos temas, el que me termino recordando un capítulo del programa "La historia detrás del mito".

Aquí trataban sobre la historia del gran Pedro Armendáriz, su vida y trayectoria, hasta la trágica muerte que padeció al suicidarse por un cáncer terminal.

¿Pero que tiene que ver esto con el renombrado millonario Howard Hughes, camiones de arena y la muerte en los últimos 30 años de más de 150 personas entre actores y personal técnico? Vamos a verlo.



The conqueror o El conquistador de Mongolia fue un filme producido en 1956 por Howard Hughes que contó con John Wayne como el caudillo mongol Ghengis Khan y la actriz Susan Hayward como la princesa Bortai. El reparto se completó con Agnes Moorehead, Pedro Armendáriz, William Conrad, Jefe Tahachee y otros. La película fue dirigida por Dick Powell.
El largometraje fue un fracaso comercial y fílmico (fue catalogado como uno de los peores de los años 50), lo que es bastante significativo dada la calidad de los actores que integraban el reparto. Wayne, quien se encontraba en el cénit de su carrera, peleó por el papel después de haber leído el argumento. Aunque ahora se cree que tal personaje no era apropiado para John Wayne, él creyó no haberse equivocado en la elección. Fue "honrado" en el libro The Golden Turkey Awards.
Se ha supuesto que el excéntrico millonario Howard Hughes se sintió culpable por haber producido una película tan fallida (ver la razón abajo), y la mantuvo enlatada. Existe la versión de que compró todas las copias a un precio de 12 millones de dólares. No fue hasta 1974 cuando fue transmitida por televisión. Junto con Ice Station Zebra, se ha sabido que era uno de los filmes que Hughes veía incesantemente durante sus últimos años de vida.


Vamos a hacer un poco de contexto para amplificar esta más "leyenda negra" de Hollywood, que leyenda urbana.

RKO Radio Pictures por la década de los cincuentas, había sido uno de los grandes estudios de Hollywood, junto a la MGM. No solo se había encargado de producir peliculas, como el mítico King Kong, sino también todas las pelis de Orson Wells, incluyendo su obra maestra, Ciudadano Kane.
También se encargaba de la distribución de las pelis de Disney, como Blanca Nieves y los 7 enanos.

Sin embargo, a partir de 1948, RKO comenzo a ser adquirido por Howard Hughes, el magnate aviador y excéntrico, que hasta 1954 completo la compra total del estudio, al grado que era el único en el mundo en poseer un estudio para sí solo. De aquí se generaron problemas que ya comentare más adelante =P.

Por aquel entonces, Oscar Millard, un reputado guionista tenía en sus manos un libreto que trataba de la historia de Genkis Khan. Lamentablemente, poner en escena una historia tal requería de mucho billete. De allí que halla ido con el único loco que tenía el dinero y la disponibilidad para hacerlo: Hughes.

Y ya este hombre había sido conocido por sus excentricidades, en especial con "Hell´s Angels" (solo falta ver la peli que protagoniza Leonardo Di Caprio). Hughes acepto de inmediato filmar esto y se trajo a muchas estrellas, desde Susan Hayward hasta el mitico Pedro Armendáriz. Solo les faltaba una estrella y como era lógico, se lo ofrecieron a Marlon Brando.

Pero este, al ver el billete en escena, quiso que le dieran las perlas de la Virgen, por lo cual se le nego el papel. El segundo al quite, fue el legendario John Wayne, que inclusive rogo porque fuese incluido en la peli. Mal movimiento.

Ya con todos, el equipo de producción se lanzo a la aventura y comenzaron a filmar en St. George, una locación en el estado de Utah, enclavada en el desierto de Escalante, a unos 200 kilométros de un lugar conocido como "zona de pruebas de Nevada" ¿Y que pruebas hacian allí? Lanzamiento de bombas atómicas, para ser exactos, al menos unas 80 fueron lanzadas durante esa zona para probar sus efectos.

Aquí viene uno de esos detalles raros. Se decía que los productores del film estaban al tanto de la "probable" exposición radioactiva, pero que la desestimaron, porque no la creían tóxica o importante. Para colmo, se rumora que hay una imagen de John Wayne sosteniendo un contador Geiger (ese que mide la cantidad de radiación en el ambiente) mientras estaba filmando. Otro rumor es que nadie sabía nada, salvo el mismo Howard Hughes, pero que igual desestimaba los efectos tóxicos.

La peli se completo en el tiempo estipulado. Pero el excéntrico productor vio que había escenas mal hechas, por lo cual para evitar mover el rodaje nuevamente a Utah, trajo un monton de arena y tierra de esos lares para recrear el paisaje en Hollywood, lo cual expuso más a los actores a la "dichosa" radiación.

Finalmente, el Conquistador se lanzo en 1956, esperando ser un hito en todos sentidos y que aparte recuperara la lana invertida (12 millones de dolares). Sin embargo, resulto ser un fracaso de los gordos. Al final, solo alcanzo a ganar en taquillas millón y medio de dolares. Fue tal su caída, que precipito ya el cierre de la RKO, que ya de por si, había sido muy dañada por las maniobras de Hughes (había vendido todo a una compañía de llantas, salvo los derechos de distribución y ventas de las pelis que tenía el estudio. Lease, les arrancó literalmente el corazón).

Pero lo peor del asunto vino después.

-Dick Powell, director de la peli, murió de cáncer en 1963, del tipo Linfoma no Hodgkin.
-Pedro Armendáriz se le diagnóstico cáncer de riñon en 1960, pero durante una valoración en EUA en 1963, se le dijo que era intratable. Ante tal situación, Armendáriz tomo un arma que llevaba siempre consigo y se pego un balazo en el pecho.
-John Wayne comenzó a batallar con un cáncer a partir de 1970 y estuvo casi toda la decada tratando de ganarle sin ningún resultado.
-La gran actriz Susan Hayward también fallecio a finales de los setentas, victima de un agresivo cáncer cerebral. Ya se había enterado antes de que sufría tal cosa y trato de suicidarse, pero no lo logro.
-Agnes Moorehead, la famosa mamá de Samantha en Hechizada, también fallecio de cáncer de utero en 1972.

Y de estos fueron lo más importantes, porque actores secundarios, técnicos, así extras, fueron cayendo como moscas, literalmente. De los 220 que llegaron a Utah, 91 han fallecido por causas relacionadas con cáncer (actualización: 150). Al menos para un servidor, debo decir que los tipos de cánceres que contrajeron los susodichos son de lo más extraños. Tiene que haber una herencia genética muy poderosa y contradice los argumentos donde se comentaba que el exceso de tabaco, en el caso de Armendáriz y Wayne, había sido la causa de sus muertes.

En el caso de Hughes, la cosa le golpeo más feo. Esta peli fue la última que produjo y de allí comenzó una debacle emocional y física notoria.
Fue a finales de los sesentas, cuando se le comenzó a relacionar con las muertes del Conquistador, porque supuestamente sabía de los efectos radioactivos. Y esto parecio secundarlo, cuando compro todas las copias de la peli por 12 grandes y luego ordeno enlatarlas. Para colmo, dicen que en sus momentos obsesivos, ponía esta peli como 10 veces al día, no solo en su proyector privado, sino también en un canal que hasta tuvo que comprar, ya que se habían cansado de pasarla al aire. Hughes finalmente moriría en Acapulco, por desnutrición y autorecluido en un hotel en 1976.

Fue hasta 1974, cuando la Paramount compro los derechos del Conquistador y nuevamente pudo estar disponible a todo público. Las criticas tan duras continuan hasta la fecha, catalogandola como una pelicula bastante malita.

Pero será recordada más por el rastro de muerte que dejo y que arranco literalmente de cuajo, el futuro de muchas estrellas de Hollywood.
Como dato curioso, desde entonces, se conoce de manera graciosa a RKO pictures como Radioaktive.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de las leyendas urbanas.

Videos parodia de Super Mario Bros

Hace unos años, antes de que el tubo se volviera más popular (y opresivo), las animaciones se hacían por medio de "flash", una suerte de programa que te permitía dar formato a animaciones de manera sencilla y aparte compacta. Prueba de ello, son las diferentes "caricaturas" que creo la famosa fioriparty en su época sobre Naruto.

Pero aparte de esto, a este tipo de animadores les dio la oportunidad de expandir el universo que manejaban, llegando a crear parodias de lo más estupendas.

De las más emblemáticas, son aquellas centradas en el universo de Super Mario Bros.

Lejos de las limitaciones de la historia y el personaje, la compaginación que ha tenido con otras series, al estilo crossover, ha sido único, al grado que he visto genialidades en la red. 

Desde los viejos estilos pixealeados, hasta los actuales que constan ya de autenticas animaciones de cajón.

Vamos a ver ejemplos al respecto.

-Mario Matrix

No neguemos que la segunda parte de The Matrix, Reloaded, ha sido de las películas más sobrevaloradas entre los fans y aparte más chafas al respecto. Si la vemos con análisis crítico, lo único bueno son las peleas, ya que la historia esta bien fumada, los personajes son sumamente cliches y aparte con una seudofilosofía hippie al final fuera de lugar (el único chara que destacaba, era realmente el Merovingio xD).

Pero lo que yo destacaría, aun pese a su concepción chafa en CGI, es la Burly Brawl, o la pelea que tiene Neo con los 1,000 Smiths. En teoría es fabulosa, aunque no pudo ser plasmada como es debido.

Y de allí, las parodias han sido bastantes. Pero esta de Super Mario, y más con doblaje español latino, me ha parecido estupenda.

-Super Mario Busters

Hace añales que no visitaba las páginas de Pixifans y Ionlitio. Ambas tienen buenos tópicos, enfocados en los videojuegos, así en otros temas de tipo retro. Y aquí encontré uno de esos videos crossover, donde se mezcla a los Cazafantasmas con la saga del fontanero. Hay dos videos, pero debo decir que el segundo me pareció aun mucho mejor que el primero. Claro, es una parodia de las dos películas de Ivan Reitman (tocayo!).

Debo decir que la adaptación es estupenda. Vemos como Mario, Luigi, Yoshi y Sonic (ya mascota de Nintendo), cazan fantasmas, que en realidad son Boos y otros fantasmas vestigio de Super Mario Bros 3 y Super Mario World, al son de la melodía deformada original. Eso sí, el nivel de animación, tremendo.

-Las princesas vs. Michael Jackson.

Hace tiempo este video daba mucha risa. Claro, luego de la muerte del Rey del Pop, como que esas risas se han vuelto algo de pena ajena. Sin embargo, lo sigo considerando uno de los mejores videos parodias que he visto. Tenemos a las princesas luchando contra Michael porque este rapto a Baby Mario y Baby Luigi y planea...bueno, hacer lo que según hacía. La forma de lucha va desde lanzar bombas de fuego, sombrerazos, Moon Walks y ametralladoras. En fin, que el nivel de parodia es único y no te paras de reír, si entiendes todas las referencias (falta ver cuando Daisy sale con una raqueta y Peach, bueno, con medio arsenal del ejército).

-Mario vs. Goku

Aunque el video de Burly Brawl sea bueno, esta a años luz del nivel visto en este video. Tecnicamente es Mario y Luigi peleando par a par contra Vegeta y Mario. A primeras podría verse la incompatibilidad, ya que Mario lanza sencillas bolas de fuego y Goku un Kame Hame Ha capaz de barrer con medio planeta.

Pero aca la diversión es llevada al extremo, cuando el autor del video tecnicamente nivela a los personajes, al grado de que vemos a Mario volar con su capa de SMW y pelear a gran velocidad contra Goku, donde las bolas de fuego son como Kame Hame Ha. Lo mejor es igual la pelea entre Luigi y Vegeta. De fabula!

-Super Mario Hyadan

Una parodia "flash" que se hizo famosa hace unos pocos años. Hubo una temporada donde los japos les dio por "musicalizar" lo que tenían enfrente y Mario no fue la excepción. Aca tenemos a nuestro fontanero vestido como un chico anime normal, con un Koopa igual cosplayado, mientras la pobre princesa clama por la idiotez de estos dos, que no paran de cantar al ritmo de la rola insignia de la serie. Es bastante divertido, al grado que se hicieron adaptaciones en inglés e inclusive en español de la rola y del mero video. 

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Saludos a mi princesa XD, así a quienes gustan de este tipo de videos.

Por cierto, les dejo un video "bonus". Es un live action de la saga, pero muy curioso. Trata de como Mario esta sumergido en la drogadicción, muy al estilo de un ex-combatiente de alguna guerra. Algo triste, algo realista, algo cómico.

Game over.

Donkey Kong Country: los últimos coletazos del SNES

Donkey Kong se considera una de las muchas "Mascotas" no oficiales de Nintendo. Junto a Fox McCloud, Kirby o Link, ha formado parte de muchos videojuegos que han reunido a las mejores estrellas de la compañía.

Sin embargo, Kong siempre se le había visto como un personaje "bruto", sin tanto potencial y a la vez bastante desaprovechado. Fue hasta que a mediados de los noventas, cuando la SNES estaba en su auge, que se decidió sacar este juego. Se considero una revolución, no solo a nivel visual y tecnológico (Nintendo le había encargado a Rare, una compañía inglesa, el diseño del juego), sino también "evoluciono" a Donkey al grado de que se creo un "submundo" bastante interesante que genero al menos 3 a 4 secuelas del mismo.

Y claro, para un jugador de aquellas épocas, fue un juego que marco un hito.


En el juego, Donkey Kong tiene un nuevo compañero, Diddy Kong. Ambos tienen que recuperar la reserva de plátanos robada de manos de King K. Rool. Otros personajes incluidos en el juego son Candy Kong, Funky Kong y Cranky Kong (quien aparenta ser el original Donkey Kong que peleó con Mario y el abuelo (en realidad su padre) del actual Donkey Kong.) Es también el primer Donkey Kong que se desenvuelve en su territorio, con la creación de la Isla de Donkey Kong. Otra característica nueva que identifica al juego es la capacidad que tienen los dos personajes principales para utilizar a Enguarde, Expresso, Rambi y Winky para moverse en el juego. La idea principal del mismo es ir pasando una serie de pantallas en diferentes "mundos" donde cada uno presenta al final un gran enemigo que debe ser vencido para poder avanzar al próximo "mundo". Los "mundos" están representados por secciones de lo que sería Isla de Donkey Kong.


Mi familia nunca fue de billete. Por consecuencia, el estar jugando ciertos videojuegos, venía más de aquellos locales de renta, muy similares a los cyber-café actuales, donde por una modica suma (como 10 pesotes o 5,000 a 10,000 de aquel entonces), uno podía meterse en una seudocabina, donde podías jugar por alrededor de media a una hora, el juego que quisieras.

Claro, el juego tenía que estar disponible, ya que sino, estaban siendo alquilados por los chavales que tenían consolas. Uno de esos juegos, fue precisamente "Donkey Kong Country".

De las primeras veces que oí nombrar este juego, fue en la revista Club Nintendo. Entonces fue un hitazo, tanto por sus graficos como por su música. Sin embargo, debo ser sincero en que no le agarre mucho gusto al principio. La razón es que me consideraba un videojuego de los viejitos (y aun lo sigo haciendo, razón por la cual no he evolucionado a las consolas más modernas) y que se invirtiera tanto en lo visual, iba a terminar sacrificando la jugabilidad. Claro, ahora se ve de manera nítida, pero entonces no era así. Por lo cual pase hasta un año entero sin dedicarme a este juego.

El único que realmente quería jugarlo era mi hermano, pero como en el local donde rentabamos lo tenían ocupado a cada rato, tuvimos que esperar a que el furor disminuyera y así poder alquilarlo.
Aunque me había mostrado renuente, el juego me termino enganchando y allí me tenían con mi hermano, tratando de pasar los mundos, pero sobre todo, sacar los juegos para sacar el 101%, que era un porcentaje para sacar finales y opciones como el soundtrack.

 ¿Como fue que salió este juego? Ya Nintendo le había echado los ojos a Rare, una producta inglesa, más con su éxito en las Arcadias: Killer Instinct.
 Y es que Nintendo quería modernizarse. Acclaim ya había revolucionado aquellas épocas, al incorporar Mortal Kombat y sus secuelas, con gráficos renderizados y digitalizados.

Antes de la tecnología moderna, la capacidad para "plasmar" un juego dependía de un método análogico, donde archivos como música, instrucciones, el personaje se plasmaban en lenguaje binario. Cierta combinación de 0 y 1 daban un chara. Sin embargo, esto al desplegarlo en pantalla, era como la fotocopia de una fotocopia.
En cambio, la digitalización era plasmar un chara, pero en números y por eso, la traslación era mucho más fiel.
Sin embargo, la "renderización", consistía en diseñar personajes en base a "render" o pixeles de alta calidad, muy similar a lo que hacen los dibujantes al realizar el armazón de un personaje.

Rare ya lo había hecho con Killer Instinct y querían probarlo con este juego de Donkey Kong, lo cual les resulto y bastante. Fue considerado un juego inovación en el SNES, que pese a su popularidad, ya estaba de salida ante la eminente salida del N64.

Sin embargo, todo este rollo fue para destacar el punto fuerte del juego: lo visual. Fuera de eso y la excelente música, la jugabilidad es normal, los escenarios son predecibles y los enemigos nada fuera de lo común. Y es que sin este grafiquismo, Donkey Kong Country habría sido un juego más del montón, ya que tenemos a Donkey y Diddy recorriendo diferentes escenarios para rescatar el cargamento de bananas que se robo el rey K.Rool de las alacenas del mismo Donkey, mientras lanza sus tropas para conquistar la isla Kong.

Aunque los escenarios son estupendos y tienen cierta dificultad, uno luego de un rato, termina viendo la predicibilidad del juego y de algunos niveles, al grado que no ofrecían algo más. Ciertamente había bonus, pero no había opciones de saltarte los niveles, sino era un recorrido bastante lineal.
Lo que aligeraba el asunto era la excelente, pero Excelente música del juego. Es una joya en todos sentidos y que aun hoy en día, tengo alguna de sus melodías en mi mp3teca personal.

Tal vez lo recuerdo con gusto, porque fue de los últimos cartuchos que jugue de manera conjunta con mi hermano. Luego de Super Mario RPG, termine por irme a la uni y allí cambiaron las cosas. Por eso, melodías como "Ice Ice Cave", me recuerda a aquellas lejanas épocas de 1995.

Es curioso como en su momento, Shigeru Miyamoto critico este videojuego por considerarlo demasiado superficial. Claro, tuvo que retractarse, pero ya la crítica estuvo allí.

El juego es recomendable, pero como una buena reliquia antidiluviana. Buenos gráficos, novedosos para la época, con buena jugabilidad, aunque el control tendía a patinar demasiado o ser muy pesado para nivelar, en especial a Donkey y con Diddy, la cosa era al contrario. Pese a todo, un buen juego para conocer las enormes capacidades que tenía la SNES y que la mantuvo como una de las consolas más populares de todos los tiempos.

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Saludos a mi princesa :3 Peach, así a quienes jugaron estas cosas en su momento.