All You Need is Kill: un buen manga de Takeshi Obata

Es curioso como llegue a leer este manga. Es más, hace menos de un mes, que apenas tenía una leve idea de que iba esta cosa y todo gracias a ciertos comentarios que habían hecho hace un año, cuando se estreno "Al filo del Mañana", la versión cinematográfica.

En aquel entonces, por cuestiones económicas, no había podido ir a ver la película. Aunque le tenía ganas, otras cosas decidieron que la pospusiera, como el que fuese otro filme encarnado por nuestro héroe de acción, Tomás Cruz (Tom Cruise para los cuates) y que aparte fuese una versión gringa de un producto japo. Y esta decisión pareció confirmarse cuando la película apenas recaudo lo justo para cubrir las pérdidas.

Curiosamente, la crítica la había tratado de manera formidable e inclusive críticos especializados y otros no tanto, hablaban maravillas de la misma, en especial a principios de este año, cuando se comenzó a hacer un recuento de las películas que había que ver. Finalmente, nuevamente tuve que apegarme a la piratería y descargarla en un buen formato hace menos de un mes. Debo decir que fue una experiencia genial en tooodos sentidos y que por supuesto, haré una entrada dedicada exclusivamente a dicho filme.

El empujón fue tal, que comencé a buscar contexto y comence a leer la obra original como productos derivados. Debo decir que él que más me gusto fue la adaptación manga y de la que vamos a hablar a continuación.


All You Need Is Kill (オール ユー ニード イズ キル Ōru Yū Nīdo Izu Kiru?) es una novela ligera japonesa militar y de ciencia ficción, escrita por Hiroshi Sakurazaka e ilustrada por Yoshitoshi Abe.

La novela fue un gran avance en el campo de la ciencia ficción para Sakurazaka, cosechando elogios de compañeros novelistas, incluídos Yasutaka Tsutsui y Chōhei Kanbayashi, y fue nominada para competir por el Seiun Award, homólogo japonés del Premio Nébula. La novela fue publicada por Shūeisha bajo su sello "Super Dash Bunko" y en inglés por VIZ Media bajo su sello Haikasoru.


All you Need is Kill es una novela ligera, que cuenta como guionista a Hiroshi Sakurazaka y en los bosquejos a Yoshitoshi Abe. Fue publicada en el 2004, por Shueisha y por la editorial Super Dash Bunko. Posteriormente, fue traducida al inglés por Viz Media, teniendo un gran éxito entre los fans de corte militar.

Si me preguntan de Sakurazaka, debo decir que su obra es bastante atípica. Lejos del militarismo y el realismo brutal de All you Need is Kill, el resto de sus trabajos son de corte shoujo y como prueba, tenemos a Yoku Wakaru Gendai Mahō, que resulta una historia tipo harem, donde el prota es un mago rodeado de lindas jovencitas que le ayudan a pulir su arte. Se hizo una adaptación de dicha obra en el 2009 y curiosamente, me chute los primeros 3 episodios del anime y me resultaron un tanto insípidos. Por eso me sorprendio que All You Need is Kill, fuese tan potente en todos aspectos.

¿De qué va esta obra? Keiji Kiriya es un recluta que esta a punto de entrar en su primera misión de combate, contra una serie de organismos extraterrestres que estan buscando exterminar a la humanidad, los Mimics. En otras partes del mundo, estos bichajarros han hecho de las suyas, pero en Japón, gracias a la tecnología, han logrado repelerlos, todo por unos trajes de combate que le permite a los usuarios, tener un buen encontronazo con los Mimics. Sin embargo, el primer día de combate, Kiriya es mortalmente herido y en el último momento, ve a Rika Vrataski (Perra de combate, para los cuates), una soldado de élite, que le consuela. Pero al momento de cerrar los ojos, se despierta un día antes de iniciar el combate. Al principio, creyendo que es una pesadilla, Kiriya se percata de la situación y es que esta atrapado en un bucle temporal: cuando él muere, vuelve al mismo punto de inicio (acostado en su litera, hablando con su compañero de cuarto) y tiene que volver a recrear todo ese momento una vez más. Asustado, Kiriya comienza a darse cuenta que la única forma de salir de ese horrible bucle es comenzar a hacerse más fuerte y rápido, para sobrevivir. Es decir, todo lo que necesita es matar a sus enemigos antes que ellos a él. 

Como ven, el "plot", el argumento es altamente novedoso. Cuando lo escuche por primera vez, me pareció una idea fantástica y si en la película me encanto, tanto en la novela ligera como en el manga, me pareció aun más fantástico. Aparte de que el manga permitió expandir mucho más el aspecto psicológico de morir y revivir muchísimas veces, que llega a ser tan impactante como verosímil. 

El manga fue una adaptación encargada por la misma Shueisha a su máxima estrella, al menos en dibujo, esto con motivo del estreno de la versión live action de Tom Cruise: Takeshi Obata. Este hombre es conocido por haber hecho el arte de mangas tan emblemáticos como Death Note, Bakuman, Hikaru no Go y Eyeshield 21. El guión estuvo a cargo de Ryousuke Takeuchi, que hace una magnífica adaptación de la novela ligera. El manga se publico serialmente entre enero y mayo del 2014 y en junio de ese mismo año, se recopilo en dos tomos de 200 páginas cada uno. 

La obra sigue el mismo diseño de la novela ligera. Sin embargo, el arte de Takeshi Obata es el plus a destacar. La evolución que ha tenido en sus dibujos ha sido asombrosa. Si vemos su trazo en Hikaru no Go a Bakuman, vemos una evolución asombrosa, manteniendo a la par el mismo estilo. Sus dibujos, con cierto aire shoujo y a la vez shonen, le permite a la serie que le toque dibujar, darle mucho más realce. Sin embargo, si algo debo criticarle, al menos en este manga, es que Obata tiende a reciclar diseños de sus personajes y aquí es muy marcado, en especial con Kiriya y Rika. El primero me recordo a una mezcla entre Light Yagami de Death Note y Akito Takagi de Bakuman, mientras Rika, es el casi eterno diseño que utiliza para sus protagonistas femeninas. Sin embargo, estos diseños no dejan de ser estupendos y en el caso de Rika, transmite una mezcla de belleza y dulzura con una ferocidad inusitada. Tal vez es el personaje que sale más beneficiado gracias a los lápices de Obata (mientras el pobre de Kiriya esta dibujado siempre como si le hubiesen dado una paliza).

¿Qué puedo decir del manga? Primero, me lo chute en menos de una hora y es que es muy entretenido, tiene buen ritmo y aparte tiene un dibujo excepcional. Tal vez me hubiese tardado menos en leerlo, pero algunos trazos de Obata-sensei, uno merece verlos varias veces para recrearse la pupila (en el buen sentido de la palabra). Se aprecia sobre todo en el diseño de los trajes de combate y en las expresiones de los personajes. Y claro, el fanservice para los hombres esta a la orden del día (y debo decir que esta vez si me gusto y mucho).

En cuanto al guion de Takeuchi-san, hace un interesante plot: primero nos cuenta la historia de Kiriya y luego la historia de Rika, para compaginarla en un último tercio bastante conmovedor. Si las historias de ambos personajes tienen un aire lúgubre, triste y hasta depresivo (aunque con mucha acción y lógica militar), el último tercio, cuando ambos personajes se van "encontrando" o cruzando es formidable, ya que no solo combina lo anterior, si no también agrega romance, comedia y una atmosfera mucho más sosegada y divertida. Claro, el final es terriblemente duro, aunque podría decirse que predecible (en especial en cierto punto donde uno se huele que va a suceder por los comentarios de los protagonistas). Curiosamente, el protagonismo de Rika llega a ser tan impactante que en un momento se llega a comer a Kiriya a bocados (tanto por su pasado, su presente y su forma de enfrentar la situación).

El problema, aunque a mi no me pareció tanto, pero que si mencionan muchos, es la explicación de porque Kiriya esta en el bucle temporal. No sé, no me parecio forzada ni nada por el estilo,  pero luego de ver la película, curiosamente si me dio la impresión de que no estaba tan bien construida. Es decir, la explicación del filme esta mucho mejor, en especial cuando hacen referencia al Alfa y al Omega. Tal vez a los que les gusta lo científico no les agradara en absoluto, pero a mi me parecio suficiente (aunque si un poquitín forzada).

En conclusión, "All You Need is Kill" es un buen manga. Recomendable para cualquiera, ya que maneja un montón de tópicos y sobre todo, tiene ese aire Seinen que lo hace bastante disfrutable y no una lectura solamente para fans de lo militar o del shonen. No solo es una buena adaptación de la novela original de Sakurazaka, si no también le agrega un plus con los dibujos estupendos de Obata-sensei.

En España, se puede conseguir la novela ligera, cortesía de Norma Editorial.
Actualización: en México, mediante la librería Péndulo, se puede conseguir la novela ligera de la editorial ya mencionada. Por supuesto, el precio es un tanto más caro que el promedio (cortesía de mi comadre).
Actualización 2: olviden lo anterior. Gracias a Panini, el manga YA se puede conseguir en el país y durante el mes de julio comenzó a ser editado (algo de metablog) en el país, jeje.

Por cierto, aquí no hablare de las diferencias que hay entre la original y la película. Eso ya tocará en una próxima entrada al respecto y debo decir, a favor de Tomás Cruz, que la película lo hace bastante bien.

------------------------------------------------------------------

Saludos a mi Rika X3, así a quienes gustan de este tipo de mangas.

Leyenda Urbana: El proyecto de la Bruja de Blair

Ya hace tiempo que quería hacer una entrada sobre esta película. Y no me refiero al proyecto cinematográfico en sí, si no a la supuesta leyenda que inspiro a la película. Sin embargo, soy un cobarde de primer nivel y hablar de este filme, me trae unos recuerdos no muy gratos.

Para empezar, no fui de los muchos que fueron a verla al cine, aunque la publicidad al respecto era bastante alta. Y como no, ya que el Proyecto de la Bruja de Blair se encargo de revolucionar el cine de horror, que había tenido una bajada importante a finales de los años ochentas y principios de los noventas. En aquel entonces, el cine de terror había logrado afianzarse (tampoco muy bien) entre los espectadores, con películas como Scream, que buscaban un elemento más racional. Y es que el cine de horror había visto su caída, con películas tan chapuceras como Chucky, Pesadilla en la Calle del Infierno (Elm Street en España) o Viernes 13.

La Bruja de Blair vino a revitalizar el género del horror, haciéndolo parecido al de terror en fidedigno y a la vez, manteniendo ese toque sobrenatural (la razón es que hay una fuerza sobrenatural atacando a los 3 chamacos, pero que nunca se ve directamente). También sirvió para darle empuje al género de "cámara en mano" que hasta la fecha, sigue estando muy popular.

El objetivo de la siguiente entrada se enfoca en dos puntos: hablar de las curiosidades que pasaron actores y producción durante el filme, así de la supuesta leyenda en que se inspiraron los guionistas para realizar dicha película.

El Proyecto de la Bruja de Blair —de su título original: The Blair Witch Project— es una película independiente de terror psicológico estadounidense de 1999, escrita y dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. La película fue producida por Haxan Films. Ésta fue integrada de grabaciones "amateur" y relata la historia de tres jóvenes cineastas (Heather Donahue, Joshua Leonard, y Michael C. Williams) quienes desaparecieron mientras caminaban en las Colinas Negras cerca a Burkittsville, Maryland en 1994 para filmar un documental sobre una leyenda local conocida como La bruja de Blair. La película afirma que los tres jóvenes no fueron vistos nunca más, y años más tarde todo su equipo fue descubierto. Este «metraje recuperado» es presentada como la película que los espectadores están viendo. La película fue recibida positivamente por los críticos y obtuvo 248 millones de dólares a nivel mundial, convirtiéndose en la película más exitosa de todos los tiempos, tomando en cuenta la relación inversión/taquilla. Con cada mil dólares invertidos se produjo diez millones de dólares aproximadamente, fenómeno único en la historia del cine.


"El proyecto de la Bruja de Blair", se estreno en el verano de 1999 y tuvo un éxito brutal desde su aparición en las salas. Logró recaudar la cantidad de 240 millones de dolares a nivel mundial y con solo una inversión de 22,000 dolares.

El secreto de su éxito se debio a la forma en que la producción manejo la filmación y que vamos a desgranar a continuación.

• Los actores, unos totales desconocidos, no tuvieron un guión en sí. Solo les dieron unos documentos de 35 páginas que describían de manera amplia lo que trataba la película. Léase: los diálogos estaban improvisados, así las reacciones. 
• Entre los documentos, los productores les aseguraron que la película estaba basada en hechos reales (lo cual se hablará más adelante) y que la filmación podía estar "bajo" esta tal maldición. Esto hizo que los actores realmente sintieran el impacto de estar bajo un supuesto bosque "maldito".
• En algunas escenas, en especial con la actriz, realmente estaba espantada: resulta que la producción de repente sacaba a alguien, vestido con una sabana y una máscara. La actriz al verla, lógico pegaba un grito, ya que no estaba dentro de la filmación.
• Días antes del estreno, en la página de IMBD, apareció el profile de los 3 actores, en estatus de "desaparecidos", lo cual agrego más verosimilitud al filme. Esto fue tan potente que la madre de la actriz, Heather, recibió un montón de cartas dándole el pésame por la supuesta muerte de su hija.
• El director presiono a los actores, al grado de reducirles la comida conforme avanzaba la filmación (la cual duró 8 días solamente). Sin embargo, también hubo problemas durante la misma, ya que varias veces los actores se perdieron, pese a tener walkie-talkies para comunicarse. 
• Se pensó en hacer una escena donde las figuras que representan el terreno de la Bruja, comenzaran a perseguir a los protagonistas. Sin embargo, se decidió eliminar, ya que era mejor representar el ataque sin que este fuese visto. 
• Burkitssville, en Maryland, fue un centro de peregrinaje de muchos curiosos, cazafantasmas y cazamitos luego de la exhibición de la película. El poblado en su momento se molesto con la publicidad, al grado que publicaron una página para desmentir oficialmente la versión de la película. Sin embargo, la población pronto lo vio como una buena forma de recaudar dinero y hoy en día, hay hasta tours por el lugar para mostrar la leyenda de la que hablaremos enseguida.

Es el año de 1785. Aunque la paranoia de la caza de brujas que domino la parte este de los futuros EUA, ha ido menguando luego de un siglo, aun las restricciones religiosas en aquellos lares es muy fuerte. Justo en el poblado de Blair (en el centro del estado de Maryland, el cual esta a dos horas de Washington, D.C.), unos niños acusaron a una pobladora local, Elly Kedward, de brujería. La razón es que la señora los había engatusado para llevarlos a su casa y sacarles sangre.

Las autoridades reaccionaron de mala manera y luego de acusarla de brujería, fue llevada lejos del poblado, atada a una carreta y dejada a morir a solas, enmedio de un cruel invierno. Parecía que la calma había llegado al poblado, pero al año siguiente, en noviembre de 1786, la población infantil de dicho lugar comenzo a desaparecer misteriosamente, incluyendo dos magistrados que habían acusado a Kedward de brujería. Cuando la mitad de los niños de Blair habían desaparecido, la población decidió emigrar y guardar bajo secreto lo sucedido.

En 1824, Burkittsville es fundada sobre el antiguo pueblo de Blair. Comienzan a aparecer varios fenómenos extraños, como el avistamiento de una mano tenebrosa en el fondo de un río cercano a la población. Una niña curiosa, Eileen Treacle, decide investigar, pero al sumergirse en el fondo del río, no volvió a aparecer. Luego de esto, el agua de dicho lugar dejo de ser potable.

Ravin Weaver, una niña local se perdió en los años ochentas del siglo XIX. Varios grupos salieron a localizarla. La niña regreso sin problemas, pero uno de los grupos no volvió. Días después, fueron hallados, destripados y colocados de manera macabra en un área cercana de Black Hills.

No hubo mayores incidentes, hasta que en 1940, 7 niños de la localidad desaparecieron misteriosamente. Un año después, un ermitaño de aquellos parajes, Rustin Parr, apareció en el pueblo gritando "ya todo ha terminado". Alertadas las autoridades, siguieron a Parr, hasta una cabaña donde supuestamente había muerto Elly Kedward y allí encontraron los cadaveres de los 7 chamacos. Parr, visiblemente trastornado, argumentaba que él no lo había hecho, sino que la voz de una mujer, la bruja de Blair, le había mandado matarlos. Por tal crimen, Parr fue condenado y ejecutado.

Estos hechos supuestamente incitaron a los 3 protagonistas a hacer una averiguación de los hechos, en el año de 1994. Sin embargo, luego de varios días en el bosque, se perdieron y nadie volvió a saber de ellos, hasta que un año después, un antropólogo que hacía excavaciones en el lugar, encontró las cintas donde relata las últimas noches de los tres jovenes. Por supuesto, todo esto forma parte de la mitología y se reforzó más cuando la productora saco un documental "Curse of the Blair Witch" poco después del estreno de la película, donde hablaba de las leyendas antes mencionadas.

Claro, los años pasaron y todo esto (incluyendo lo de la bruja original) fue un ardid que se hizo para dar más impacto. Aun así, hay blogs de finales de la década pasada que hablan de esto como si fuese verdad, lo cual aun hoy en día, genera polémica y opiniones divididas entre los fans y espectadores.

-------------------------------------------------------------

Saludos a mi esposa ^^, así a Sam que me ayudo a realizar esta sinopsis como quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.

Paz en la Tierra: mi primera novela de Stanislaw Lem

Es curioso que el último año haya sido de los más complicados de mi vida, pero eso también me ha permitido expandirme por otros rubros que jamás hubiese tocado, sea por mera casualidad o por voluntad propia. Técnicamente, en los últimos 3 meses me he chutado una cantidad importante de libros, series, mangas, cómics, anime, etc. etc. para pasar el rato y evitar volverme loco con las viscicitudes que ahora están poblando mi existencia. Bien lo dicen en cierto prologo de la Órbita de Endor, donde Antonio Runa habla de los problemas de la vida diaria y como estos nos pueden volver locos, si no tenemos algo que nos impulse o nos de un aliciente, una bocanada de aire fresco pues, que nos ayude a sobrellevar el momento amargo.

No lo niego, soy un maldito frikie, pero lo digo con bastante orgullo a la vez. Ver tantas cosas me permite tener una visión mucho más amplia del mundo y no contentarme con uno o dos puntos de vista. Y claro, esto me ayuda de sobremanera en mi escaso pero divertido trabajo. Debo agradecer a mi esposa, que me ayuda a fomentarlo de muchas maneras (entre ellas, ser la crítica objetiva y la pobre que se tiene que chutar tanta loquera) y mi comadre, que sea de manera directa o indirecta, me echa la mano para aumentar más mi caudal cultural.

Precisamente, una de las ayudas que me brindo, fue mediante su padre, que un día en una comida, me recomendo cierto libro (y claro, presto jeje) sobre un autor de ciencia ficción, casi desconocido en nuestro continente, pero harto popular en Europa: Stanislaw Lem. Y la obra, hablamos de "Paz en la Tierra", que analizaremos en esta entrada.


Solo Ijon Tichy sabe con certeza qué está pasando en la Luna. Ha sido enviado al satélite en misión secreta por las grandes superpoten­cias terrestres, responsables de trasladar allí la totalidad de las armas, lo que ha dejado al planeta azul libre de guerras por primera vez en su historia. Pero Tichy es incapaz de dar resp uesta alguna, pues ha sufrido en el espacio un inusual accidente, su mente ha sido callosotomizada y ahora vive con los dos hemisferios de su cerebro enfrentados entre sí. El incansable viajero espacial es incapaz de ponerse de acuerdo consigo mismo: «Debo dirigirme a la mano izquierda utilizando la lengua de señas de los sordomudos con mi mano derecha. El problema está en que la izquierda no siempre desea responder. Me manda, por ejemplo, de paseo con uno de sus gestos, siendo esta la forma más educada que tiene a la hora de expresar su desacuerdo». ¿Podrá Tichy revelar el misterio del que ha sido testigo, el misterio que trae en vilo a todos los sistemas de inteligencia terrestres?


Antes de comenzar con la crítica al libro, vamos a dar una pequeña remembranza del autor.

Stanislaw Lem nació en la ciudad de Leópolis, en 1921. Aunque ahora la ciudad pertenece a Ucrania, en su momento perteneció a Polonia, por lo cual el autor tiene dicha nacionalidad. Su padre había sido médico dentro del ejército Austrohúngaro (otorrinolaringólo), por lo cual, la formación cultural de Lem fue bastante elevada. Logro ingresar a la universidad de su ciudad (que entonces tenía una gran reputación) siendo estudiante de medicina. Sin embargo, los desaguisados que sufrió su padre (por ser parte del bando perdedor) y lo visto en la carrera, terminaron por desairar al joven Lem, aunque agarro parte de gusto a las etimologías latinas y griegas (el cual todavía era lenguaje común entre los médicos) y que serían parte de su sello en sus obras (incluída en esta).

La Segunda Guerra Mundial llegó y por unos pelos, su familia (judía, pero que se habían convertido al catolicismo), se salvaron por los pelos de ser ejecutados. Aun así, colaboro con la resistencia polaca y su familia finalmente se puso establecer en Cracovia, cuando Leópolis fue incorporada a Ucrania. Allí trato de seguir su carrera de médico, pero las diferencias ideólogicas con los maestros de aquel entonces, hizo que mandar al diablo a la escuela. Finalmente le dieron un certificado como finalización de estudios, pero no exactamente un diploma.

Aun así, sus conocimientos y su disciplina, hicieron que varios investigadores lo contrataran en la parte bioestadística o de recolección de datos, lo cual le aseguro un cierto ingreso. A la par, fue cuando el hombre comenzó a escribir sus primeros relatos y novelas. Lamentablemente, el inclinarse por un género como la cibernética, que estaba de moda en EUA, hizo que sus escritos fueron objeto de censura entre la comunidad científica del bloque del Este. Sin embargo, la calidad de sus escritos se fue imponiendo y en los años sesentas y setentas fue objeto de culto por los escritores de aquel entonces. Sin embargo, cuando la represion comunista se hizo presente a finales de los setentas, Lem no tuvo otra opción que emigrar a EUA y establecerse un tiempo allí, con el apoyo de amigos escritores americanos que habían seguido de cerca su obra.

Sin embargo, si algo siempre caracterízo a Lem (y que reflejo especialmente en uno de sus personajes principales, Ijon Tichy), fue su dureza al criticar algo que no le gustase y hacerlo sin pelos en la lengua. Precisamente se termino enemistando con una asociación de escritores de ciencia ficción de EUA, por su poca calidad literaria. Finalmente, cuando Polonia salió del redil comunista a finales de los ochentas, Lem regreso a vivir a Cracovia, donde vivió sus últimos años, hasta el 2006 cuando falleció, en compañía de su esposa, la cual conoció en los años cincuentas.

El estilo de Lem es bastante complejo, para ser un autor de ciencia ficción. Aunque sus tópicos se enfocan en el tema de cibérnetica, así de la interacción con extraterrestres u otras formas de vida, en realidad utiliza dichos temas para hacer una crítica bastante dura sobre la sociedad humana y sus costumbres. Como prueba de eso, hay que leer varias de sus obras más emblemáticas, como "Fábulas de Robots" y "Ciberiada", donde hace una crítica dura de la sociedad a través de dos simpáticos robots constructores. Sin embargo, su obra más conocida es "Solaris", donde describe la comunicación entre el ser humano y otra forma de vida alienígena, mientras se hace la exploración de un planeta parecido a la Tierra. Aquí también sale otro rubro muy importante del autor y es su capacidad para dar una explicación coherente al mundo que describe. Esto es lo que se conoce como ciencia ficción "dura", y que a mi parecer, representa una genialidad de este escritor.

Ijon Tichy, uno de sus personajes más recordados, apareció en "Diarios de las Estrellas", y le serviría de referente, no solo para enunciar los problemas de la sociedad, sino también para hacer una crítica bastante mordaz y a la vez divertida. Y este chara aparecería de manera recurrente, incluida "Paz en la Tierra".

¿Y de que va esta cosa? El libro narra las aventuras del susodicho Tichy, que luego de un viaje express a la Luna, para investigar la central que administra que el armamento que la humanidad guardo en ella, se da cuenta de que ha sufrido una callostomía (el corte del cuerpo calloso, el tejido que sirve de conexión a ambos hemisferios cerebrales) y por consecuencia, su cuerpo se haya dividido en dos entes diferentes. Aunque el mantiene la conciencia y sus habilidades, el lado izquierdo de su cuerpo se muestra totalmente independiente y hasta fastidioso con él. Mientras el pobre trata de averiguar porque paso esto, es cuando va recordando los detalles de su misión y como la dichosa callostomía fue un recurso para seguir manteniendo el concepto de "Pacem in Terris".

El libro lo comence a principios de noviembre y lo termine apenas a finales de enero. Y no es que fuese muy extenso (menos de 400 páginas). El problema es que es muy denso y algunas partes eran demasiado aburridas. Por un momento pensé que mi capacidad no estaba para leer algo de ciencia ficción de la más pura y dura, pero luego de leer varias críticas sobre el libro en diferentes blogs y artículos, ellos cayeron en la misma conclusión que un servidor.

"Paz en la Tierra" fue escrito en 1983 y editado para 1987. Fue de los últimos libros que hizo Lem y por consecuencia, parece que el paso del tiempo le fue pasando factura, ya que efectivamente, el libro casi no tiene humor en sus páginas y algunas descripciones son tan sosas y tan redundantes, que te resta cierta capacidad para engancharte con él. No puedo hacer una crítica tan precisa, ya que es la primera obra que leo del autor (he estado buscando "Solaris", con poco éxito), pero debo decir que algunos pasajes son fabulosos, en especial cuando Lem comienza a describir porque las naciones decidieron pasar su arsenal de todo tipo a la Luna, con la opción de continuar la carrera armamentística, pero sin que afecte directamente a la población terrestre. Ni se diga cuando comienza a hacer una breve historia del uso de los robots y como su uso se ha diversificado en una Tierra, que parece estar en un futuro próximo.

El problema más grave viene precisamente con el ritmo narrativo de Lem. Se adentra demasiado en explicaciones y en cuestiones que ya el autor había tocado previamente. Para colmo, esto lo hace cuando los pasajes más potentes se van desarrollando, lo cual rompe el ritmo de lectura de manera brutal. Para rematar, la aventura de Tichy con la callostomía se revela como uno de los mejores pasajes del libro, pero el final de esta misma es absurdo, por no decir, aberrante. No se niega que el acervo cultural que impregna la obra es formidable (tuve que repasar algunas clases viejas de medicina para ponerme al tiro con la terminología y descripciones), pero la forma en que la presenta Lem es bastante soporífera.

Obviamente no puedo hablar si esta obra es peorcita o mejor con respecto a otras que ha escrito el buen Lem, así que solamente lo hago de manera tranversal. Ya cuando consiga Solaris, tal vez pueda hacer una crítica anexa con respecto a dicha obra.

¿Entonces por qué hablar de una obra así? La razón es que pese a lo tosco del libro, tiene algunas cosas muy brillantes, como ya comenté, la cuestión de la carrera de las armas y su resolución, así la forma en que dichas armas han evolucionado, solo para poder ser superiores unas a otras, en un juego de evolución muy grotesco, pero bastante fidedigno. Aparte, las descripciones que hace el propio Tichy, son harto asombrosas y es cuando el libro pasa sus mejores momentos. Eso sin negar que este libro es ciencia ficción dura y vaya que sabe exponerla, en un libro no mayor a 400 páginas. Sin embargo, para un lector más acostumbrado a algo digerido, le resultará insoportable, por lo cual es recomendable, solo para el frikie, que gusta de los libracos (en todo el sentido de la palabra).

Lamentablemente, conseguirlo en México esta en chino, literalmente. En cambio, en España en los últimos años, ha tenido una nueva vida (previamente hubo ediciones, un poco mal traducidas, por la Editorial Bruguera y Minotauro), cortesía de la Editorial Cátedra y bajo la Colección de Letras Populares (2012). Como dato extra, estas traducciones están bajo supervisión de auténticos profesionales, lo cual garantiza una buena traslación de la obra, tanto en estilo (aunque con ciertos errores en la forma de decir algunas cosas) como en contenido (y se puede conseguir por 15 euros en la Madre Patria y la cual tuve la fortuna de leer).

En conclusión, "Paz en la Tierra", NO es una obra recomendable para todo público. Se necesita no tanta cabeza (el autor nos llena de buenos datos). El problema es su narrativa, que suele ser muy árida y que necesitas un gustillo por la ciencia ficción para terminarla. Por lo tanto, aguas si comienzas con este libro.

-------------------------------------------------------

Saludos a mi mujer ^^, así a mi comadre, como quienes gustan de este tipo de libros.

Cartas desde Iwo Jima: cuando Clint Eastwood ruleaba

Hace 8 años la situación personal de un servidor estaba en reconstrucción, en todos los sentidos (tal como ahora, pero la diferencia es que mi adorable esposa me hace compañía). Estaba saliendo de un bache muy profundo y no hallaba el Norte. Por suerte, las cosas se fueron enderezando para finales del 2006 y ya para el 2007 la situación tomo un cauce mucho más agraciado, que culmino con una serie de satisfacciones que continuan a la fecha.

¿Por qué hablar de esto? Bueno, porque una de las actividades que pude hacer de nueva cuenta fue ver películas en el cine. Y uno de los primeros filmes elegidos fue "La Conquista del Honor" de Clint Eastwood. Lamentablemente este no resulto tan bueno como esperaba y me pareció una decepción, más cuando comenzaron a salir las críticas de la otra película que el director hizo casi al paralelo: Cartas de Iwo Jima.

Sin embargo, parece que esta última no pareció interesarle a los distribuidores en México, porque solo la vi anunciada en la capital y por aquellos años me la pasaba deambulando por la linda provincia. Finalmente, tuve que posponer un buen tiempo en verla, hasta que hace un mes, en un arranque de estar descargando películas bélicas, me tope con esta y debo decir que me pareció un peliculón de Eastwood. Pero vamos a ver porque.


Antecedentes: Clint Eastwood filmo en el año del 2006 tanto "La Conquista del Honor" (en un record de 90 días) y "Cartas de Iwo Jima", teniendo su fotografía principal en California, mientras se realizaron algunas tomas extras de gran importancia (como el desembarco de los Marines) en la original Iwo Jima. También supuso un tiempo record en la filmación, ya que esta acabo en noviembre del mismo año y las dos cintas se estrenaron en diciembre del 2006. Aunque La bandera de Nuestros Padres tuvo un gran recibimiento, fue Cartas de Iwo Jima que mereció todos los honores, al grado que estuvo nominada a los Oscars en Mejor película, Mejor director y Mejor guión original (este a cargo de Iris Yamashita, americana de nacimiento, pero de padres nipones). Como dato curioso, la película esta hablada casi en su totalidad, en japonés.
Argumento: Verano de 1944. Japón ha sufrido una catástrofica derrota en una gran batalla aeronaval y que lo ha puesto de rodillas ante los EUA. Sin embargo, el Alto Mando Nipon no considera la derrota y ha comenzado a llenar de hombres y pertrechos las islas aledañas al archipielago japones, en especial Iwo Jima, que se considera un enclave de importancia. El comandante que ha sido destacado recientemente, el general Kuribayashi, trata de convencer a sus hombres de resistir y pelear de manera ordenada. Sin embargo, la mentalidad japonesa de la mayoría de los oficiales choca con los planes de Kuribayashi, lo cual conlleva a la larga a una derrota dolorosa y sangrienta. A la par, el soldado de primera Saigo, que ha terminado en la isla en contra de su voluntad, constantemente escribe y manda cartas a su esposa contandole lo más posible sobre la situación en la isla, así del desembarco que en un mes, ocasionará la muerte de casi los 20,000 defensores nipones y de 8,000 soldados americanos.

Historia: Si ya me había tocado con tramas un tanto trilladas o muy superfluas, ver esta película me supuso una bocanada de aire fresco. Lejos de un relato fiel a lo sucedido en la batalla de Iwo Jima, también se convierte en una especie de biopic y a la vez un filme de drama. Léase, lo tiene todo. La película inicia un tanto tradicional, con la presencia de Kuribayashi, encarnado por un genial Ken Watanabe y como va tratando de ganarse la confianza de sus hombres. Sin embargo, sus ideales y su educación, pro-americana, rapidamente choca con la tozuda mentalidad japonesa del sacrificio y el honor. Eastwood hace un retrato vívido de estas diferencias y lo hace de tal manera que no sabes a que lado inclinarte. Claro, uno podrá entender que la forma de ser de Kuribayashi puede ser la correcta, pero poniéndose en el lado japones, no puedes tampoco dejar de entenderlos. Fuera de las escenas bélicas, del ritmo, del carisma de los personajes, el director hace maravillas para mostrarnos las diferentes posiciones que se tenía en la guerra, sin caer en cliches ni tramas absurdas. No entiendo como a la fecha, el buen Eastwood se ha ido apagando y yendose a tramas más convencionales y clichés, cuando al verlo aquí, esta fabuloso. No solo por la historia de Iris Yamashita, que me parece genial (los dialogos, las situaciones, los pensamientos de los propios personajes), si no la forma en que los actores sacan puntadas y comentarios que los llenan de color. Aparte, las subtramas estan tan bien hechas y terminadas, que realmente llegue a sentir empatía por los defensores nipones. Curiosamente, Saigo se hace insoportable, pero a la vez lo llegas a comprender. Si una historia te llega a despertar tales ambivalencias, solo puedo decir que es una genialidad.
Personajes: Aquí tenemos dos espectros. Por un lado vemos a los protagonistas, como Kuribayashi, Saito o el Barón, que tienen sus motivaciones, su ideología, sus acciones que los hacen personajes sumamente complejos. Sin embargo, en el caso de los demás nipones, inclusive de los mismos gringos, caemos en personajes muy estereotipados y poco evolucionados. Claro, hacerlos a todos carismáticos, habría hecho más pesada la película y aparte, estos secundarios están hechos para que los protas brillen, pero si por momentos ves cosas tan clichés que es lo que le resta un poco de calidad a la película (en especial el final, que si fue emotivo, pero muy prototipo).
Fotografía: Tom Stern se encarga de las tomas y es el fotografo preferido por Eastwood. Debo decir que a diferencia de La bandera de Nuestros Padres, acá ensucia más la lente y vemos una imagen poco nítida, casi como si fuese una película antigua, lo cual se exacerba por algunas tomas del desembarco o de las batallas que son formidables. Lamentablemente, el "pero" viene con las tomas dentro de las túneles, las cuales son tan oscuras que a veces costaba distinguir entre los personajes.
Efectos especiales: lamentablemente, fuera del excelente diseño de algunas baterías japonesas, los uniformes, los cascos, así las condiciones de vida del soldado nipon de aquellos años (casi estaba babeando cuando pusieron un tanque japonés Chi-Ha por allí), el CGI dejo mucho que desear, en especial con las tomas abiertas a la flota de desembarco, que se veían tan irreales que rompía con la fantástica fotografía de Stern.

Música: Kyle Eastwood hace una música fantástica, lejos de ser el hijo del director. Sin embargo, acá logra una buena partitura musical y se nota en especial en momentos, tanto emotivos como de acción. Sin embargo, por sí sola no tiene esa presencia, por lo cual no la deje dentro de mi winampeca personal. Pero si la escuchas con las imagenes, es harina de otro costal y hasta te hace emocionarte.
Doblaje: trate de descargarme la película subtitulada, pero con las nuevas restricciones eso valió churro, así que la única versión disponible era la doblada y debo decir que no me decepciono en absoluto. Cierto que suena medio irreal la voz de Enzo Fortuny con Saigo, pero logra apropiarse del papel y lo hace de manera genial. El que me encanto que repitiera fue Ricardo Brust en la voz de Ken Watanabe, ya que lo había escuchado en el Último Samurai donde hizo un trabajo formidable. Acá Brust le resta cierto acento oriental y se escucha aun muchísimo mejor. El resto del Cast es igualmente bueno y m egusto mucho la siempre genial actuación de Sergio Gutiérrez Coto como el Barón. Curiosamente, cuando los personajes hablaban en inglés o había americanos en tal idioma, eso si lo dejaron sin traducir, lo cual le dio un plus.

A título personal: "Cartas de Iwo Jima" me la chute en dos sentadas. Primero pensé en vermela diez minutos por día, ya que tenías más pendientes, pero cuando fui por la segunda vez, no pude dejar de verla y me la acabe toda, aun cuando mi pobre esposa me preguntaba en que estaba tan entretenido. Es que la película te engancha, te dejá emocionado con cada escena que vez y sobre todo, sabe manejar dos ritmos muy distintos. Por un lado, un ambiente relajado previo a la batalla y luego una sensación claustrófobica que te deja ese mal sabor de boca, no por lo mal hecho, si no porque sabes que va a pasar y no puedes evitarlo. El final me parecio adecuado, aunque un tanto sencillo, luego de tanta adrenalina que te dispara la película.

En conclusión, "Cartas desde Iwo Jima", es de las mejores películas de acción bélica que he podido disfrutar. Aunque las batallas son mínimas, el drama, no solo asociado a los personajes, si no la situación es manejada de tal manera que te deja fascinado. Es tal vez de las mejores películas de Eastwood y que supera con creces a su hermana gemela. Aunque pretendio ser la versión "japonesa" de la batalla, técnicamente esta se la come a bocados y por donde se vea. Bastante recomendable, aunque eso sí, tiene algunas escenas subidas de tono en cuestión de violencia, así que aguas a la gente susceptible.

Aun me pregunto, como es que luego de estas joyas, Eastwood haya caído tan bajo con American Sniper. Y lo digo por las inclinaciones taaaan pro-yanquis. 

--------------------------------------------------------------

Saludos a mi paciente esposa ^^, así a quienes gustan de este tipo de cine.

Identidad secreta: un cómic formidable del Hombre de Acero

Hace varias semanas, La Órbita de Endor comenzó a emitir varios podcasts sobre el origen y desarrollo de Superman. Se dedicaron a repasar los inicios del personaje, así como sus cómics y películas más emblemáticos. Como es lógico, un servidor comenzó a escucharlos y luego de casi 16 horas, pude ampliar mucho más mi acervo sobre uno de los personajes más emblemáticos, no solo de la DC Cómics, sino del universo comiquero.

De por si los podcasts de este tipo me encantan, pero el de Superman me parecio formidable. Las recomendaciones que hicieron dos de los expertos, Paco Garrido y Antonio Monfort, fueron apabullantes y ahora mismo ando descargando varias de ellas, incluyendo cómics y películas animadas. Por supuesto, me hubiese gustado comprarlas, pero primero, la distribución de tales obras en México es casi nula y segundo, no hay cash. Así que tengo que recurrir a uno de los vicios más antiguos de la Internet: la piratería.

Como sea, una de las primeras obras que me puse a buscar, fue "Identidad Secreta", considerada entre algunos fans, como una de las mejores historias de Superman. La razón de que solo "algunos" la vean así, es por las peculiaridades que guarda esta historia, la cual hablaremos a continuación.


Detalles técnicos: Superman, "Identidad Secreta", es una mini serie de 4 tomos, de 48 páginas cada uno. Guionizado por Kurt Busiek y dibujado por Stuart Immonen, el origen de la historia esta basado en el Superboy-Prime, de la saga de Crisis en Tierras Infinitas.

Antes de seguir con la crítica, es necesario hacer un contexto breve: Antes de la primera remodelación que tuvo el Universo DC con la saga de las Crisis, las publicaciones de dicha editorial se apoyaban en una cantidad vasta de diferentes universos o Tierras, que tenían la función de mantener héroes de diferentes etapas o épocas vivos, sin prescindir de alguno de ellos. Claro, esto resultaba provecho para los guionistas, que podían explayarse a su gusto, desde matar a un personaje mientras en otra "Tierra" seguía vivo o alterar líneas de manera sustancial. Claro, DC se termino por cansar de esto y trato de "borrar" esto, fusionando todo en una sola Tierra, que en su momento fue bastante impactante, pero a la larga poco práctico.

Uno de esas Tierras alternas, era llamada "prime", ya que se supone que esta había originado las demás y tenía la peculiaridad que era una calca de la nuestra: los superhéroes no existían, más que en el modo ficticio y en papel. Curiosamente, tuvieron que inventar un "superboy" en algún momento y que en cierta manera, servía de inspiración directa a los dibujantes de cómics de Tierra Prime (seh, aberrante, pero tenía su lógica). Como ya sabemos, este Superman termino por quebrarse moralmente y se volvió de uno de los villanos más emblemáticos de los últimos años.

Pues en el momento que Busiek estaba guionizando algunas historias de Superman, solicitó sacar una mini-serie que fuese una especie de Elseworld: léase, una historia aprobada por DC y publicada por ellos, con elementos de algún universo canónico, pero donde se podía hacer lo que uno quisiese. Aunque esta saga no tiene tal sello, los fans la consideran dentro de dicho canon. La saga se emitió de manera mensual de enero a abril del 2004 y tuvo un gran éxito entre la crítica.

¿Y de qué va la historia? Está habla de Clark Kent, un adolescente común y corriente que vive en un mundo donde los superhéroes solo existen en los comics. Clark siente malestar hacia su nombre, ya que sus padres, apellidados Kent, quisieron nombrarlo como la identidad secreta de Superman, según para honrarlo, pero no ha hecho más que generarle burlas por parte de los demás. Sin embargo, un día, unos misteriosos poderes y que tienen muy en común con los de Superman, despiertan en su cuerpo y es cuando comienza su andanza, no solo como un héroe, sino también como profesionista, esposo y padre.

La primera impresión que me causo dicho cómic, no solo por la reseña que hicieron en la Órbita de Endor y por sus primeras páginas, fue un tanto decepcionante: la idea no era nada original (Un chico normal adquiere superpoderes) y el inicio era muy cliche, donde Clark sufre el acoso de sus compañeros, pero luego como aprende a lidiar con dicha situación ya con sus recien adquiridas habilidades. Amén del dibujo de Immonen que pese a ser contundente en ocasiones, su estilo siguió sin convencerme, casi hasta el final, cuando algunas acuarelas y paisajes me dejaban con la boca abierta. Aunque muchos alaban el arte del susodicho, creo que prefiero algo más sencillo y más definido.

Sin embargo, lo que me hizo quedarme prendado de la historia, fue el estupendo guion de Busiek. Cierto que inicía muy predecible, pero el desarrollo es apabullante, formidable y sobre todo, lleno de guiños a la mitología del Hombre de Acero. Ya para cuando estaba terminando el primer tomo, estaba más que fascinado con los tratos a la historia y sobre todo, con la verosimilitud de la misma. Y aquí yace la raíz medular del éxito de esta obra.

Para quienes han leído comics, notarán que los comienzos o cimientos de todo superhéroe, generalmente son los mismos. Pero si probamos dichos prólogos a la vida real, tendrán más agujeros de trama que un queso gruyere. Como prueba de esto, es la actitud crítica que toma mi esposa cuando la llevo a ver una película basada en algún héroe de comic. A diferencia mía, no es una freak ni tampoco ha tenido la formación de uno, por lo cual, su opinión de las cosas suele ser mucho más en una línea realista que la de un servidor. Por esto, durante la primera hora del filme se la pasa preguntándome porque pasa esto y aquello. Muchas veces no puedo responderle, sencillamente porque tiene razón: el argumento se fija a la misma base endeble de siempre, la cual a nivel realista, no da el pegue y se queda muy floja.

En cambio, Busiek con "Identidad Secreta", trato esto de otra manera, dándole el mayor realismo posible. No solo en la cuestión social, (la cual se desarrolla de manera brutal en el segundo tomo), sino también psicológica. Vemos como Clark va aprendiendo, a la mala, a ser superhéroe. A proteger su identidad y que todo lo que ha leído en los comics, no aplica en el mundo real. Como dije, esto se ve de manera exponencial, tanto en el segundo como tercer tomo, donde me la pase "pipa", viendo como Clark trata no solo de proteger al mundo, sino a su naciente familia, de la desconfianza, la paranoia y el control de cierto país, que desea utilizarlo a su favor (sí, ya sabemos que es), pero que a la vez, le tiene miedo.

A tal grado se logra la dicho verosimilitud, que la empatía que te genera el protagonista es abrumadora. La mitad del segundo y parte del tercer tomo, te dejan con una sensación de angustia plena. Pese a todos sus poderes, Clark mete la pata y esta a punto de ser vencido en varias ocasiones. Tiene que aprender del ensayo y error, para poder no solo modular su presencia, sino también continuar su labor. Tal vez en otra temporada de mi vida no me hubiese pegado tanto, pero ahora, es difícil no sentirse así, ya que lo entiendo de muchas maneras, aun cuando yo no tenga su superfuerza o supervelocidad.

Curiosamente, la historia es totalmente del protagonista. Los secundarios hay y muy divertidos o amenos, pero Clark se lleva todo el pastel y no me molesta en absoluto. Es más, hasta siento que falto otro tomo que explicase otras cosas, pero al fin al cabo, es una opinión muy personal. 

Sin embargo, no todos son aplausos para esta espectacular obra. Sí, el problema viene con el tomo cuatro, el final. A mi me encanto, pero en el fondo soy un cursí y ver esta conclusión me fascino, aunque no es el tono más apropiado, más cuando toda la obra había manejado un nivel de tensión bastante alto y para la forma en que todo se soluciono, pues....sí te deja un tanto extrañado. Bueno, como dije, en mi particular, lo agradecí mucho, pero creo que el buen Buziek no hallo como resolucionar todo y se fue por la opción más típica: un final de cómic. Sip, aquí se pierde mucho esa verosimilitud y volvemos a los viejos caminos del héroe.

En conclusión, "Identidad Secreta", es de los mejores comics que  he leído últimamente. No solo del Hombre de Acero, sino del mundo comiquero en general. Aunque en la Órbita de Endor se dijo que esto pudo haberse emulado con otro superhéroe, creo que Superman se sigue llevando las palmas, no solo por sus poderes, sino por la forma en que el personaje ha sido construido y nosotros lo percibimos. Es muy recomendable y cualquier fan tiene que haberselo chutado. Es material imprescindible. Al grado que si alguien me lo pide, con gusto mucho se lo paso.

--------------------------------------------------------------

Saludos a mi Louise ^^, así a quienes gustan de este tipo de comics

Captain Tsubasa: su historia a través de sus openings

Captain Tsubasa o los Supercampeones, ha tenido una historia bastante rica en nuestro continente. Ya he comentado como la serie tuvo un "preestreno" a nivel nacional, mediante la cadena Telemundo, a finales de 1993. Claro, el canal solo se emitía en cable y por lo tanto no todos podían ver esta serie, que aparte, la pasaban a horas tan extrañas, como a las 7 de la mañana. Fue gracias a mi hermano, que pude disfrutarla como Dios manda (y también que me hizo el favor enorme de grabarla en la VHS que teníamos por aquellos años).

Felizmente, Televisa decidió transmitirla por Canal 5 en horario estelar (7 de la noche), durante el año de 1994, justo en pleno Mundial. La serie duraría al aire por espacio de casi 2 años, cuando en febrero de 1996, decidieron reemplazarla. Por suerte, Captain Tsubasa volvería a la carga, pero ahora en manos de Tv Azteca en 1997, pero siendo la versión "J", la emblema de los Aztecos, por al menos los siguientes dos años, cuando para mediados de 1999 la volvieron a retirar del mercado. Claro, la televisora del Ajusco volvió a pasarla una o dos veces y de manera incompleta.

Pero Televisa no se dejo y para el 2005/2006, emitieron "Captain Tsubasa 2002", otro remake de la serie y que en Japón se emitión entre el 2001 y 2002, con motivo de la Copa Mundial que albergaron junto con Corea. Curiosamente, este serial tuvo gran éxito, ya que no solo se encargo de animar el campeonato de primaria y secundaria, sino también el Mundial Sub-15.

Desde entonces, no ha habido otra animación que haga justicia al manga de Yoichi Takahashi. Los rumores en su momento han hablado de la adaptación del laureado Mundial Sub-20 o de la selección sub-23, pero todo ha quedado en puros chismes.
Como con Saint Seiya, la animación se encargo de revitalizar un manga un tanto recortado y con dibujos extraños por parte del autor. Sin embargo, tampoco podemos negar que la animación también era bastante aberrante y un antecedente muy temprano de lo que serían los fillers con Naruto y Bleach.

No obstante, si algo hay que premiarla a todas estas animaciones, es su música. Todas, absolutamente TODAS, tienen una música de primer nivel, no solo en el aspecto de BGM, sino también en sus intros y cierres. Por algo, la siguiente entrada hará un pequeño homenaje a los "Openings" que marcaron la infancia de muchos, incluyendo a un servidor.


-Moete Hero (Captain Tsubasa 1983 opening)

Curiosamente, fue hasta hace unos 15 años, cuando el mundo pudo conocer este opening, cortesía de Hiroyuki Okita. La razón es que fuera de Japón, el opening fue modificado a tal manera que cada país donde se emitió la serie, tuvo sus propias versiones. Latinoamérica estuvo a punto de tener la versión "original" doblada, pero por alguna razón, la canción de Ricardo Silva fue hecha a un lado y en su lugar escuchamos la rola interpretado por Eduardo Tejedo y compañía (la cual no me molesta en absoluto). Así que cuando escuche esta rola, me saque un tanto de onda, ya que solo se escuchaba en la serie, pero de manera instrumental. Aun así, me parece una rola mucho más actual de lo que se escucha. La razón es que en aquella época, los japos les daba por hacer canciones mucho más lentas, casi baladas.


-So Long Dear Friend (Shin Captain Tsubasa)

La primera vez que escuche de esta rola, fue en un video que incluía el especial de la revista Dokan sobre Captain Tsubasa e interpretada por el grupo JETZ. Debo decir, que fue amor a primera escucha, ya que la melodía combina una melodía cadenciosa, muy ochentera, con un cambio de ritmo abrumador, que hace que emocione. Y es que era una revolución de la serie en muchos sentidos, pasando del drama puro a la acción (como debía ser pues). Fue una suerte que pudiera escucharla en ese momento clave de mi vida (por allá de 1998) y más en la forma, ya que los OVAS (Shin) no se han emitido de manera comercial en nuestro continente. Por suerte, Europa si tuvo ese chance y por eso hemos podido saber de esta serie, que cubría el famoso Mundial Sub-15.

-Fighting (Captain Tsubasa J)

Una de las canciones más emblemáticas de todas la series. Compuesta y cantada por el grupo Face Free, que había cosechado buenos dividendos con una rola para el OVA "Holland vs Japan", Nippon Animation decidió traerlos para continuar con una canción bastante rítmica y con unos "solos" de guitarra formidables. Por pura suerte, pudimos disfrutarla en México desde el inicio, ya que el opening llego a estar en su versión japonesa. Sin embargo, como con Ranma, pronto se dejo la versión doblada (interpretada por Ricardo Silva), la cual es una gran adaptación. Curiosamente, conseguir la versión de esta rola fue algo bastante díficil y hasta a mediados de la década pasada, cuando al fin pude disfrutarla (cortesía en parte a mi "hija" Andrea).


-Dragon Screamer (Captain Tsubasa 2002 Opening 1)

Esta rola tampoco la hubiese conocido hasta el 2004, cuando la serie se emitió en Canal 5, sino hubiese sido por una novia que tenía en aquel entonces. Como era una gran fan de Captain Tsubasa, me puse a buscarle en la red (en el antiquísimo Ares), episodios originales de la serie. Allí fue cuando conocí el anime 2002 en todo su esplendor. Curiosamente, este no fue el primer opening en verlo y escucharlo, sino el que sigue. No niego que esta rola me causo ambivalencias al principio, ya que estaba muy adoc a las canciones que se escuchaban en aquellos tiempos. Pero bueno, al fin al cabo, tenía calidad (todo gracias al grupo Da Pump) y me fue ganando con el paso del tiempo, al grado de convertirse en un opening bastante emblemático, en especial en el "solo" que se escucha a media rola.


-Our Relation (Captain Tsubasa 2002 Opening 2)

Eriko Imai se convierte en la primera chica en interpretar una apertura de la serie de Captain Tsubasa. Siendo una serie shonen, era lógico que los caballeros fuesen quien dieran vocal a las aperturas. Sin embargo, la melodía no demerita en absoluto y al contrario, me parece bastante épica por momentos, combinando por instantes, la era de los años ochentas con lo que era el inicio de este siglo. Curiosamente, la melodía no ha logrado sobrepasar muy bien el paso del tiempo y es que aunque es muy rítmica, la ausencia de cambios notables o de "solos" instrumentales, hace que decaiga conforme la estes escuchando. Sin embargo, cuando la rola se combina con las imagenes del opening, vuelve a tomar vitalidad (un partido entre Inglaterra y Japón, donde vemos a Beckham de manera indirecta).


-Los Supercampeones (intro Latino)

Y claro, no podía dejar de lado el "bonus", que corresponde a este carismático, extraño, aberrante, pero excelente tema que tuvo la serie de 1983 cuando se emitió en Telemundo y Canal 5, a mediados de la década de los noventas. Muchos fans actuales lo odian, pero para los añejos, es como la melodía de los "Guardianes del Universo" de Saint Seiya: nostalgia pura. En lo personal, me encanta.


--------------------------------------------------------

Saludos a la dueña de mis quincenas ^^, así a quienes gustan de este tipo de canciones.

El Código Enigma: Oscar al mejor guion adaptado (y se nota porque).

Los Oscars fueron apenas hace unos días y en su momento todo mundo gritaba que el premio ya era mexicano, debido al triunfo de Cuarón y ahora de Iñarritu, gracias a su última obra, "Birdman". Sin embargo, a opinión propia (proooopia), esto solo es un embuste y una forma de aligerar las tensiones que hay ahora en México, donde las cosas están más torcidas que nunca. Pero bueno, el pueblo quiere pan y circo. Allí va su circo.

Aun así, no demerito el trabajo de Iñarritu y pese a tener apoyo mexicano en varios rubros, ni se diga del gran Emmanuel Lubezki, al fin al cabo, es un producto norteamericano y quien gano, fue él, no nosotros. Le aplaudo como espectador y por gusto, ya que los mexicanos tenemos talento. Solo falta demostrarlo en otras esferas.

Durante la ceremonia, la cual departí con mi esposa, estuvimos hablando de una película que vimos ya hace 3 semanas y es por la cual Benedict Cumberbatch gano su primera nominación a estos premios: El Código Enigma. Por lo tanto, la reseña de esta entrada, va dedicada a dicho filme, que narra uno de los más pasajes más turbios pero recien descubiertos de la Segunda Guerra Mundial.


Antecedentes: Andrew Hodges saco una biografía de Turing en 1992 y tuvo un relativo éxito. A principios de esta década, la Warner Bros decidió adquirir los derechos del libro para convertirlo en película, en especial porque Leonardo Di Caprio estaba interesado en interpretar a Turing. Mientras Graham Moore adaptaba el libro (lo cual le valió el Oscar por este trabajo y que demuestra que a los de la Academia le gusta lo pretencioso y dramático. Para más detalles, seguir leyendo), Di Caprio ya no siguió y en su lugar se llamo a Benedict Cumberbatch. Se bajararon directos como Yates o Ron Howard, pero el elegido fue el laureado director noruego, Morten Tyldum. La película se rodo en el último trimestre del 2013 mayormente en Bletchey Park (donde supuestamente estaba estacionado el grupo Ultra) y finalmente, en el 2014, luego de una transacción millonaria, The Weinstein Company adquirió sus derechos luego de sus presentaciones en varios certamenes europeos. En EUA se estreno finalmente en noviembre del 2014 y en México, a principios de febrero (luego de varios retrasos en las fechas). 
Argumento: la película narra de manera intercalada, la creación del grupo "Ultra" y la vida de Alan Turing, matemático que se considero responsable de la creación de una máquina que era capaz de descifrar el código Enigma, una suerte de contraseña que utilizaron los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial y que servía para encriptar sus mensajes y ordenes más secretas. Durante el mismo, vamos conociendo las peculiaridades del carácter de Turing, encarnado por Cumberbatch y como se fue haciendo la creación de Ultra, la organización que logro acortar en al menos dos años el conflicto.
Historia: Había leído críticas sobre esta película, en especial en el rubro de la historia y debo decir que les doy bastante razón a dichs comentarios. Estamos ante un biopic, una película que narra la vida de alguien famoso y estos se han hecho mucho más populares en los últimos años, a raíz del gran éxito que tuvo "El Discurso del Rey". No niego que la película tiene un gran ritmo, es dramática, entretenida e intercala escenas graciosas, teniendo buenas actuaciones (el momento donde se rompe el código es formidable, te llena de emoción). Sin embargo, a diferencia de otras, el director no quiso profundizar demasiado en algunas áreas y eso le resto bastante punch. Digo, solo hay que compararla con "Una mente brillante". Ron Howard se enfoco meramente en la vida de John Nash y nada más. Sí, vemos sus aportaciones, pero como efectos colaterales. En otra, la mencionada Discurso del Rey, de Tom Hooper, sí vemos el marco de la Guerra, pero muy debajo y nos centramos más en las cuestiones psicológicas de Jorge VI. En cambio, esta película es por momentos pretenciosa y nos quiere meter en un mismo cajón, que Turing era un genio consumado y a la par, relatarnos de la importancia que tuvo su máquina para ganar la Guerra. En cierta manera es cierto, pero la forma en que lo plasma el director, ni se diga el guion, hace que la película sea grandilocuente, inexacta (lo cual veremos al rato) y para colmo, no explora de manera profunda algunos detalles, como la infancia de Turing (la evolución que tiene luego del evento traumático que tuvo en la escuela) o que sucedió con él después, aunque se trate de refilón en el fime. Digo, para alguien nada exigente, la película sera amena, entretenida, pero si uno es más exigente, notará fallos, no solo en la narrativa, sino también en la profundidad. La prueba de esto, es que cuando mi esposa me comienza a soltar preguntas al salir de la función, es que la película no se las contesto o peor, las quiso responder de manera taaan ambigua, que terminas medio extrañado.

Personajes: la parte más potente de la película y con mucho. Para empezar, Cumberbatch hace una estupenda actuación, que le valio una nominación al premio de la Academia. Y aunque la Keira Knightley también tiene sus momentos, me pareció medio exagerada su promoción. El resto de los secundarios son geniales, pasando desde el interpretado por Mark Strong hasta Matthew Goode, que te saben ganar con sus comentarios e interpretaciones. El gran "pero" viene con la escritura de los personajes (otra vez parte del dichoso guion): Turing es retratado como un sujeto con Asperger, mientras el personaje de Joan Carter (Knightley) también está hecho con las patas, ya que oscila entre ser una jovencita conservadora inglesa de mediados del siglo XX hasta ser una especie de feminista de juego colorado. Nuevamente lo confirmé cuando no solo mi mujer, sino hasta Sam me preguntaron al respecto. Y es el problema cuando la película se toma demasiadas licencias, con el objetivo de impactar, más que contar una historia como Dios manda.
Diseño gráfico, vestuario: Una parte que me encanto en todos sentidos. La película nos transporta a la Inglaterra de la Segunda Guerra Mundial, no solo por los vestuarios, trajes y peinados, si no también por las inclusiones de deliciosas referencias, como los soldados ingleses con sus característicos cascos o el uso de una tecnología muy adoc a los años cuarenta. Cuando vi a "Christopher", estaba flipando de la emoción. Entonces no había transistores, sino bobinas y el hecho de verlas funcionando, de manera mecánica, me hizo emocionarme más de una vez. Digo, siempre he sido un gran defensor del contexto y cuando una película quiere recrearlo lo más posible, no puedo solo que levantarme y aplaudir al respecto.
Música: Alexander Desplat se ha venido convirtiendo en uno de mis compositores favoritos en los últimos años. Si ya vi sus genialidades con Godzilla, aquí saca otra genialidad y crea un OST muy intimista. Casi me recordó a ese bello leitmotiv que Horner hizo para "Una mente brillante", pero siendo muy propio y hasta encajando con la personalidad de Turing. 
Doblaje: No me toco verla en español latino, sino subtitulada (y por suerte no había tal versión en los cines. A mi mujer le encanta la voz del protagonista). Pero checando Doblaje Wiki, noto que sus dobladores de siempre, Luis Daniel Ramírez y Xóchitl Ugarte están a cargo, lo cual me da cierta tranquilidad.
Controversia: Ya quería llegar a esta parte. Lo que no permitió disfrutar del todo esta película, es la cantidad de inexactitudes históricas que hay (y que inclusive generaron problemas con descendientes y conocidos de aquella época). Antes de ir al cine, me puse a leer de la vida de Alan Turing y cuando comencé a ver la película, me llegue varios chascos. Empezando, el personaje principal me lo deformaron para hacerlo más dramático: le dieron ciertos rasgos de Asperger, lo hicieron retraído, que era objeto de bullying y que inclusive llego a tener a conexiones emocionales fuertes con Joan. Todo esto nunca fue probado y otras eran al revés. Turing era sociable y tenía muchos amigos, era popular en la escuela y aunque si hubo algo con Carter e inclusive se hablo de casarse (con compromiso y todo), la misma matemática dijo que no llego al nivel de la película. Pero para rematar, sino lo deje en claro, Turing jamás se comprobo que fuese Asperger y que para colmo, pese a la actuación de Cumberbatch, fue mal llevado en la película. eso (pese a que tenía ciertas excentricidades) y el tema de la homosexualidad fue muy velado respecto a la historia original. Digo, la película se ve bien, pero se tomaron tantas licencias dramáticas que si me frikeo por momentos. Para rematar, lo sucedido con Ultra, también fue muy acomodado para que tuviese más carga dramática: Ultra no solo fueron unos científicos, sino miles. La máquina no se llamo Christopher, sino "Victory" y aunque si hubo un cierto control para que los alemanes no descubrieran Ultra, no llego a ser tan dramático como expone la película (aunque no se niega que sin esa cosa, la Guerra habría continuado por varios años más).
Tal vez lo más polémico es el tema de la homosexualidad. Acá se da por contado que el suicidio fue por la castración química, cuando está, ya había acabado al momento del suicidio de Turing y está se dio por el maltrato que recibió a raíz de las penalidades que existían en Inglaterra en aquel entonces. Claro, no quieres criticar a un país, pero a mi parecer, le resto importancia y potencia a este dato que hubiese beneficiado mucho a la película en drama.
Aportes: lejos de la crítica a la pretensión, Turing es un genio que había sido olvidado por su pasado homosexual. Destacado matemático, publico varios artículos durante su vida, donde defendía el uso y avance de las calculadoras personales que eran capaces de resolver problemas complejos y que en su momento se llamaron "Turing" (y que hoy en día se conocen como computadoras). Aparte, su papel como descifrador en Ultra fue vital para que los Aliados ganaran la guerra. Lamentablemente, el escandalo en que se vio envuelto (la homosexualidad era penada por ley en Inglaterra en aquellos años), termino por darle una mancha exagerada a su labor y fue hasta el 2013, cuando la Reina Isabel II le concedió el perdón, tanto político como penal. 
A título personal: Apenas escuche hablar del filme a principios de enero. Sin embargo, le tenía cierto pánico, ya que la película de Assenge, con Cumberbatch, había resultado bastante pobre. Pero cuando las primeras críticas dijeron que la película era excelente, no dude en arrastrar a mi esposa al cine, aunque en esta ocasión, sin tantos peros, ya que ella le encanta el protagonista. Por ciertos retrasos, llegamos al cine cuando apenas estaban los títulos iniciales, aunque eso no perjudicó gran cosa lo que vi después. Como película, me gusto y mucho. Me la pase muy bien y aparte en ningún momento me parecio aburrida. Sin embargo, lo que si me choco, es que el filme se toma demasiadas libertades y eso haga que sea poco creíble por momentos y caiga en dramatizaciones solo para despertar cierto sentimiento en los demás. Demasiado pretenciosa pues y eso hizo que se quedará muy corta en el momento que la vi como nominada a los Premios Oscar. Bien actuada, bien dirigida, pero con poco punch al fin al cabo.

En conclusión, "El código Enigma" es una buena película. Llena de drama, con puntualizaciones matemáticas muy instructivas y con unas grandes actuaciones. El gran problema, es que su guion es demasiado sencillo y muy pretencioso, por lo cual, es un buen biopic, pero jamás la utilizaría para escribir una biografía de Alan Turing. Recomendable para cualquiera y de manera encomiable.

----------------------------------------------------

Saludos a mi mujer ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.