Anime bien bien atrasado: Dantalian no Shoka y Angel Beats!

 Y sigue la mata dando. Continuo con el largo y lento camino de ver anime como desposeido.
 Curiosamente, se disfruta mejor cuando se hace algo más, pero en vista de la actual situación, sigo tratando de hacer algo, mientras me hago viejo xD.
 Ahora toca turno a dos series que ya estaban mucho más añejadas que Un-Go y Uta no Princess, al grado que una me costo casí un maldito año verla, mientras la otra fue una genialidad...salvo los últimos episodios.









Angel Beats!

La historia sigue a Otonashi, un adolescente que tras morir despierta en el patio de un gigantesco colegio y sin recordar nada sobre su vida excepto su apellido. Al despertar encuentra a su lado a una chica llamada Yuri quien lo invita a unirse a la Shinda Sekai Sensen (SSS) o Frente de Batalla contra el Cielo (Nombre en turno), una organización que ella fundó y dirige para poder luchar contra Dios y encontrar una solución lógica a su ya ilógica existencia en ese mundo —el lugar donde ocurre la serie se cree que es el purgatorio—.



Este mundo esta compuesto por una típica escuela publica con unas grandes instalaciones deportivas, además; aquí las personas no pueden morir, si lo hacen simplemente reviven. Los miembros de SSS con memorias de la vida tienen como su único enemigo en la escuela a la presidente del consejo, Tenshi (Ángel), un ser con poderes sobrenaturales que se encarga de mantener el orden en la escuela. Cualquiera que obedezca a Tenshi, se comporte como un estudiante normal o alcance a realizar en este mundo paralelo todos los deseos que no pudo cumplir mientras estaba con vida, desaparecerá y volverá a su ciclo de reencarnaciones, quedando así en la escuela sólo almas con conflictos internos que no pueden alcanzar “la luz”. El destino de los desaparecidos se muestra como fatal para los miembros del SSS ya que Yuri sostiene que las almas reencarnan al desaparecer pero existiendo tan numerosa cantidad de especies es más probable que un alma reencarne en una pulga acuática o un alga de coral, antes de volver a ser humano.


 Cuando ví los primeros dos episodios de la serie, me pareció prometedor. Aunque desde el principio se fusilaban diseños y arquetipos de personajes ya vistos antes (coffharuhisuzumiyacoff), al menos la trama parecía dar para más.
 El problema vino con los siguientes episodios, hasta los dos últimos. No se si la novela ligera es así, pero el anime nunca termina por pegar del todo. Es como si hubieran metido un montón de tópicos que le gustan a los espectadores en una licuadora y listo, Angel Beats! en su punto.
 Tenemos chicas guapas, tenemos armas, tenemos chicas guapas usando armas y aparte cantando! Pero para que aparezca esto, se hace en tramas tan disparatadas, que de repente te marea o apela a tu lado emotivo (el cual ahora no tengo muy encendido) o adolescente, para que te emociones con las escenas. Sin embargo la falta de constructo de la trama es tan asquerosa, que terminas por botar el DVD a medio episodio.
 Por suerte, luego de aguantar episodios insufribles (salvo por cuando la que era el enemigo, termina por aliarse con los SSS), llegamos a los dos últimos episodios, que tienen una connotación tan matrix, tan disparatada, tan deux machina, que no sabes porque la serie fue tan popular...hasta que ves lo último último del penúltimo episodio y claro, el número 13.
 Ciertamente, el final te saca una lagrimita y mucho más el "epilogo" extra de 3 minutos que incluyeron. Es increíble como una serie que no pega nunca, tiene un final que supera con mucho el resto de la serie y otros animes que he visto. Aun con todo, el que te expliquen el motivo por el cual estan todos allí, tan condensado, aun tampoco termina de pegar.

 La serie la recomendaría, pero para quienes gustan de series que han salido los últimos 5 años y aparte tienen algo menos de 20 años, lease puro chamaco.
 Para alguien más viejo como un servidor, solamente veanse los últimos 2 a 3 episodios, con eso la serie se entiende perfectamente.
 Lo destacable es tal vez las historias trasfondo de cada personaje, en especial de Yuri y de Otonashi, el protagonista. Lastima que no fueron tan explotadas, pero claro, le hubiera robado primeros planos a "las chicas".



Dantalian no Shoka

Hugh Anthony es un muchacho que tras la muerte de su abuelo, recibe de parte del mismo una llave que abre la Biblioteca Mística de Dantalian, una biblioteca de las que muy pocos conocen su localización y que está repleta de libros mágicos, energía demoníaca y textos prohibidos. Cuando Hugh se adentra en la mansión de su fallecido abuelo se encuentra con Dalian, una muchacha con un cerrojo al cuello. Al introducir la llave en ese cerrojo se abre una puerta a otro mundo y se puede acceder a la biblioteca para sacar libros y, si la persona es capaz, dominarlos antes de tener que devolverlos. No es que Hugh sea el único que puede acceder a la biblioteca, pero como portador de la llave principal, es el responsable de que todo funcione correctamente, al igual que del bienestar de Dalian.


 Si Angel Beats! le falto pegar más con una trama tan prometedora, Dantalian sube un poco más el nivel, pero aun se queda corta ante las expectativas.
Aprovechando la "onda" gótica que se vive en estos momentos, esta serie vió su luz con ese tipo de atmosfera, mostrando paisajes oscuros, una estética steam-punk bien marcada y claro, con una protagonista lolita, al estilo gótica, pero con un carácter de los mil demonios que el prota aguanta a las mil maravillas (eso ya se llama masoquismo).
 Lo novedoso es que la chica, Dalian, en realidad es una "llave" a una biblioteca mistica que tiene libros "mágicos" que conceden poderes, deseos y anhelos (claro, con un pequeño pago de parte del portador). Así inician las aventuras de Hugh y Dalian para recolectar libros y detener las consecuencias por usarlos.
Mientras Gosick se había pasado de "tueste" con su trama (la cual comentará en una próxima reseña) y Un-Go no se afocaba totalmente a su universo, este anime va a una fórmula sencilla: capítulos autoconclusivos, con dosis de misterio suficiente, algunos bastante cómicos y otros que narran la vida de los protagonistas antes de conocerse.

 La serie es bastante disfrutable en todos sentidos, en especial porque exploran el cliche de cuando tienes un poder enorme en tus manos y debes saber la responsabilidad que conlleva. Sin embargo, no se va a historias insufribles, sino hasta divertidas y con cierto deje de moral.
 Claro, los personajes son muy cliche, pero tienen su cierto carisma, en especial Hugh, que vamos conociendo su vida antes de heredar la mansión y la biblioteca de su abuelo, todo en un ambiente luego de la Gran Guerra.
Cabe destacar, también la aparición de dos personajes en un episodio de la serie, que te los meten así de sopetón: una suerte de "caza" libros que se encarga de destruírlos, acompañado de una chica algo discola, pero bastante poderosa.
 Dantalian se queda corta en desarrollo, pero es amena, y al menos fue un oasis de tranquilidad, así de entretenimiento, luego de ver algunas series, que prometen más, pero terminan por caer pero bien bajo, o que me hicieron pensar demasiado (tal caso de Madoka).
 La recomendaría a aquellos que apenas hacen sus pinitos en anime o quienes se hartaron de "pensar" un rato.


Saludos a mi princesa, que me deja ver tantas series XD, así a quienes gustan de...bueno, algo de anime.

Enya: 5 leyendas.

 Mi gusto por la música "New Age" se remonta por alla de mediados de la decada de los noventas. Fue justamente por un compañero de la secundaria, que conocí a Yanni y de allí comence a ampliarme a otros artistas.
 Curiosamente, las melodías que a veces ponían en los comerciales de televisión en aquel entonces, me agrada bastante escucharlas. Luego me enteraría que melodías de artistas como el mencionado Yanni, ERA, Enya,David Arkenstone, Enigma, o Daviz Lanz, eran usadas para tal fin.
 Sin embargo, mi gusto por Enya surgió de una manera curiosa y bastante ortodoxa.



Eithne Patricia Ní Bhraonáín1 (n. 17 de mayo de 1961 en Gweedore, Donegal), más conocida simplemente como Enya, es una cantante irlandesa de música new age.

Comenzó su carrera musical en 1980, cuando se unió por un breve periodo a Clannad, el grupo musical formado por varios de sus familiares, antes de lanzar su carrera en solitario. Con su álbum Watermark, lanzado en 1988, alcanzó relevancia internacional, y Enya empezó a resultar conocida por su sonido único, caracterizado por el empleo de múltiples «capas de voz», sintetizadas a partir de la propia, melodías folk, fondos de sintetizador y reverberaciones etéreas. En cuanto a las letras, para las que suele contar con la letrista Roma Ryan, es conocida por haber cantado en diez idiomas diferentes a lo largo de su carrera, principalmente en gaélico irlandés y en inglés, pero también en latín, quenya, español o «loxian», una lengua construida por la misma Ryan.

Mantuvo su éxito en los años 1990 y 2000: su álbum A Day without Rain, de 2000, alcanzó la tremenda cifra de 16 millones de unidades vendidas; y ella fue nombrada la artista femenina de más ventas en 2001.5 Es la artista irlandesa en solitario de mayores ventas totales,6 así como, oficialmente, la segunda artista exportadora del país, tras la banda U2.


 Por el año de 1997, un día aburrido luego de estar estudiando el capítulo de anatomía que correspondía para una clase, decidí mandar el libro a volar y me puse a buscar algo que ver en la TV. No había mucho, salvo una película al estilo western, protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman, llamada Far And Away.
 Como no había nada más, comence a verla y claro, la pelicula no aporto gran cosa en mi existencia, salvo la última escena, donde el prota alza la bandera con la chica para proclamar la tierra y se corta a fin. Pero la "canción" que siguió a continuación, me dejo de "O_O", ya que la melodía era hermosa. No solo por la voz, sino por la instrumentación tan épica.
 Mi falta de conocimiento de inglés me impidió saber que decía la mentada canción y así identificarla. A lo cual pase 3 años buscanco la canción por medios convencionales, mostrandosela a conocidos y amigos, que se quedaban igual que yo, sin saber que era.
 Fue hasta que salió el internet y pude buscar la discografía de la dichosa película.
 Y la canción era "Book of Days" de la artista Enya.
 De allí nació un gusto por Enya que se fue multiplicando con el pasar de los años, más cuando me pude comprar el CD que marco mi gusto por la música New Age: Paint The Sky With Stars: The Best Of Enya.

El resto es historia y desde entonces, he estado al pendiente de las producciones nuevas de Enya. Su punto culminante, fue cuando compusó la melodía emblemática para la trilogía del Señor de los Anillos, de Peter Jackson: May it Be.

Como homenaje a Enya, pongo aquí cinco de sus mejores canciones, a mi opinión, y que cualquier fan de la música instrumental debe tener en su musiteca.


Anywhere is

Caribbean Blue

Book of Days

Orinoco Flow

Storms in Africa

 Aunque Desire o May it Be, así Boadicea como Only Time y The Celts son canciones formidables, a mi gusto pongo las anteriores 5, porque marcaron ciertas etapas de mi vida. Storms in Africa, en especial me recuerda mis temporadas en la Facultad de Medicina.

 Saludos a mi esposa, que adoro, como quienes gustan de la buena música instrumental.

John Carter: Crear una franquicia no es fácil

 Aunque ir al cine es costoso, mi esposa y yo no dejamos de hacerlo. Es una tradición que formamos desde nuestro noviazgo, lo cual conlleva a muchos recuerdos y situaciones de más graciosas.

 Así que fiel a nuestra tradición, fuimos a ver John Carter la semana pasada y fuera de un asunto relacionado con una bolsa, la pelicula resulto divertida, aun con las críticas malas que ha tenido el film, así que Disney declaro que este producto les quito 200 millones del bolsillo...casí nada.

John Carter es un personaje de ficción creado por Edgar Rice Burroughs que aparece en la serie marciana de sus novelas.



El héroe apareció inicialmente en Una princesa de Marte, la primera novela de la serie marciana.
Burroughs retrata al personaje como un ser inmortal En efecto, no recuerda haber sido nunca niño. Las generaciones de su familia se refieren a él como el tío Jack, pero las ve crecer y morir, manteniéndose siempre en una edad próxima a los 30 años. Su carácter y cortesía ejemplifican los ideales de su Virginia natal. Capitán durante la Guerra Civil Estadounidense, se hace rico al encontrar una mina de oro en Arizona al acabar la guerra. Un día se esconde de los indios Apaches en una cueva y cae en una muerte aparente, pero es transportado misteriosamente en proyección astral a Marte, donde se reencarna en una forma idéntica a sí mismo.
En Marte, que los nativos marcianos llaman Barsoom, encuentra varias razas humanoides y formidables criaturas alienígenas que recuerdan a animales míticos de la Tierra. Descubre también su vocación como guerrero-salvador-pacificador del planeta, cuyas razas se enfrentan entre sí en guerras interminables. Logra ganar el corazón de la princesa Dejah Thoris de Helium y sacrifica su vida para salvar Barsoom tras diez años de aventuras.

 John Carter es un personaje creado por el "papi" de Tarzán. Lejos de ver una "copia" del hombre mono, el mundo de John Carter se desenvuelve no solo en un mundo distinto, sino una temática mucho más compleja y desarrollada, al grado que el personaje y su trama llega a influenciar a una cantidad de escritores de ciencia ficción, incluyendo al famoso Arthur C.Clark.
Disney tenía los derechos para hacer una pelicula desde los años ochenta. Sin embargo, la tecnología de entonces no daba para recrear el mundo marciano, por lo cual pararon la producción. Posteriormente, la Paramount se interesó en el proyecto, compro los derechos por un rato y se barajearon nombres como Robert Rodríguez o Jon Favreau. Sin embargo, Paramount se canso de la espera y ya no renovo los derechos, aparte que Favreau se centró más en la franquicia Iron-Man.
Disney volvió a tener los derechos y entonces se enfocó en la tecnología de Pixar. De allí que Andrew Stanton (director de Wall-E o Buscando a Nemo), halla sido el elegido para hacer su primer film como director, en formato "real".

 Sin embargo, desde aquí comenzaron las broncas de esta peli y por lo cual los críticos hicieron pedazos un filme que gusta, pero hasta allí.
 Cuando salimos del cine, mi esposa dió la mejor impresión que he escuchado o leído: "es buena, pero me recuerda a Prince of Persia".
 Efectivamente, ahora el negocio del cine esta enfocado en hacer franquicias que vendan de una manera u otra. Piratas del Caribe y Harry Potter fueron seriales que ganaron mucho dinero en la decada pasada. Sin embargo, al acabar la última y la primera ya no tiene el mismo punch de antes, Disney y otras empresas han ido a la caza de "gallinas de los huevos de oro" que les redituen en cartelera por un largo tiempo (por suerte, igual la saga Crepusculo se nos va xD).
 Paramount por lo menos tiene la marca Marvel de su lado y como el cine de cómics ha comenzado a levantar, les dará un buen billete por un rato más. Por otra parte, Warner ya también ve acabada la marca de Batman en manos de Nolan, por lo cual han ido corriendo a ver si Superman les jala.
 Disney ha tenido la peor suerte al respecto. Trato de revivir Tron, pero la segunda pelicula no resulto ser buena. Prince of Persia fue otra apuesta fuerte, pero la elección de los actores fue del nabo. Ahora se volcaron sobre John Carter y aquí fue la patada final.

 La pelicula es buena, pero a secas. Tenemos a un soldado que ha perdido su alma por los horrores de la guerra y ahora solo vive para el dinero. Es un mercenario, que por motivos ya leídos, acaba en Marte, usando una especie de teletransportador mezcla de magia y tecnología. Inicialmente es visto como una mascota que tiene "poderes" por los alienigenas del lugar para luego enterarse que esta enmedio de una guerra civil, con el cuento de "la chica guapa" que es una princesa que hay que proteger. Todo un cliche.

 Pese a esto, la historia es divertida, las dos horas y tanto se te pasan rápido, los efectos visuales estan bastante bien, así los personajes son empáticos. Los chistes no estan forzados y aparte te cuentan de buena manera el pasado del prota, así ni se diga, el final es bastante original y da forma para una secuela.

 El problema viene por varias cosas. Primeramente, no he leído las crónicas marcianas de Rice Burroughs, así que no se que tipo de chara sea John Carter. Pero por la pelicula, su definición sería una especie de Han Solo, pero de manera incompleta. El personaje viene siendo huraño, mercenario, ese típico antihéroe, que claro, luego de conocer a la chica, a los adorables personajes secundarios, así confrontar sus miedos, vuelve al camino del bien y ahora lucha con el corazón en el alma. Este proceso se da en la peli, pero de manera tan abrupta, que no terminas de creerlo. La escena cuando Carter pelea a la vez que recuerda lo que paso con su familia "terrestre", es memorable, pero es puesta tan bruscamente, que te quedas de "ya, entonces ya es bueno?" y eso termina por no cuajar.

 Y de aquí sacaría el asunto, no solo del guionista, sino del mismo director. Andrew Stanton es un director que solo había dirigido animaciones. Y sí, Pixar casí toca el cielo o la realidad, pero aun siguen siendo dibujos animados, o CGI. La dirección de animación no es lo mismo que la realidad, ya que la forma de afocar ciertos temas o inclusive cortar tomas, es básico para que la historia vaya bien.
 Esto se denota en especial en los primeros 20 minutos de la pelicula, donde Stanton hace tantos cortes tan rápidos, que te termina mareando y apenas no digieres una escena, cuando ya te pasa a otra. Esto en animación funciona, le da dinamismo, pero en un live action, te termina matando. Esto ocurre mucho en los directores nipones que adaptan mangas o anime a live action. Es tan brusco o tan "calca" del original, que notas porque la versión original es ficción.

 Por suerte, la pelicula va mejorando conforme avanza y llega a una "buena" batalla final, donde sí, se ve todo revuelto, pero le da más dinamismo.

 Pero (nuevamente pero), aquí viene la otra bronca, y no tanto del director, sino de la misma productora. Esa hambre de crear franquicias, termina matando la pelicula en sí misma. En lugar de crear un producto complejo, concreto y que sea redondo, dejan tantos cabos sueltos, que el espectador se queda de "y esto? falto aquello, falto esto", lo cual genera más que expectación, algo de disgusto y de "entonces vamos a esperarnos a otra??", que llega a fastidiar.

 Esto lo veo un tanto en las consultas psiquiátricas. El paciente viene a saber porque esta tan loco, pero tienes que tener el arte para cerrarle algunos círculos y a la vez otros no, para que regrese contigo. Lease, crearle que el proceso es largo y que es un camino. El problema es que si vendes demasiado esto, el paciente lo intuye y ya no vuelve, porque lo siente más como una charlatanería o algo muy cliche, cuando a veces quiere algo mejor, más concreto.

 En fin, que crear una franquicia, requiere un arte o más bien mero accidente. De esto, tengo dos ejemplos, y uno es la saga de Batman de Nolan, que fue algo planeado, mientras Starwars y sus predecesoras, aunque Lucas veía secuelas, no creía que SW iba a funcionar y pego.

 En fin, John Carter es palomera, es divertida, y hasta me parece injusto que genere tanta pérdida. Sin embargo, también es algo que se esperaba. Ya si has visto lo mismo una y otra vez, es lógico que te harte, por más bien hecha que este.
 Y esto es la peli, esta bien hecha, pero no aporta nada nuevo. Algunos dicen que si se hubiera hecho hace unos años, habría pegado y a lo bonito. Es cierto, pero ahora el espectador es más exigente y no se va a conformar con ver realidades, sino que vean una historia original o que te despierte algo más.

 Saludos a mi esposa, que tiene un ojo cinéfilo bárbaro :3, así a quienes gustan de este tipo de peliculas.

La toma de Eben-Emael

La Segunda Guerra Mundial, pese a estarla leyendo desde que era un niño, aun me sigue ofreciendo batallas, anecdotas e historias que estan llenas de valor, de estrategia, pero sobre todo, de altísima creatividad.
 Aunque esta tecnicamente no es una batalla, la forma en que fue tomado el fuerte de Eben-Emael por el ejército alemán, es tal vez de lo más original que he visto en mucho tiempo. Merece estar en la historia, no solo por su concepción, sino por la forma en que a veces una pelea puede terminar, sin necesidad de derramar tanta sangre.


Eben-Emael fue una fortaleza belga ubicada entre las ciudades de Lieja y Maastricht, cerca del Canal Alberto, cuya función era defender Bélgica de una posible invasión alemana.

Fue construida entre 1931 y 1935, y se ganó la reputación de ser impenetrable. Sin embargo, el 10 de mayo de 1940, 85 Fallschirmjäger (soldados paracaidistas) de los comandos brandenburgueses alemanes aterrizaron en el techo de la fortaleza utilizando planeadores. Después de duros combates dentro de la fortaleza, la guarnición se rindió y los 1.200 soldados belgas que la constituían fueron hechos prisioneros.


 La batalla de Francia, ya descrita en una anterior entrada, tuvo muchos matices y sub-batallas, que dieron de que hablar.
 Una de las más características y que revistió de importancia a la maquinaría de guerra alemana, fue la toma del famoso fuerte Eben-Emael, al inició de la batalla de Francia.

 Ya antes había dicho del pensamiento francés y aliado sobre una guerra con Alemania, en especial el subestimar a la Wehrmacht como un medio eficaz para derrotar al todopoderoso ejército aliado que se encontraba en las llanuras de Francia, listo para cualquier ataque.
 Sin embargo, igual los aliados tenían razones para confiarse. Si Alemania planeaba atacarlos de algún modo, tenía que pasar por Belgica y Holanda, países que tienen un terreno poco apto para la batalla, en especial por ser terrenos que estan bajo el nivel del mar y que pueden ser fácilmente inundables, en especial Holanda.

 La fortaleza o el fuerte de Eben-Emael había sido construído justamente en el cruce de varios canales belgas. Si un ejército iba de frente por esta ruta, la fortaleza no solo servía como un freno para el ataque, sino también tenían la posibilidad de abrir los canales e inundar toda la zona. El fuerte estaba defendido por fuertes casamatas y así "torretas" moviles que eran capaces de girar y disparar a quien se le pusiera enfrente. El fuerte estaba enteramente hecho de concreto y hormigón, que aun disparandole con tanques o cañones de 88 mm, estos tardarían varios días en ceder, dandole suficiente tiempo al ejército aliado para acudir al rescate del fuerte.

 Vamos, un ataque con un ejército regular contra la fortaleza, era casí como ir corriendo contra una ametralladora como un suicida.

 Por eso, Hitler paso un buen rato pensando en como atacar esta fortaleza sin perder tiempo ni hombres en el proceso.

 La posibilidad se abrió gracias a una unidad de elite que él mismo había fomentado y creado desde sus inicios: los Fallschirmjager.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la Luftwaffe promovió varias unidades de Fallschirmjäger. A diferencia de las prácticas de la Commonwealth y Estados Unidos, esas infanterías formaban parte de la Fuerza Aérea más que del ejército regular. Comenzando con una pequeña colección de batallones de Fallschirmjäger al principio de la guerra, la Luftwaffe acumuló tres regimientos formando una unidad del tamaño de una división de Fallschirmjäger, más grupos de apoyo y activos, conocida como la 7ª División del aire.
Más adelante en la guerra, los activos de la 7ª División de Fallschirmjäger fueron reorganizados y utilizados como el núcleo de una nueva serie de divisiones de infantería de elite de la Luftwaffe, numerada en una serie que comenzaba por la 1ª División Fallschirmjäger. Estas formaciones estaban organizadas y equipadas como las divisiones de infantería motorizada, y desempeñaron a menudo un papel de "unidades de ataque" en el frente occidental.

 Los Fallschirmjager eran unidades de elite, de primera, no solo para la aviación alemana, sino del mismo ejército. Tenían un entrenamiento de alto nivel, que los hacía soldados capaces de todo. Las posteriores divisiones aerotransportadas, como la famosa 101 americana o la 1o. división aerotransportada inglesa, derivaron sus estandares de calidad en base a lo visto con los Fallschirmjager.

 Los Aliados llegaron a llamar a los paracaídistas alemanes, como "diablos verdes", por su valor, tenacidad, inteligencia y por su agresividad al atacar.

 Hitler, viendo el potencial de los paracaídistas, decidió un plan ambicioso, que fue juzgado de una verdadera lócura por los expertos de entonces.

 Pretendía envíar una tropa de Fallschirmjager en planeadores (ya que si usaba aviones normales para su lanzamiento, el ruido de los motores, alertaría a los defensores), para llegar silenciosamente sobre el fuerte y desplegar a los paracaídistas a tal velocidad, que los belgas se rendirían, más en base a la sorpresa, que a una fuerza de mayor tamaño.

 Gracias al general Kurt Student, que estaba al mando de la división paracaídista, el plan se desarrollo con una perfección milimétrica. Pese a los problemas, donde un planeador se estrello en otro lugar y otro no pudo despegar, 9 de 11 batallones de paracaídistas, aterrizaron sin problemas en el fuerte el 10 de mayo de 1940. Los defensores se dieron cuenta casí al momento, pero fue demasiado tarde. Los Fallschirmjager, en lugar de atacar a los belgas, se encargaron de volar las casamatas y las torretas con cargas huecas, que lejos de matar, partían en pedazos el concreto de las construcciones, dejando inútiles las protecciones belgas, para luego llenar de fuego las estructuras, a base de lanzallamas.

 Al tanto, otros aviones soltaron "seudoparacaídistas" en otra parte del país, donde el ejército belga fue corriendo para encontrarse con espantapájaros que explotaban al hacer contacto (y con una enorme sonrisa dibujaba en sus cabezas de papel). Todo en una maniobra de distracción, mientras los verdaderos Fallschirmjager, luchaban contra los defensores del fuerte.

 Luego de unas horas de combate y viendo que no podían destruír ni los canales ni puentes que rodeaban el fuerte, los defensores belgas se rindieron, pese a tener aun 200 hombres listos y en perfecto estado.

 Los paracaídistas, cansados pero felices, fueron relevados por unidades de infantería regular. Las pérdidas fueron irrisorias: 20 bajas alemanas, solo 3 muertos y el resto heridos leves.

 Esto aumento el prestigio de los Fallschirmjager, al grado que fueron usados de manera aplastante durante la batalla de Creta. Lamentablemente, lo duro de la batalla, provocó que tuvieran bajas tan terribles, que ya no volvieron a ser usados de manera total, salvo para misiones especiales, como el rescate de Mussoulini, dos años después, así como una preciosa reserva, que llego a combatir en todos lados, desde la batalla de Normandía, la operación Bagration y la defensa de Montecassino, donde adquirieron su peculiar apodo.

 Los llamados "diablos verdes", ya no volvieron a ser una unidad paracadísta, sino a formar parte del ejército regular, lo cual es una lástima.

 Saludos a mi esposa ^^, así a quienes gustan de este tipo de tópicos.

Dos animes bien retrasados: Un-Go y Uta no prince-sama

 Aprovechando estos días de caos, me he puesto al tiro con algunos animes que he dejado en
"stand by" (y que son un montón ahora que reorganice los discos y mp4 que tengo dispersos por la
casa y las pcs).
 Dos de las series que acabe, no podían ser más dispares, tanto en su temática, como en su rítmo
y forma de llevar las cosas.







Un-Go

La historia sigue a Shinjūrou Yūki, un joven detective que se involucra en distintos casos
ligados al misterio. Acompañado de una extraña niña de nombre Inga tratara de resolver los
acertijos que le rodean.
El protagonista principal,  también conocido como el "detective fracasado", no
porque sus conclusiones sean incorrectas (al contrario, deduce todas las pistas y las respuestas
con gran maestría), sino que generalmente, en los casos en los que se ve involucrado la verdad
termina siendo incómoda, por lo tanto, el gobierno la esconde. De su personalidad no se sabe
gran cosa, es por lo general, un hombre tranquilo y equilibrado, y posee una gran inteligencia
(lo que le lleva a sus conclusiones sorprendentes).

 Esta serie resulto ser un dolor de cabeza, no solo por la comprensión de la misma, sino por los
líos que pase para terminarla. Debido a la primicia de ser una serie de detectives, rapidamente
comence a bajarla. Sin embargo, la forma de contar las cosas al estilo Starwars, donde te
introducen a un universo sin mayores explicaciones, me fastidio al principio. Igualmente el
meter cosas al estilo Blade Runner (las parafilias "modernas", los asesinatos indiscriminados,
etc. etc.) de sopeton, me dejo varias veces con cara de "what".
 No es que me molesten, sino llegaron a obstaculizar muchas veces la trama o querer llenar los
huecos del argumento, que eran bastantes, en ese afan de no querer contar más del universo de la
serie.
 Otro problema, es que Shinjurou llego a depender mucho de las habilidades de Inga, una mujer
capaz de sacarle la verdad a cualquiera, en los primeros episodios, lo cual resultaba frustrante
para alguien que aspiraba a ser "un detective de primera".

 En fin, tuve que tragarme los primeros 3 a 4 episodios casí con calzador para ver si valía la
pena. Por suerte, del episodio 5 en adelante, la serie da un fuerte levantón, al grado de que el
episodio 7, cuando el prota se ve metido en una realidad creada por un hipnotista, llamado el
"autor", es tal vez de los mejores que he visto, no solo por la forma de contar las cosas, sino
por las subtramas que aparecen alrededor del mismo.
 Igualmente, los capítulos finales resultaron bastante gratos, aparte de agregar ya más detalles
de un Japón fascista, al estilo de la Inglaterra de V de Vendeta.
 Pese a esto, solo recomendaría la serie a quienes gustan de los misterios y de las tramás
distopicas, ya que para un "iniciado", resultaría demasiado pesada.
 Tal vez el mejor personaje de toda la serie, es el antagonista, encarnado por Rinroku Kaishou,
que viene a ser el dueño de una empresa que controla de manera indirecta el gobierno de Japón y
que a la vez controla la información que se extiende.



Uta-no prince-sama

Con sueños de convertirse en compositora y escribir algún día una canción para su ídolo, Haruka
entra en la Academia Saotome, una prestigiosa escuela de artes musicales. Si aprueba ahí, podría
ser contratada por la Agencia Shining. De todas formas, Haruka se da cuenta de que su sueño no
va a ser fácil cuando nota que está rodeada de cantantes y compositores con mucho talento. Su
profesor es un ídolo famoso, el director de la academia vendió millones de discos, y ésto
acompañado de que en la academia ocurren todo tipo de sucesos. Para hacer las cosas más
difíciles, el enamoramiento está prohibido en la escuela entre parejas compositor-ídolo.

 Mientras la otra serie es una mezcla de Blade Runner con V de Vendeta, este anime es meramente
Glee con American Idol. Tal como se dijo en la sinopsis, Haruka es una chica con muchos sueños
de ser compositora, luego de escuchar las rolas de un idol muy popular. Lógicamente, Haruka es
una chica inocente, dulce y con mucho optimismo (así talento a morir), que tiene que salir
adelante en una academia que es dura con ella. Claro, comienza a conocer a los "galanes" de la
serie, siendo los arquetipos del "mejor amigo", "el chico callado", "el niño", "el casanova",
"el doble personalidad", así "el prospecto que tanto adoro". En fin, que se van dando las
relaciones de la chica con ellos y como llega a unificarlos en un grupo que dará de que hablar.
 Lease, si en la anterior tuve que tragarme los primeros episodios para llegar al final, esta me
costo 6 meses y al menos 4 episodios, para poder terminarla de sopeton.
 El anime no aporta nada nuevo: es una serie harem para chicas, donde el atractivo visual solo
esta para las niñas (Haruka es linda, pero nada más, mientras su mejor amiga, aparece poco) y
aparte con chorros y chorros de miel, así de actitudes dulces y de traumas infantiles en los
supuestos "chicos perfectos".

 Sin embargo, pese a esto, la serie llego a tener cierto punch entre los episodios 5 a 9, donde
se ve como Haruka llega a ser el eje de las relaciones de manera importante. Aunque luego
termina tronando para los últimos episodios, donde la serie llega a ser nuevamente tan cursí,
que me costo bastante terminarla (justo ahora estoy viendo la mitad del último episodio). Si de
por sí los musicales me fastidian por momento, aca al menos se echan una rola por episodio que
supera mis niveles de gusto pop-fresero (mi esposa dice que soy un fresa en música, pero la
serie me brinca literalmente xD).
 La serie la recomendaría, pero para las chicas que gustan de las tramas de lo más dulce, así
quienes van iniciando en el anime, y que gustan más de los diseños de los charas, que del
desarrollo de los mismos.
 Tal vez lo mejorcito, no es tanto por la historia o por los personajes, sino por el aspecto
técnico. La cantidad de buenos seiyuus masculinos es notable y al menos compensa la pobreza del
anime. Igualmente, lo que vale la pena en personaje, es el director de la academia, que llega a
tener esos aires del director Kuno de Ranma 1/2 (Academia Saotome, ¡Ja!), que llega a ser mucho
más carismático que los "ojou-samas" que rodean la serie.

Como ven, no fueron reseñas muy alegres, pero al menos sigo en mis trece de ver cuanto anime que
al menos tenga algo bueno de por medio. Aunque aquí, me costo sacarle algo bueno xD.
 Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de los "buenos" anime.

Madoka Magica: No sabe a Evangelion, pero cerca.

Puella Magi Madoka Magika (Puella Magi Madoka Magika, Magical Girl Madoka Magica, llamada a veces Mahou Shoujo Madoka Magica) es una serie de anime japonesa producido por el estudio Shaft y Aniplex. La serie está dirigida por Akiyuki Shinbo y escrita por Gen Urobuchi, con diseño de personajes por Ume Aoki y adaptados al anime por Takahiro Kishida. La música del anime está compuesta por Yuki Kajiura. El anime comenzó a transmitirse en Japón por TBS y MBS. Los primeros diez episodios se emitieron entre el 6 de enero y el 10 de marzo de 2011, mientras que los dos finales fueron aplazados hasta el 21 de abril de 2011, debido al terremoto y tsunami de Japón.

Madoka había resultado una serie desconocida para un servidor aun cuando se estreno con gran éxito el año pasado. Aunque mi costumbre desde hace 4 años es revisar las listas de estreno de anime cada temporada, siempre termino por escoger ciertas series por los gustos que tengo. Antes había intentado ver todas, pero resultaba muy tedioso y aparte algunas eran una repetición constante.

 Cuando ví la reseña de Madoka, no me "prendió", así que no hice el esfuerzo de verla en su momento.

 Fue hasta hace unos cuatro o cinco meses, gracias al Crapcast, que no paraban de alabarla (por no decir una frase más fuerte), que me decidí por bajar los primeros tres episodios. Sin embargo, apenas pase por el segundo y decidí dejarla. La serie no tenía ese punch que muchos decían y hasta me parecía un tanto tediosa. Pero nuevamente, cuando no tenía podcasts que escuchar hace un par de meses, mientras iba al trabajo, me baje el dichoso podcast que el Crapcast le dedicó a esta serie. Por algo, tal episodio resulto ser el primero en su categoría. Simplemente hablaron de la serie hasta morir y con tantos conceptos que me dejaron pensando "¿Vale la pena realmente?".

 Y aquí me tienen, un año después, que coincide con el terremoto en Japón, viendo una serie que marco a muchos fanáticos del anime.

Existen criaturas extrañas que tienen el poder de conceder un deseo a una chica elegida. En compensación, la chica deberá convertirse en una Puella Magi (Chica mágica) y luchar contra las

brujas, criaturas malvadas nacidas de la oscuridad responsables de asesinatos y suicidios.

Después de tener una extraña pesadilla, Madoka Kaname, una chica de 14 años, encuentra a una criatura mágica llamada Kyubey. A Madoka y a Sayaka Miki, su amiga, les ofrece la oportunidad de ser Puella Magi y arriesgar sus vidas para luchar contra brujas. Una aliada de Kyubey, una chica mágica llamada Mami Tomoe, se hace amiga de ellas y las alienta a aceptar el contrato. Por razones

desconocidas, otra chica mágica llamada Homura Akemi esta decidida a impedir que Madoka acepte la oferta, mientras Kyubey la apremia diciendo que sería la Puella Magi más poderosa que existe. Sin embargo, a pesar de la idea atractiva de ser una chica mágica, una Puella Magi se encuentra constantemente con la muerte, el aislamiento y la agonía por el valor de su deseo. Madoka pronto

descubre el lado más oscuro de ser una Puella Magi y se cuestiona si realmente debería ser una.

 Lo que voy a relatar a continuación, tiene una alta cantidad de Spoilers. Abstente de seguir leyendo si no has visto la serie por favor. Es meramente imposible no comentar la serie en su totalidad sin tocar los hechos que la van marcando.

 Madoka viene a retomar ese uso de arcos argumentales sobrepuestos. Sam ya me había platicado que Guy Ritchie tiende a usarlos en sus historias. Sherlock Holmes es un buen ejemplo de ello.

 Sin embargo, este tipo de historias rara vez se veían en el anime. Tal vez el primero en tocarlos de manera tan explícita, fue Evangelion, donde pese a tratarse una serie de mechas y chicas guapas, tal como dijo Hideaki Anno, en realidad tenía muchas líneas argumentales superpuestas, desde una explicación de lo que

era el origen de la humanidad, hasta la psicología por la cual pasa un personaje tan patético como Shinji y su paso por el cambio que tanto detesta.

 Luego vinieron tantas series al respecto, como Lain, que trataron de continuar este concepto. Sin embargo, hubo un momento que volvimos a lo mismo, a enfocarnos en series que solo tenían una a dos líneas argumentales conjuntas, y enfocarse en temas ordinarios, que no requirieran un mínimo de pensamiento, o

solamente en mera acción (Naruto, Bleach, One Piece o Fairy Tail son series que solo se enfocan en la acción, mientras otras como Kimi ni Todoke o Skip Beat, se enfocan en el "vivir" de los personajes, creando situaciones entre dramáticas y románticas).

 No digo que Madoka sea el "nuevo" Evangelion como muchos sites o especialistas han venido a pregonar. Es más, ni diría tiene ese nivel de complejidad. Sin embargo, se sale bastante de lo que vemos hoy en día. Para empezar, enfoca la llamada "realidad" diaria de una manera vívida y bastante cruda.

 Claro, es díficil verlo, cuando la serie comienza como cualquier anime. Madoka vive en un mundo tranquilo, normal, hasta que descubre que hay chicas mágicas que protegen al mundo de las llamadas "brujas". Entes demoníacos salidos de quien sabe donde, que amenazan con destruír a los seres humanos. A primeras, esto

parece algo visto en otros animes. Sin embargo, conforme avanza la serie, vemos que Madoka conoce la verdadera realidad de tal situación.

 Siempre que vemos un anime fantástico, el prota o los protagonistas tienen poderes y estos se van desarrollando.

Ciertamente hay un desarrollo de conciencia por tenerlo o no, pero esto se va saltando o se deja para momentos "serios". En cambio, Madoka constantemente maneja ese precio que tienes que pagar por

ser una chica mágica: vendes tu alma por un deseo que tienes que pedir de manera exacta y concisa. Sino, este mismo deseo puede volverse en tu contra y ser tu carga, tu perdición.

 La serie dibuja a cinco chicas, que cada una pide ser una chica mágica por un deseo "egoísta". Sin embargo, ese deseo les va acarreando problemas al momento de usar sus poderes. Mami por no

querer morir, acepta convertirse en una chica mágica. Constantentemente va escapando de su realidad, lo cual la lleva a morir a manos de una bruja (este evento, en el tercer episodio, viene a ser el inicio de lo bueno de la serie), ya que justamente la soledad de ser una chica mágica, le da fuerza. Pero al darse

cuenta de que tiene amigas, se debilita y se vuelve su perdición. Kyoko, por querer ayudar a su padre, termina por perder a su familia, lo cual hace que la chica acepte sus propios errores, escapando de ellos, pero refugiandose en la misma maldad que quería combatir (de allí que robe y mate para conseguir lo que

quiera. Lo considera algo justo). Sayaka es el caso más lamentable, ya que aunque su deseo parece ser altruista, en realidad esta mal pedido. Ella quería a Kamijo, pero en lugar de esforzarse para ello, decide usar su deseo de manera indirecta, provocando que constantemente se frustre, al grado que esa misma

decepción la vuelve una bruja. Finalmente, Homura es otra que va escapando de la realidad, al recrear con sus poderes, el tiempo una y otra vez, para evitar que Madoka se vuelva una chica mágica y por ente, la peor bruja de todas.

 Tecnicamente, todas sufren su propio deseo y eso las termina matando o volviendo en brujas. Es la cruda realidad, donde desgraciadamente no puedes saltarte los pasos, sin sufrir algo a cambio.

 Curiosamente, Madoka encarna lo contrario a las demás. Ella no rechaza su destino, lo acepta, y claro, acepta sacrificarse, pero justo como decía al final, esa misma esperanza contrarresta la desesperanza y termina por ser un deseo que no acarrea problemas a los demás, sino a ella misma, cosa que igual acepta.

 Madoka es una metafora a que la vida no puede tener atajos, sino solamente un camino recto, lleno de sufrimiento. Si quieres saltarlo, debes sacrificar algo a cambio.

 No debo decir que la historia me dejo un sabor de boca amargo. Si por algo veo anime, es para no ver por un momento, lo que constantemente observo en psiquiatría. Es triste a veces a los pacientes recordarles su realidad y que esta es díficil de combatir (se los dice alguien que todos los días va en ese proceso, je).

 Sin embargo, también plasmo de una forma maravillosa como se ve eso y no dejo de aplaudir como los autores lograron llevarlo en 12 episodios, que no solo tenían dialogos altamente profundos, sino también supieron rematarlos con buenas dosis de acción y de situaciones formidables.

 Tal vez lo más desagradable de la serie, es el mismo Kyubey. Un zorro que me pareció lo más nefasto de la historia, no tanto por como lo pusieron, sino por ser la encarnación de lo que la realidad espera de los seres humanos. Ciertamente Kyubey no sigue la escala de valores, pero hasta esto lo pondría duda, ya que he visto que los valores humanos o la moral, a veces es un freno a lo que es realmente nuestro propio potencial. Pero bueno, esto vendría a crear más polémica.

 Finalmente, quiero resaltar al personaje que mejor me parecío de la serie y es justamente Madoka. A primeras, parece el personaje femenino menos carismático de la serie. Homura es seria, Mami es atractiva, Kyoko es agresiva y Sayaka es muy humana. Sin embargo, las mismas decisiones de estas, van minando sus propias personalidades, dejandolas en seres algo grotescos y por momentos, ganas de darles de azotes por sus tonteras.

 Madoka ciertamente inicia llorando y constantemente sufre, pero al final eso le ayuda para tomar la mejor decisión y afinar al máximo su deseo. Madoka viene a representar ese tipo de personaje que no te identificas, porque es chocante, es la representación de tu propia debilidad, pero luego viene a ser lo que aspiras a ser: alguien cuerdo, ecuanime y con un enorme corazón.

 No por algo, la misma mamá de Madoka, llega a sentirse orgullosa: hemos críado a una niña estupenda.

 Más razón no podría dar.

 ¿Recomendaría Madoka? Absolutamente. Sin embargo, sería con el ánimo de ver una serie distinta, que te haga pensar. Si vas a ver algo divertido o que te haga reír, lo dejaría de lado, porque igual se necesita ponerle atención, estar atento a los detalles y darse cuenta de que hasta el más pequeño dialogo, tiene algo de repercusión para el futuro.

 Es una serie para pensarse, para que así se disfrute más.

 Sin embargo, tampoco se la tomen tan en serio. No es el Evangelion del nuevo siglo, aun esta lejos de eso, pero al menos, es refrescante ver algo diferente en estos días.

 Saludos a mi esposa que adoro :3, así a quienes gustan de los animes distintos, novedosos.

Clasicos de los ochentas (1)

 Los ochentas siguen siendo para mí la mejor época en la cual he pasado (claro, aparte del presente que llevo actualmente :3). Las cosas eran más sencillas, todo era más inocente y aparte, las caricaturas de entonces, eran formidables.

 La TV formo parte de mi cultura cuando era niño. A diferencia de mis padres, tíos o primos mayores, yo no fui educado en el campo, jugando con otros niños, sino viendo la televisión de manera continua (ya ven porque salí con cierto daño cerebral). Sin embargo, no me quejo al respecto. Me dio cierto tipo de valores que aun fomento hoy en día.

 Así es, ¿Como es posible que la caja idiota me diera valores? Bueno, como comente, me toco crecer con series donde aun la línea entre la bondad y maldad estaba bien delimitada (no que hoy en día, cuando ya no sabes a quien creerle o tirarle).
 Y justamente, hubo 3 series que marcaron mi época de entonces. Hubieron muchas más, pero estas no solo siguen aportando cosas hoty en día, como la música, el diseño de personajes (sea para un fic o escrito), sino también por ser un legado de recuerdos que añoro como un tesoro.

Voltron

 Las adaptaciones gringas de animes japoneses ochenteros fue un tema común en esa época. El mayor ejemplo corre a cargo de Robotech, pero Voltron fue una amalgama creada por World Events, donde la productora norteamericana, tomo dos series de mechas que se formaban de partes, para crear un universo propio. Uno eran leones y el otro eran vehículos. Los dos robots formados, eran llamado "Voltron", defensor del universo.
 Esta serie formo un hito personal. Aunque años después, comprobe lo espantoso del guion (hasta eso las mutilaciones gringas no fueron tantas) y los dialogos chafas, siempre lo que me llamo la atención fue cuando Voltron salía al quite, a pelear con las dichosas robobestias. Aparte, quien no recuerda "Formen pies y piernas, formen brazos y torso. Yo formare la CABEZA". Ese dialogo me terminaba matando y hasta lo imitaba mientras Voltron hacía maestría de todo su poder.
 Pese a todo, lo más destacable, era la música a cargo de John Petersen, que pese a ser un leimotiv muy repetitivo, era muy pegajoso y taradeable.
 A mi parecer, la mejor serie fue la de vehículos. Aunque la Leones tenía mejor argumento, el que fuera tan cortada por cuestiones éticas (la muerte de Sven entre una de ellas), le quito bastante punch y se crearon tramas a lo bruto.

Mazinger Z

 Mazinga-Z, o Mazinger como fue conocida en nuestro continente, se salvo de la mutilación gringa. Parece que Kadishi Internacional negocio los derechos directamente a América y la serie fue traída casí en su integridad. Claro, las escenas "fuertes" como de muerte, decapitación y sangre, fueron censuradas. Pero los dialogos fueron mantenidos casí en su totalidad, así igual la trama.
 Mientras Voltron nos mostraba lo tierno de los mechas japos, Mazinger se iba directo y brutal con lo que era la lucha entre el bien y el mal. Aquí Go Nagai se las paraba con mostrar villanos horrendos, brutales, despiadados y que su objetivo era conquistar el mundo. Claro, con el narcisismo japonés, el único que podía evitarlo, era Koji con un robot hecho de japonium, el metal que no solo hacía casí invencible al buen Mazinger, sino era su misma fuente de energía (como el Gundamium pues!).
 Sin embargo, pese a esto, el carisma de los personajes, del mismo Mazinger, en especial cuando soltaba sus puños cohete o su visión laser, era la ostia andando (como dirían en la madre patria).
 Lo lamentable, vino por la distribución en América. La serie tuvo al menos 2 a 3 doblajes, repartidos entre Cuba, Los Angeles y México, así jamás se paso la serie de cabeza a pies, sino toda revuelta, al grado de que uno veía un episodio como tres veces y otro ni sabía que existía. Lástima.
 Claro, no hay que olvidar el brutal tema de "Mazinger!" (en español latino, con la voz excelente de Antonio Raxel).


 Jayce y los Guerreros Rodantes.

  J. Michael Straczynski fue el genio trás muchas caricaturas gringas que tenían un mínimo de cerebro (Los verdaderos Cazafantasmas es un buen ejemplo). Uno de los proyectos que Straczynski creo totalmente, fue el de los Guerreros Rodantes. Para quien vio la caricatura en su momento, la historia tenía punch: un científico noble pero algo idiota, decide crear una serie de seres vivos que le ayuden a hacer mejor el universo, pero un accidente en el proceso, crea las mentes monstruosas que se vuelven contra su creador y lo obligan a salir echando tiros, con igual la única forma de derrotar a sus propias creaciones.
 Años después, el hijo de tal creador, sigue los pasos de su padre y con sus amigos, que consisten en un mago, la chica linda con aires de lolita, el caballero palurdo y un clon de Han Solo, se embarcan en la tarea de encontrar al padre y así unir la raíz mágica, el artilugio que servirá para derrotar al mal.
 Si Straczynski no logro ver el final de la serie, fue porque la mercadotecnia esperaba sacar el dinero para continuar la serie, lo cual no sucedió.
 Jayce hoy en día me despierta muchos buenos recuerdos. Aparte de tener historias coherentes, diferentes a su época, los personajes eran entrañables y ni se diga, la música toda una genialidad, en especial la traducción venezolana, que se lucieron con todo. ¿Quien diablos entonces no cantaba: "una extraña fuerza siento sobre mí, la aventura me llama a buscar. El poder y la gloria que te dará verdad, tu lo conseguirás, vamos a luchar..."? Si hasta la piel se me pone chinita (y eso que no puse la del final, que te hace realmente subirte a un vehículo y darle con todo).


Robotech

La serie madre de todo. Aunque hable de la madurez de Mazinger Z, se queda realmente corta ante la serie que marco un antes y después en el anime.
 Ciertamente antes de Macross, estaba Gundam, pero no supimos de Gundam en América hasta después, así que eso no queda a discusión.
 Macross o Robotech, el concepto creado por Carl Macek, vino a romper mitos y crear otras realidades. Fue la primera caricatura con la cual reí, llore y grite de emoción. Aquí fue cuando vi la muerte por primera vez y a la vez tratar de entender ese concepto (lo de Ben, aun hoy me hace chillar ;_;).
Digo, si hasta el romance llego a gustarme, pese a entonces tener menos de 10 años y cuando odiaba a las niñas, pero que diablos! Era genial ver como Rick se veía en un triángulo amoroso, entre la guapa pero odiosa Lin Minmey y la diligente pero atractiva Lisa Hayes. Creo aquí fue cuando comence a ver que las niñas no eran tan odiosas xD.
 Dejando eso, los diseños de las naves, a cargo del gran Shinji Kawamori, te dejaban brincando. Era formidable ver a un F-14 convertirse primero en una especie de semirobot, llamado Guardian, para luego ser todo un Valkirie o Varitech de combate (battloid), donde la cabeza sabía de quien sabe y los reactores eran las piernas y la cabina era el peto.
 Y para acabarla de amolar, la música de Arlon Ober y Ulpio Minucci, era una sinfonía que no parabas de repetir a cada momento. Temas como "Rick Hunter theme" o "the 15th Squadron", aun resuenan cuando pongo los DVD de la serie, así los temas ochenteros como "lifeline", que como me traen a la vuelta aquellas hermosas épocas.


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 Aunque ha sido un viaje corto por aquellas buenas épocas, espero hacer uno próximo. Tuve que contenerme de no escribir más series, pero al menos me afoque a las que manejaban un tema "mecha" mucho más profundo. Ya espero ir así separando las series, para no hacer una mezcla tan dispareja.
 Saludos a mi esposa, que seguro cuando lea esto, solo entornara los ojos (XD ella como la mayoría de la gente que conozco, son muy jovenes para esto, ya soy un viejales), así a quienes vivieron o disfrutaron esta hermosa era, llamada "los ochentas".
 Y ah, no se iban a librar de la canción ending de Jayce xD.

El camino es muy largo, pero ya terminará. La velocidad nos conducirá, hasta el final ¡Avancemos! ¡Avancemos! ¡Nuestra causa es buena, y vamos a gaaaanaaaaar!

The Help (Historias Cruzadas)

The Help, titulada en castellano Criadas y señoras en España e Historias cruzadas en Hispanoamérica, es una película dramática estrenada el 10 de agosto de 2011 en Estados Unidos, el 28 de octubre en España y el 10 de febrero de 2012 en México. Protagonizada por Emma Stone, Viola Davis y Bryce Dallas Howard. Basada en la novela de Kathryn Stockett, de título homónimo. Ganadora del Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto y ganadora del Óscar a la mejor actriz de reparto.


 Historias Cruzadas o "The Help", ha sido la primera película que mi esposa y un servidor vimos en nuestra nueva locación. Mi esposa ya le había echado el ojo desde el año pasado, justo por noviembre, ya que había visto un trailer y le había emocionado (este tipo de historias son de sus favoritas, pese al drama existente).
Debido a la mudanza y los cambios al respecto, no habíamos podido ir a verla ya en horario estelar, así que tuvimos que buscar un cine que la puso con una calidad media.
 Sin embargo, la fuerza del filme, hizo que no me diera en cuenta de los defectos de la cinta o de repente la incomodidad de las butacas, y que me enfocará en una película que lo tiene todo: desde romance hasta drama, desde comedia hasta ternura.


Eugenia "Skeeter" Phelan (Emma Stone), es una hermosa joven de veintitrés años que ha regresado a su casa en Jackson, al sur de Estados Unidos, tras terminar sus estudios en la Universidad de Mississippi. Sin embargo, en plena década de los 60, la madre de Eugenia (Allison Janney) no parará hasta que su hija esté comprometida.
Aibileen Clark (Viola Davis) es una criada negra. Una mujer inteligente y seria que ha criado a diecisiete niños blancos. Tras perder a su hijo, mientras sus jefes blancos miraban para otro lado, Aibileen siente que algo ha cambiado en su vida y se compromete con la educación de la niña que tiene a su cargo, aunque sabe que el paso del tiempo hará que se separen. Minny Jackson (Octavia Spencer) es la mejor amiga de Aibileen, una mujer bajita, regordeta y probablemente la mujer más cotilla de todo el estado. Por ello perderá un trabajo, pero finalmente parece que encontrará un empleo en una casa en la que todavía no conocen su reputación.
Eugenia, Aibileen y Minny se unirán para llevar a cabo un proyecto clandestino que supondrá un gran riesgo para todas ellas, sin embargo se embarcan en él con el fin de tratar de liberarse de las ataduras de la época, la ciudad y de los prejuicios de sus habitantes.

 Al ver los primeros 20 minutos, uno sabe porque la Academia llego a tenerla como favorita entre los Óscares. Tiene ese aire épico, pero divertido, muy al estilo de "Caballo de Guerra" (ya sabemos los sentimentales que son los miembros de la Academia).
 Pero mientras Caballo de Guerra se afoca por el lado histórico, esta pelicula se va sobre las relaciones de los personajes, que aunque parece una descripción de aquella época, sorprendentemente aun se observa hoy en día.
 Skeeter es una joven de nuevo mundo, criada por Constantine, la típica "sirviente" de color, que aprendió a darle ese amor y cariño, así valor, que su madre no pudo. Trás ver como son tratadas las criadas por sus amigas, señoras con modelos educativos del siglo XIX, decide hacer un libro, no solo por interés profesional, sino para exponer su estilo de vida y dignificar su trabajo.

 La historia es sencilla, divertida, pese a durar más de dos horas, uno siente que se va volando. Algo que se agradece, es que cuando uno ve este tipo de peliculas, uno sabe que habra momentos altamente lacrimogenos, así dramáticos, puestos de manera continua, para despertar la compasión del expectador.

 Sin embargo, The Help se va más por el lado serio, cómico, poniendo claro, momentos de drama, pero siendo de manera contada. Todo se centra en la relación entre los personajes y como estos ven cada uno un tópico que aun domina en los años cincuenta y sesentas en los EUA: la esclavitud.

 Los personajes son carismáticos a morir, en especial Minny, que aunque aparezca como personaje secundario, se roba la pantalla cada vez que una la ve aparecer. Pero lo mejor aun, es cuando Celia se une a las actuaciones de Minny, ya que no solo potencia al personaje, sino crea una química tan formidable que uno no para de sonreír al verlas interactuar. No en vano, las dos actrices que dieron vida a ambas, compitieron por la misma categoría (mejor actriz de reparto), pese a pertenecer a la misma pelicula.

 Otro detalle afortunado, es que la pelicula no se centra en la publicación del libro, ni en sus consecuencias, sino en las "reseñas" que se van escuchando y leyendo conforme se va armando el mismo, dandole más importancia a las mismas "maids", que buscar un objetivo "tipo heroico".

 Tal vez el único problema que vería en la peli, seria Emma Stone. La chica lo hace bien, pero ante las actuaciones del resto de sus compañeras, se ve parca, opacada, hasta por momentos, desaparece de la escena. Inclusive, la madre de la chica, destaca mucho más, pese al personaje tan torcido que llega a tener.

 Recomendable para pasar un buen rato, que te deja no solo con un mensaje moralista, sino también te demuestra el valor de ciertas cosas en la vida.

 Saludos a mi esposa, que la acompañe a verla xD, así a quienes gustan de este tipo de filmes.

Sailor Moon 20th aniversario

Pretty Guardian Sailor Moon (美少女戦士セーラームーン, Bishōjo Senshi Sērā Mūn^?) es un manga perteneciente al género shôjo creado por Naoko Takeuchi en 1992. Más conocida simplemente como Sailor Moon, la serie se hizo particularmente famosa por volver a popularizar con gran éxito el subgénero de las magical girls, y sus elementos sentai consiguieron que la aceptación también fuese masiva entre el sector masculino, generalmente menos interesado en este tipo de historias. Fue publicada en la revista japonesa Nakayoshi ("Amigas íntimas") de la editorial Kodansha entre 1992 y 1997 y recopilada en 18 tankoubon (volúmenes). En 2003 se publicó una reedición de lujo en 12 tankoubon con nuevas portadas y ciertos retoques gráficos y de diálogos.


 Sailor Moon fue de los primeros "anime" que logre identificar como tal. Apareció en las pantallas mexicanas en marzo-abril de 1996. Recuerdo bien esa fecha, porque el éxito de Supercampeones (Captain Tsubasa) transmitida por Canal 5-Televisa, fue tal, que la caricatura se prolongó hasta un año y medio luego de acabarse el mundial de 1994. Sin embargo, Canal 5 quiso intentar con otra serie, Looney Toones, y el anime en Tvabierta se vio mermado de manera considerable, limitandonos a series gringas de calidad dudosa y otras de buena calidad, pero muy cortas, como Swat Kats.

 Tv Azteca entonces inicio una especie de contrataque y comenzaron a promocionar a finales de febrero de aquel año, la salida de la serie que había sido un hitazo en Japón: Sailor Moon.
 El concepto no podía ser más novedoso: la serie mostraba a 5 chicas de secundaria con minifaldas muy acentuadas peleando contra el mal.
 Aunque Sailor Moon no tenía ese grafiquismo de violencia como Dragon Ball, si mostraba temas que en México eran bastante tabú, como las relaciones homosexuales (caso de Haruka y Michiru), así las transformaciones de las Seishi que eran bastante explicitas.
 Sin embargo, la serie fue un exitazo, no solo en México, sino a nivel latinoamérica y aparte desperto a una generación de pervertidos xD amantes de las chicas lolitas.

 Curiosamente, el anime fue lo que catapulto a la fama a esta serie, más que el propio manga, ya que mientras el anime es bastante soft y tiene un diseño enteramente shojo, el manga solo conserva esto último, ya que muestra una historia muy cruda por momentos, con niveles de violencia bastante explicítos y personajes mucho más maduros y serios.

 La duración del anime fue de 200 episodios exactamente. Tuvieron que crearse muchos de manera exclusiva para la TV, ya que el manga apenas llevaba unas cuantas cabezas de argumento por delante del mismo anime. De allí que muchos episodios sean irrelevantes o se salgan totalmente de la gráfica.

 En mi opinión, algunos de estos, son joyas, ya que son como spin-offs de los personajes muy divertidos y que aumentan mucho más el carisma de los mismos.

 El anime en México fue doblado por Intertrack, realizando un trabajo brutal en todos los sentidos. No solo las voces fueron de lo más acertadas, sino también las caracterizaciones de las mismas. Aparte, fue adaptado de tal manera a nuestra cultura, que poco se perdió al respecto y supieron manejar de buena manera, la relación entre Uranus y Neptune.

Con motivo del 20th aniversario de la salida de Sailor Moon en la TV, en este caso nipona, quise hacer un especial al respecto. No enfocandome en lo visto en otros blogs o páginas, sino siendo más preculiar, más relacionado con el internet.

 Como ya saben, hace más de 10 años, los AMV o Anime Music Video, se hicieron muy populares, primero hechos por fans que tomaban fragmentos de VHS o LD para crearlos, para luego con la magia de la PC, editarlos y subirlos, primero en sitios especializados, para luego hacerlo en el tubo.
 Lastimosamente, el Tubo se encargo de fregar algo que iba en auge y ahora casí no hay AMVs al respecto.
 Sin embargo, aun quedan algunos de aquellas buenas épocas, en especial del famoso grupo Aluminum Studios.
 Pondré cuatro de este grupo, por cada Inner Senshi, y que me parecen de los mejores que he visto de cada Sailor. Ya dirán cual es el mejor a su parecer. A mi opinión, el de Rei es el que más destaca, tanto por su canción, como por las imagenes usadas. Curiosamente, Aluminum no hizo un AMV para Jupiter, pero hay otro que pongo que igual fue muy popular en su momento por otro "estudio".


Sailor Venus: Genius in a Bottle.

Sailor Mars: Ordinary World



Sailor Jupiter: Drops of Jupiter

Sailor Mercury: Blue

 Por cierto, mi Senshi favorita al principio, era Mercury (bueno, inicie como todo hombre, adorando a la Yamato Nadeshiko de la serie, que era Ami Mizuno). Sin embargo, entre la buena cocina y el físico de Makoto, alias Jupiter, termine por caer xD.

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 Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de las Sailor Scouts.