Kami nomi zo Shiru Sekai: la ruta de Nagase Jun

Volvemos a la ruta "psicoanalítica" de una serie que me encanta. Lamentablemente, será la última en mucho tiempo, ya que tecnicamente con esta chica, acabo las primeras dos temporadas de la serie y aunque el manga se sigue publicando, es más divertido verlo en su formato de anime.

Como sea, vamos a la ruta que no parecía prometer mucho y al contrario, daba para mucho morbo, pero me sorprendió gratamente con su final y la forma de solucionar el problema que tenía la protagonista de este "arc".

Nagase Jun de 21 años va a la escuela de Keima como aprendiz de maestro. Durante la clase de literatura de la escuela de la profe Nikaido, observa como Keima está jugando en clase. Decidida a ayudarlo, apenas nota cuando un alma suelta entra en su cuerpo. 
Al tratar de ayudar a Keima en la labor, rapidamente se da cuenta de que sus esfuerzos son en vano, no solo para él, sino para todo el salón de clases.


 En lugar de seguir la historia original, vamos a darle una vuelta, para que se entienda mejor esta entrada.

Cuando Nagase era joven, era vista como una joven llena de energía y motivación, sumamente fuerte y aparte alegre. Gracias a esta energía y su atletismo, derivado de su gusto por la lucha libre, se mete a varios equipos deportivos de la preparatoria. En esos tiempos, conoció a la profesora Nikaido (la maestra de literatura de Keima) y juntas conquistaron un campeonato de basquet para la prepa.
Debido a su impetú y liderazgo, Nagase se convirtió en la capitana del equipo.

Lamentablemente, este empuje y optimismo, no era compartido por las chicas del equipo, que rapidamente comenzaron a desertar ante los entrenamientos sádicos y entusiastas de Nagase, lo cual originó el cierre del club. Nagase se hundió en una depresión muy fuerte, al grado que abandono parcialmente el gusto por la lucha y decidió enfocar sus fuerzas en algo que pudiera redituarle mejor resultado: la enseñanza.

Así que lógico, cuando ve a un pelmazo como Keima jugar en pleno salón, piensa que solo necesita alguien que lo apoye y que le de ánimos (nada más lejos de la realidad). Pero todos sus intentos chocan con piedra, más cuando Keima se le pone díficil, ya que nota que tiene un alma pérdida en su interior. Cuando los intentos de Nagase se ven en su peor momento, también nota como los alumnos que tenía a su cargo, comienzan a repudiarla por su manera de ser.

Es entonces cuando vemos el flashback que explica el pasado de la susodicha (todo cortesía de la info que proporciona Nikaido a Keima). Con esta info, Keima comienza a "golpear" a Nagase de distintas maneras, desde hablar con ella, hasta llevarla nuevamente a las luchas que tanto disfrutaba cuando era más joven. 

Entonces llega un momento donde Nagase pierde la paciencia y comienza a portarse como una tirana con los alumnos, al grado de fastidiarlos. Estos la mandan a volar y es cuando la maestra recuerda que vivió exactamente lo mismo con sus compañeras del club de baloncesto.
Ya quebrada emocionalmente, dejando de lado su personalidad tierna, se va a llorar al gimnasio, donde se encuentra a Keima y le confiesa que es imposible lograr lo que ella cree, en sus propios ideales.

Y es aquí, donde sale lo genial del asunto: Keima en lugar de forzarla a que modere su forma de ser, le dice que no ha hecho lo posible para cumplir sus ideales. Que debe cumplir sus ideales y que para lograrlos, es lógico que no tendra contentos a todos, pero si es lo que ella sueña y quiere, no debe dejarse vencer.
Esto hace que Nagase recapacite y se de cuenta que aun debe dar más empeño. Claro, esto coincide con un final feliz, donde aparece la clase de Keima y viene a echarle ánimos a la profesora novata, diciendole que su forma de ser, pese a ser fastidiosa, le da ánimos al grupo como nadie.

Si lo comparamos con el caso anterior, podemos ver muchas similitudes. Se trata de una chica que mantiene una imagen muy optimista y alegre de la situación. Pero mientras Chihiro solo tenía una "mascara", aca Nagase tiene esta personalidad de manera genuina. Simplemente, existe una frustración por no haber logrado todo lo que se proponía y esa frustración estaba de manera constante, aunque ella trataba de simularlo.

En el caso de una consulta, muchas veces vemos pacientes o personas que tienen bien definidas sus metas. Sin embargo, han sufrido un tropiezo que viene a mostrar los errores de toda una existencia. es cuando tu proyecto de vida, en realidad ha estado truncado de mucho tiempo y apenas caes en eso.
Freud definia 3 "regiones" de la mente de una persona, que eran el ello, el yo y el superyo. El ello es el instinto primitivo, el niño que desea tenerlo todo, el superyo es el resultado del contacto con la sociedad, es la regla punitiva. Y el Yo, es la conciencia, quien medía entre el ello y el superyo.

Cuando viene una frustración, proviene, sea del superyo que es demasiado restringivo y no permite al ello disfrutar de placeres o viceversa, cuando el ello termina ganando al superyo y se cae en placeres culposos.
En el caso de Nagase, vemos como el superyo va minando mentalmente a la profesora, ya que sus deseos de que sus ideales sean entendidos, no se vean así y rapidamente se frustra ante la situación. Lamentablemente, el "yo" de Nagase es tan vulnerable, que a la primera que ve que las cosas se salen de su lugar, comienza a molestarse y por eso, en lugar de ser la misma persona amable, se vuelve punitiva, irritable y poco tolerante.

Y es cuando generalmente viene la mención de aprender a "canalizar" esa frustración, al disminuir los límites que queremos alcanzar. Muchas veces en terapia, le decimos al paciente, que tiene una "tabla" muy alta y que debe aprender a bajarla para evitar la frustración. Es lógico, es una forma de darle un cariz más humano, menos idealista a la realidad.
Sin embargo, también existe la otra, donde se puede mantener la tabla muy en alto, pero diciendole al paciente que es su decisión, pero que esa posición, también traera muchos problemas a futuro.

Y es justamente lo que Keima hace con Nagase: en lugar de decirle que le baje a su actitud, le comenta que no ha hecho lo suficiente para mantenerla. Que debe esforzarse más y con eso, el mensaje implícito es que si le va a echar ganas, no se vale quejarse y que las dificultades que encontrara son mayores, pero también las recompensas con muchas.

Esa parte la equipara con el gusto de Nagase con la lucha, donde un luchador puede ser el mejor del mundo, pero a costa de muchas lesiones y con el riesgo de quedar fregado de por vida.

Por eso hoy en día, es díficil que alguien logre sus sueños, ya que la mayoría prefiere el triunfo rapido, donde no solo salgamos ganadores, sino también le caigamos bien a todos. Eso es meramente imposible. Si uno debe luchar por sus sueños, a fuerzas alguien saldra fregado. Es la ley de la vida y si la aceptas, no se vale quejarse de eso.

También este "arco", sirvió para quitarle una venda a Nagase, donde pensaba que era la única que se esforzaba, que era la única que le echaba ganas. Para lograr algo, tienes que sacrificar muchas cosas, inclusive todo.
Claro, el reforzador en el anime, fue la aparición de los alumnos, dandole la razón a Nagase. Sin embargo, en la vida real, pocas veces existe ese "reforzador". Muchas veces las victorias no vendrán tan rapido, con el esfuerzo e inclusive puede que se presenten más derrotas.
Pero al menos, la tranquilidad de haber metido el acelerador al fondo, nadie se la quita a uno.

Por esto, este arco me pareció tan interesante y fue una forma novedosa de tratar la frustración. Keima definitivamente es un genio xD.

Tal vez lo único "bajo" de este arco, es que una chica de 22 años se ande fijando en un chaval de 16, da para muchos comentarios. Pero bueeeeeno.

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Saludos a mi Elsye :3, así a quienes gustan de este anime y el psicoanalisis xD.

Robotech: el comienzo

Ya había comentado en una entrada previa, sobre la saga Robotech, pero en esta ocasión, quiero profundizar un poco más sobre esta magnifica saga, que ha creado tantos fans alrededor del mundo.

Para los adultos jovenes y adultos ya mayores, que nacieron al menos entre finales de la decada de los setenta hasta mediados de los ochentas,el fenómeno del anime y manga era bastante reducido, aun pese a contar con un catalogo más o menos surtido.
 Claro, para ello, solo tenemos que ver la barra de programación que tiene Antena o canal 28, donde pasan desde la abeja maya hasta Mazinger Z. Y a eso añadimos series como Kimba, la princesa caballero, la princesa de los mil años, Josemiel, Marco o Perrine.

Sin embargo, si lo vemos fríamente, esto no era considerado "anime" por el público, sino como caricaturas orientales u occidentalizadas, lo cual disminuía un tanto su calidad, tanto gráfica como de historia (Jinete Estrella y las sagas de Voltron). Aparte, como las historias se ubicaban en un mundo muy poco japonés, la cosa estaba lejos de ser considerada un producto oriental.

Tuvo que llegar un producto que fue un derivado de la multitud de sagas "Mechas" que a su vez surgió a raíz del éxito de Gundam, que vino a revolucionar todo el ambiente del anime en México: Robotech.

Y aunque su "creador intelectual", Carl Macek, hizo lo mismo de Saban, al adaptar series japos al ambiente gringo y minimizar un tanto su violencia, supo hacerlo de tal manera, que hoy en día, la saga Robotech  viene a ser un universo paralelo que rivaliza en calidad e historia a la original Macross.


Robotech es una franquicia de series de televisión, películas y cómics de ciencia ficción. Uno de los rasgos distintivos de este universo es el uso de robots transformables en las batallas.

El hilo argumental en que se basa la historia es la protocultura, que se traduce en avances científicos obtenidos por la humanidad a partir de los restos de una nave alienígena estrellada en el Pacífico Sur. Lamentablemente, estos conocimientos traerán como consecuencia una serie de guerras contra diferentes razas extraterrestres.

El universo ficticio de Robotech creado por Carl Macek en un comienzo estuvo compuesto por una serie de animación de 85 capítulos, creada a partir de tres series de animación japonesa sin ninguna relación argumental entre ellas (Super Dimensional Fortress Macross, Super Dimensional Cavalry Southern Cross y Genesis Climber Mospeada). Luego, con los años, fue expandido con películas, novelas, cómics y videojuegos.


Starwars cambió la manera de hacer negocios, tanto en la pantalla grande como chica. De sobra se conoce como Lucas saco un as en la manga, que le garantizo hacerse millonario de la noche a la mañana y era el uso de la mercadotecnia. Esto consistía en sacar un montón de productos, desde juguetes hasta posters, relacionados con la franquicia.
De aquí, se agarraron los productores posteriores para tratar de sacarle "jugo" a cualquier cosa. Las series de televisión partieron principalmente de esto. Por ejemplo, la serie de He-Man o Mask, venían acompañados de sus juguetes, que fueron muy populares por aquellas épocas. A veces primero aparecía el juguete y luego la serie de TV o viceversa.

Por alla de principios de los ochentas y con el éxito de Voltron, tanto a nivel audiencia como mercadotecnia, otras compañías quisieron emular ese éxito.

Por aquel entonces, Revell, una compañía alemana dedicada al modelismo, comenzó a sacar un montón de modelos armables, derivados de Japón, entre ellos, los de una saga que había tenido cierto éxito, llamada The Super Dimensional Fortress Macross. Digo, inclusive en México salieron "modelos" de los valkirias (Varitechs en su versión gringa) que iban desde los más fashion hasta los "piratas" que consistían solo en un F-14 con patas y que le salía la cabeza, al estilo Transformers. Sin embargo, los modelos en EUA llegaron a vender poco, debido a que no se conocía el "producto" original.

El traer este producto, recayo en la productora Harmony Gold, que tenía en la cabeza a un creativo, un sujeto llamado Carl Macek, que solo había destacado de manera parcial, siendo adaptador de algunas series de anime o extranjeras, así había publicado uno que otro libro sobre la música pesada, algo que se había hecho popular en aquella época.

Harmony le encargo a Macek adaptar Macross, que ya había renombrado "Robotech", para la TV gringa. De antemano, Macek tuvo algunas broncas. La clásica es cambiar el nombre y nacionalidad de muchos de los personajes principales. De los que no se perdonaron, fue a los protagonistas, Lisa Hayes y Rick Hunter (Misa y Hikaru respectivamente), que dejaron de ser japos y se volvieron entre gringos o americanos. También Claudia LaSalle paso de ser francesa a ser gringa.

 La bronca principal consistió en la "duración" de la serie, ya que los seriales o caricaturas, según la ley, tenían que tener mínimo 65 episodios. Macross solo tenía 36.
Aquí se podría hablar del "genio" o "lócura" de Macek, ya que decidió tomar otras dos series (Super Dimensional Cavalry Southern Cross y Genesis Climber Mospeada), que Harmony había adquirido con el paquete de Macross, para fusionarlas en una sola y crear un concepto totalmente distinto.
Claro, esto entre los productores, creo un pánico temporal, ya que podría resultar un gran fracaso.
Para colmo, Macek ordeno "quitar" toda la banda sonora original de las 3 series, ya que no encajaba para ser una saga de 85 episodios. Otro movimiento arriesgado, ya que los 3 OST eran bastante buenos, inclusive el de Macross ha sido recordado como uno de los mejores de toda la historia del anime.

El encargado de musicalizar la serie e inclusive sustituir las canciones "idol" de la serie, fue Ulpio Minucci y Arlon Orber, que con ayuda de Reba West, una actriz de medio pelo entonces y que aparte le hacía a la cantada, crearon uno de los soundtracks más emblemáticos de la historia de la TV. La misma West le puso voz a Lyn Minmei e interpreto sus rolas, de un corte más romántico o épico (no podemos olvidar el formidable tema de "We Will Win" que se escucha cuando es la batalla final entre los Zentraidi y los humanos).

Finalmente, la serie se estreno en 1985 y tuvo un éxito mediático, al grado que el anime comenzó a entrar de manera directa y dura en los fans, no solo gringos, sino de toda latinoamérica.

Robotech fue emitida, al menos en México a finales de los ochentas. Un servidor le toco verla, al menos en 1989, de manera repetida y con los episodios desordenados. Por momentos veía capítulos de la Cruz del Sur o me saltaban a cuando Rick y compañía eran capturados por Breetai en su nave comando.

Aunque había conocido la crudeza de la muerte con Remi o Josemiel, el impacto más duro vino de Robotech. Aun hoy en día, la escena de la muerte de Ben me sigue produciendo un vacío en el estomágo y aun peor, cuando pude disfrutar de la versión extendida. 
Otra escena igual de cruda, fue la muerte de Roy Fokker, que aparte de dramática, fue agónica.
Ya para cuando había pasado estos episodios, la ansiedad de que otro personaje entrañable se lo cargara el payaso, era bastante. Pero aun así, allí seguía viendo la serie sin parar. ¿Y como no hacerlo? Este anime vinó a madurar mi gusto por ciertas cosas. Ya no solo me conformaba con series llenas de acción o romance, sino tenían que tenerlo todo. Por suerte, el anime cumpliría tales parametros, en menor o mayor medida.

La última vez que ví Robotech fue en 1993. Lamentablemente, cuando mi padre nos compró a mi hermano y a mí una VHS, ya no pude grabar la serie, ya que la habían sacado de la programación.
La nostalgia por el serial duro bastantes años. Aunque se emitieron animes de gran calibre, siempre recordaba con cariño esta serie, que combinaba romance, acción y dramatismo en un solo paquete.

Para colmo, la serie había causado un furor sin precedentes en Sudamerica. Países como Perú, Chile y en especial Argentina, tenían en un altar a Robotech. Por tal motivo, las televisoras de aquellos países emitían la serie de manera continua, "presumiendo" tales cosas en páginas que llenaban de información la red en aquellos tiempos. Inclusive, fue gracias a esto, que comence a estudiar la cronología Robotech, inspirada en las novelas escritas por "Jack McKinney", un seudonimo que usaron dos escritores que ya habían trabajado en la saga de Galaxy Rangers. Pero eso ya comentaremos en otra entrada.

Fue hasta el año 2001, cuando pude disfrutar nuevamente de Robotech y de manera bastante fortuita, ya que fue emitida al menos por dos semanas, en el canal 5. Tristemente, con los cambios tan bruscos de programación, Robotech no duro y ya no he vuelto a verla en TV abierta.

¿Como es que volvió mi fanatismo al tope por esta serie? Bueno, eso se verá en una próxima entrada, donde veremos algo de DVD piratas, el canal Retro y una adorable esposa que hizo mil malabares al respecto XD.

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Saludos a mi princesa, así a quienes gustan de la saga Robotech.

V de Vendetta: mi primera novela gráfica

Mi historia con los cómics, en especial con las novelas gráficas, es realmente muy reciente y para colmo, no vino de estar buscando en las tiendas de cómics o en tiendas especializadas como Comic Castle (hoy "Fantástico"), sino del mundillo de las películas.

Los hermanos Wachowsky, conocidos mundialmente por la saga Matrix, habían dejado un tanto el papel de la dirección y se habían enfocado en otros proyectos de corte freak, entre ellos, hacer una adaptación de la conocida novela gráfica, "V de Vendetta" de Alan Moore.

Ya una novela gráfica de Alan Moore había sido adaptada cinematograficamente, "La liga de los hombres extraordinarios", con resultados mixtos, más malos que buenos. Inclusive el mismo Alan Moore mando a volar a los productores. Debo decir que a mi muy particular parecer, la peli me pareció buena y era una adaptación respetable de la novela (digo, no se puede poner algo -tan crudo- en el cine sin generar ganancias. Si uno quisiera ver su obra integra, de antemano uno no puede esperar resultados buenos).

Y sucedio lo mismo con V de Vendetta: Moore vió la peli y puso grito en el cielo, inclusive pidió que su nombre fuese borrado de los créditos. Cosa contraria a David Llyod, el dibujante de la novela, que alabo la película por su fuerte apego al trabajo original.

Aunque yo sabía que era un trabajo de los hermanos Wachowsky, le tenía cierta distancia, luego de ver su horrendo trabajo en Matrix Revoluciones (que luego hablare más al fondo de ella en otra entrada). Sin embargo, Deluxe me confirmó que la peli era de cinco estrellar y aproveche para ir a verla, casi cuando la quitaban de cartelera.

Para un servidor, la película represento un antes y un después, al menos en el pensamiento político. Comence a adentrarme en la distintas ideologías que comprendían, desde el anarquismo hasta el fascismo y que posteriormente, me ayudaron a entender las motivaciones de tantos líderes y fanáticos, tanto antiguos como actuales. Aparte claro, me creo un ícono muy parecido a los que tenían los líderes estudiantiles de los años sesentas.

Y como es lógico, no me quise quedar solo con las ganas de ver quinientas veces la peli, sino también encontrar el origen de la misma. Fue gracias a Sam, en uno de sus viajes, que me pudo conseguir la novela y así comenzar un nuevo gusto que he mantenido hasta la fecha.


V de Vendetta es una serie de diez comic books escritos por Alan Moore e ilustrados por David Lloyd, quien llevaría a cabo las labores de apoyo en el concepto y en el guion de la película basada en esta novela. El argumento de la serie esta situado en un futuro distópico de finales de la década de los 90 (la serie fue creada en los 80).

La historia está ambientada en Gran Bretaña durante un futuro cercano y tras una guerra nuclear parcial, con gran parte del mundo destruido. En este futuro, un partido fascista ostenta el poder en el Reino Unido. Un misterioso revolucionario apodado "V", oculto tras una máscara de Guy Fawkes, empieza una elaborada y violenta campaña con el fin de derrocar el gobierno e incitar a la población a adoptar un modelo político-social diferente.

Aunque la serie originalmente fue ideada y publicada como una serie limitada de diez comic books, ha sido recopilada posteriormente como una novela gráfica de la cual se realizan nuevas ediciones en numerosos países.


 Los finales de la década de los setentas y los principios de los ochentas presento un cambio brusco en la manera de pensar y ser de la sociedad. Aun quedaban vestigios del viejo romanticismo que había imperado luego de la Segunda Guerra Mundial, pero había quedado atrás, luego de la Guerra de Vietnam, el renacimiento de las ideas socialistas y la crítica hacia los gobiernos centro-derechistas.

Para pronto, la humanidad había perdido inocencia y el mundo de los cómics, tan enfocado en esto, estaba en debacle. Tuvieron que esperar 15 años hasta que Frank Miller publico su "Batman número uno" en 1987, que cambio el rumbo de los cómics y en 1988, el mismo Alan Moore saco la "Broma asesina", que rediseño el origen del Guason, dotandolo de una crudeza nunca antes vista.

Alan Moore había comenzado a destacar como guionista de algunas historias de corte adulto en la revista Warrior, una serie de cómics especializados en historias al estilo "Seinen". Ya había tenido cierto éxito con el "papá" de Constantine, pero logro parte de su triunfo con la saga de V de Vendetta.

Moore es reconocido, no solo por su talento como guionista, sino también por sus excentricidades, que va desde creerse un mago del caos, hasta ser un anarquista declarado.
El anarquismo viene a ser la contraparte del fascismo en la línea política. Mientras el segundo es un control riguroso y excesivo del estado, donde el individuo se pierde y se fusiona en un solo ente, el anarquismo viene a ser la libertad casi absoluta, donde la persona llega a autogobernarse por si misma, sin necesidad de un sistema que lo mantenga "cautivo".

Con estas ideas y con la época que vivió Moore, que fue la Inglaterra ultraconservadora de Margaret Tatcher, lógico que la idea de V llegara a germinar de manera muy fértil.
Con un aire sumamnete distópico, al estilo de Fahrenheit 451 y 1984, tenemos una especie de "vengador", surgido de años y años de opresión, que al estilo del Conde de Montecristo, va no solo tomando revancha de las personas que lo lastimaron, sino también del sistema que lo condeno a una vida llena de dolor. Y no solo a él, sino a millones de personas.

Lamentablemente, Warrior en 1985 fue cancelada, pese al éxito de V, que incorporaba una historia fascinante, personajes dimensionales y ciertas inovaciones técnicas, como el nulo uso de bocadillos. Fue hasta finales de los ochentas, cuando DC se intereso en el trabajo de Moore, publico la historia en color en su integridad y el último episodio que nunca salió.

Cuando leí la novela, ya hace unos 3 a 4 años, tuve un momento bastante agridulce.
Aunque esta es mucho más completa y vasta que la película, me doy cuenta de que soy un sujeto de una línea mucho más tradicionalista, ya que el ambiente épico de la peli queda totalmente fuer ade lugar, ante la crudeza y brutalidad del cómic.

Mientras la película tiene un aire más "inocente", donde se muestra más un héroe épico, que lucha contra las injusticias del mundo, muy al estilo del mencionado Conde de Montecristo, la novela es un retrato político y del encuentro entre dos sistemas: el anarquismo y el fascismo.

Lo cual conlleva a que los personajes, lejos de ser tan unidimensionales en el filme, en la película adquieren mucho mayor dimensionalidad, en el caso de los personajes que quedan enmedio de la lucha de V y los partidarios del gobierno, pero el caracter de V se vea demasiado extremista. En la peli es romántico y tiene un tinte heroico. En la novela, es un megalomano, un tirano que no teme utilizar cualquier artimaña para lograr sus planes. Igualmente, el líder Sutler, aunque un tirano, en realidad es un pobre hombre que no sabe si esta haciendo lo correcto y solo es mantenido en el poder, por sus propias debilidades. Otros personajes igual sufren cambios, mostrandolos más prisioneros de un sistema que constantemente los oprime.
Otro cambio es el de "Evey", que en la peli, es una chica segura, mientras en la novela es sumamente cobarde. El cambio que tiene este personaje se ve mucho más evolutivo en la novela, mientras en la pelicula, por momentos se ve forzado y conlleva con cambios en la trama, que tampoco caen bien.
Aparte, los momentos épicos, como "The Dominoes Fall" o "Knives, Bullets and Cannons too", pierden fuerza en la novela, donde se disgregan en una multitud de eventos, donde los personajes van teniendo su final, de acuerdo a sus convicciones y debilidades, donde Moore inclusive se porta cínico con el destino de alguno de ellos.

En fin, que la novela me cayo realmente pesada. No esperaba algo tan drástico, tan fuerte. Claro, hoy en día, luego de vivir ciertos "detalles" a nivel mundial y nacional sobre "dictadores", no me extraña que Moore halla tomado esta línea tan drástica, lo cual ha hecho más leve mi lectura del cómic.

Y aquí hay un ejemplo raro donde la novela y la película los considero un complemento perfecto, ya que pese a tratar el mismo tema, en realidad son dos cosas distintas, los cuales leo o veo, dependiendo de mi humor. Aparte, sento un precedente en mi gusto por la historia del renacimiento, que había dejado de lado (la conspiración de la polvora, 5 de noviembre de 1605, es un hecho fascinante de la historia inglesa. Fue tal su impacto, que el nombre "Guy" del conspirador principal, Guy Fawkes, fue usado como sinonimo de "chico" en inglés).

¿Es recomendable el cómic? Absolutamente. Hay un antes y  un después, posterior a la publicación de V de Vendetta. El autor plantea una situación, una idea muy madura para el lector promedio, dejando de lado las típicas aventuras para centrarse en una novela con un aire político, como un medio de comunicación y de divulgación, cosa que se fue perdiendo con el paso de los años y que con Alan Moore tomo un nuevo renacimiento. Esta novela es un paso necesario para quienes gustan y se jactan de algo más adulto, mucho más maduro. Otro referente sería Watchmen, pero eso, es otra historia (y espero reseñarla pronto, si Sam me la vuelve a prestar xD).

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Saludos a mi princesa, así a quienes gustan de las buenas novelas gráficas.

Dos contrapuntos: Momonoke Hime y El Origen de los Guardianes

Debido a la cantidad de trabajo en el mes previo a diciembre del año pasado, apenas me daba abasto con las peliculas o tópicos que tenía que hablar. Inicialmente esta entrada iba para enero, pero nuevamente el trabajo en el servicio, me termino por dejar todo agotado y fastidiado, al grado que veía el blog y no me apetecía nada para escribir.

Pero bueno, vamos a darle prisa a esto y voy a reseñar dos peliculas de animación. Una ya consagrada y otra que estuvo a un paso de estar en la tanda nominada a los Óscares, como mejor peli de animación del 2012.


-La princesa Mononoke

La Princesa Mononoke (もののけ姫 Mononoke Hime?) (1997) es una película de animación japonesa de Hayao Miyazaki. Ambientada en el Japón medieval, se centra en la lucha entre los guardianes sobrenaturales de un bosque y los humanos que necesitan sus recursos, visto por el forastero Ashitaka. "Mononoke" no es un nombre, sino una descripción que puede ser traducida en este contexto como: "espíritu vengador", haciendo el título de la película La Princesa de los Espíritus Vengadores.


La primera vez que ví esta pelicula, fue a mediados del 2001, con la que entonces era mi pareja.
Lamentablemente, esta era medio hipster, como todo buen fan del anime de aquella época y me doro la pildora de manera sabrosa sobre esta pelicula, que había roto records y recibido elogios de la crítica.
Pero entonces era un joven en mi segunda adolescencia, donde alababa más del anime los gráficos, la acción y el romance simplon (que no hay mucha diferencia ahora xD). Por eso cuando vi la peli, me saque de quicio, al grado que estaba medio dormido a mitad de la misma. Para colmo, sacada de un VHS con subtitulos en inglés, lo cual dificultaba más que me metiera al contexto. En fin, que termine fastidiado de esta peli y le tuve aberración por un buen rato.

Pero el gusto por Miyazaki renació de manera importante hace un par de años, cuando me entero que mi esposa también le gustaba el director japo y de allí nos hemos lanzado a ver algunas pelis de Mr. Miyazaki, así del estudio Ghibli.

Y fue hace un mes, cuando no había nada que hacer cierto domingo, nos aventamos a ver nuevamente este "clásico" que lanzo a la fama al estudio.

Y no es mentira. Aunque Miyazaki ya se había creado una fama considerable con sus anteriores pelis, como Totoro o Naausica, tuvo que llegar Mononoke Hime para que tuviera un éxito económico considerable. Fue tal su impacto en el público nipon que desbanco en ganancias a la entonces exitosa, Titanic.

No es de negar porque este filme logro un éxito brutal: combina de manera formidable personajes carismáticos, una historia interesante y un contexto histórico atípico, como la época Heian, aparte de dar un mensaje muy ecologista, como la visión personal que tiene Miyazaki de la naturaleza. Debo decir que la primera hora de la peli es de lo mejorcito que he visto en muchas pelis del director, que siempre empiezan de manera lenta y luego van tomando mayor aceleración.

El problema es que Miyazaki no logra mantener ese aire en la última hora, donde el film se torna pesado, predecible y para colmo, el final es de lo más...horrible que he visto. No digo que el resto de las pelis de Miyazaki se alejen de esta tónica (falta ver Ponyo o Kiki), pero el final es tan abrupto, tan tajante, que la épica que se ve en la batalla final, termina por quedar de más.

En otro aspecto que difiero con los fans es como consideran el personaje de "Sen", la prota femenina, donde la ponen en un altar bastante alto. A mi no me pareció tan "carismática" o fuerte. Aquí me inclinaría más hacia Ashitaka, que resulta ser el verdadero protagonista de la pelicula y por mucho, cuando en la mayoría de las pelis de Ghibli, las feminas se roban la atención.

En fin, que Mononoke Hime me parece bastante buena, pero se queda corta comparada a otras pelis, como Porco Rosso, Kiki o Howl. ¿Recomendable? Sí, especialmente para los fans de la historia japonesa antigua.

Lo mejor: la historia
Lo peor: el final
Lo original: la temática medieval japonesa.



-El origen de los guardianes.

El origen de los Guardianes es una película animada, producida por DreamWorks Animation y distribuida por Paramount Pictures, estrenada el 21 de noviembre de 2012 en Estados Unidos. El filme fue dirigido por Peter Ramsey, mientras que Joyce y Guillermo del Toro fueron los productores ejecutivos, está basado en la serie de libros The Guardians of Childhood de Joyce y el corto The Man in the Moon de Joyce y Reel FX.

Se establece unos 200 años después de la serie de libros, la película cuenta la historia de los Guardianes (Norte o Santa Claus, el Hada de los Dientes, Bunnymund o el Conejo de Pascua, y el Hombre de Arena), que alistan a Jack Frost para evitar que Pitch deje sumido al mundo en oscuridad. Cuenta con las voces de Chris Pine (Jack Frost), Isla Fisher (el Hada de los Dientes), Hugh Jackman (el Conejo de Pascuas), Alec Baldwin (Santa Claus), Jude Law (Pitch) y Dakota Goyo (Jamie).

Hay pelis que les favorece bastante tener un buen marketing. Digo, Episodio I fue un ejemplo bastante claro de esto.
Sin embargo, la promoción de esta peli fue de lo más desafortunada, ya que el origen de los Guardianes se nos vendió como si fuese una versión animada e infantil de los Vengadores. Esto tal vez pudo influir para que no quedará en la terna para mejor peli de animación.

Y es que aunque tenemos a los Guardianes, como un equipo al estilo Justice League o Avengers, en realidad trabajan de una manera muy distinta, porque estos Guardianes pelean para mantener la "fe" de los niños, lo cual rompe un poco la dinámica de los equipos justicieros. Esta fe se ve amenazada por el "Pitch" o el Coco en su versión castellana.

No niego que la peli sigue patrones muy predecibles: tenemos un aspirante a guardian (Frost) que no recuerda porque tiene tales poderes, pero esto mismo lo va aislando de los niños con los cuales desea convivir. En este trayecto, conoce al conejo de Pascua, a Santa Claus, el hada de los dientes y Sandman, que tienen poderes al estilo superhéroes, aparte de cumplir con sus nobles labores. Ya al enfrentar al malo de turno, que tuvo algo parecido a Frost, ya esta corrompido y desea terminar la labor que le toca como malo de la saga. Claro, esto involucra que el héroe se autodescubra y encuentre su destino.

Y aunque la historia es tan sencilla, la peli entretiene bastante, ya que el "rediseño" de los personajes fue bastante bueno. Tenemos un Santa tatuado y bastante "rusificado", mientras conejo de pascua parece un héroe de acción actual, y luego el pacífico y callado Sandman, que en realidad es el más poderoso de todos. Aunado esto a una peli poco pretenciosa, la hace bastante divertida, aparte de que no baja de nivel en ningún momento, teniendo momentos de acción, cómicos y dramáticos bastante bien balanceados.
En especial, los momentos cómicos vienen con los "ayudantes" de Santa, que son una botana andando.

Inclusive, el villano "El coco" (Pitch) es bastante carismático y no tiene empacho en irse cargando a otros personajes y mostrar una cierta motivación, que aunque cliche, es mucho más sincera que la mayoría de los villanos actuales.

El problema viene por dos cosas: aunque la historia se cuenta bien, cuando viene el momento dramático, hay muchos cabos sueltos, como la pérdida de los poderes de los guardianes y otras situaciones que el guion fuerza a mostrar, pero cuando uno las razona piensa "¿Y porque no hicieron esto en lugar de aquello?".
El otro, es lamentablemente, más cuestión de mercadotecnia: se eligieron a dos -actores famosos- para que hicieran a los protagonicos, que recaían en Frost y el Hada de los dientes. Aunque estos actores no lo hicieron tan mal, un actor de doblaje profesional lo hubiera hecho mucho mejor, en especial para las escenas dramáticas. Pero en fin.

Lo mejor: el rediseño de los personajes.
Lo peor: la historia predecible
Lo original: un santa tatuado donde aparece quien es malo o bueno, yeah xD.

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Saludos a mi princesa ^^, así a quienes gustan de las pelis de animación.

La peli es recomendable y bastante. No solo para los chiquelos o mocosetes, sino también para quienes son más grandes.

Zelda III, a Link to the Past: un clasico único.

Los RPG son juegos relativamente nuevos para mí. Apenas llevo unos cuantos de los tantos que he jugado en toda mi vida.
Para colmo, la historia del RPG esta muy ligada con el nacimiento de los videojuegos. ¿Quien no conoce la leyenda de Square y como la salida de Final Fantasy los salvo de la quiebra? Para eso era el año de 1987, apenas un par de años después de la salida al mercado del Nintendo.

Así que para cuando salió la revista Club Nintendo, las secciones se enfocaban en RPG´s, en especial una de las "banderas" de la misma Nintendo: La leyenda de Zelda.

Entonces, idiota o estupidamente, pensaba ¿Porque le dedican tantas páginas a un videojuego que no tenía disparos o acción constante?
Fue hasta que un servidor y su hermano tuvieron una SNES en sus manos, y así nos dedicamos a probar un montón de juegos, cortesía del "Mario´s" (el establecimiento que rentaba cartuchos, ya mencionado en otras entradas), entre ellos, la leyenda de Zelda.

¿Por que probar un RPG? Sencillamente porque la caricatura de Super Mario Bros, que salió por canal 5 en aquellas fechas, nos mostro una versión muy distorsionada de este videojuego, pero que fue lo suficiente para animarme a jugarlo, pese a todos mis prejuicios.

Y vaya que valió la pena.


The Legend of Zelda: A Link to the Past (en japonés ゼルダの伝説 神々のトライフォース, Zeruda no Densetsu: Kamigami no Toraifōsu, La leyenda de Zelda: La Trifuerza de las diosas) también conocido como Zelda 3 y Zelda III, es un juego de aventuras desarrollado y publicado por Nintendo para la consola Super Nintendo Entertainment System, siendo la tercera entrega de la saga de videojuegos The Legend of Zelda.

Fue lanzado en Japón el 21 de noviembre de 1991, en Norteamérica el 13 de abril de 1992 y en Europa en septiembre del 1992. El proyecto fue liderado por Shigeru Miyamoto y su equipo. Es el único juego de la saga Zelda lanzado para la SNES. Está aclamado por crítica y público (especialmente por los de su generación) como uno de los mejores juegos de Nintendo y uno de los mejores de todos los tiempos, aparte de ser reconocido como una de las mejores entregas de la serie.2 3

El juego incluye muchas de las características que a día de hoy siguen vigentes en la sucesivas secuelas de esta franquicia, como las mazmorras multinivel, entornos dinámicos (mundos de luz y oscuridad), y artículos como la Espada Maestra y el Gancho Lanzable.

Tecnicamente el inicio de esta entrada sería como el intro del mismo juego (y que se parodea en Scott Pilgrim). Este fue el primer aspecto que me llamo la atención: la música.
Aunque el tema original del videojuego ya se escuchaba desde el primer juego para NES, fue en este juego, donde la música tomo un papel preponderante, al grado que un servidor no podía jugar las partidas, sino tenía el volumen máximo de la TV.
Te hacía sentir parte de ese juego, como si acompañarás a Link por todas sus aventuras, primero al recolectar los 3 pendientes para conseguir la Espada Maestra y luego a rescatar a las 7 doncellas que podían sellar el poder del eterno rival de Link: Ganon.

Aunque otro aspecto que me gusto de este juego, y que también fue muy criticado, es que no era un RPG en toda la extensión de la palabra, ya que aunque los calabozos y los puzzles estaban a la orden del día, así la recolección de ítems como el aumento de nivel o poder, Link luchaba con sus rivales de manera directa, tal como juego de acción, pasando desde los caballeros maldecidos hasta el mismísimo Ganon, contrario a un RPG, donde para enfrentar a un rival, tenías que hacer la típica escena de turnos y batallas, más característicos de los juegos de Square.

Sin embargo, esta inovación me permitió enbarcarme en el videojuego de manera plena, sin hacer tanto fuchi. Aparte, fue de esos cartuchos que me termine luego de batallar bastante a la primera vez, contrario ahora, que en el emulador, te das lujo de guardar la partida sin tanta bronca.
Como dato curioso, Zelda fue de esos juegos que fortalecieron la unión entre mi hermano y un servidor. Desde allí, fue cuando Deluxe se volvió mi asesor técnico, ya que me decía como vencer al enemigo, mientras yo me peleaba con el control y el videojuego.  Fue tal la sincronización que logramos después, que en un día de vacaciones, lo acabamos en un solo día, luego de estar jugando desde las 8 de la mañana hasta las 2 de la madrugada (claro, para entonces mi hermano estaba bien dormido xD y yo viendo el final del juego, bajo la fabulosa música de Koji Kondo).

Otro dato curioso es que un amigo de mi hermano nos presto el videojuego unos años después y volví a aplicarme para terminarlo. Pero aparte de prestarnos el cartucho, también nos presto la caja con el instructivo del juego, que era bastante curioso, ya que era dorado y aparte las ilustraciones, que ejemplificaban algunos movimientos de Link, estaban en formato anime. Esto creo una leyenda "urbana", donde se decía que había existido un anime sobre el juego, pero que nunca había aparecido en nuestro continente por x o y motivos.

Ya unos años después, cuando volví a jugar nuevamente Zelda, en emulador, comencé a ver ciertas cosas que no me parecían tanto, como la "obvia" similitud entre el mundo de Hyrule y el mundo de la Oscuridad/Luz, siendo casi las mismas zonas, pero con diferentes obstáculos, lo cual hacía que a fuerzas siguieras la ruta ya predestinada. Es algo que se perdonaba, ya que Zelda III fue considerado un juego bastante extenso para los 4 sencillos megas que lo respaldaban.
 Por cierto, luego de esforzarte, podías no seguir el orden de cristales tal como decía el mapa, pero eso implicaba una mayor habilidad, ya que algunas zonas de los dungeons eran más fáciles con los ítems adquiridos en su predecesora.

Aun el impacto de Zelda en mi vida sigue teniendo sus rachas. Gracias a este juego, comence a jugar las diferentes sagas de Final Fantasy, así otros juegos de Square, incluyendo al dichoso Super Mario RPG. Pero eso, es otra historia...

¿Es un juego recomendable para las nuevas generaciones? Claro que sí. Aunque hoy en día, el Wii, la play o el Xbox nos han acostumbrado a gráficos casi realistas y con una complejidad mucho mayor, la leyenda de Zelda III sigue siendo un juego bastante vigente, ya que algunos de sus elementos se han mantenido, no solo en la saga que ha continuado hasta el Wii, sino en otros RPG´s de calidad.

Aunque la entrada halla parecido corta, el gusto por este videojuego ha sido tan fuerte para mí, que he decidido ya desde hace tiempo (para las pulgas de mi esposa xD), que si un día tengo una hija, se llamara Zelda. Tal como el comercial que hizo Robin Williams para diferentes juegos de la saga. Por cierto, aquí se los dejo, tanto el original como el más nuevo, que es una especie de remake de este.

Y claro, aquí el comercial original. Yeah, Zelda fans since 1987 (que viejo estoy).

Saludos mi princesa :3, así a quienes son fans de la Leyenda de Zelda.

Captain Tsubasa: un BGM a través de los tiempos.

 Los supercampeones fue una serie que vió a luz en México a finales de 1993.
Entonces decían los rumores, por parte de mi hermano, que había una serie espectacular de futbol, que se proyectaba en el canal univisión, un canal de paga entonces en nuestro país.
Como la serie salía a las 7:30 am, me he era imposible verla, porque ya entonces estaba en mi primera hora en la secundaria.
Así que mi bro se encargo de grabarla y así pude ver el primer episodio de Captain Tsubasa, justo el partido entre el Newteam y el Meiwa, cuando Kojiro Hyuga recuerda su pasado antes de anotarle un gol a Genzo Wakabayashi.

De allí nació un gusto enorme por el futbol soccer, ya que este ocupaba una situación secundaria en mis deportes favoritos, detrás del americano. Los Supercampeones aparte de ser mi anime favorito por mucho tiempo, también se convirtió en la serie estandarte del canal 5 cuando la estrenaron a principios de 1994 y estuvo hasta principios de 1996, cuando fue retirada de la parrilla televisiva.

Sin embargo, una "nueva serie" de Supercampeones salió, ahora en TvAzteca, a finales de 1996 y estuvo en el aire hasta mediados de 1998. Era Captain Tsubasa J, un remake de la serie original, que apareció en las teles niponas a finales de 1994, a raíz del éxito de un OVA que se estreno en 1993, donde Japón le ganaba a la selección holandesa.
Se creía que la serie ya no tenía más esperanza, pero la respuesta del público fue bastante fuerte, lo cual motivo la salida de esta serie y un nuevo manga por parte del creador, Yoichi Takahashi.

Entonces a mediados del 2001, otro evento volvió a renacer la franquicia y fue la elección de una mascota oficial para el mundial que se realizaría en Japón. Lamentablemente el protagonista de la serie, Tsubasa Ozora aka Oliver Atton, no se quedo en el puesto, pero quedo tan bien posicionado, que motivo a Takahashi a hacer un manga, llamado road to 2002, que igual motivo la salida de una tercera serie, que igual vió la luz en nuestro país entre el 2005 a 2007, resultado del mundial de Alemania 2006.

Mientras la calidad de las series ha variado, la música de todas estas sagas ha resultado formidable.
Desde la música de fondo de la serie viejita de 1983, hasta la más novedosa de la 2001, los soundtracks de estas series, se ha vuelto un tesoro para los fans.
Así que esta entrada, va dedicada para 5 diferentes backgroundmusic  (BGM), de las distintas etapas de CT, que resultan entrañables hoy en día.


 -Captain Tsubasa OST BGM 24

Aunque la serie viejita de 1983 tenía punch, no cabe duda que la parte de la secundaria fue mucho mejor a la de la primaria, tanto por el nivel de los juegos, como por el manejo de los personajes.
Sin embargo, el partido que aporto un mayor número de "nueva música", fue el de Furano contra Newteam.
Justamente, esta rola suena cuando el equipo de Furano, hace su famosa operación "Avalancha", donde sencillamente todo el equipo se lanza en tromba sobre portería. Curiosamente, esta rola no volvió a ser usada, hasta que hacen los fillers del torneo europeo sub-12.


-Captain Tsubasa OST BGM 9

Esta es otra de mis melodías favoritas de la saga. Aunque no apareció mucho, en realidad la recuerdo de manera bastante nítida porque marca el inicio de la saga del tercer campeonato nacional de secundarias, cuando Patty (Sanae) se presenta y hace una pequeña reseña de lo sucedido con Tsubasa y compañía durante su estancia en la secundaria.
Aun escucho hoy la rola y me recuerda los cerezos cayendo, mientras Sanae ve a su adorado "capitan" corretear a Ryo Ishizaki por toda el campo de la secundaria.


-Captain Tsubasa J OST: Attack!

Rola de rolas. Aunque el doblaje de CTJ no fue tan bueno como el de su predecesora, la música de fondo seguía siendo impactante, brutal. Cada rola de la serie era para el recuerdo. Lastimosamente, el OST que salió a la venta, saco tan pocas rolas, que muchas se quedaron en la serie solamente.
Aun así, hay algunas que me parecen formidables. Una de ellas, es esta, que es la que sonaba cuando el Newteam se volcaba al frente o cuando Aoi comandaba el ataque del Inter de Milán. ¡Great!


-Captain Tsubasa J OST: Great Saver

Si la anterior era una señora rola, esta es la madre de todas. Cuando baje el BGM, no pude evitar dar de brincos, ya que esta canción me había parecido de las mejores que se escuchaban en la serie. Tecnicamente, es el tema de entrada de Genzo (Benji) cuando hace sus espectaculares paradas o cuando estaba encendido deteniendo tiros de todo tipo. Aun hoy en día, la pongo de manera religiosa antes de cada partido de México para entrar en "ambiente". Lamentablemente, esta canción casi no se uso en los últimos episodios de la serie.


-Captain Tsubasa 2002: Music Field Game 1: Quiet Joy

Aunque la saga 2002 tiene una música bastante buena, equiparable a sus antecesoras, hay ciertas rolas que te marcan de por vida. Esta es una de ellas, y la recuerdo en especial cuando Tsubasa se va finalmente a Brasil a jugar en el "Blancos" (Santos), el equipo de Roberto Sedinho.
El momento se aplica cuando Sanae y el resto del Newteam va a despedirlo antes de que se vaya al aeropuerto. Allí Tsubasa le regala su balón de futbol luego del presente que le da la dichosa Patty xD.
Seh, no puedo negar que mi gusto por el romanticismo, también nació con esta serie.

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Saludos a mi Yayoi Aoiba xD, así a quienes gustan de Captain Tsubasa!

La caza del Octubre Rojo: un clasico de Tom Clancy

La primera vez que supe de Tom Clancy, no fue mediante la película de Sean Connery y Alec Baldwin, "La caza del Octubre Rojo", sino mediante mi hermano Deluxe.

Hace más de 10 años, comenzó a aficionarse a los "personal shooters", a raíz del famoso juego del N64, "Goldeneye". De allí salto a otros videojuegos de la misma calada, entre ellos, Rainbow Six, que trataba de una suerte de comando multinacional antiterrorista, que debía cumplir con ciertas misiones ultrasecretas, que sabotean acciones de facciones terroristas extremistas.

Fue tal el gusto de mi hermano con este juego, que comenzó a interesarse en los pormenores del mismo, inclusive que estaba basado en una serie de novelas del escritor norteamericano, Tom Clancy.
Como es lógico, mi bro consiguió el par de libros que componen al comando Rainbow Six y los leía de manera religiosa por ese entonces.
No tardo en pasarme los dos libros para que yo también los leyera, pero rapidamente me ví abotagado por una jerga demasiado militar, así por un ritmo de historia carente del nivel "rosa" del cual entonces estaba acostumbrado. Para terminar rapido, los libros me aburrían y los deje de lado. Tuvieron que pasar unos años más, para que realmente pudiera interesarme en el aspecto militar de manera más seria y contundente.

Aunque mi primer contacto con Clancy no fue nada ameno, unos pocos años después, volví a ver la pelicula del Octubre Rojo. Ya cuando tenía 12 años la había visto en el canal 5, pero no le había entendido mucho. Verla de nuevo, me hizo literalmente brincar del asiento e interesarme en las tácticas militares submarinísticas.
Sin embargo, pese a que decían que la novela era infinitivamente mejor a la peli, no me atreví a buscarla, pensando que me pasaría lo mismo con Rainbow Six.

Pero ya hace un año, cuando deje de lado tales prejuicios y comence a buscar la novela, con escaso éxito. Tuvo que ser una visita guiada al centro de la ciudad, en compañía de mi esposa y con Sam como guia, para que pudiera encontrar, una de las mejores novelas de este singular escritor.

Marko Ramius, un lituano que ha alcanzado los mayores niveles de confianza en la Armada Soviética, trata de desertar a los Estados Unidos con sus oficiales y el submarino nuclear experimental Octubre Rojo, un submarino clase Typhoon equipado con un revolucionario sistema de propulsión sigiloso, descrito como un sistema magnetohidrodinámico, haciendo extremadamente difícil su detección por sónar. El resultado es la última plataforma estratégica de armas, siendo capaz de moverse hasta aguas estadounidenses sin ser detectado. Esto llama la atención inmediatamente a Ryan y a los almirantes del Estado Mayor Conjunto a los que él informa.

Tampoco se pierden detalles acerca de Ramius, cuya deserción es estimulada por otros factores. Él esta particularmente afectado por la muerte de su esposa debida a la incompetencia de un doctor. Sin embargo, este no es reprochado, ya que su padre es un miembro del Politburó. La muerte de su esposa, en combinación con muchos años de descontento con la insensibilidad del gobierno soviético hacia sus marineros y el miedo del efecto desestabilizador del Octubre Rojo en la situación mundial, en última instancia agotan la tolerancia de Ramius hacia los defectos del sistema soviético.

Para empezar, leer alguna novela de Tom Clancy, se necesita cierta "apertura", tanto a nivel político como militar. La razón, es que el escritor es el típico patriota gringo apasionado, casí al nivel de un Ronald Reagan.
Y aunque ha suavizado sus ideas con el paso del tiempo y con las acciones que ha hecho EUA a nivel internacional (la invasión a Irak y Afganistan, provoco una cierta decepción, en palabras de Clancy), estas aun se mantienen vigentes, aun en sus novelas más actuales.

Así que es lógico que una novela tan viejita como la Caza del Octubre, muestre a un Clancy ferozmente parcial, enemigo del comunismo y mostrando a EUA como los "buenos" y a los soviéticos como los "malvados" del cuento. Hoy en día, tal perotada resultaría bastante inpopular, pero en su momento, esta novela lanzo al estrellato al autor y a su personaje principal, que luego sería el protagonista de otras tantas novelas: Jack Ryan.

La trama de la novela es bastante sencilla: Marko Ramius es un almirante, comandante de submarinos modelo de origen soviético. Sin embargo, Marko demuestra ser más inteligente que el sistema y nota los problemas del comunismo soviético rapidamente. Pero su lealtad a su país hace se mantenga fiel a la Rodina (Madre Patria), hasta que la desafortunada muerte de su esposa a manos del obsoleto sistema rojo, hace que deserte de su país, llevandose consigo a un submarino balístico de primera clase: El Octubre Rojo.
Esta situación se ve descifrada rapidamente por Jack Ryan, un historiador convertido en analista de la CIA, lo cual lo lleva a un remolino político-militar, donde EUA y la URSS se disputan al submarino, evitando en todo momento, el inicio de la Tercera Guerra Mundial.

Dejando de lado la brutal parcialidad de Clancy, el manejo de la novela es estupendo. No niego que el autor le encanta llenar de datos técnicos, tanto militares como políticos, cada situación y por momentos llega a resultar muy pesado, pero lo compensa con personajes bastante carismáticos, unidimensionales, pero divertidos y con situaciones que aunque cercanas a la realidad, llegan a resultar impactantes.

Y es tal vez el mayor talento de Clancy, ya que aunque rapidamente nos vamos a situaciones bastante complejas, el autor las va desmenuzando de manera genial y dandole un toque dramático justo, sin caer tampoco en un nivel parodico ni tampoco sobreactuado. Todo dentro de un marco de realidad bastante uniforme.

La mejor aportación de esta novela, es el personaje de Jack Ryan. Si Dan Brown había creado un personaje como Robert Langdon, Clancy se podría considerar el precursor del personaje al estilo Indiana Jones, como Jack Ryan.

Aunque al principio vemos a Ryan como un personaje con muchas cualidades, poco a poco va mostrando sus defectos y como esto le va metiendo en líos, a la par de ayudarle a resolver situaciones complicadas. Pero lejos de caer mal, el chara es divertido y tiene un carisma poco usual. Su misma condición de "el prietito del arroz", hace que uno simpatice con él de manera innata. Fue tal el impacto de Ryan, que llego a ser el protagonista de muchas novelas posteriores de Clancy.

En resumen, La caza del Octubre Rojo es una novela bastante buena, nada comparable a la película de 1990. Llena de suspenso y con un nivel dramático bien parejo, al menos me mantuvo entretenido durante bastantes horas en el trayecto de ida y vuelta al trabajo. Nuevamente, el problema es la parcialidad evidente de Clancy. Ciertamente los soviéticos tenían muchos defectos, pero el autor llega a mostrarlos como auténticos villanos y con un sistema poco eficiente, comparado al estadounidense (más tarde, con la desclasificación de archivos, se vería que las fuerzas armadas soviéticas eran muy superioras, tanto en tecnología como en material de hombre, cuando en la novela los muestran como pusilanimes). Para colmo, hace críticas un tanto veladas al estilo de vida comunista, más basado en un adoctrinamiento muy gringo de los años setentas y ochentas, lo cual para un crítico actual, llegaría a ser absurdo.
No obstante, como novela novela, este libro es bastante bueno y forma parte de ese aire de guerra que se tenía entonces.
¿Recomendable? Sí, pero con ciertas restricciones ya comentadas.

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Saludos a mi princesa :3, así a Sam por ser guia en las librerias del centro, como quienes gustan de la novela político-militar.