Crepúsculo Esmeralda: la caída de Hal Jordan

Durante la decada de los noventa, el mercado de consumo, tanto de niños y adolescentes, estaba posicionado en la televisión.

 El mundo del cómic ya comenzaba a entrar una crisis seria, cuando las editoriales americanas fueron bombardeadas con historias más maduras, sea de su mismo país (Spawn) o de origen extranjero (manga). Esto aunado al fenómeno del "coleccionista" de los años ochentas.

 El asunto del otaku o freak es relativamente nuevo. Nació a partir de la fiebre consumista de los años ochenta, cuando sujetos, de diferentes edades, pero generalmente ya veintones para arriba (como un servidor) se dedicaban al coleccionismo de cómics y otros artilugios raros o de primera edición. Las editoriales viendo esto, trataron de explotar el mercado freak de pésima manera, reeditando series antiguas para formato colección, lo cual ocasiono un quiebre en los bolsillos del consumidor (aun del más fan).

 Por respuesta, el consumo de cómics cayo dramáticamente, al grado que DC estuvo al borde la bancarrota, junto con Marvel.

 Entonces DC opto por hacer algo dramático: matar a su personaje emblema, a su superhéroe favorito, Superman.

 La muerte de Superman se convirtió en un hitazo de ventas, en un fenómeno que cimbró el mundo del cómic, al inicio de manera positiva y luego negativamente.

 Viendo el exitazo con la jugada, DC se centro en igual mutilar al resto de sus héroes, con resultados un tanto dispares. Llego la polémica "Caída del Murciélago" y luego la multicriticada, "Crepúsculo Esmeralda".

 Crepúsculo Esmeralda es una historia trágica basada en la locura que le dio a Hal Jordan, el mejor Green Lantern de todos, cuando vio que la ciudad donde nació y fue criado, fue asolada por dos villanos de primer orden: Mongul y Superman Cyborg, en la saga 'El reinado de los Supermanes' dentro del macroevento 'La Muerte de Superman'. La ciudad de Hal, Coast City (ciudad ficticia, inventada como otras tantas del universo DC: Gotham, Metrópolis...) fue destruida totalmente. Pero Hal Jordan decidió utilizar su poder para reconstruirla, totalmente verde, creando también a sus seres queridos, todos ellos siendo ilusiones verdes del inmenso poder de su anillo... Pero ésto les pareció mal a los Guardianes, que quisieron castigar a Hal Jordan por abusar de su poder del anillo verde, ya que según sus normas, nunca se pueden utilizar para beneficio propio, significando ello un castigo que conlleva la expulsión del cuerpo de Green Lanterns.
La reacción de Jordan no fue muy amigable... enloqueció y decidió destruir él sólo OA, el planeta madre de los Green Lanterns, robando los anillos de los compañeros que se le interponían en su camino...
Así, el mejor de los Green Lanterns se convirtió en el peor de los villanos...
Después de una intensa batalla contra el olvidado Siniestro, otra vez reclutado por los Guardianes, como intento de parar la amenaza de Jordan, éste se metió dentro de la batería de las linternas verdes, transformándose en un nuevo villano: Parallax.

 No voy a negarlo, soy realmente un negado para el mundo de los cómics. En un principio adoraba leerlos y tenía mis colecciones de Spiderman, Superman, Batman, etc. etc. cuando tenía menos de 10 años.
 Pero cuando cumplí los 11, mi familia se cambió de ciudad y por consecuencia, los lugares donde compraba ya no eran los mismos y aparte, esto genero un cambio en mis gustos. Pasé de leer a ver más TV y así a encerrarme más en tramas más complejas, ya que entonces, como comente en la introducción, el cómic tenía cierta debacle argumental.

 Inclusive, la llamada etapa del renacimiento, que vino a cargo de la muerte de Superman y la Caída del Murciélago, la viví de una manera muy efímera. Un compañero de la escuela compraba los tomos y nos los prestaba a todos. Así que me toco ser el turno cincuenta y tantos, por lo cual tuve que chutarme las historias de volada y sin disfrutarla como Dios manda. Solo me enfoque en ver como había regresado Superman y que había pasado con los restantes "Supermanes" impostores. Igual con la caída de Batman, que me fuí directo a como Bane le tronaba la columna en dos pedacitos.

 Y allí acabo mi onda comiquera, hasta que llegue a la Facultad de Medicina.

 No niego que Medicina fue una etapa especial en muchos sentidos, pero en especial para diversificar mis gustos hasta el mero infinito y aparte tuve compañeros y amigos que me enseñaron muchas cosas.
 Entre ellos, estaba un compa que era un fan a morir de Starwars (fue justamente él que revivió mi gusto por la saga galáctica) pero también de los cómics.
 Él, al verme tan verde y casí como su padawan, me presto algo para "iniciarme", que resulto ser Crepúsculo Esmeralda.

 Claro, yo tan cerradote como siempre, solamente tome los cómics y los guarde un ratote, hasta que el compa me pregunto que le había parecido una semanas después. Yo, por no quedarle mal, me tomé una tarde para leerlos.
 Y vaya que valió la pena, mientras críticaba mi cerradez, por haberme perdido algo tan bueno.

 La muerte de Superman causo un "realineamiento" de varios personajes del mundo DC. Varios charas de la Liga de la Justicia salieron lastimados o no volvieron a ser héroes luego de la pelea con Doomsday y aparte los daños que causaron Superman Cyborg y Mogul, entre ellos la destrucción de Cd. Costera, también afecto a otros héroes.

 Entre ellos, fue Hal Jordan, que luego de regresar de patrullar su sector, se encontro con su ciudad hecha trizas y participo de manera importante en la batalla final contra Cyborg y Mogul.
 Pero mientras todo mundo celebraba el regreso del Azuloso, Hal se quedo solo, enmedio del cráter del que fue una vez su hogar, lamentandose por lo sucedido.

 Aunque muchos consideraban a Jordan como un ser íntegro, capaz y aparte noble, durante las primeras páginas, cuando Hal reconstruye Cd. Costera con el anillo (algo que no se debe hacer, ningún linterna puede usar su poder para fines personales), vemos el origen de varios traumas del susodicho, desde la relación con su padre, hasta con sus parejas. Hal resulta ser un buen chico, pero a raíz de querer satisfacer inconcientemente a su padre, lo cual termina por freakearlo más, al grado de manipular la misma realidad.

 Sí ya de por sí, usar el anillo para algo personal esta mal, controlar la realidad es otra cosa, lo cual acarrea que uno de los Guardianes venga y le ponga una regañiza, luego de que el anillo pierde su poder.
 Hal se enfurece ante las miles de restricciones que tienen los Guardianes y sin más, roba la energía de la ilusión del Guardian y con eso carga su anillo, dispuesto a ir a Oa a arreglar cuentas.

 Allí es donde Hal pierde la cordura que tenía y ve que la única forma de arreglar sus problemas, es mediante el poder de la batería central. Esta le permitirá acomodar la realidad como él desea.

 Los guardianes, al ver que ya tienen otro Siniestro entre manos, mandan a varios Linternas bastante capaces.
 Sin embargo, hablamos de Hal Jordan. El "mejor" Linterna Verde del universo.
 Uno por uno, con la voluntad de la lócura, Hal mata, vence o destruye a sus oponentes, que en un tiempo eran amigos y camáradas.
 El último en frenarlo es Kilowog, su maestro, pero este también cae ante la lócura de Jordan.
 Los guardianes no tienen otra opción que traer a Siniestro, a darle un "estate" quieto.
 Pero Hal esta loco y sabemos que todo héroe caído, es más poderoso que un villano.

 Siniestro tampoco puede hacer nada y mientras Jordan va por la Batería Central, los Guardianes reflexiona de modo curioso sobre su proceder. Se dan cuenta que como han manejado la situación no fue nada bueno y acarreara la desgracia al Cuerpo.
 Sin embargo, en su testarudez, todos deciden morir con la Batería, salvo uno, que decide que las cosas pueden ser de un mejor modo. Los Guardianes ven una salida fácil a esto y le ceden todo su poder, mientras Hal, luego de literalmente pulverizar a Kilowog nuevamente, comienza a extraer la energía de Oa, lo cual lo consume en mil pedazos, con todo y enanos azules.

 Claro, salvo el "elegido" que rapidamente va a la Tierra a buscar alguien que pueda echarle la mano.

 Y ese elegido es Kyle Ryder.

 El final de esta "saga", nos muestra a Jordan, ya como un nuevo ente, llamado Parallax, dispuesto a hacer de las suyas, con el poder de toda la Batería de Poder dentro de sí, mientras un nuevo Linterna Verde es elegido para suceder al caído.

 Ya para cuando terminé esta saga, me quede maravillado. Por suerte, mi compa me presto los siguientes tomos y ví el nacimiento de Ryder y como este se convertía en un Linterna Verde más desparpajado, comparado con su antecesor, todo paciencia y tranquilidad.
 No niego que la historia tiene unos puntos raros, esos argumentos tipos Deux Machine, donde se sacan cosas de la manga solo porque el protagonista lo tiene, como la lócura de Jordan. Sería comprensible de cierto punto y puede que lo justifiquen los traumas pasados, pero de allí a cargarte todo lo que conoces y matar a tus amigos...bueeeno, algo así veo a veces en mi trabajo.
 Aun con ello, la historia es divertida, oscura y bastante llevadera. Realmente te mete en esos momentos que vive Jordan y sobre todo la estupidez de los Guardianes, pero a la vez su apego por las reglas.
 Podría decirse que es la mejor saga de Cómics que leí en esa temporada, superando con creces a la caída del Murciélago o inclusive igualando la Muerte y Resurrección del Azuloso.

 Por suerte, mi compa me presto luego "la continuación" de todo esto, que sería Hora Cero. Pero bueno, como dije antes y diría la Tía Chona: Eso, es otra historia.

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Saludos a mi farito de luz xD, así a quienes gustan del buen cómic.

Disney de los ochentas y noventas: series de TV

 Como buen veterano de la televisión, tuve distintas etapas, donde pase de adorar algo para luego terminar odiandolo o viceversa. Este caso fue con respecto al anime o animación japonesa, que en su momento me sacaba de quisio. La razón era que las historias siempre me traumaban (Remi, Marco, etc. etc.) o porque quitaban del aire, algunas de mis series favoritas.

 Y entre ellas, se incluían varías caricaturas de Disney, que muchos de ustedes seguro recordaran.





Disney Afternoon fue una barra de caricaturas que emitía Disney Channel en horario vespertino de dos horas. Llego a incluír los grandes éxitos de la televisora, como Chip and Dale: Rescue Rangers, Bonkers, Tale Spin, etc.

 La licencia de Disney estuvo hace unos años a cargo de Televisa. Entonces, esta televisora le dedicaba casí un día a la semana, en especial el domingo, para transmitir, sea películas, series de televisión live action o caricaturas de la productora del castillito.

 En especial recordaba los ciclos de Patoaventuras, que se volvieron bastante emblemáticos a mediados de los ochentas. Posteriormente, esta barra se paso a la tarde de lunes a viernes, donde uno podía ver desde Chip y Dale hasta Darwing Duck.

 Lamentablemente, o tal vez no, el anime vino a romper este ciclo y muchas series de Disney se fueron quedando atrás. Inclusive, Bonkers ya veía su estreno eminente, pero esta no llego a transmitirse de manera íntegra, por las razones ya comentadas.

 Sin embargo, Disney logro crear una horda de fans que aun recuerdan sus canciones, sus tramas, sus personajes y sus historias. Esta entrada va como homenaje a las series que me parecieron las mejorcitas del ciclo Disney de los ochentas y noventas.


Chip y Dale: Rescatadores

 Luego del éxito que tuvo la "adaptación" de Patoaventuras, Disney siguió con esta corriente, al adaptar personajes clásicos, en una nueva versión. Lease, una especie de "remake". Chip y Dale son dos ardillas listadas que ya habían tenido sus mejores momentos, haciendo travesuras a Donald o Pluto. Aquí forman de un equipo de "guardianes", que se encargan de resolver problemas del mundo al que pertenecen. Los acompañaban Monterrey Jack, un ratón valiente aunque algo atolondrado, así su compañero Zipper y la dulce Gadget o Gady, que era la chica del equipo y la encargada de los distintos artefactos que usaban los Rescatadores.
 Debo admitir que fue una caricatura que me pego bastante, al grado que tanto el logo, el nombre en inglés y la misma música, me inspiro a crear mis primeras historias, pero con mi "propio" equipo. Aunque por momentos los capítulos puedan resultar infantiles, en realidad son bastante entretenidos. Aun hoy en día, me paso a ver uno que otro, como cuando estan en el mundo de Sherlock Holmes o cuando Chip se hace cargo de un par de ratoncitas como niñero. Sencillamente estupendos.


Tale Spin: Los aventureros del Aire

 Aventureros del Aire, a diferencia de Patoaventuras y Chip y Dale, me trajo emociones ambivalentes. Por un lado, me encantaba como adaptaban los personajes del Libro de la Selva en un mundo lleno de aviones de la decada de los veinte y treinta, destacando Khan, el maléfico tigre de la saga. Sin embargo, esta serie siempre tuvo un aire un poco más adulto que sus predecesoras, en especial precisamente por ese ambiente "noir" que por momentos dominaba la serie. Ciertamente, Baloo hacía graciosadas y la adquisición de Kid Nubarrón, aligeraba el ambiente, pero falta ver los capítulos "introductorios" que siempre eran entre 4 a 5 episodios, donde narraban el inicio de las sagas. Los de Tale Spin, fueron bastante emotivos y por momentos, hacía chillar, en especial para un niño de 9 a 11 años.
 Lamentablemente, Tale Spin fue de las últimas series en sobrevivir ya la avalancha del anime, ya que aun estaba en el aire, al tiempo que Sandy y Sus Koalas o la versión japo de Peter Pan. Por cierto, el opening es una chulada xD.


Patoaventuras

Patoaventuras es y siempre será la reina de las sagas Disney de esta decada. No solo porque fue la primera, sino porque implemento un concepto que terminaría por contagiar al resto de las franquicias. Para un servidor, fue una novedad la primera que ví esta caricatura a finales de los ochentas. Podría decir, que fue la que inaguro mi gusto por las caricaturas, con un aire un tanto distinto al promedio. Fue tal el grado, que inclusive saque una credencial en un antiquísimo videoclub en el pueblito donde vivía. Entonces tenía una BETA y logre alquilar la única copia que tenían de la película de Patoaventuras, que era realmente la condensación de los primeros 5 episodios (el famoso "introductorio"). Allí presenciamos como Donald se hace marino y deja a sus sobrinos al cuidado de su tacaño tío McPato. La amistad, el cariño y las aventuras van naciendo de esta unidad, trayendo personajes como Ciro Peraloca, Panfilo y los Chicos Malos, sino también nuevos como Rosita o Joe McQuack que terminaría siendo un personaje multicrossover.
 Lamentablemente, Televisa quemo tanto la serie en sus primeros 50 a 60 episodios, que no vimos los siguientes 40, que eran un tanto más evolucionados, teniendo a PatoAparato (Gizmo Duck) o Bubba, que dieron un poco más de movimiento a la serie. Aun así, es una tamaño serie que aun hoy en día, se sigue viendo. Al menos un servidor, tiene como 10 episodios en la pc que me parecen estupendos.


Darwing Duck

 Luego de que por 1992-1993, las series Disney comenzaran a perder su pegue, en razón del anime y otras caricaturas más "serias", Darwing Duck pareció ser una contrarrespuesta a las caricaturas de superhéroes. Para empezar, la serie utiliza personajes que no se habían visto en otras series, salvo Joe McQuack, que es un personaje x-over de la saga de Patoaventuras.
 Drake Mallard es un habitante común y corriente, en apariencia, de San Canario (Saint Canard), una ciudad con un toque tipo Ciudad Gótica. De noche, es una especie de defensor de la ciudad, aunque bastante atolondrado. Aunque tiene artilugios y la moda de un Batman con plumas, en realidad es medio torpe y con unas habilidades artemarcialistas que me recuerdan al chapulín colorado. Pero bueno, aun con todo, la serie era sumamente entretenida y los episodios tenían ese aire comiquero que los hacía aun más divertidos, pasando por los villanos que tenían reminiscencias a Spiderman, Batman o Superman.
 El toque dulce o infantil, venía a cargo de la hija adoptiva de Darwing, Gosalyn, que lejos de ser dulce, era una especie de marimacho bastante más capaz de lo que parecía, inclusive que su padre adoptivo.
 Lamentablemente, Tiny Toons termino por golpear la serie, que se había instalado a las 7 de la noche, pero terminaron quitandola para aumentar a una hora completa la saga de los sucesores de la Looney Toones.


La tropa Goofy

Vamos, si habíamos tenido a las Ardillas, Patos y Osos, ¿Por que no podíamos tener a Goofy (Tribilin) en su propio universo "alterado"?.
 Y vaya que la serie resulto ser, al menos para un servidor, bastante buena. Tenemos a Goofy, como un padre soltero que se encarga de criar a Max, su hijo (que ya teníamos algo de antecedentes, cuando fue creado en 1951, pero entonces se le conocia como Gooffy Jr.), en un vecindario típico estadounidense. Claro, su vecino es Pedro y su hijo PJ, que aunque parece ser calca del padre, en realidad es de buen corazón y un gran estudiante. Junto con Max, tienen un montón de aventuras, donde los padres les toca batallar para cuidar a sus retoños.
 Aquí ya hubo varios cambios. Para empezar, el doblaje comenzo a nombrar al personaje como se decía en inglés, en lugar del típico "Tribilín" y luego la pasaron en un horario que era meramente vespertino, pero lejos de otras series de Disney (recuerdo que la ponían antes de la Tropa Rex).
 Fue tal su éxito, que luego se hicieron dos películas, una donde Max, ya adolescente, quiere ir a un concierto y otro, donde su padre se hace universitario para seguir a su hijo y allí conoce a una nueva "señora" Goofy. 

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 Y bueno, aquí acaba mi viaje Disney por el momento. Cabe decir que luego de 1994 y la salida de Captain Tsubasa, deje estas series por un rato, ya que como era lógico, necesitaba algo más pesado al respecto. Pero acabo de descubrir, gracias al internet, que aun me siguen gustando y bastante. Digo, desde los fabulosos intros, interpretados la mayoría por Ricardo Silva, hasta las voces nostálgicas de tantos actores de doblaje. Digo, ¿A quien no le daría nostalgia?
 Por cierto, ¿Porque no incluí a los Osos Gummi? Aquí sere un tanto parcial: jamás me gusto, pero para nada.

 Saludos a mi princesa, que seguro piensa soy un abuelo bien hecho, así quienes disfrutaron de estas series, en su momento (no después, eso no vale).

Batalla de Borodino: comienza el ocaso de Napoleón

 La primera vez que ví o escuche de Napoleon fue cuando tenía 8 o 9 años. En el canal 5 ponían peliculas de corte viejito en las noches. Entre ellas, fue la famosa película de 1970, Waterloo, donde debido al horario, solo pude ver inicios de la película, donde un ya famoso Rod Steiger, encarnaba el papel del gran Corso. De allí, comence a interesarme sobre el susodicho, al grado de citar en varias ocasiones, algunas de las frases que le hicieron famoso, a la par de su talento militar.

 Curiosamente, deje de lado este aspecto de su vida hasta la actualidad, cuando a raíz de leer tanto libro militar, comence a interesarme más en el aspecto de la logística, más que el contexto de la batalla. Digo, no es lo mismo saber donde fue la batalla de Cannas, quienes participaron y quien gano, a saber como fue que tácticas desplego Aníbal durante el encuentro.
 Napoleón fue un genio en la forma de atacar. Antes de las guerras napoleónicas, los ejércitos se plantaban cara a cara y disparaban en formación ordenada, para ver quien caía primero. Quien mantenía la disciplina, era quien ganaba.
 En cambio, el buen Corso usaba sus ejércitos en despliegue móvil, donde lo anterior se respetaba, pero se añadía al tiempo, ataques por distintos flancos. No esperaba a las clásicas descargas de mosquetes, sino movía al ejército para no solo atacar, sino defender, razón por lo cual Napoleón era tan apreciado por sus tropas y también le valio ser un revolucionario. Sus tácticas fueron tan emblemáticas, que aun durante la Primera Guerra Mundial, trataron de usarse, ya sin tanto éxito, por la adquisión de la ametralladora y la granada de mano.
 Fue esta movilidad que le dio un gran empuje en sus distintas batallas, donde lo consolido como un genio.
 Pero esta genialidad, lo llevo a un grado de soberbía, que curiosamente, Hitler caería más de 100 años después y fue el invadir Rusia, para derrotar al gran coloso que junto con Inglaterra, amenazaba su poder.


La Batalla de Borodinó (en ruso: Бородино) tuvo lugar el 7 de septiembre de 1812 (26 de agosto según el antiguo calendario ruso). Es también conocida como la Batalla del río Moscova, y fue la mayor y más sangrienta batalla de todas las Guerras Napoleónicas, enfrentando a cerca de un cuarto de millón de hombres.

Esta batalla enfrentó a la Grande Armée francesa bajo el mando de Napoleón I de Francia y al ejército de Alejandro I de Rusia, comandado por Mijaíl Kutúzov, cerca de la aldea de Borodinó, un pueblo al oeste de Mozhaysk. La batalla fue tácticamente poco concluyente para ambos ejércitos, y sólo las consideraciones estratégicas de la misma forzaron a los rusos a retirarse. La conducta de Napoleón durante la batalla también mostró que sus decisiones tácticas trataban de impedir una victoria pírrica. El Emperador francés sufría además de fiebres durante el transcurso de la batalla, lo que pudo traducirse en el poco característico alejamiento de los combates, así como por un plan de batalla más simple de lo habitual.

Napoleón I, como se hizo llamar luego de ser coronado por el Papa en 1804, marco un corto periodo de paz que aprovecho el naciente emperador, para reconstruír Francia y aparte aplicar un código civil inovador, el Napoleónico, que luego sentaría base para los códigos actuales.
 Sin embargo, la paz entre Francia y las naciones rivales siempre fue frágil. El emperador detestaba la actitud de Inglaterra, por lo cual aplico un bloqueo continental, donde ningún país que quisiera comerciar con Francia, podría comerciar con Inglaterra. Lógico, hubo disidentes, entre ellos Portugal, por lo cual el buen Napoleón aprovecho para invadir la península ibérica, derrocando a Fernando VII y precipitando la independencia de Latinoamérica.
 Nuevamente, se establecio una paz entre las distintas naciones europeas. Sin embargo, fue un país que Napoleón consideraba su amigo, Rusia, fue el que precipito el fin del Emperador.

 Alejandro I, zar de Rusia de aquel entonces, admiraba a Bonaparte y mantenía buenas relaciones con Francia, pero a un coste económico importante. La realeza rusa lo consideraba un insulto, por lo cual comenzo a presionar a Alejandro para que sorteara el bloque continental con Inglaterra.

 Esto Napoleón lo considero un insulto, por lo cual comenzo a hostigar a los rusos a que le hicieran caso.
 Por entonces, Prusia tenía problemas de tipo político, lo cual alboroto el avispero en Polonia, que tenía un reino sumamente poderoso por esos tiempos y que disputaba parte del territorio prusiano.
 Rusia, amigo de Prusia, comenzo a movilizar tropas, lo cual Napoleón interpreto como un acto de desafío, más cuando se supo que el ejército ruso ascendía a 300,000 tropas.

Napoleón junto sus hombres y para mediados de 1812, tenía un ejército de 600,000 soldados. Pese a las advertencias de sus allegados, Napoléon decidió invadir el territorio ruso y darles una lección al zar y sus subditos.

Como fue previsto, Napoléon y su Grand Armée, iniciaron un ataque en toda la regla, saliendo por Polonia, que había incorporado parte de su ejército al de Napoleón (los famosos lanceros polacos, que luego serían parte fundamental de la vanguardia de la Grand Armée), dirigiendose por la carretera de Smolensk, que nuevamente, 100 años después, Hitler tomaría para invadir la Unión Soviética.

 Pese a los deseos de pelear, Barclay de Tolly, el entonces general supremo de los ejércitos rusos, siempre mantuvo escaramuzas con las tropas francesas, nunca llegando a enfrentarlos de frente o en una batalla de gran envergadura.
 Napoléon, creyendo que el pueblo ruso estaba con él, cayo en esta trampa y fue atraído al centro de Rusia, con el objetivo de tomar Moscú y hacer trizas el corazón del imperio cosaco.

 Sin embargo, Napoleón solo encontraba aldeas quemadas y zonas destruídas, lo cual fue minando el avatilluamiento del ejército francés, que comenzaba a ver disminuídos sus números. La Grand Armée no estaba acostumbrada a una batalla de desgaste, lo cual comenzo a afectar la moral del ejército, así tambiién la salud de Napoleón, que debido al clima como el estrés, comenzo a estar enfermo de forma habitual.

Pese a esto, Alejandro I no le gustaba la situación. Le parecía cobarde no enfrentarse a Napoleón, por lo cual, destituyo a Barclay de Tolly y puso en su lugar, al general Kutuzov, que pese a tener la misma mentalidad que su antecesor (cosa relatada al dedillo por Leon Tolstoi en Guerra y Paz), decidió enfrentar a Napoleón.

Smolensk ya había caído y la Grand Armée estaba muy cerca de Moscú, por lo cual Kutuzov planto su ejército cerca del lado Moscova, en un pueblo llamado Borodino, para darle batalla al gran Corso. Las fuentes varían el número de hombres que servían a Kutuzov en ese momento, pero se calcula oscilaban entre 125,000 a 150,000, comparado a los 115,000 a 125,000 que tenía Napoleón en ese momento.
 La Grand Armée había disminuído de tamaño dramáticamente. Parte del ejército frances se había dividido para atacar a los rusos por otra ruta, mientras se habían dejado tropas en las distintas poblaciones tomadas para mantenerlas bajo control, amen de las bajas que había sufrido el ejército, no solo por las escaramuzas, sino por el mismo cansancio y enfermedades.

El 7 de septiembre de 1812, ambos ejércitos finalmente se vieron las caras. Los mariscales franceses esperaban ordenes precisas, que generalmente involucraban maniobras de envolvimiento, ya que el ejército ruso se movía torpe y de manera rústica. Sin embargo, la sorpresa llego cuando un enfermo Napoleón, les dijo que solo tenían que moverse de frente y atacar frontalmente. Aun se discute hoy en día esta decisión, pero muchos suponían que Bonaparte quería mostrarle a los rusos la fuerza de su ejército, otros que debido a estar enfermo, no podía dirigir personalmente la batalla, algo que le desagradaba bastante, ya que gustaba de estar en el centro del ataque, para hacer sus cambios que tenían ese tinte de genialidad.

Según las notas recopiladas de ese día de batalla, todo inicio a las 5 de la mañana, cuando el Mariscal Ney, que unos años después, sería el artífice de la derrota de Napoleón en Waterloo, decide bombardear las posiciones rusas.

 Los enfrentamientos de aquel entonces, dictaban que la artillería daba los inicios de la batalla. El día empieza mal para los franceses que deben ajustar los tiros de artillería, lo cual provoca que tengan que movilizarse, y a la vez precipitar el uso de las cargas de infantería y caballería de los flancos. Bien se sabe del poderío artillero de los franceses y esta vez no se ve merma en el ejército ruso.

 Sin embargo, Poniatowsky, que luego sería mariscal de Francia, de origen polaco, logra hacer trizas las posiciones del general Bagration (que su nombre sería el título de la operación que los soviéticos lanzarían contra el grupo de Ejércitos Centro Alemán, durante la Segunda Guerra Mundial) y los rusos ven como es necesario usar reservas del centro para reforzar la zona. Esto provoca que Ney y Bagration salgan heridos con sus hombres. El primero sobrevivirá, el último morirá de sus heridas días después.

 Murat, el gran mariscal de Napoleón, lanza a sus hombres al debilitado centro y comienza a hacerse un boquete en las líneas rusas. Ney y Poniatoswky urgen a su emperador que lance a la famosa Guardia Imperial, la crema y nata del Ejército Francés, para acabar con el asunto.

 Pero Napoleón juzga excesivo esto y decide que las cosas sigan su rumbo. Los rusos se recuperan y vuelven a formar las líneas como pueden e inclusive, se dan el lujo de contratacar, con sangrientas pérdidas, logrando que los franceses retrocedan por un momento. Esto provoca que los franceses, usando su caballería de coraceros, contenga a los rusos y lance una nueva ofensiva. Murat nuevamente marca el ataque de caballería, haciendo que los rusos vuelvan a perder la estabilidad.

 Sin embargo, el destituído Barclay de Tolly, lanza los coraceros rusos con todo y nuevamente forma la línea rusa, que ya se veía en debacle y forzan nuevamente a los franceses a retroceder. Es un toma y daca de los buenos, donde se pierden hombres por minuto a gran velocidad.

 Kutuzov, viendo una oportunidad, lanza a la Guardia Imperial Rusa y logran hacer retroceder más a los franceses.

 Napoleón, molesto con la situación, decide al menos utilizar la artillería de la Guardia Imperial, que logra frenar a su homóloga rusa y poner parejo el combate.

 Ya para la tarde, hay solo pequeñas escaramuzas, mientras el campo de batalla purulan los muertos. Los franceses han logrado tomar las posiciones iniciales rusas, pero estos apenas han retrocedido un mentado kilométro. Sin embargo, Kutuzov ve el cansancio en sus hombres y decide durante la noche, retirarse del campo de batalla, juzgando la batalla pérdida y dejando libre el camino a Moscú.

 Napoleón, exultante, se adjudica la batalla, aunque se debe reconocer que ambos bandos habían quedado parejos, solo la decisión de Kutuzov de retirarse al último momento, es lo que determina para quien fue la victoria.

 El resultado de la batalla es desastroso: se calculan en un inicio, 100,000 muertos, pero luego las cifras se han ido rectificando a algo más de 50,000. La razón por la cual se considera tan sangrienta, es que la cantidad de hombres que murieron por hora fue alrededor de 6,000, superando con mucho la media de 4,000 que cayeron durante la sangrienta batalla del Somme, durante la Primera Guerra Mundial.

 Bien sabemos las consecuencias posteriores: Napoleón entro a Moscú, pero la encontro vacía y luego incendiada. El zar se había ido y no había nadie quien entregara la ciudad a Napoléon. Este, luego de estar unos meses peregrinando en Moscú, decide salir, en una retirada que le costo la corona y posteriormente, el exilio.


En cambio, para Rusia, significo la Gran Guerra Patriotica, que sentaría una base de nacionalismo sin precedente en la nación. Kutuzov vería un año de gloria, pero no alcanzaría a ver el final de Napoleón, 3 años después, ya que fallecería al año de la dudosa derrota de Borodino.

 Pero eso, es otra historia.

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Saludos a mi princesa ^^, así quienes gustan de este tipo de batallas.

Tres peliculas CGI para niños: Era del Hielo 4, Madagascar 3 y Valiente

Me doy verguenza, lo se. Se supone ya debería haber reseñado estas películas, pero debido al nuevo formato del blog, no he querido solamente enfocarme en un tema, sino hacerlo de manera salteada, tanto para no cansarme de un tópico, como para diversificarme en otros.
 Claro, el problema que se arrastra en el asunto, es que suelo hablar de cosas que ya tuvieron su tiempo. En el caso de estas películas, no llegamos a ese extremo, pero dudo que alguien quiera leer sobre películas que ya inclusive quitaron de cartelera (aunque conozco cada quien que opta por no verlas por x o y razones, pero eso ya es harina de otro costal).
 Por suerte, esta entrada no se dedicara a grandes peliculas, que esas estoy dejando al final, como "Intouchables" y "The expendables 2", ni a palomeras cómicas como "Que esperar cuando estas esperando" y "5 años de noviazgo", menos aun a bodrios que ya pienso reseñar como "Sombras Tenebrosas" o "Kick Ass", sino al mercado meramente infantil. 
 Bien, ya luego de 4 meses, al fin reseñare estas tres peliculas, que se consideraban el arma fuerte para atraer mas niños, deseosos de gastar el dinero de sus padres, en productos, desde tazas hasta CD musicales.


Era del Hielo 4 - La deriva continental

Ice Age: Continental Drift, conocida como Ice Age 4: la formación de los continentes (en España) y La Era de Hielo 4: la deriva continental (en Hispanoamérica), es la cuarta película de la saga La Era de Hielo ,es una pelicula estadounidense hecha con gráficos 3D por computadora,(CCI) dirigida por Steve Martino y Mike Thurmeier con las voces de Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary, Queen Latifah, Queen Latifah, Seann William Scott, Josh Peck, Keke Palmer,Chris Wedge, Peter Dinklage, Jennifer López, Drake y Nicki Minaj.

 La era del Hielo ha ido en decadencia de manera lenta, tanto como el deshielo luego de una glaciacion. Luego de la genialidad de la primera y de cierto punch de la segunda, la tercera de plano cayo en un bache bastante pronunciado. Ciertamente teníamos un personaje carismatico como Buck, pero el carisma del trio protagonista había bajado bastante, empezando por Manny el Mamut y Diego el Dientes de Sable, pasando de personajes tridimensionales, a ser simples cliches, como ver la "vejez" de Diego o la "paternidad" de Manny. Tal vez el único que había mantenido su cache era Sid, que pese a ello, había sido diseñado para el personaje "patiño" de la saga.
 Por eso, cuando ví los trailers de la cuarta pelicula, me di una cierta esperanza, ya que los productores parecieron ver este problema y decidieron separar a la incipiente manada, para que el trio inicial volviera a brillar.
 Pero empezamos con un lío gordo: se usa de pretexto la deriva continental, que para un servidor, fue un fallo de los gordos, ya que la deriva continental al menos comenzo durante el periodo cretáico, lease, unos 50 a 60 millones antes de la época donde esta ubicada la película. Claro, para un extremista como yo, es un error garrafal, aunque debo reconocer como Scratch, que es tal vez el personaje que ha mantenido su nivel en todas las peliculas, tiene que ver con esta situación, me hizo soltar varias carcajadas. Posteriormente, debido a esta deriva, el grupo de Manny se ve separado.

 El problema es que no se aprovecho esto, sino volvimos a los temas cliches, como tocar la naciente adolescencia de Morita y su deseo de ser aceptada por otros Mamuts, para luego pasar al asunto de conseguirle pareja a Diego, encarnada en otra dientes de sable, interpretada por Jennifer López en su versión original.
 En fin, que por momentos la trama se toma lenta por momentos y para colmo, el encuentro con el capitan Jack, también termina por fastidiar el momento, ya que no resulta ser un villano tan convicente, con poco contexto y que solo quiere conquistar los mares.
 Lo único relevante de la historia, es la familia de Sid, que demuestra porque el pobre perezoso esta como esta. Aquí la abuela del susodicho es lo mejorcito de la película.

 La historia, pese a lo anterior, es divertida y entretiene, pero sigue careciendo de ese punch que se perdio a partir de la segunda película. Recomendable, sí, solo para los fans de la saga.



Madagascar 3 - Los fugitivos

Madagascar 3: Europe's Most Wanted (Madagascar 3: De marcha por Europa en España y Madagascar 3: Los Fugitivos en Latino América) es una película de animación de DreamWorks, además es la tercera película de la saga Madagascar. Fue estrenada el 8 de junio de 2012.


Se suponía era la "decepción" de la temporada. Y como no esperar eso, si las anteriores habían resultado un tanto flojas. Lo único que ha mantenido esta saga en lo alto, ha sido la incorporación de los pinguinos, que en las anteriores, habían hecho que los niños fueran y compraran entradas. Así que veía venir lo peor, ya que un año antes, se había estrenado la serie de los Pinguinos, que lógico le iba a quitar puntos a la pelicula.
 Pero cual fue mi sorpresa, al comprobar que la película es buena y no solo eso, sino entretenida y aparte hace un enfoque sobre los personajes principales que no se había visto en las anteriores. Aunque el principio es bastante flojo, que auguraba una película en el mismo tono, cuando Alex y compañía caen en el circo. Desde allí, la pelicula toma un nuevo rumbo y por momentos alcanza momentos estupendos, en especial al describir el origen del circo, como de los personajes que lo integran. El más destacable, es Vitaly el tigre, que aunque su habilidad puede parecer extraña, en realidad tiene un contexto cuasi filosófico muy interesante, sobre la verdadera autoestima.

 Algo tan bastante interesante es la definición de hogar. No se si los guionistas lo hicieron a propósito, pero Alex sigue el trayecto del "héroe" visto por Campbell, donde la primera película es la salida del hogar, la segunda, es el entrenamiento y el reconocimiento del origen, mientras la tercera es la vuelta al hogar del héroe y como este no ha cambiado, sino que el héroe es quien ha cambiado y entonces el hogar también cambia. Por esto, el final me parece bastante emotivo, aun pese a la música de Kate Perry como fondo.
 Al final, salí bastante satisfecho de la película, dejandome una grata sorpresa, aun pese a las situaciones cliche y los chascarrillos ya conocidos. Es más, aunque los pinguinos tienen otro papelazo, no se extrañan en la película. Es lo mejorcito del año y claro, igual pienso comprarla cuando salga en DVD, por cierta escena que mi esposa parodea de manera estupenda xD.

Brave (Valiente)

Mérida es la impulsiva y hábil arquera hija del Rey Fergus y de la Reina Elinor, que dispuesta a trazar su propio destino en la vida, decide romper con una antigua costumbre que la obliga a casarse con uno de los hijos de los señores de la tierra: El gigantesco Lord MacGuffin, el malhumorado Lord Macintosh y el cascarrabias Lord Dingwall. La actuación de Merida desencadena, sin quererlo, el caos y la furia en el reino. Además, decide pedir ayuda a una anciana que le concede un deseo muy poco afortunado. Los peligros desencadenados por el deseo obligan a Merida a descubrir el significado de la auténtica valentí­a, en su esfuerzo por acabar con una terrible y bestial maldición antes de que sea demasiado tarde para salvar a su madre.

Luego de la decepción de Cars 2 y ver el trailer que se mostro durante esta, Valiente fue una de las películas más esperadas, al menos para un servidor, de este año.
 Sabía de la calidad de Pixar y como la peli del Rayo McQueen solamente era para tener algo de ingreso extra, así que estaba bastante emocionado cuando comenzo la función.
 Debo decir que al terminar, me dejo emociones mixtas. Sí, es mucho mejor que Cars 2, y que la película esta bien hecha, así los personajes son emblemáticos, en especial Merida que hace de una princesa rebelde con aires de grandeza, ni se diga de los simpatiquísimos trillizos que hacen de las suyas, así de como se recalca en la cultura escocesa, al menos de hace 500 años.
 El problema, pero problemota, es que la película es demasiado sencilla. Creo me he acostumbrado a peliculas bastante sofisticadas de esta productora, así que cuando estaba en los últimos minutos, me quede como "¿Y es todo?". Lo peor del asunto, es que si uno ha visto pelís de Disney, al momento de ver el asunto de los osos, me quede pensando en "Tierra de Osos", una peli de animación de Disney de hace unos años.

 Otro detalle fue la falta de "profundidad" de los personajes. Si tenemos a la familia de Merida, pero el hecho de querer retratar demasiado el ambiente medieval escoces, termina por hacer a la película, más un festín visual, que de la misma historia.
 Aunque no niego que la relación entre madre-hija, es lo más rescatable de la trama, ya que llega a momentos emotivos y así chuscos.
 Valiente es buena, pero a secas. Es tal vez de las pelis menos carismáticas de Pixar, quedando bastante arriba de la saga de Cars, de Bugs, pero quedandose corta a éxitos como Los Increíbles o Monsters Inc.
 Ahora a ver que pasara el siguiente año, con Monsters University.


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 Ya como conclusión, este año resulto "bueno" en películas CGI, pero se quedo corto a años anteriores. Hubiera resultado peor, pero sorprendemente, Madagascar 3 salva la temporada. Claro, falta ver Ralph el Demoledor, que se perfila como lo mejorcito de la temporada...al menos para un freak como yo.

 Saludos a mi princesa :3, así quienes gustan de este tipo de pelis.

007: Los 5 mejores intros de James Bond

 Mi hermano ha sido el responsable de muchos de los gustos que tengo hoy en día. Cuando eramos pequeños, era mucho más cerrado de lo que soy ahora (sí, imaginen tamaño engendro que era entonces). Mis gustos eran muy limitados y cerrados.
 Pero entonces Deluxe comenzo a abrirse a nuevos horizontes, que incluyo desde Starwars hasta el anime. Sin embargo, mi hermano también fue madurando y fue igual cambiando sus aficiones por otras.
 Hay una que se ha mantenido hasta la actualidad, y es la saga de James Bond.

Luego de ver Goldeneye, que se considero el renacimiento de la saga a mediados de los noventas, mi hermano no ha parado en coleccionar cosas del 007, desde revistas, pasando por el videojuego mítico del N64, hasta las mismas novelas de Ian Flemming.
 Debido a tanto James Bond, lógico también comenzo a ver hacia este mundillo y termine por agarrarle un cierto gusto. Claro, no a los niveles que llega mi hermano, pero allí la llevo y al menos me mantengo actualizado en ciertas áreas, desde las películas hasta otros datos que se consideran cultura inútil.
 No obstante, hay un aspecto que siempre sigo, al menos de la saga fílmica, y es la música, tanto instrumental como los temas que sirven de introducción.
 En la primera, David Arnold se ha mostrado como un maestro, al grado que tiene ya la misma insignia de John Barry, como musicalizador de las últimas películas. Claro, sin olvidar el tema principal de la saga.
 Pero en el caso de los intros vocales, ha habido de todo tipo, desde los clásicos de los sesentas con voz desgarradora, hasta el actual, a cargo de Aline: Skyfall.
 Por tal motivo, la siguiente entrada, va dedicada a los que me parecen los 5 mejores temas de toda la saga de James Bond.


A View to Kill - Duran Duran

Duran Duran fue de esos grupos rock-poperos que causaron un gran furor en los años ochentas. Tecnicamente, ellos llevaron el rock a estandares de moda, estilo fashion, mientras el resto de los grupos se decantaban por un estilo más duro y salvaje.
 Siendo el grupo de la moda y aparte británico, fue lógico que fueran elegidos para interpretar un tema de James Bond, que entonces la saga vivía una especie de "decaimiento", no solo porque Roger Moore parecía ya un cincuenton, sino por el tipo de tópicos que tocaba.
 No obstante, esta rola, es bastante buena, teniendo ese ritmo del 007, pero mezclando mucho el uso de sintetizadores y de la batería. Tal vez se podría considerar la primera canción "comercial" de la saga, ya que antes se prefería canciones más lentas, tipo baladas.


The Living Daylights - A-Ha

Siguiendo la tradición de agarrar el grupo más éxitoso del momento, ahora le toco al grupo sueco A-Ha, ser los cantautores de lo que se prevía una nueva saga de James Bond, ahora encarnado por Timothy Dalton. En su momento, tanto la rola, como las peliculas que encarno este actor, como el 007, fueron muy críticas, tanto por el estilo ya repetitivo que tenía A-Ha ("Take on Me" llego a ser su gran éxito y tal vez el único) como por la dureza que mostraba Dalton en su interpretación, mostrando un Bond frío y sanguinario (ahora nadie se queja de Craig, que curioso). En fin, que el tiempo les ha terminado dando la razón, tanto a la canción como a las interpretaciones. En mi caso, esta es una señora rola, pero señora. Es formidable y capta toda la esencia del 007, aparte de ser bien ochentera, jeje. Lo consideraría, a mi gusto, el mejor segundo tema de todas las películas.


Licence to Kill - Gladis Knight

 Mientras la saga, encarnada por Timothy Dalton, parecía irse al demonio, el nivel músical de la serie iba en aumento. Gladys Knight ya tenía cierta presencia en aquella época, más donde los artistas afroamericanos reavivan los finales de los ochentas, tanto en talento como en inovación. Knight decidió dejar de lado las rolas poperas y volvió a las origenes del 007, haciendo una canción con tinte desgarrador, pero a la vez movida. El resultado, es una canción que es bastante buena, que aparte mantiene un ritmo constante, oscuro pero a la vez dinámico. No la consideraría de las mejores a mi gusto, pero que cumple y bastante.


Goldeneye - Tina Turner

 Los productores del 007 quisieron dar un giro de tuercas a la saga, que había estado 6 años en hiatus luego de la poco reconocida "Licence to Kill". Primero, quisieron volver a los origenes del personaje, dejando de lado al duro Dalton y poniendo alguien mucho más sofisticado y con cache. El resultado, fue Pierce Brosnan, que encarno con éxito a Bond y haciendo recordar con sus interpretaciones al grandísimo Connery, mostrando la elegancia de este, pero la dureza de Dalton y el cinismo de Moore. Por algo, fue considerado el mejor segundo 007 de la historia.
 Lastimosamente, las pelis de Brosnan fueron decayendo en gusto. Si Goldeneye es un hito y una pelicula casí perfecta (aparte con un señor villano como Trevelyan), el resto se fueron degenerando, haciendo una saga casí al estilo camp, que sino fuera porque eran balazos, veríamos los "socks" y "was" de fondo.
 Las canciones pasaron por algo parecido. Digo, pasamos de una señorona como Tina Turner, interpretando un temazo como Goldeneye a una Madonna, haciendo un tema bien insipido como "Another day to die". En fin, que Goldeneye se volvió un tema estelar, que si es bueno, formidable, pero aun no me pareció el mejor de toda la saga.


Chris Cornell - You Know my Name

Y tenía que llegar la mejor de todas. Curiosamente, enmedio de una enorme especulación y desconcierto. Daniel Craig tomo la estafeta de Brosnan e inmediatamente fue señalado como un vulgar. Desde ser rubio, hasta no saber manejar manual, pasando por su aspecto físico desaliñado y poco atractivo, con Casino Royale, termino por tumbar todas las críticas en su contra y afianzarse como un confiable 007.
 Para empezar, la serie se retomo de cero y se tomo un Bond en sus inicios, mucho más duro, mucho más marcial, dejando de un lado el encanto, el cinismo o la elegancia, sino ver a un sujeto realista, practico y bastante eficiente. Algo que las generaciones actuales agradecen y que aparte le da más velocidad a la película.
 Cosa curiosa con el tema, donde Cornell, se decanto por un tema rockero bastante bueno, el mejor a mi opinión, donde sus crescendos son formidables, mientras el resto de la canción tiene reminiscencias al tema del 007. Es a mi parecer, el mejor tema de toda la saga.

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 Saludos a mi esposa, que ya escucho el tema "Skyfall" cortesía de Adele, así a quienes gustan de la saga del 007.

Teoria psiconalítica y anime: Haqua Du Lot Herminium

Ya en el anterior fotolog había comenzado una especie de "análisis" muy personal de los distintos personajes que circulan en la serie Kami Nomi zo Shiru Sekai, o "como Keima conquista chicas por el placer de no verse destruído".
 Había querido retomarlo hace un tiempo, pero la subespecialidad me tenía hasta el copete, así que lo que menos quería era seguir hablando de mi trabajo con alguien más.
 Pero ya luego de estar leyendo libros de otra cosa hasta el hartazgo, volvió la inspiración, por lo cual reinaguro este "topic", ahora centrandome en un personaje que me parecio bastante curioso de la serie.

Haqua es una demonio compañera y amiga de Elsie, Jefe de Distrito del Escuadrón de Espíritus prófugos. Siempre lleva una guadaña grande con ella. Es asistida por Keima en su investigación de los espíritus prófugos. Con el transcurso de la historia, empieza a desarrollar cariño por Keima.

Haqua aparece como la típica chica tsundere y autosuficiente de la serie en los primeros episodios de la segunda temporada. Se le ve como la "sempai" de Elsie, pero en todos sentidos. Desde los años de la Academia de Demonios, Haqua había destacado con las mayores calificaciones, así con el mejor aprovechamiento para derrotar y capturar las almas perdidas. Elsie, en lugar de ponerse celosa, la admira y la considera como su "master" en todos sentidos, cosa que a Haqua no le desagrada en absoluto.

 Elsie así la presenta ante Keima, que naturalmente, esta metido en sus juegos de simulación de citas, lo cual provoca la irritación de Haqua que trata de llamar su atención. Lógicamente, Keima comienza a cuestionarla y encuentra inconsistencias en los antecedentes de Haqua, que presume de haber capturado un número importante de almas por ella misma.
 Pero también como espectadores, vemos la cara de sorpresa de Haqua, al darse cuenta que en menos de un mes, Elsie ha despachado al menos 4 almas. Ya sabemos a estas alturas, que Haqua es una bocona de primera y por ello, presume de sus habilidades.

 Aquí el capítulo se va hacia flashbacks, donde nos enfocamos en el pasado de la chica y como el orgullo de esta termina por debilitarla, al grado que un alma perdida entra en su cuerpo y comienza a trastonarla.
 Elsie detecta tal alma, pero no la encuentra, hasta que Haqua, en un arranque de celos y envidia, ataca a los dos. Keima, guia a Elsie y logra sofocar este ataque emocional de Haqua, logrando capturar el alma sin problemas.

  El primer detalle que vemos, es la primera imagen que Haqua proyecta. Es lógico que tenga este concepto de sí misma, ya que su historia la ido marcando. Sin embargo, mediante los flashbacks, contemplamos que Haqua a nivel práctico no tiene la capacidad en los examenes. Esto es común en muchas personas, donde el orgullo se desarrolla a base de ciertas habilidades, pero que al ser puestas a prueba, terminan por no manifiestarse. En psiquiatria, cuando se pide valoración de Coeficiente Intelectual, no nos dan un número exacto, es más, en el caso del Wisc para niños, este comprende varias áreas, pero que destacan la ejecutiva y la verbal. Es decir, un chamaco o una persona puede entender bien el concepto, pero traspolarlo a palabras le puede costar y viceversa, que hay gente que entiende poco, pero su forma de moverse es instintiva, casí mágica.

 Al final, el promedio de ambas habilidades da el C.I. Esto se refleja en la vida diaria, donde vemos personas que pueden ser muy listas, teniendo cantidades importantes de datos, pero aplicarlos es otro detalle. Claro, no todo se reduce a la inteligencia, sino también puede deberse a factores psicológicos que disminuyan nuestras habilidades.
 Haqua sufre de esto. Su orgullo se sostiene en base a los halagos externos, que tan poco se ven durante su práctica. El problema se multiplica cuando Elsie comienza a alabarla, pero como Haqua tiene una autoestima fragil, en lugar de levantarle el ánimo, termina por crearle más conflicto, culpa y aparte envidia.

 Las personas reaccionamos distinto de acuerdo a la autoestima que manejemos. Si tenemos una autoestima alta, aun con los tropiezos de la vida, lo tomamos de manera sencilla y solo lo vemos como una simple caída. En cambio, cuando tenemos una autoestima del nabo, los fracasos los magnificamos e inclusive los halagos los podemos tomar como un insulto o agravio.

 Esto aparte, genera sentimientos de envidia, ya que la misma se genera de una carencia emocional que bien conocemos, pero no sabemos. Es decir, podemos sentirnos mal, pero no somos capaces de atribuirselo hacia otra cosa, tanto por miedo como por orgullo.

 Esto es tal vez lo más chocante de la teoría freudiana: se estipula que todo lo sabemos, pero que no deseamos saberlo, porque nos ocasionaría un conflicto mayor. El que sepamos mucho, no significa que seamos sabios. La sabiduria solo se logra en base a la propia experiencia, no a lo que los demás dicen.

 Haqua vive este conflicto de manera vívida. Al momento que se topa con la realidad, encarnada por Elsie y Keima, el ego que se había formado en sus días de escuela, se trono en dos, dejando ver una pobre autoestima, que lógico, fue presa fácil para el alma perdida, tipo 3, que la termina poseyendo.

 Si lo vemos así, Keima se encarga de penetrar las defensas "psiquicas" de cada chica que conoce, para ir hasta su interior y ver la fragilidad de este. Esto coincide con la teoría psicoanálitica, donde Freud insistía en conocer el verdadero interior de la persona, para revelarselo y darse cuenta que podía lidear con él. La ceguera mental que todos tenemos, nos priva de trabajar en lo que realmente queremos. Claro, Freud decía que esta ceguera mental era resultado de precisamente no trabajar en lo que nos hace falta porque es demasiado doloroso.

 Durante un flashback, cuando Haqua esta en su máxima posesión, justamente recuerda esto: no quiere admitir que no puede manejar las cosas como ella pensaba. No quiere ser como consideraba a Elsie: una inútil, que para colmo, había progresado a niveles nunca antes vistos.
 Por eso Keima le pide a Elsie que le diga todo esto, pero aparte la chica le agrega de su cosecha: no importa lo que ella piensa, Elsie la seguira considerando su sempai.

 Esto provoca una ruptura total en el orgullo de Haqua. No necesita méritos para que alguien la estime o la quiera, sino solamente ser misma. En la sociedad actual, el valor cualitativo de repente es subestimado, dando a entender que solamente la acumulación de éxitos es lo único que te define.

 Claro, si tienes una vida en base a la recompensa externa, es lógico que pienses que es único. Pero rara vez nos aventuramos a algo más, ya que tenemos miedo de ver nuestro verdadero valor, y por supuesto, nuestros verdaderos defectos.

 Felizmente, Haqua logra vencer al alma perdida, luego de tener confianza en sí misma, logrando su primera captura.

 Una diferencia tecnica con los otros episodios, es que Keima aquí no hace la apertura total de los traumas de Haqua, sino es más bien Elsie, que gracias a su cariño y amistad desinteresados hacia su sempai, logra abrirse a un nuevo camino.

Si lo traspolamos a un proceso terapéutico, el tratante debe convertirse en un amigo del tratado, volverse su confidente, pero tampoco sin entrar en esa dinámica que el tratado manifiesta con otros conocidos, donde su "vínculo" es solamente un engaño de la verdadera personalidad del mismo.

Pero bueno, aquí Keima gana algo extra, ya que después de ayudar a cada chica, recibe un beso. Explicaría el sentido de recibirlo, pero sería otro rollote y ya le pense mucho xD.

Saludos a mi Elsie, así quienes gustan de las masturbaciones psicoanáliticas.

Leyenda Urbana: Gloomy Sunday, una canción suicida.

 Engelcast es tal vez de los podcasts que más escucho junto con el Crapcast, la Órbita de Endor y Tu no has tenido infancia (cuyos enlaces estan en este site).
 Comence a escucharlo, cuando a mediados del año pasado, me toco trabajar en un CAPA (Centros Atención Nueva Vida, uno de los chistes que hizo la esposa de nuestro ejem, estimado Presidente) y este se encontraba al otro lado de la ciudad (más bien en otro municipio).
 El viaje al menos era de una hora y veinte minutos, así que opte por leer durante el camino o escuchar podcasts, tradición que he mantenido hoy en día.

 La razón por la cual elegí al Engelcast fue porque tocaba temas que no veía en otros programas, entre ellos, fue el tópico de las Leyendas Urbanas.
 Hasta el momento, Engel, el autor de este programa, ha hecho seis programas dedicados a este tema, pero el último me parecio bastante interesante, en especial por una Leyenda Urbana, que tocare en esta entrada: la canción suicida, Gloomy Sunday.


«Gloomy Sunday» (titulada originariamente como «Szomorú Vasárnap») es una canción escrita por el pianista y compositor autodidacta húngaro Rezső Seress en 1933.

«Gloomy Sunday» («Domingo Sombrío») ha sido versionada por numerosos cantantes, aunque fue Billie Holiday quien la popularizó en 1941. Según la leyenda urbana, esta canción ha inspirado centenares de suicidios. «Gloomy Sunday» fue conocida como «Hungarian suicide song» («la canción húngara del suicidio») en Estados Unidos; es cierto que su autor, Seress, se suicidó en 1968, pero algunos rumores acerca de la canción son infundados.

Los años treinta se podrían considerar una época deprimente. Luego de la bonanza de los años veinte, vino el crack de la bolsa de valores de 1929, con lo cual, la decada de la felicidad quedo atrás, dejando una sensación de incertidumbre y de desazón importante. Debido a la falta de capital y la caída de muchos imperios económicos, es lógico la cantidad de suicidios aumentara exponencialmente. Aparte, el miedo a una futura guerra mundial, hacía que el gusto por la vida fuese aun menor.

 De las regiones más afectadas, fue justamente la de Europa del Este. Aunque el Pacto de Versalles había favorecido a las naciones emergentes, como Hungría, Austria, Checoslovaquia, Yugoslavia, la crisis económica, las diferencias étnicas y el miedo bélico, dieron un ambiente muy deprimente. Gloomy Sunday y su leyenda viene a representar perfectamente este momento de la historia. 

Las primeras notas de esta canción se remontan al año 1933 cuando es compuesta, según algunos, en un melancólico domingo parisino por el compositor y músico húngaro Rezso Seress junto al poeta también húngaro Laszlo Javor. El primero se ocupó de la música y el segundo de la letra, consiguiendo entre ambos un tema gris y deprimente.

 Se dice que Javor escribió esta rola, dedicada a su novia, que en un domingo, había pasado a mejor vida, victima de su propio suicidio. Desde entonces, la canción fue relacionada con una cantidad importante de suicidios. Al menos se le atribuyeron 17 en Hungría, motivo por el cual fue prohibida en este país.

 Sin embargo, la leyenda negra y su popularidad ya había traspasado fronteras, por lo cual fue adaptada en multitud de idiomas, en especial en inglés.
 En EUA tomo muchísima popularidad a principios de los años cuarenta, en la voz de Billie Holliday, que ya tenía igual una carrera llena de aristas, como su consumo de drogas y alcohol, pese a su evidente talento interpretativo.
 Gloomy Sunday, como fue conocida posteriormente, fue un gran éxito en 1941, pero nuevamente se achaco el efecto que había tenido en Europa: al menos 100 suicidios se relacionaron con esta canción, donde los suicidas se encontraban con una partitura de la misma entre sus manos.

 La veracidad se discute hoy en día, ya que como decía, el suicidio se podría achacar a una cantidad de factores que entonces imperaban en el ambiente, agregándose aparte ya el conflicto bélico que azotaba a la humanidad.

 Sin embargo, la canción cayo en decadencia a finales de los años cuarenta y paso desapercibida por al menos dos decadas más, cuando el autor, Rezso Seress se suicidio en 1968, arrojandose por una ventana.

 Tal suicidio, provoco que la canción volviera a estar en boca de todos, al grado que ha sido adaptada por una multitud de interpretes, pasando por Elvis Costello, Sinead O´Connor hasta Sarah Brighman. Sin embargo, la de Holliday sigue siendo la más representativa.
 Ha sido usada igual en peliculas, como la Lista de Schindler, donde se escucha al principio de la misma, así inclusive ha inspirado a películas, en especial la caja de Kovak, film de origen español.
 Ya para finalizar, dejo el enlace a la canción, en el tubo. Suerte si de repente tienen pensamientos de ese tipo, espero que no.

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Saludos a la dueña de mis quincenas, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.