La Batalla de Stalingrado, segunda parte: La operación Urano

Hace unas semanas se cumplieron 73 años de la rendición del VI Ejército Alemán en las ruinas de la ciudad de Stalingrado. Cuando los potenciados soviéticos se acercaron al demacrado y recién ascendido mariscal de campo, Friedrich Paulus, comandante en jefe de dicha formación, le pidieron que se desvistiese para revisarlo, con la intención de evitar que guardase alguna arma con la cual pudiese suicidarse. Los oficiales de Paulus miraron contrariados a sus captores y dijeron una frase que paso a la posteridad: "Un Mariscal de Campo no se suicida con un cortauñas".

Sin embargo, la paranoia de los rusos era más que obvia. Hitler había nombrado a Paulus con dicho título, velando la orden de que no debía rendir al VI Ejército, sino que este debía morir hasta la misma raíz, incluyendo a él mismo. Rendirse era un deshonor. Sin embargo, Paulus se encontraba ya exhausto y rendido, no solo por él (había desarrollado un tic nervioso muy evidente en el rostro), sino también por sus tropas, las cuales caían en batalla, no tanto por las balas enemigas, sino por el frío, la desnutrición y el cansancio.

No obstante, tanto en su oficialia como en los mismos soldados, había fe de que Adolf Hitler llegaría a salvarlos. Ya los alemanes se habían encontrado en "kessels" (calderas, el término alemán para definir una bolsa llena de soldados y rodeada por varios ejércitos enemigos) y habían logrado sobrevivir. El problema es que la trampa que les habían puesto los soviéticos meses antes, era casi perfecta, al grado que logró resistir el embiste de uno de los mejores generales de la Wehrmacht, Von Manstein. Y es que la incredulidad aun corría entre el VI Ejército. Se supone que Stalingrado estaba en sus manos y en cuestión de semanas, la situación había cambiado dramáticamente. Pero dicha gesta no se dió en cuestión de días, sino tuvo meses de preparación y sacrificio previos. La Operación Urano sería la primera de muchas maniobras geniales que haría el Ejército Rojo en la Segunda Guerra Mundial y de la cual hablaremos a continuación, siendo la segunda parte de la Batalla de Stalingrado.


La Operación Urano fue ejecutada por la Unión Soviética durante la Segunda Guerra Mundial. Su objetivo final era la expulsión de las fuerzas alemanas del río Volga, atrapando aquellas ubicadas en Stalingrado. La ofensiva fue iniciada el 19 de noviembre de 1942, y las dos fuerzas independientes que debían rodear Stalingrado se encontraron cuatro días después.


Mientras el VI Ejército Alemán penetraba en la ciudad de Stalingrado, Josef Stalin había mandado llamar a dos de sus mejores generales para planificar un contrataque: Alexander Vasilevski y Georgy Zhukov. Ambos ya habían hablado sobre dicha operación y le presentaron un plan muy primordial pero original al mandamás de la Unión Soviética, el cual consistía en utilizar un ataque en pinza, donde dos ejércitos soviéticos, con sus respectivos cuerpos de tanques y aviación, atacarían por los flancos del VI Ejército, con la intención de rodearlo. Stalin comentó que le parecía arriesgado, ya que quería que los ataques se diesen más cerca de la ciudad (las lanzas de vanguardia se ubicaban en un punto muy atrás de la retaguardia alemana) y en el menor tiempo posible.

Sin embargo, tanto Vasilevski como Zhukov dijeron que no era posible. El plan tenía que cumplir con ese requisito y otros más, como era el usar unidades plenamente fogueadas como bien equipadas. El error de Timoshenko en el pasado, había sido utilizar soldados novatos y pobremente armados. Aparte, el efecto psicológico debía ser aterrador y sí la maniobra en pinza se realizaba muy cerca de la ciudad, habría la posibilidad de que el VI Ejército lograse escapar.
Stalin no dijo nada en ese momento y mando a los dos generales a "pensar" un poco, es decir, que vería sí aceptaba o no. Ambos oficiales se retiraron nerviosos y se dice que esa noche no durmieron, buscando alternativas al plan o como convencer al jefazo de aceptar sus condiciones.

Al día siguiente, ambos fueron al cuartel y resulta que Stalin estaba de buen humor y sin más, aceptó el plan. Visiblemente aliviados, Vasilevski comenzó a coordinar los movimientos desde la capital, mientras Zhukov se dirigió a Stalingrado a verificar el frente. La operación se hizo en secreto y aparte de los mencionados, solo unos cuantos más la conocían. El nombre en clave que se le dio fue "Urano".
Mientras Vasilevski comenzó a enviar tropas en secreto hacia Stalingrado, hizo que varias de las mismas comenzasen a foguear en zonas del frente más tranquilas, como las laterales de la ciudad. A la par, la producción de tanques y aviones aumento frenéticamente. No obstante, esto significo también que las reservas de hombres y munición para el 62th Ejército que defendía Stalingrado, comenzasen a mermar. El general Chuikov, mandamás de dicha formación, no era tonto y sabía que algo grande se estaba preparando, y por ello guardo resentimiento hacia Zhukov, cuando este hizo visitas secretas a la zona del frente. Solo hasta el último día, Chuikov llego a enterarse de la operación Urano.

Zhukov, acompañado de sus guardaespaldas, comenzó a verificar el frente, en especial donde las puntas de lanza avanzarían. Mientras el VI Ejército Alemán se enfocaba en Stalingrado, sus flancos estaban protegidos por dos ejércitos rumanos, el III en el Norte y el IV en el sur. Aunque la Wehrmacht era una formación poderosa y moderna, con soldados y oficiales altamente profesionales, sus aliados eran todo lo contrario y lo cual generó en muchos oficiales alemanes apelativos groseros, pero no menos ciertos. Salvo por las unidades de montaña italianas y eslovenas, el resto de los aliados que acompañaron a Alemania en la toma de la Unión Soviética, eran de calidad mediocre: los soldados eran perezosos y huían ante el embate de los tanques y artillería. Aparte, estaban pobremente armados y pertrechados, en especial con artillería antitanque o con carros de combate obsoletos.

Quienes padecían más estas condiciones eran los rumanos. Antonescu, el dictador de dicho país, había prometido a Hitler varias divisiones para apoyar la invasión, pero la calidad era bastante mala y es algo que los rusos habían notado. Hitler también lo sabía, sin embargo también menospreciaba la producción rusa y pensaba que el Ejército Rojo estaba al límite de sus fuerzas. Inclusive despreció informes de sus espías que comentaban que la producción de tanques soviéticos duplicaba y hasta triplicaba la alemana, la cual se encontraba en uno de sus mejores momentos. Y es que de manera indirecta, las acciones de Stalin en el pasado habían hecho creer al líder alemán y sus soldados que el Ejército Rojo estaba en las últimas.

La fecha tentativa del ataque fue programada para finales de octubre de 1942. Sin embargo, para disgusto de Stalin, Zhukov retraso el ataque, ya que las líneas férreas estaban saturadas y muchas divisiones todavía no habían llegado a Stalingrado. Era en esos momentos, donde Chuikov enviaba informes pidiendo tropas y armamento a granel, ya que la ciudad estaba en peligro de ser tomada. Para colmo, Zhukov recibió una carta bastante "sincera" del general Vatutin, que había sido elegido como comandante del frente suroccidental y que se encargaría de la pinza sur de la operación. Como muchos, no creía en dicho ataque y que era mejor retrasarlo. Zhukov estuvo a punto de destituirlo, aunque por mediación de Vasilievski, se contuvo. Vatutin era un general experto en el manejo de tanques y sus posteriores acciones lo mostrarían.

Otra acción puso en peligro la operación, cuando Yemerenko vió reducido su mandato en favor del general Rokossovski. Este, pese a su origen polaco, era ampliamente apreciado por Stalin y sabía de su experiencia en operaciones de tal envergadura. Yemerenko estuvo a punto de renunciar, pero Zhukov supo contenerlo y apreciar sus acciones pasadas. Finalmente, gracias al secretismo soviético, los preparativos estuvieron listos. Un millón de hombres, repartidos en dos frente (norte y sur) y tanto en varias divisiones de fusileros como dos cuerpos de tanques por cada frente, atacaría en un movimiento de envoltura, destruyendo las frágiles divisiones rumanas y con el objetivo de encontrarse en Kalach, un poblado que servía de puesto de provisiones para el VI Ejército alemán y que estaba pobremente defendido.

Lamentablemente, los alemanes jamás vieron ese movimiento o tampoco quisieron notarlo. Los rumanos habían notado un aumento considerable de tropas y acción en su frente, pero los informes pasaban de largo entre los oficiales de enlace alemanes. No obstante, esto sirvió para que los rumanos se preparasen en parte y que llegasen a ofrecer una resistencia un poco más dura de lo esperada.

Finalmente, el 19 de noviembre de 1942, a las 5 de la mañana comenzó un despliegue de artillería monstruosa sobre las líneas rumanas del tercer ejército. Aunque el impacto fue bastante potente, los primeros informes señalaban que era una pequeña ofensiva como las que hacían los ejércitos soviéticos en el frente. Sin embargo, el machaqueo de la artillería surtió efecto y muchos soldados rumanos murieron en el ataque o se retiraron de manera desordenada. Al instante, centenares de faros instalados en los tanques se encendieron y miles de infantes se lanzaron con todo hacia los indefensos rumanos.

Ya sea a pie, sobre ponis o encima de los tanques, los fusileros rusos se lanzaban de manera despiadada sobre los rumanos, que se quebraron en cuestión de una hora. Algunas bolsas aisladas lograron resistir todo el día, pero finalmente fueron aplastadas. Los rumanos veían horrorizados como la artillería antitanque que tenían disponible rebotaba en los recién construidos T-34 que escupían fuego a cada instante. Lo peor es que los alemanes tardaron al menos 12 horas en darse cuenta de que el ataque era en forma de cuña y no en un intento de solo romper el frente.

Justo en el momento que Paulus considero mandar tropas de refuerzo, el ataque del frente sur se realizo en la madrugada del 20 de noviembre. Vatutin, pese a sus dudas, se lanzo con todo y pese a que había varios lagos y pantanos frente a sus tropas, estás lograron romper el cerco frente al mucho más débil IV Ejército rumano. El ataque simultáneo provoco pánico entre los aliados rumanos que caían a granel frente a las tropas enemigas y otros se rendían sin siquiera pelear. Paulus, estupefacto, trato de enviar parte del IV Ejército mecanizado del general Hoth a contener la lanza sur y lo logró por un instante, pero Vatutin hizo girar la dirección del ataque y lo rodeo de manera magistral.

El día 22 de noviembre se volvió crítico. Kalach había recibido la alarma del ataque, pero en lugar de convertirse en un frente estable o en tratar de salvar las provisiones que tenía dicho lugar, las tropas estacionadas cayeron en pánico y comenzaron a correr rumbo a la ciudad. La disciplina se vino aun más abajo, cuando los primeros tanques llegaron al lugar y comenzaron a disparar a quemarropa, en especial a los aviones que despegaban apresuradamente, ya que el lugar también servía de aeropuerto. Los alemanes no pudieron defender la zona y huyeron desordenadamente. Finalmente, en la mañana del 23 de noviembre, las dos lanzas se encontraron en un poblado cercano a Kalach, llamado Sovietski. El cerco se había consumado.

Paulus y sus tropas, pese a la maniobra, aun se encontraban con esperanza. Hitler había tomado varias decisiones con la misión de salvar al VI Ejército. Primeramente, sacó a Von Manstein de sus vacaciones y lo puso al frente de los Ejércitos del Don. Por otro lado, trato de ayudarlos, haciendo un puente aéreo, que inclusive el pomposo de Goering prometió suministrar las 250 toneladas diarias que necesitaba dicha formación para sobrevivir. Sin embargo, rápidamente se vio que eso no era posible. Apenas 100 toneladas llegaron las primeras dos semanas y luego dicho aprovisionamiento se fue mermando hasta desaparecer a mediados de diciembre.

A la par, los rusos comenzaron a hacer más pequeño el "kessel". Rokossovski comenzó a presionar a sus tropas para adelgazar el perímetro alemán. Sin embargo, Von Manstein llevo a cabo la operación Tormenta de Invierno, la cual preevía atacar el frente sur del cerco. Aquí es cuando llega una de las decisiones más polémicas de la guerra. El mariscal de campo quería que Paulus utilizase el poco combustible que quedaba para mover a sus tanques y provocar un ataque simultáneo al suyo. Sin embargo, Paulus decidió quedarse quieto en su posición. Muchos lo tacharon de cobarde, pero el general comentó que hacer dicha acción, hubiese sido el equivalente a retirarse, lo cual Hitler había negado brutalmente desde un principio.

Aun con esto, Von Manstein, para la segunda quincena de diciembre, estuvo a punto de romper el cerco, pero la segunda división de guardias fusileros, una de las formaciones más poderosas del Ejército Rojo, a cargo del general Malinovski, había llegado y logró parar en seco la ofensiva del mariscal. Von Manstein pudo haber seguido, pero la operación Pequeño Saturno había dado marcha y él mismo estaba en peligro de caer en un cerco.

Resulta que otra operación se estaba dando por parte del Ejército Rojo. Zhukov y Vasilevski habían hablado con Stalin y comentaron que si Urano resultaba exitosa, lanzarían otra operación de mayor envergadura, llamada Saturno, la cual consistiría en cercar los ejércitos alemanes del Don y también el Ejército Alemán A que se encontraba en el Cáucaso. Sin embargo, la operación Tormenta de Invierno hizo que ambos generales variarían sus planes, lo cual no le gusto a Stalin, el cual estaba embriagado con el triunfo. No obstante, termino por hacer caso y vio con gusto que la operación "Pequeño Saturno" era aun mejor, ya que lo importante era asegurar el triunfo.

Y así fue. El objetivo de dicho ataque era el octavo Ejército Italiano que se encontraba en la retaguardia, resguardando los ejércitos alemanes. Von Manstein, con el peligro de verse cercado, tuvo que retirarse y la ofensiva de liberación para el VI Ejército se fue al garete. Para enero de 1943, el fin de dicha formación estaba cerca. El 62th Ejército ya estaba recibiendo provisiones por el congelado Volga e inclusive el paraje se volvió tranquilo por ese lado, donde los camiones pasaban por el lugar, recambiando a las tropas y trayendo a los heridos a la ribera opuesta.

Debido al frío y la falta de provisiones, las tropas alemanas comenzaron a caer a montones y eso también fue evidente para los oficiales del Ejército Rojo. Luego de una tregua, varios emisarios fueron enviados a parlamentar con el VI Ejército, pero con nulos resultados. El ataque se reanudo inmediatamente y para finales de enero, el kessel había sido partido en dos. La parte más occidental fue triturada y solo quedaba la parte oriental que estaba refugiada en Stalingrado y donde se encontraba la oficialia.

En su momento se hablo de un ataque suicida, pero Paulus decidió rendirse, pese al nombramiento de mariscal que le había dado Hitler días antes. El 2 de febrero de 1943, se ondeo bandera blanca en el cuartel del VI Ejército. 90,000 hombres se rindieron ese día. Lamentablemente, apenas una décima parte de ellos vivirían para contarlo, ya que muchos murieron por el trato que le dieron los rusos a los prisioneros, llegando inclusive a morir en el camino hacia Siberia y otros durante la estancia en dicha región del país. Paulus y otros oficiales serían utilizados para emitir transmisiones con el fin de disuadir a los alemanes de continuar la guerra.

La batalla de Stalingrado terminó oficialmente ese día, pero la reconstrucción de la ciudad duro mucho más tiempo. Las bajas en ambos lados totalizaban casi dos millones de hombres, pero la Wehrmacht fue la que más sufrió la sangría, perdiendo una cantidad de soldados y oficiales de altísima calidad. Aparte, el prestigio de la misma se vió muy afectado y la mentalidad triunfadora del Reich comenzó a venirse abajo. Von Manstein logró salvar una buena cantidad de soldados a través de Rostov, pero al coste de sus aliados, donde el octavo ejército italiano fue casi masacrado durante la operación pequeño Saturno.

Este instante provocaría que el Ejército Rojo, salvo por unos meses, se convirtiese en una máquina imparable que le llevo hasta Berlín, dos años después. En cambio, la Wehrmacht perdería la supremacía tanto táctica como estratégica y pese a chispazos posteriores, ya no volvería a ser la misma de antes. La guerra, había dado un giro que ya no se perdería en los siguientes años. Pero eso, es otra historia.

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Saludos a mi adorable esposa =3, así a quienes gustan de la Segunda Guerra Mundial.

Cachun Cachun ra ra: entre la fama y la leyenda urbana

Ya he comentado hasta el hartazgo total que la década de los Ochentas fue la mejor en muchos rubros, desde el aspecto musical hasta en la creación de series animadas y claro, de programas televisivos. Y no solo hablo de los gringos, sino también europeos y asiáticos. En Japón sentó las bases para la creación de tantos animes que hoy en día son catalogados de legendarios, como Dragon Ball o Macross. Curiosamente, esa misma tendencia también llegó a nuestro país y entonces muchos shows que ahora recordamos varios rucos con cariño, nacieron durante esos años.

Lamentablemente, la atemporalidad de muchas de esas cosas han terminado por calar y provocar que las generaciones actuales, inclusive los fans como un servidor, le vean con el entrecejo fruncido. Muchos de ellos no se pueden ver sin tener un tanto nivel de casposidad, es decir, que se vean como productos de su tiempo y que lamentablemente ya se han quedado atrás. Programas como "Cándido Pérez" o "Papá Soltero", hoy en día son objetos de fuertes críticas por el humor así las vestimentas como valores que se enseñaban en aquel entonces. Sep, tal como se ve a He-Man y sus lecciones moralinas al final del episodio.

Pero sí hablamos de una serie extremadamente casposa y que fue total producto de su tiempo, fue la mítica Cachun-Cachun-Ra-Ra, un serial de Televisa que a principios de los Ochentas se hizo de una fama tan legendaria, que la mayoría de sus actores sufrieron un encasillamiento importante. Sin embargo, a la par se creo una leyenda negra que aun muchos mencionan como una maldición que sufrieron un grupo de jóvenes que apenas empezaban a destacar y que decidieron convertirse en los famosos "Cachunes", los protagonistas de uno de los programas más famosos de aquella época...y que por supuesto, hablaremos a continuación.


Cachún cachún ra ra! fue un programa cómico de la televisión mexicana, transmitido por el Canal De Las Estrellas de Televisa desde 1981 a 1987.

La preparatoria más famosa de México en la década de los 80’s fue ¡¡Cachún Cachún Ra Ra!! Un plantel donde los estudiantes vivían situaciones graciosas y divertidas, superando problemáticas de acuerdo a su edad, siempre con finales positivos.


Para principios de los ochentas, el productor Luis de Llano Macedo tuvo la idea de adaptar la temática de "Grease" (Vaselina) a un programa de televisión, luego de la experiencia que tuvo su hermana Julissa al interpretar dicha obra en México. Hablando con varios amigos y conocidos, entre ellos, Martha Zavaleta (entonces directora del CEA, la escuela de actores de Televisa), para que hiciera dicha obra con varios de los talentos novatos. Zavaleta aceptó, pero con la condición de utilizar a actores que eran poco agraciados físicamente, aunque con un gran talento en el baile y el canto.

Para principios de 1981 se hizo un gran casting para reclutar a los 15 a 30 jóvenes que integrarían dicho programa. Entre las "personalidades" que estuvieron en dicho cast, hubo gente como Victoria Ruffo, Edith González o Erika Buenfil. Finalmente, gente desconocida en aquel entonces quedaron como los finalistas: Alma Delfina, Alfredo Alegría, Lupita Sandoval, Rodolfo Rodríguez, Fernando Arau, Ariane Pellicer, Martha Zavaleta, Alicia Encinas, Viridiana Alatriste, José Magaña, Lili Garza, Rosita Pelayo, Roberto Huicochea, Alejandro Ciangherotti III, José Flores, por decir algunos.

El día previo a las grabaciones, el productor Luis de Llano decidió cambiar la temática del programa y en lugar de ser de los años cincuentas, se enfocó en una preparatoria pero de aquellos años. Inclusive se rumoró que el título del programa vino por idea de uno de los actores y que resultó ser la porra principal de la Universidad Nacional Autónoma de México: Cachun-Cachun-Ra-Ra (Universidad, Goya). Finalmente, el programa comenzó a emitirse en ese mismo año de 1981.

Pero ¿De qué iba la serie? En términos sencillos, los protagonistas eran estudiantes de la preparatoria Cachun, y que vivían problemas propios de su edad, que se solucionaban siempre de manera feliz y cotidiana. Cada personaje encarnaba un arquetipo muy característico (el inteligente, el fortachón, el tímido, el gordito, la chica popis, la "heavy", la dulce, etc. etc.) y por lo cual, muchos de los televidentes se podían identificar con ellos. Todos eran amigos y compañeros, siempre tratando de salirse con la suya, pese a las presiones de la profesora Bonilla (apodada Godzilla por los estudiantes) que pese a ser estricta, les tenía cierto cariño a los muchachos. A esto, había momentos "musicales" en el programa, donde los protagonistas cantaban una rola de acuerdo a la situación que estaban viviendo (y claro, siempre remataban con un ending bailable bastante pegajoso).

El programa tuvo un éxito discreto en 1981, pero para el siguiente año, se convirtió en un fenómeno mediático de una magnitud enorme. Esto provoco que luego de dos años de emisión, fuese de lo más vistos en la TV. En aquel entonces, llego a tener horario estelar en el canal 2, el cual era de las 4 o 5 de la tarde y tenía una duración de media hora (con comerciales). Personalmente sí me toco verlo, pero ya en su etapa tardía, cuando llegaron a pasarlo a las 7 de la noche.

Fue tal el éxito que para 1983, aparte del programa, los actores incursionaron en el teatro musical, haciendo la versión Cachun-Cachun con bailes y canto. El lleno que provoco por alrededor de dos años, hizo que inclusive tuviesen una gira por todo el país (y lo cual ocasiono cierto evento bochornoso, cuando los Cachunes, aprovechando una gira por una ciudad fronteriza, fueron con todo y camión al "Otro Lado" y compraron un montón de aparatos electrónicos de última generación. Lamentablemente, la aduana se lo tomo a mal y llego a incautar todos los equipos, así provocando que los actores saliesen en la nota roja por algunas semanas como "traficantes".

No obstante, la fama de los Cachunes subió como espuma y ya para el año de 1984, una película del programa salió en cines, teniendo igual un gran empuje entre la gente de aquel entonces. Sin embargo, para 1985, varios de los protagonistas de la serie dejaron el show debido a decisiones personales y por el temor a ser encasillados. El productor recluto a nuevos talentos por parte del CEA y pese a tener futuras estrellas como Eugenio Derbez, Adela Noriega o María Luz, el programa comenzó a perder rating. Para 1986, la cosa andaba critica, por lo cual se llamo a los viejos Cachunes para que integraran el programa y tomasen un rol de "guía" para las nuevas generaciones. Lamentablemente, esto no sirvió y para 1987, de manera abrupta, el programa se cancelo.

Curiosamente, este hecho sí lo recuerdo perfectamente. Cachun-Cachun formaba parte de los programas que veía entonces y servía de postre luego de ver las caricaturas de la tarde. Sin embargo, un lunes después de la escuela, cuando quise sintonizarlo, el dichoso show no estaba. Mi madre, que también lo veía conmigo, se quedo extrañada, hasta que días después me comentó que lo habían quitado, lo cual me parecía ridículo, ya que en la escuela se hablaba del susodicho a cada momento. Otro dato curioso, es que Televisa decidió exportar dicho programa a Sudamérica por aquellos años y tuvo una segunda "vida", aunque fue mucha más corta que la vista en México.

Pese a tener solo 6 años de duración, el fenómeno Cachun-Cachun llego a calar hondo en la juventud de aquellos años. Ya como comenté, no solo entre los niños se hablaba de los personajes, sino también en gente mayor que conocía. Les agradaba el tono de comedia blanco y a la vez extravagante que tenía el programa, aparte de que sus personajes eran sumamente carismáticos, llegando ser amados por muchos y odiados por otros tantos (lo cual da a entender porque algunos actores se quejaban del raro comportamiento de los fans cuando se les echaban encima).

El programa hubiese caído en el olvido total, sino fuese por la leyenda "negra" que comenzó a entretejerse con respecto a los protagonistas y que aun hoy en día, sigue acosandolos de una manera u otra.

La "primera" víctima fue la actriz Viridiana Alatriste, hija de Silvia Pinal. La actriz solo estuvo el primer año con el show, apenas cuando comenzaba a despuntar. Debido a que entró en una telenovela, la joven se despidió del programa, al grado que le hicieron un capítulo especial al respecto. Sin embargo, el día posterior a la emisión de dicho programa, fue cuando falleció, víctima de un accidente automovilístico. Los rumores dicen que la actriz había estado bajo los efectos del alcohol, y que estuvo tomando en una fiesta que había dado con su novio, Jaime Garza, que también había formado parte de las primeras emisiones de Cachun-Cachun como el "pelos", y que debido a esto, no vio la curva donde tuvo el accidente. Otros comentan que Garza como ella tuvieron una discusión y que en un estado emocional inconveniente, fue cuando se produjo el fatal desenlace.

Las siguientes muertes llegarían en circunstancias igual de extrañas. José de Mara, "Tito", fallecería de manera súbita en 1991. Aunque su carrera no se afecto tanto al término del programa, ya que incursiono en el teatro musical, para 1990, la salud del bailarín ya era asunto de todos, al grado que el último año de su vida abandono su carrera para regresarse a vivir a Mexicali, su tierra natal. El actor fallecería de un problema pulmonar, pero entonces se rumoró que había contraído SIDA (lo cual actores del programa a la vez niegan pero no desmienten).

Rodolfo Rodríguez sería el siguiente en fallecer, esto a raíz de un supuesto cáncer linfático en 1994. El actor, que para entonces se había convertido en escritor y guionista, se había vuelto un imprescindible del programa noventero, "Anabel", en el cual actuaba también su hermano, Mario Bezares. Lamentablemente, en cuestión de mes y medio, posterior al descubrimiento de su problema, el llamado "Calixto" en el show, fallecería en igual extrañas circunstancias, ya que también se comentó que podría haber tenido SIDA.

Uno de los casos más tristes, fue el del "Jagger", el apodo que tenía el actor José Flores. Siendo de los pocos que se mantuvo los siete años del programa, fue motivo de chismes por parte de sus compañeros, debido a su alcoholismo, el cual inclusive hacía que llegará en estado inconveniente no solo al programa sino también en otras producciones. Lamentablemente, este le terminaría costando la vida al fallecer de cirrosis hepática en 1997, no sin antes en actuar en varias telenovelas de aquellos años que luego serían recordadas por ser muy clichés.

A estas muertes, se le unen la de Adrián Ramos, Pepe Celaya, Alejandra Espejo y Manuel Gurría, que aunque fueron mucho más "normales", si desataron cierta polémica por ser integrantes del programa en sus mejores tiempos.
Aunque en programas y entrevistas recientes, los actores que siguen vivos han negado dicha maldición, varios de ellos no lograron salir del encasillamiento que les provoco el programa, al grado que algunos emigraron a EUA para trabajar en producciones de allá y otros se dedicaron a otros rubros, como el teatro o el cabaret, para poder mantenerse. Debido a esto, cuando se rumoreo hace unos años que podrían volver en un reencuentro, este definitivamente fue cancelado. Pero eso, es otra historia.

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Saludos a la dueña de mis quincenas :3, así a quienes gustan de este tipo de leyendas.

Dos películas animadas opuestas: Flashpoint y El Detective del Mar Lejano

Seguimos con las películas animadas, pero esta vez de dibujo clásico, es decir, sin necesidad de computadora (bueno, al menos no demasiado, ya que mínimo, los filmes hoy en día tienen algo de CGI incorporado de alguna manera u otra). Una ya la tenía hace tiempo archivada y me la tuve que ver en tandas, debido a que tenía otras cosas más que checar. En cambio, la otra me la chute hoy mismo y salí bastante satisfecho de la misma, al grado que espero leerme pronto la obra en la cual se inspiró.

En un momento pensé en tratarlas en diferentes entradas. Sin embargo, entre la flojera y ver que ambas tienen en común la animación, terminé por englobarlas en esta crítica. Fuera de eso, son bastante diferentes, ya que engloban universos totalmente diferentes, tanto por su contexto como del país donde fueron hechas. Sí, hablo de "Flashpoint", una película animada de Warner Bros y DC, así de la decimoséptima película de Detective Conan, "El Detective del Mar Lejano". Así que sin más, vamos a comentar de ambas obras al respecto.


-Flashpoint: La paradoja del tiempo. 

Argumento: Barry Allen es un miembro destacado de la Liga de la Justicia. Sin embargo, aun en el fondo se siente culpable por no haber podido salvar a su madre Nora Allen cuando fue asesinada por un maleante años atrás. Luego de un encuentro con Zoom, alias Flash Reverso, Barry decide viajar en el tiempo y tratar de cambiar ese momento, lo cual logra exitosamente. Sin embargo, se da cuenta que eso tiene un precio y es que altero la realidad de manera importante. Wonder Woman y Aquaman tienen una guerra que esta aniquilando a parte de la humanidad, mientras Cyborg es un agente del gobierno. Superman no existe y Batman es un vigilante violento, que en realidad no es sino Thomas Wayne, el padre del original Batman. Flash debe encontrar la manera de arreglar dicho problema de una manera u otra.

Comentario personal: hace unos años, cuando comenzó mi carrera en el mundo de los cómics, de las primeras obras que quise chutarme fue precisamente "Flashpoint", ya que esta marcaba el origen de los "Nuevos 52", que era una especie de reboot del universo DC (experimento que por cierto, le costo mucho a la editorial, ya que salió fallido y solo algunas obras perduraron en ese nuevo parámetro). Sin embargo, cuando comencé a leer los preliminares de esta obra creada por Geoff Johns y dibujada por Andy Kubert, me lleve un tremendo portazo. El hecho de tomar muchas líneas del universo DC (del cual, curiosamente no estoy tan versado), me confundía de sobremanera y la deje porque de repente me estaba sobrepasando en muchos sentidos. Por ello, me terminé decantando por otras obras, en especial del universo Marvel que ya he comentado en otras entradas.

Sin embargo, el saber de que iba Flashpoint, fue lo que me permitió al menos, tratar de conocer el contexto. Y que mejor que irme hacia la película animada que muchos dicen, adapta de manera estupenda la obra de Johns (la cual salió en julio del 2013, siendo la 17th. película animada del estudio de animación de la Warner).
Lamentablemente, por lo anterior, no puedo hacer una comparativa entre ambas obras, aunque debo decir desde un principio que los estudios de animación de la Warner hicieron un gran trabajo.

La razón es que me ha tocado ya ver otras películas de la casa animadora y está se sale de ese parámetro por dos aspectos: los diálogos y la violencia gráfica. Cierto que en este último rubro, ya he visto que las películas de DC no se contienen para mostrar algo de violencia en sus filmes animados. Sin embargo, acá el grafiquismo es mucho más elevado y realmente vemos a personajes golpear a mujeres, sino también como hay estocadas, puñaladas, golpes y sangre por doquier, sin ningún tapujo. En especial la escena donde Wonder Woman mata a un integrante de la familia Shazam y en otra donde acuchilla de manera poco grata a Aquaman (aparte de cierto nivel de erotismo en otra escena). Esto indica que la película trato de estar lo más posible adaptada a la novela gráfica original.

Otro punto, son los estupendos diálogos que tienen los protagonistas. Ninguno está de más y hay algunos sumamente excelsos, en especial la dialéctica que tienen Barry con los dos Batman (tanto hijo como el padre), en donde vemos detalles de la psicopatía, la venganza y la locura misma. Aquí vemos una genial adaptación del mito de Batman pero en los padres de Bruce, donde uno se vuelve loco y se convierte en un vigilante, mientras el otro se psicotiza al grado de volverse una versión del Guasón bastante perversa.

Con todo esto, podemos ver que la historia sigue el típico mito de la historia "alterna", pero con unos tintes de genialidad en todos lados. Superman es un extraterrestre capturado por el gobierno y mutilado emocionalmente. Cyborg defiende a dicho gobierno, pero tiene sus dudas. Aquaman y Wonder Woman, sin tener quien los contengan, dejan salir sus instintos de dominación en base a su naturaleza superior. Pero el caso más potente es el de Batman como ya se comentó. Aquí en lugar de tomar al original Bruce Wayne, hicieron que Thomas y Martha llegasen a convertirse en el Murciélago y el Arlequín de dicho universo (lo cual me pareció magnifico, no solo en su idea sino también en la forma de representarlo). La película tiene ese nivel de distopía muy acentuado pero sin caer en un mundo demasiado desquiciado.

Sin embargo, el mejor punto de la película es que pese al enorme carisma de Batman y otros personajes, Flash sigue siendo el punto de unión de todos y se representa como lo único puro y bueno (en apariencia) del filme, llegando a mejorar a los personajes que tiene a su alrededor. Pero a la vez vemos que él es el causante de todo lo malo que ha pasado y los cambios, ya que su deseo egoísta de salvar a su madre, provoco la disrrupción en el tiempo. Esto se ve genial en el último tercio del filme, en especial con el discurso que le avienta Zoom.

Otra cosa muy buena de este producto es el doblaje que tiene. Sí, es venezolano, pero los actores de dicho país han logrado captar perfectamente la esencia de las películas y series del universo DC, al grado que sus voces quedan geniales, muy en especial Jhonny Torres como Barry Allen/Flash.

En conclusión, "Flashpoint" es una de las mejores películas del universo DC/Warner Bros que he podido disfrutar. Con una gran historia y un desarrollo de personajes de altísimo nivel, es de las que recomiendo encarecidamente que uno tiene que ver. Y espero con este empujón, ya verme la obra original de Johns y darme cuenta que le falto a este filme. Sin embargo, por mientras, me resultó muy ameno y divertido.


-Detective Conan: Detective del Mar Lejano.

Argumento: Conan y compañía (Ran y Kogoro Mouri, la liga juvenil de detectives y Sonoko) deciden hacer una visita guiada al Destructor clase Kongo de la Marina de Autodefensa de Japón que tiene instalado el sistema Aegis, desarrollado por los Estados Unidos y prestado a las fuerzas marítimas niponas. Sin embargo, una serie de sucesos abordo de la nave, hacen que Conan comience a investigar con ayuda externa de Hattori y de Ai, mientras trata de evitar que un espía robe los diseños del sistema Aegis para vendérselo a una potencia extranjera enemiga. 

Comentario personal: al fin me estoy poniendo al tiro con las películas de Detective Conan que tenía pendientes. Como hace unos meses comencé a chutarme los primeros 200 episodios, era justo que ya comenzara también con los filmes de la saga, que en Japón siempre son bien recibidos, al grado que hay uno mínimo por año. Ya había hablado bastante bien del filme sobre los girasoles de Van Gogh, por lo cual decidí descargarme un par de películas más. Una ya la termine de ver hace tiempo, llamada "El onceavo delantero", pero por cuestiones futbolísticas aun no he hablado de ella. La otra, fue justamente esta.

Debo decir que el "plot" del filme me llamo la atención desde un principio, ya que hablaba sobre la Marina de la Fuerzas de Autodefensa y sobre todo del famoso sistema Aegis, que es mecanismo desarrollado por los EUA para interceptar misiles de todo tipo de alcance y el cual esta equipado en la mayoría de sus destructores de flota. Japón ha sido de los pocos países beneficiados con los prestamos de dicho sistema. Por ello, pensé que la película iba a ser bastante emocionante.

Digo, no es que no lo sea, pero comparada con las otras que mencioné, debo decir que este filme es un poco más malito, tanto en la resolución del caso como en el uso del Aegis, el cual este último se vuelve una razón pálida para justificar una trama de espías que resulta por momentos un tanto sosa y hasta predecible. Para colmo, los villanos a utilizar también son medio clichés y sin ninguna motivación de fondo, salvo ser espías que buscan exponer y vender dicho sistema. Y algo que siempre distingue a las tramas de la serie, es que el villano generalmente tiene una gran motivación o tiende a ser una persona amargada por algún suceso. No, acá los malos son malos y punto, lo cual resta algo de emoción, tanto al misterio como la trama.

Curiosamente, los secundarios son los que destacan más, como la capitana Fuji, que resulta ser una curiosa contrapartida para Conan, aunque al final desluce cuando el chamaco comienza a desentrañar el plan de los espías. Otra que empieza muy bien es Ran, ya que aquí ya no tiene papel decorativa y la vemos luchar en plan karateka con el villano de turno. Lamentablemente, me hubiese gustado verla en ese estado todo el tiempo, pero nuevamente apelan al turno de damisela en peligro y aunque su rescate final es emotivo, no deja de ser un tanto cliché en la serie.

Aquí es donde vemos un acierto pero también problema del desarrollo de la historia, ya que vemos a la mayoría de los personajes de la serie y lo cual resulta bastante agradable en la primera hora, cuando Conan se apoya en Hattori, Ai y el profesor Agasa para encontrar al culpable. Sin embargo, para el último tercio, la cosa resulta un tanto desabrida y tantos personajes resultan de más y hasta pierden el carisma que habían ganado en los primeros minutos. Y no solo Ran, sino también el propio Hattori y hasta Suzuha. Técnicamente, el profesor Agasa y Ai desaparecen del medio, cuando en el primer y segundo tercio, sus aportaciones eran harto interesantes.

Claro, la película no resulta tan mala, ya que ciertos "guiños" se van utilizando continuamente, como las tarjetas del tío Kogoro o el reloj de Mitsuhiko, pero la cosa realmente se desploma con el uso de Yuki, el chiquelo que ha secuestrado uno de los espías. Desde el principio se ve que el niñato esta siendo manipulado y ese aire de misterio que siempre rodea a un misterio de la saga, se ve empañado de manera importante. Sí, tiene su momento cuando provoca la pelea entre el susodicho espía y Ran, pero luego su papel también se ve deslucido al final.

Tal vez lo mejor y más relevante, es el contexto donde se desarrolla la película, que es el destructor clase Kongo que tiene instalado el sistema Aegis. El diseño de la nave está explicitamente en la película y es grato ver como los diseñadores del filme lograron plasmarlo viñeta a viñeta. Desde la cabina del sistema hasta los pasadizos, como el tipo de armas que tiene el destructor. Esto se ve en especial cuando vemos que un supuesto submarino está atacando a la nave y como está se tiene que defender de la manera en que esta previsto. Por un momento pensé que la película se iba a ir hacia esos derroteros y hubiese sido genial, pero como comenté, eso se termina perdiendo y al final la historia técnicamente acaba 10 minutos antes del final.

En conclusión, "Detective del Mar Lejano" es una película irregular de Detective Conan. Es hasta el momento, la más malita que me ha tocado ver. Digo, está bien lo del sistema Aegis y el homenaje tan brillante y sonoro que le hacen la Marina de Autodefensa Japonesa, pero se queda solo en eso y termina por ser una película con una trama medio sosa, con poco punch y que se aleja mucho del canon de la serie original, siendo más una película de espías que una trama detectivesca. ¿Recomendable? Solo sí eres fan de Detective Conan. Si no, sí te resultará un tanto pesada de ver (lo cual me paso, ya que tuve que estar varias veces poniéndola hasta que me decidí verla hasta el final).

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Saludos a mi propia Ran Mouri :3, así a quienes gustan de Flash y de Detective Conan.

Zootopia: una buena película de los estudios Disney

Luego de unos días de vacaciones, literalmente, vuelvo a la carga con el blog. Ahora tengo que ponerme a punto, porque febrero es un mes corto y el número de entradas para el mes se me han juntado. Iba a decir algunas ya hechas y solo para publicarlas, pero últimamente he tenido muchas cosas que hacer y por suerte, varias cosas que comentar.

Justamente ayer, pese al trajín, mi mujer y un servidor nos fuimos al cine más cercano a disfrutar la más reciente producción de los estudios Disney: Zootopia. Es curioso que hace unos días hablará sobre "Un Gran Dinosaurio" y como la había tildado de una película regular de Pixar. Y es que en los últimos años, los estudios Disney (que son una empresa aparte) estén robándose el pastel con producciones de calidad bastante elevada, o sí no, al menos como una fuente de entretenimiento importante para los enanos (como Frozen). Zootopía cae en estos últimos rubros y no significa que sea mala, sino todo lo contrario. Es de esas películas que puedes disfrutar sabrosamente en cualquier momento y que es bastante divertida.

Pero bueno, vamos directamente con la reseña y ver los pros y contras de la película número 55 en la historia de los Walt Disney Animation Studios.


Argumento: la moderna metrópolis de Zootopía es un lugar formidable. Albergando a miles de mamíferos antropomorfos, conjunta en su vastedad, a regiones diferentes como Plaza Sahara hasta Tundratown, donde animales de diferentes especies pueden convivir entre ellos. Sin embargo, la división entre herbívoros y carnívoros aun se mantiene, lo cual pese a la convivencia, provoca separaciones y prejuicios. Precisamente, Judy Hopps, una coneja, es una de las tantas que trata de sobreponerse a dicho estigma. Ningún conejo ha sido un policía antes, pero ella esta empecinada en hacerlo pese a la oposición de la sociedad y su propia familia. Finalmente, Judy llega a Zootopía, pero es enviada a la zona de parquímetros, donde se entera de la desaparición de varios animales, mientras recibe la ayuda involuntaria de un zorro en todo el sentido de la palabra, Nick.

Comentario personal: Mi primer, gran y único "pero" que tiene la película, lo digo de antemano, es que es un argumento nada original y hasta trillado. Judy es una coneja que decide romper el estereotipo de su raza y decide convertirse en policía. Su tamaño y complexión le hacen rápidamente ser discriminada por el resto de los policías, pero la protagonista tiene mucho carácter, lo cual la mete en líos tratando de resolver la desaparición de los animales. Conoce al típico embustero que en el fondo tiene buen corazón y que gracias a sus contactos, le ayuda a localizar al animal perdido de turno, pero que está todo bajo una gran conspiración.

Sí, el argumento no tiene nada del otro mundo. Inclusive hasta sabes quien es el verdadero villano desde un principio. Sin embargo, esto permite que te concentres en dos factores que por ejemplo, "El Gran Dinosaurio" no tiene y es la profundidad de sus personajes y la forma de contactarlos con el contexto que tienes en la historia.

Aquí es chocante que haga comparaciones, pero son necesarias, ya que aquí vemos la calidad con la que fue hecha Zootropia, pese a tener argumentos muy predecibles. Mientras en la de Pixar, salvo el protagonista, los demás personajes son poco elaborados, acá es diferente. Sí, Judy y Nick son muy prototípicos, pero aun así, uno se encariña rápidamente con ellos, al darles un fondo, no solo en personalidad, sino en dotarlos de características propias de su especie. Judy es sumamente tierna, cuando hace sus ojos de conejo a medio morir o cuando mueve la nariz como lo hacen dichos animales. Nick, pese a su aire de desenfado, sus ojos y su forma de moverse también nos recuerda a un zorro. Me gusto esa combinación entre aire antropomorfo, pero también sin abandonar totalmente su naturaleza, lo cual hace a los animales harto simpáticos y a la vez muy identificables. Y no solo hablo de la caracterización, sino el rol que cumplen cada uno (desde los hamsters godínez hasta los lobos guaruras).

En este rubro entramos al segundo aspecto y es el contexto en que viven los personajes, que nuevamente combinan la profesión que pueda tener un ser humano con un animal en específico. La búsqueda de la placa de la limusina y relacionarlo con los perezosos, fue estupendo, al grado que me la pase carcajeando esa parte y a la vez desesperado, ya que uno no puede menos que identificar eso con la vida real. Es en este punto sobre todo, donde la película de Disney supera con mucho a la de Pixar.

Ya había comentado que Arlo era simplemente un dinosaurio que hablaba y hasta allí. Sí, ves algo de su naturaleza y demás, pero pese a hacer lo mismo que un ser humano (cultivar), la diferencia es bastante evidente, ya que ese mismo tramo es tratado con la familia de Judy y la forma de evolucionarlo y trabajarlo no tiene comparación. Esto se ve también en la cuestión tecnológica, donde los smartphones de la protagonista en lugar de tener la característica manzana mordida de Apple, tenemos una zanahoria en las mismas condiciones. Sí a esto agregamos la pluma/grabadora y el repelente para zorros, como ejemplos, el contexto de la película resulta mucho más rico y diverso.

Otro acierto es que el ritmo de la historia resulta bastante bueno, intercalando momentos cómicos y dramáticos de manera acertada. Generalmente, cuando estas en un contexto de este tipo, siempre tiendes a sobreexplotar alguno de esos renglones y la película resulta demasiado sencillo. Zootopía combina cada instante de manera bastante buena y no se te hace chocante, pese a tener un final predecible. Los guiños a otras obras, como El Padrino, son estupendos y le dan su aire de hilaridad muy propio.

La animación como siempre, es estupenda, pero lo que le realza es la música de Michael Giacchino, que vuelve a hacer de la suyas con una banda sonora bastante buena y que le da un aire entre dinámico y de película de detectives. Al apartado técnico, también me toco un doblaje genial, donde Romina Marroquín Payro y René García realmente se lucieron como los protagonistas, en especial este último que logra darle un toque nefasto a su personaje, pero también entrañable.

Algo que sí me pareció un extra, que no me agrado demasiado, fue la inclusión de Shakira en el filme. Sep, la susodicha aparece con un avatar de una gacela en el filme (Gazelle) que inclusive tiene ciertas líneas de diálogo. Su tono inmediatamente sí desentona con el resto de la película, al menos en español y su rola, bueno, es lo típico que he escuchado en ella en los últimos años. Al menos, no tuvo el protagonismo en la película y eso ya es un punto a favor también.

En conclusión, "Zootopia" es una película muy recomendable del estudio Disney. Divertida, amena, con gran ritmo y con unos personajes muy carismáticos. Aunque tiene una trama un tanto predecible, la forma de contarla es bastante potente. Es de esos filmes que deben verse más de una vez.

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Saludos a mi propia agente Hopps ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Adiós a un grande: Que la Fuerza de Pegaso te acompañe, Jesús Barrero

Generalmente no me gusta hacer entradas con tintes tristes en el blog. Siento que este sitio debe ser un lugar más para divertirse y relajarse, para olvidar las tonterías y estupideces que hay afuera, en el mundo real. Sin embargo, en ocasiones la situación sobrepasa todo lo esperado y es inevitable que uno se ponga de luto ante ciertas noticias. Claro, las habrá más importantes y hasta renombradas. Sí, es mi lado freak o ñoño hablando, pero cuando un icono de tu infancia se va, no puedes evitar soltar una lágrima y pensar que la vida sigue girando.

Esta mañana, en la madrugada, falleció el actor de doblaje Jesús Barrero Andrade. Conocido doblador, que interpreto un sinfín de papeles en los años ochentas, en especial en caricaturas y luego anime que fueron la punta de lanza de dicho movimiento. Personalmente, siempre fue de mis voces preferidas por ese tono entre adolescente y joven que tenía su voz, que luego con el tiempo, fue diversificando a todo tipo de papeles. Cierto que hay actores emblemáticos como Germán Robles o Alvaro Tarcicio que hicieron grandes cosas, pero algo que distinguió al señor Barrero fue el haber estado en esos programas que marcaron la infancia de muchos. Desde Mazinger Z hasta Saint Seiya. Eso abarco a muchas generaciones que inclusive disfrutaron su talento en series más modernas, como Digimon, Nube sensei o el protagonista de Gintama. Sin embargo, sus papeles más emblemáticos se reducen a dos personajes: Seiya de Saint Seiya y Rick Hunter de Robotech. Con este par, se gano el corazón de muchos que disfrutábamos ver dichas series.

Claro, luego vino Luke Skywalker con Starwars, así Cutzco en las Lócuras del Emperador, ni se diga la Galleta de jengibre en Shrek o Rex en Toy Story. Sin embargo, eso solamente fue secundario a la gran interpretación que tuvo en años anteriores, donde se convirtió en un grande, en un gigante. Hoy día, todo mundo lo llora, inclusive un servidor. Pero su recuerdo y su voz quedara por siempre en todos los fans, no solo de Saint Seiya, sino de otras tantas series que tuvo el honor de hacer al menos una interpretación. Descanse en paz.
Y por tal motivo, la siguiente entrada va dedicada a los diez mejores trabajos que hizo Chucho Barrero en el doblaje, lo que lo hizo ser tan emblemático aun después de su muerte.



-Red Ranger (Austin St. John) - Power Rangers

Ya Jesús Barrero era famoso para cuando salieron los Power Rangers, una respuesta "tibia" por parte de Televisa contra el anime de Tv Azteca. Pese a eso, la adaptación Saban de los Sentai logró hacerse en un lugar del público. El líder indiscutible de la generación primera fue Jason, el Red Ranger, interpretado por Austin St. John, pero en el doblaje estuvo a cargo a el gran Chucho, que supo darle jovialidad a su personaje, pero también carisma y aplomo, al grado que regreso en posteriores entregas, cuando volvía a ser el emblemático Red Ranger.


-Galleta de Jengibre - Shrek

Para los que no son fans del anime, la interpretación de la galleta de jengibre de Shrek, hizo que el resto conociese el trabajo de Don Chucho Barrero. Ya se había robado parte del carisma cuando hace un duelo dialéctico con el villano (seh, con el "pimpón es un muñeco muy guapo y de cartón"), llegando a la cumbre con "se lava su carita". Más de uno, incluido un servidor, se carcajeo a morir con esa escena. Aquí no solo el actor era capaz de dar potencia a personajes juveniles, sino inclusive hacer voces de niño cuando era necesario.


-Cusco - Las Locuras del Emperador

Muchos no les gusta esta película, pero a mi me fascina. Una comedia pura y dura de Disney apareció en el 2000 y llegó a mostrar que el doblaje podía hacer las cosas por sí mismo, sin necesidad de Startalents. Es harto conocido como Arath de la Torre la regó con su interpretación de Cusco y que llamaron de urgencia a Jesús Barrero para que se lo chutará...en un día. Su actuación fue tal, que inclusive luego Disney le dio ganancia económica debido al éxito que tuvo la película. Y claro, todo gracias al "perfomance" de este formidable actor.


-Frank Martin - Transportador 2


El transportador fue de esas películas que se grabaron en Cuernavaca, Morelos. Sí comencé a tomarle gusto al doblaje de dicho estudio, fue gracias a Jesús Barrero, que también estuvo allí haciendo genialidades, como Nube Sensei. Aquí, en esta película, se luce al interpretar a un personaje serio y duro como Jason Staham y ponerse a patear traseros mientras no dejaba su acento varonil pero rudo. Sí le agarre gusto a esta película, fue a la genial actuación del buen Chucho Barrero. Es recomendable verla doblada, mejora con creces lo ronco del actor original.


-Profesor Quirrell - Harry Potter

Sí, hubiese sido mejor poner otra actuación, pero este papel demuestra la versatilidad de Jesús Barrero. Paso a hacer a un personaje tartamudo e inseguro como Quirrell, a ser uno de los esbirros de Lord Voldemort, con un toque malvado y oscuro. Es justamente la actuación de don Chucho Barrero que logra hacer que pasemos desapercibidos la verdadera naturaleza del profesor de Artes Oscuras aun cuando muchos ya sabíamos que era el villano a vencer. Una de sus mejores actuaciones, rompiendo con el molde que tenía de otros papeles.


-Rex - Toy Story

Rex, el entrañable y cobarde dinosaurio de Toy Story, fue otro papel clave para la fama de Jesús Barrero. Formando parte de la vieja guardia de actores de doblaje de Disney, se encargo de hacer famoso a este secundario que brilló aun más en la segunda parte, cuando se obsesiona con vencer al enemigo de Buzz Lightyear. En parte fue gracias a la labor del propio actor, que le daba ese tono medio miedoso, pero también muy chillón, rompiendo con su imagen de tiranosaurus rex. Irónico pero estupendo de muchas maneras.


-Rick Hunter - Robotech

Otro de los papeles que lanzo a la fama al actor y debo decir, mi segundo favorito. Luego de un entrenamiento que tuvo en Los Angeles, Jesús Barrero regreso a México e inmediatamente le toco ser parte del cast de la mitica serie Robotech, que sería un hitazo en nuestro país y toda Latinoamérica. Su interpretación, aunque parecida a la de Koji Kabuto en Mazinger Z, le daría un nuevo protagonismo, al grado que su aparición en Saint Seiya estuvo en riesgo. Sin embargo, también le daría la oportunidad de dirigir esa serie.


-Ozzy - Ozzy y Drix

Un papel atípico, pero a la vez predecible. La voz de Ozzy en inglés estuvo a cargo de Chris Rock, que también Jesús Barrero le dio voz en varias ocasiones. Por esto, tal vez fue elegido y el papel le quedo como anillo al dedo. Alejándose del prototipo de héroe, ahora encarna a uno pero con mala actitud, lo cual sería una marca que también desarrollaría el actor con creces, recordándonos un poco a Cusco de las Locuras del Emperador, pero combinado con los héroes clásicos como Rick Hunter o Seiya de Pegaso. De mis papeles favoritos de este gran actor.


-Gintoki Sakata - Gintama

Una sorpresa que el doblaje de Cuernavaca saco en los últimos años. Aunque muchos, incluido un servidor, se quejaron de que Jesús Barrero hiciera un papel como Gintoki, su interpretación y forma de ser se ha terminado ganando el papel de una manera u otra. Es de esos viejos papeles que veíamos al actor a principios de la década pasada. Divertido, cómico, ameno, fue de las últimas joyas de este formidable actor y que es una tristeza que no pueda continuar, ya que Gintama aun tiene mucho camino por delante.


-Seiya - Saint Seiya

El papel de papeles. Simplemente Jesús Barrero hizo a Seiya tal y como es. Por ello es inevitable que todo mundo lo relacione con este personaje. Seiya hizo famoso a este gran actor...o tal vez fue al revés, ya que pese a tener una eminencia como Tohru Furuya en el doblaje original, Don Barrero supo darle su propio cariz al personaje y darle una mezcla de heroísmo, comicidad y sobre todo, hacerlo entrañable. Todo mundo hoy recuerda su mítica frase: "Dame tu Fuerza Pegaso", que el mismo actor improviso antes de ya llamarla como Dios manda: Los Meteoros de Pegaso.

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Saludos a mi esposa, así a quienes son y fueron fanáticos de Jesús Barrero. Vaya con Dios y ¡Dale tu Fuerza Pegaso!

Macross, Do you remember the love? y Un Gran Dinosaurio: dos filmes de animación muy diferentes

Estos días de limpieza los he aprovechado para ponerme al tiro con varias películas que no había podido ver en su momento en cine. Por suerte, no ha sido la cuestión económica que nos ha detenido a mi esposa y a un servidor de ir al cine, sino más bien el tiempo, ya que a veces llegamos tan cansados a la casa, que solo nos acurrucamos y nos quedamos dormidos. Aparte, los fines de semana no son un buen momento para ir, ya que esta lleno de personas o precisamente lo utilizamos para recuperar fuerzas. Así que hemos sido muy selectos a la hora de escoger filmes que nos gusten y optar los demás para chutarnolos en casa de la manera poco legal que ya todo mundo conoce, jeje.

El motivo de la siguiente entrada es de hablar de dos películas de animación diametralmente opuestas, no solo en diseño, país de origen y momento en que fueron hechas. Hablo de "Macross, Do you Remember the Love?" de 1984 y "El Gran Dinosaurio" de Pixar, del 2015. En su momento pensé en hablar por separado de cada una de ellas, más tratándose de Macross, que es una franquicia que merece un universo aparte, pero también no puedo hacerme tarugo al respecto y ponerme hispter/gafapasta, ya que pese a su renombrada, el filme de Macross no es taaan bueno como se dice por allí. Lo mismo iría con el "Gran Dinosaurio", que parece ser uno de los filmes menos valorados de la familia PIXAR.

Pero bueno, vamos a hablar cada uno al respecto.


Un Gran Dinosaurio.

Argumento: han pasado 65 millones de años desde que los dinosaurios...bueno, en realidad no fueron extinguidos por el meteorito, sino que lograron llegar a nuestros tiempos, donde inclusive han llegado a evolucionar, estableciendo familias sedentarias dedicadas a la agricultura. Arlo es el menor de uno de estos clanes y ayuda a sus padres como hermanos a hacer la siembra y proteger lo cosechado de otras especies rapaces como los humanos. Sin embargo, Arlo es un tanto cobarde y siempre depende excesivamente de su familia. Un día, su padre decide entrenarlo para hacerlo más valiente, pero eso cambia la dinámica de la historia totalmente.


Comentario personal: la producción de la película fue bastante accidentada y de una u otra forma, se refleja en el producto final, el cual ha recibido buenas críticas por parte de la prensa especializada, pero siendo muy bajoneada por el público en general. Este proyecto llevaba "años" ya gestándose en la matriz de Pixar. El director y creador de la idea original, Bob Peterson, anuncio en el 2011 que el estudio lanzaría este filme para finales del 2013. Sin embargo, la aparición de "Frozen", retraso el proyecto hasta el 2015. No obstante, la caída de ingresos debido al fiasco de Cars 2, dejo el proyecto más en ascuas, ya que el mismo mandamas, John Lasseter, dijo que necesitaban reformular sus próximos filmes. Finalmente, el 2014 fue el primer año sin Pixar y el "Gran Dinosaurio" se retraso hasta el otoño del año pasado. Durante el trayecto, el filme cambió de casting, de historia, detalles técnicos e inclusive de música. Finalmente, se estreno en París en noviembre del 2015 y en México, a finales de ese mismo mes.

Aquí es donde comienzan los palos. El primero es respecto al argumento. Y es que Pixar siempre nos ha acostumbrado a tramas formidables en parajes extraordinarios o atípicos. De antemano, la supervivencia de los dinosaurios hasta nuestros días es algo genial. Pero todo queda allí, ya que la trama parte en una dirección totalmente diferente y que bien podría haber quedado en otro contexto, pero que no depende exclusivamente del entorno. Esta es la magia de Pixar, donde el fondo se une con la historia. Sin embargo, este filme jamás hace eso y aunque nos muestra una preciosa historia sobre la maduración, el que este hecha por dinosaurios...es totalmente ajena a ello. Simplemente bien pudieron agarrar otro contexto y hubiera pegado igual. Esto termina debilitando demasiado la película, ya que conforme pasaba, yo esperaba ver algo de "dinosaurios" en el contexto. Sin embargo, el concepto de la cultura humana (los ganaderos y agricultores) es tan ajeno y atípico, que aunque es agradable, no termina por encajar.

En sí, la trama no es mala. Narra el típico camino del héroe o la maduración que debe tener toda persona. Con Arlo se ve mejor, ya que nace siendo un alfeñique y su forma en que va creciendo es bastante concisa como coherente. Es la mejor parte de toda la película y sobre todo, no vemos la perdida de la personalidad de Arlo como ocurre en otras tramas parecidas. Aquí siempre parece un tanto cobarde, pero también "buena gente", lo cual se recalca a cada momento y que para ser mejor, no tiene que sacrificar la mejor parte de sí. Esto, con la lamentable pérdida de su padre y el nuevo rol que debe tomar, es lo más entrañable de la película.

El problema es que esto no se ve tan bien con "Spot", el niño humano que se une a Arlo. Tiene carisma el chamaco y es divertido. Inclusive, la forma en que adquiere su nombre también me pareció sumamente original, en relación con el rinoceronte medio loco que encuentran (y que me pareció el detalle Pixar más potente de todos). El problema es que conforme Arlo va madurando, Spot y su presencia va desapareciendo y ya no se puede justificar más. Por ello, cuando vemos la despedida de ambos, es algo que se va previendo durante la película y en lugar de resultar emotivo, parece bastante predecible.

Aquí es donde vamos a otra debilidad intrínseca del filme y es que sus personajes, salvo por el padre y el protagonista, los demás siguen la misma línea y solo sirven para el propósito de maduración. A tal grado resultan sosos, que inclusive los villanos me parecen demasiado sobrevalorados y poco contundentes. Tal vez la diferencia sean los T-Rex Ganaderos, comandados por Butch (interpretado por Sam Elliot) que resulta ser el "maestro" de Arlo y que lo hace magistralmente. Otro elemento "Pixar" que resulta poderoso y que en unas cuantas frases, ya te gana el corazón como el respeto ("nunca se deja de sentir miedo, simplemente lo que haces es dominarlo, como a la naturaleza misma").

Aquí como vemos, la película esta hecha a medias. No hay personajes carismáticos, salvo uno. La historia es lo más normalona y predecible y aunque el diseño gráfico como de animación es soberbio en muchos casos, no termina por dar ese empuje definitivo a la película. No hay un giro de tuerca ni tampoco un intento porque haya originalidad. Sencillamente, se queda en el camino para ser una película de Pixar, aunque en muchos rubros sea superior a otras películas del mismo calibre y presupuesto.

En conclusión, "Un Buen Dinosaurio", es una película muy sencilla del estudio Pixar. Divertida, amena, con buen ritmo, pero que no termina de hacer click, debido a que jamás se decanta por algo. Inclusive, el uso de dinosaurios me pareció de más, ya que la trama nunca se conecta con esto y simplemente vemos a estos geniales animales actuar de humanos y hasta allí. El principio entre épico y chusco cuando el meteorito pasa rozando la Tierra, me pareció muy prometedor para una historia que no tiene nada que ver. No digo que la maduración de Arlo este mal, al contrario, me parece una excelente película para los niños, pero para un adulto, buee...se quedará con hambre de más.



-Macross, Do You Remember the Love?

Argumento: En un futuro muy cercano, la raza de los Zentraedi han invadido la Tierra y se encuentra en plena guerra con la mejor arma de la raza humana, el SDF-1, el cual se encuentra en los anillos de Saturno. Mientras la cantante local, Lyn Minmai da un concierto, un ataque provoca que esta se vea involucrada en la avanzada Zentraedi. Hikaru Ichijou, un novato del escuadrón Skull del teniente Roy Focker, logra rescatarla, pero quedan atrapados en los escombros dentro de la nave. La convivencia hace que se despierte un romance entre ambos antes de ser encontrados, lo cual provoca que en un alarde, Hikaru la saque de la nave para ver el espacio. Allí son capturados, junto con Misa Hayase (uno de los comandantes de la nave) y Roy, por parte de los Zentraedi, que debido a restos y transmisiones, han comenzado a tener curiosidad sobre ellos.

Comentario personal: debo decir que esta película tenía 16 años queriendo verla. Cuando comencé a investigar del anime en la red, de los primeros tópicos que toque fue de Robotech y su contraparte japonesa, Macross. Recordemos que Robotech fue un concepto "gringo"creado por Carl Macek, que pretendía unir tres series de mechas creadas por la Tatsunoko y sin nada que ver una con la otra. Sin embargo, la más emblemática y famosa de todas, fue Macross, Fortaleza Superdimensional, que en el año de 1982, fue un hitazo entre los japoneses. No en balde, los diseños estaban a cargo de un jovensísimo pero talentoso Shoji Kawamori, que se encargaría de hacer las valkirias (varitechs, como fueron conocidos en el concepto Robotech). Debido a que la cantidad de episodios de Macross eran pocos, ello hizo que Macek los uniese con otras dos sagas nada que ver. Sin embargo, algunos de estos conceptos influenciarían a los fans de Macross y Robotech años después.

Con este hitazo, el estudio  Toei y la Tatsunoko hicieron una película conmemorativa en el año de 1984, retomando el mismo hilo argumental y mejorando la animación de manera espectacular para aquellos años. Esta es la película "¿Recuerdas el Amor?" que curiosamente, serviría más de base para las tramas y diseños posteriores, como Macross Seven o Macross Plus. El filme llego a ser un éxito rotundo en Japón, al grado que inauguro los estrenos nocturnos en aquel país, donde filas interminables de fans poblaban los cines, con la intención de ser los primeros en entrar. Claro, Carl Macek trato de traer dicho filme con el concepto Robotech, pero la Harmony Gold se rehusó a razones de censura y políticas (por lo cual veremos a continuación).

Posteriormente, el filme sería estrenado en EUA a mediados de los noventas y tendría un éxito importante, y que ocasiono la cisma entre los fans de Macross y Robotech: Aquellos que defienden el producto original, con su música y trama, mientras otros apelan a la música de Orber y la historia creada por McKinley (el seudónimo que uso Carl Macek para hacer las novelas relativas a Robotech), la cual continua hasta la fecha (inclusive un compadre cree que es mejor Macross y yo por supuesto, Robotech, aunque igual puedo ver ambas versiones sin desquiciarme). En México, la película jamás se estreno en cines, pero sí pudimos disfrutarla a principios de la década pasada, cuando el canal Locomotion decidió transmitirla por primera vez doblada (como paso con Akira y otras películas del mismo corte) aunque con un cast totalmente diferente al de la saga original y claro, respetando el canon Macross en lugar del Robotech (léase, los nombres japoneses originales y con la música de aquellos años).

Antes que nada, debo decir que la película es una condensación de dos horas de los episodios 6 a 27 de Macross, reformulando y cambiando algunos conceptos, de tal manera que la película se pueda ver sin necesidad de recurrir a tanto contexto. El problema, es que pese al excelente trabajo (e inclusive mejoría de algunas tramas, como la acción entre el SDF-1 contra los Zentraedi y el triángulo amoroso entre Hikaru, Misa y Minmei), el contexto se deja volando y la película nos transporta directamente a la batalla de la nave Macross contra los alienígenas. No nos explican como inició la guerra y el origen de muchos personajes. Claro, se lo quieren solventar ya poniendo a Minmei como una cantante conocida y a Hikaru ya como piloto del Skull Squadron. Sin embargo, la falta de una trama previa, provoca que muchos personajes no tengan el mismo impacto que la original, como el caso de Roy y de Ben Dixon (Kakizaki), que aunque mueren de manera dramática, no genera esa lágrimita como en la serie original.

Esto conlleva a que la película es más un homenaje para los fans de la serie original y para los nuevos, puede resultar interesante, divertida y con ritmo, pero también puede resultar un tanto inconclusa y hasta extraña. Por suerte, el haber sido un fan tan acérrimo de Robotech, me permitió acercarme a la película con ojos más inocentes y críticos, lo cual me hace ver que a nivel de guión tiene algunas fallas importantes, aunque en animación es simplemente espectacular. Inclusive, algunos cambios a los diseños de los trajes y la moda, la hacen mucho más atemporal que la original Macross (ya que sí uno ve Robotech o la mencionada, la moda ochentera es tan explícita que de repente resulta mal envejecida). Sin embargo, no todos los rubros se salvan y la música sufre bastante.

La música japonesa de los años setentas y ochentas era bastante peculiar, aun demasiado atrapada por los coros y la solemnidad de los años sesentas y cincuentas. Fue hasta finales de los ochentas y principios de los noventas, cuando se dio un giro a la situación y el estilo pop comenzó a predominar en todas las canciones. Macross, la serie original, es un fiel reflejo de ello, ya que muchas de sus rolas son baladas lentas, medio románticas, muy al estilo de finales de los setentas. Algo que me gusto de Robotech, fue la banda sonora de Minucci y Ober, que la hicieron mucho más tecno y popero. Claro, también hoy en día ya se queda algo envejecida, pero de mejor manera. Esto se ve sobre todo en la película, donde algunos tramas musicales, en lugar de darle algo de epicidad, lo hace más lento y hasta aburrido. Aparte, de dotarle de un aire de angustia bastante patente.

Por suerte, el romance principal, el triángulo entre los tres protagonista es formidable y manejado de mejor manera que la serie original. Aquí sí vemos con argumentos a Misa y su relación con Hikaru, así con Minmei, lo cual me agrado y muchísimo. Claro, hay momentos subidos de tono (como la misma violencia, que es bastante gráfica), pero creo justifican estupendamente la trama romántica. Aparte, también me agrado esa condensación del romance entre Max y Miriya, en especial cuando él la ve de tamaño gigante y le dice que le parece muy linda, a lo cual Miriya, herida, no sabe que responder y solo se apena. En un momento lograron ejemplificar una de las mejores relaciones de la serie.

¡Te adoro Misa!

Lamentablemente, a nivel acción no se logra lo mismo y la batalla final resulta un tanto sosa y hasta aburrida, pese a la formidable canción de "Do you remember the love?", que resulta un tema emblemático y potente para la película.
Por cierto, el doblaje me pareció muy bueno en algunos rubros. Aunque con voces diferentes, estuvo al nivel del de Robotech, inclusive Mónica Villaseñor le daba un tono estupendo a Misa, recordándonos a la Lisa Hayes de Patricia Acevedo.

En conclusión, "Macross, Do you remember the love?" es una buena película de animación japonesa. Con una buena historia, buen ritmo, por momentos resulta un poco lenta, pero no tiene ningún desperdicio. Claro, falta algo de contexto y los fans de la serie la disfrutarán mucho mejor en ese sentido. La música y la animación son estupendos, aunque sí ya un tanto atrasados con respecto a la época que vivimos actualmente. Un clásico en todo el sentido de la palabra.

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Saludos a mi Lisa Hayes ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas.

Ranma 1/2: la serie que marco una época a finales de los noventas.

El mes pasado se cumplieron 18 años de la primera emisión que tuvo Ranma 1/2 en México, justamente los primeros días del añejo 1998. En aquel entonces, formó un equipo extraordinario con series como Robots Ninja o Dragon Ball Z, siendo la serie que remataba un horario estelar que iba de 7 a 9 de la noche. Aunque Robotech inició el boom del anime adaptado, aunque Saint Seiya fue quien lo comenzó todo, aunque Dragon Ball y Sailor Moon fueron las series que lo afianzaron, Ranma se convirtió en cambio, en la serie que conquistó a una generación muy joven en aquel entonces.

Las antes mencionadas habían sido las "caricaturas" para muchos, pero Ranma 1/2 fue el "primer" anime en forma, ya que la censura comenzó a darse golpes de pecho ante la exhibición de una caricatura que mostraba el cambio de sexo de un joven, con las consiguientes malas explicaciones y lenguas al respecto. También fue de las primeras que muchos que no tenían ni idea de anime, comenzaron a interesarse en este mundillo, aunque sea para ver las tonterías de un maestro pervertido como Happosai. Aunque luego el anime tuvo un retroceso en la TV abierta, ya para los canales de paga fue otra cuestión y el movimiento, como una ola, no podía ser detenido.

Y aunque Ranma ya tiene casi 13 años sin volverse a ver, los cinco años que estuvo al aire, le permitieron granjearse un montón de fans que aun hoy le recuerda con cariño y que han permitido alimentar a nuevas generaciones, gracias a los fansubs improvisados y a doblajes que se hicieron de películas y OVAS que solo tuvieron una venta limitada dentro del país, aunque lamentablemente sin el sabor de la serie original (tanto en historia como doblaje, ya que la animación era estupenda). Por ello, la siguiente entrada va dedicada a esta magnífica serie que sigue coleccionando adeptos hoy en día. A diferencia de otras entradas, donde empiezo hablando de una serie de manera general y luego me voy a la parte "intimista", acá lo haré al revés. No solo por comodidad, sino para entender el contexto de porque Ranma 1/2, sigue siendo una de mis series favoritas hasta la fecha.


Ranma ½ (らんま½ Ranma Nibun-no-Ichi?, pronunciado Ranma un-medio) es una serie de manga escrita e ilustrada por la mangaka Rumiko Takahashi. Fue publicado originalmente en el Canal 4 de Repretel desde septiembre de 1987 hasta marzo de 1996, organizada en 38 volúmenes tankōbon. La historia gira en torno a Ranma Saotome, un joven de 16 años que fue entrenado en las artes marciales desde que era pequeño. Como consecuencia de un accidente durante uno de sus entrenamientos, Ranma sufre de una maldición que le obliga convertirse en mujer cada vez que tiene contacto con el agua fría, mientras que el contacto con el agua caliente revierte dicho efecto convirtiéndolo nuevamente en chico. Durante la serie, Ranma intenta librarse de su maldición, mientras que debe lidiar con su compromiso de matrimonio con la adolescente Akane Tendo, que fue pactado varios años antes por los padres de ambos jóvenes.

El manga fue adaptado a dos series animadas producidas por Kitty Films: Ranma ½ y Ranma ½ Nettōhen (らんま½ 熱闘編?), ambas fueron transmitidas en Fuji Television desde 1989 hasta 1992.


Lo del tremendo impacto que tuvo Tv Azteca con Saint Seiya a principios de los noventas, Televisa trato de contraatacar, sacando dos series que también fueron un hitazo: Dragon Ball y Captain Tsubasa (Supercampeones). Sin embargo, estas dos últimas dieron sus últimos coletazos en el 2005 y para colmo, el estreno de los nuevos episodios de Dragon Ball llegaron tardíamente en 1996, cuando Tv Azteca ya había sacado Sailor Moon y Guerreras Mágicas. Lógico, tenía que llegar un año que tuviese un menor impacto y este fue 1997.

Recuerdo perfectamente dicho año, ya que que fue cuando entré a la universidad. Las cosas cambiaron brutalmente, como ya he comentado antes, y pase de vivir en casa y tener señal de cable, a estar solo y depender de la antena de conejo. Aun cuando Dragon Ball Z se estrenaba, los animes en Tv Azteca ya comenzaban a dar su último coletazo (Sailor Moon S) y Captain Tsubasa J. Debo decir que ese año termino de manera abrupta, más a nivel personal, cuando probé las mieles de un nivel académico muy superior al que tenía en la preparatoria. Por suerte, no sé como salí de esa situación y en lugar de pasar mis vacaciones estudiando (como comprobaría un año después), logré estar en casa y pasar navidad con mi familia.

Un viejo comercial de Ranma en canal 5.

También como he comentado en otras entradas, los especiales de "Nochebuena" de canal 5 estaban improvisando una nueva programación y no sé quien fue el listillo de la cadena que decidió hacer un estreno de última hora, que inclusive anunciaron de manera repetida ese día. Por suerte, mi hermano y yo estabamos pendiente de la programación, así que pudimos darnos cuenta. Sí, era Ranma 1/2.
Sin embargo, cuando se estreno a las 8:30 pm ese 25 de diciembre de 1997, ambos nos dimos un chasco. Y es que la serie se salía "totalmente" de los parámetros antes establecidos.

Primero, la serie se enfocaba en un transexual: un sujeto que cambiaba de sexo cuando le caía agua fría o caliente. Luego, tenía un montón de chicas tras sus huesos. Aparte, un maestro pervertido que le encantaba la ropa interior y técnicas marciales que caían en lo bizarro. Y es que el primer episodio que nos pasaron fue ese donde una chica aparece en el dojo Tendo (para variar) y reclama que su padre hizo un trato con Genma Saotome (para variar) para que ella se casara con su hijo, el transexual de Ranma (término que se hizo muy común en aquellos años). Claro, Akane tenía que refrendar su matrimonio arreglado luchando con ella en una carrera para entregar fideos. Para cuando se estaba la competencia, mi hermano y un servidor no sabíamos sí reír o llorar. El episodio era chusco a morir, pero se burlaba de todo y los mátices sexuales estaban tan en lo alto, que cuando acabo, solo nos quedamos viendo y dijimos "esto no lo van a dejar pasar". Y efectivamente, eso paso. Ranma ya no se emitió posteriormente y parece que quedo en el olvido.

Como varios de mis compañeros y amigos de mi hermano eran también seguidores del anime, preguntamos que que les había parecido la serie. Resulta que nadie se enteró o ninguno la vio. Lógico, siendo un 25 de diciembre en la noche, la mayoría estaban crudos o descansando en casa, sin prender la televisión. Así que técnicamente mi hermano y yo fuimos de los pocos que disfrutamos ese estreno adelantado. Curiosamente, debido a la naturaleza del episodio, NO lo grabe. Hubiese sido épico tener ese primer capítulo, pero como dije, la temática del mismo chocaba con mis principios de aquel entonces. Era un joven católico y educado de manera muy familiar. Ver todo eso de lado, me parecía demasiado impactante. Por supuesto, hoy en día me tildaran de mojigato, pero también eran mediados de los noventas y aun el caldo no estaba para las albóndigas (creo que se dice así, jeje). Pero las cosas cambiarán unas semanas después, cuando Canal 5 ahora sí declaro el estreno de una de las series más populares de Japón. Sí, volvía Ranma 1/2 a las pantallas y con horario estelar: a las 8 de la noche, justo luego de Robots Ninja y de Dragon Ball Z, que también tenía episodios nuevos.

¿En serio Ranma 1/2 era una serie popular en Japón? Por supuesto, aunque lo había sido 10 años antes. Aquí es donde hacemos un paréntesis y nos enfocamos en el trayecto de la serie en su país natal.

La serie originalmente nació de la mano de la talentosa y brutal Rumiko Takahashi, que inició sus pininos a finales de los setentas, cuando dibujo dos series que le crearon fama y le ayudaron a planificar el argumento de Ranma: Urusei Yatsura y Maison Ikkoku. Ambas, publicadas por la editorial Shogakukan, terminaron su emisión en 1987. Sin embargo, fiel a su costumbre, la autora no se dedico a descansar, sino comenzó con una nueva obra, y esta fue Ranma, que no solo le ayudo a afianzar su talento y fama, sino le dio internacionalización. La obra se extendió por 38 volúmenes y termino en 1996, con un emotivo final que en su momento dió la vuelta al mundo.

El impacto de la serie, provoco que el estudio Deen en 1989 decidiese lanzar una serie de animación que abarco 161 episodios y que termino de manera abrupta en 1992. Sí, para nosotros nos resultara curioso que una serie que fue famosísima en aquellos años, que ayudo a lanzar a la fama a muchos seiyuus (Como Kappei Yamaguchi, Megumi Hayashibara o Noriko Hidaka) y que puso un estándar de animación tan alto, fuese desechada así como así, terminase solo adaptando los primeros 27 tankobous del manga. Sin embargo, para quienes viven en Japón, no fue tan impactante. La razón es que la serie fue perdiendo popularidad respecto al manga y al final, tuvo que ser cortada, alcanzando a adaptar el tramo del manga donde Ranma conoce a su madre. Inclusive, la serie de animación tuvo un inicio muy abrupto y extraño. El estudio Deen quiso adaptar los primeros arcos del manga y sacaron 18 episodios. Sin embargo, fue cancelada por la baja audiencia. No obstante, los creadores no se dejaron vencer y cambiando la animación como diseño, así inclusive personajes como arcos argumentales, sacaron la versión "Nettohen", que sí resultó exitosa. Esto hay que tomar en cuenta, porque algo parecido tuvimos en México y que comentare más adelante. 

Posteriormente, se crearon OVAS y películas que mejoraban el diseño y animación de los personajes, pero nada más. Sin embargo, Ranma tuvo un segundo aire en EUA y gracias a la editorial Viz, no solo comenzaron a sacar el manga (aunque lamentablemente censurado), sino también el anime, con actores que igualmente se hicieron famosos entre los fans norteamericanos. Tal vez esto motivo que la serie finalmente cayese en México, como relataremos a continuación.

La serie fue un hitazo enorme en todo el país. No había quien no la comentara o hablara de ella. Sin embargo, también ocasiono que los padres de familia se volviesen locos y muchos compañeros de universidad de repente ya no podían verla con libertad (algo normal en aquellos años), sin temor a ser criticados abiertamente o censurados. Sin embargo, esto solo provoco que el anime se hiciera mucho más famoso y conocido por todos. Aparte, Canal 5 no llego a modificar su horario substancialmente, sí acaso ponerla más tarde o temprano, pero hasta allí. Lo que sí hubo, fue un desbarajuste tremendo con los episodios emitidos y su doblaje.

Se nota la diferencia de calidad entre la saga original y la Nettohen.

Primero, la serie no empezó con la original, los famosos 18 episodios que fracasaron, sino con precisamente, el primer capítulo de la serie Nettohen, que es el que pusieron en Navidad de 1997. Curiosamente, esta saga comenzaba con un opening muy ritmico y divertido, pero que fue censurado posteriormente. Sí, hablamos de "A Little Date" (de Ribbon). Y es que los primeros segundos, se mostraban escenas del manga que no eran muy para niños, como un desnudo de Ranma chica estando en la bañera. El opening integro apareció solo dos veces y luego ya esos segundos fueron recortados. El anime también comenzó con un doblaje estupendo, que estuvo a cargo de Rocio Padro y de la casa Audiomaster 3000, que entonces era el estudio de doblaje de Televisa. Las voces en su gran extensión se respetaron siempre, salvo con un curioso ejemplo: Ryoga Hibiki. Y es que el personaje llego a tener hasta tres voces distintas.

Benjamin Rivera fue la primera voz de Ryoga. Sin embargo, como se doblaron los primeros capítulos del Nettohen, este actor solo pudo estar en parte de él. Luego Humberto Ramírez tomo su lugar por cuestión vacacional, pero justo cuando doblaron los primeros 18 episodios, por diferencias con el sindicato que trabajaba para Audiomaster, Gerardo del Valle entró al quite y se quedo con el personaje. Otro personaje que también tuvo cambio de doblador, fue Nabiki, que empezó con Martha Ceceña y luego con Ana María Grey (lo cual me agrado bastante). Esto detalla perfectamente la emisión de los episodios, al menos en su primera tanda y es que primero se emitieron como cuarenta y tantos de la saga Nettoten y luego pasaron los 18 de la original, lo cual provoco un lío enorme en su momento. Otra parte que también tuvo un cambio brutal, fue la emisión de los openings y endings originales. Al principio se escuchaban todos sin problemas, pero luego pusieron el primer opening y ending doblados (por María de Jesús Teheran, alias Jade) y esos se quedaron definitivamente. Personalmente, esto siempre me pareció horrendo y le termino quitando algo de punch a la serie.

El anime se emitió por alrededor de 4 meses, solo en su primera tanda de 80 episodios, esto entre enero y abril de 1998. Ranma se repitió en al menos dos ocasiones más, por lo cual, ya para principios de 1999, pudimos disfrutar los restantes 81 episodios, llegando a finalizar la serie para el verano del 99. La serie se repitió de manera íntegra por ocho meses, hasta principios del 2000, cuando fue cortada de manera abrupta (y siendo sustituida por Dragon Ball GT). Sin embargo, canal 5 quiso reponerla para finales del 2001, cuando la incluyo en un bloque con Robotech, pero solo se emitió parte de la temporada y ya para principios del 2002, no volvió a aparecer, al menos en la Tv abierta en México.

Para aquel entonces, Ranma ya había formado una legión de fans que adoraban la serie (entre ellos, un servidor, a tal grado que mi primer nick aun continua vigente hasta la fecha: Ryoga). Esto provoco que se sacara un montón de mercancía relacionada con la serie: CD de música, llaveros, mantas, posters, imágenes impresas, etc. etc. Inclusive, Editorial Toukan trato de capitalizar el éxito de Ranma, al emitir el manga en formato fascículo entre 1998 y 1999. Lamentablemente, la censura y calidad del manga fue tal, que pronto salió de circulación. Curiosamente, Ranma hubiese caído en el olvido, sino fuese por Inuyasha. Esta serie, también creación de Rumiko Takahashi, hizo su aparición en Cartoon Network en otoño del 2002 y como se tenía aun fresco el recuerdo de Ranma, muchos llegaron a compararla en su momento.

Ahora, a nivel personal, Ranma vino en una época bastante durilla para un servidor.

El anime llego a ser un bálsamo para muchos problemas que pase. Esa combinación de comedia, romance y acción era espectacular, rompiendo con el molde de series previamente vistas, como Captain Tsubasa o el mismo Dragon Ball, que a veces se tomaban demasiado en serie. Ranma jamás paso por eso y la serie tenía una dosis de parodia altísimo, pero sin perder la consistencia entre sus personajes o inclusive la misma historia. Sentó un precedente que lamentablemente, muchas series no lograron continuar. Aparte de que creo un fandom monstruoso que se fundamentaba de manera coherente (lo cual se manifesto en fanfics o en dibujos de altísima calidad para aquellos años) en personajes que eran carismáticos y aparte se veían bien en el diseño. Claro, la disfrute muchísimo, pero debo decir que también me hice amarguras por mi mismo.

La relación de Akane y Ryoga ejemplificaba mi frustración en aquellos años

Aunque a nivel académico, las cosas iban mejor (pese a tener un bache en el invierno de 1998), a cuestión personal, era todo un despapaye. Comencé a salir con una chica en aquellos meses que la serie estaba por su segunda repetición. Por suerte, ambos eramos fans de la misma y fue gracias a esta sútil influencia, que tomé el nick de Ryoga. Sin embargo, cuando dos personas bastante inmaduras se toman en serio una serie, puede provocar problemas. Y así fue como sucedió. Aun cuando he mejorado mi perspectiva de la vida, entonces era tan depresivo y zopenco como el alter ego de P-chan, lo cual hizo que el personaje me cayera a perlas. Llegué a odiar autenticamente al personaje de Ranma (que por suerte, luego hice las paces cuando comencé a madurar en ese rubro. Irónicamente, años después, mi suerte sería como la de él, jeje) por todo lo que representaba y por ello, aunque la serie me sacaba siempre una carcajada, un ligero sabor amargo quedaba al último.

Creo que esta conjunción de cosas, creo tal depresión en aquellos años, que me impuso a hacer el Rugido de León...erh, digo a escribir fanfics. Esto al fin al cabo me ayudo a focalizar mi tristeza y decepción de aquellos años, para no terminar como un emo barato de tianguis. Aparte, otra gran adición a aquellos años, fue mi comadre. Sep, gracias a Ranma, los dos nos hicimos grandes amigos (lo cual continua hasta la fecha), ya que no parábamos de comentar de la susodicha serie. Por suerte, cuando salió la segunda tanda de episodios, ya la pude disfrutar como Dios manda y pase muy buenos momentos en aquel 1999, no solo por el estreno de la nueva saga de Starwars, sino porque varios animes volvieron a la carga, de una manera u otra (como Yat, Escaflowne, B´t X o Doremi). Lamentablemente, cuando Ranma se acabo, pareció marcar un final en muchos sentidos, ya que esta fue de las últimas series de anime con este calibre que pasaron en Tv abierta. De allí, la cosa comenzó a ir a menor tenor, al grado de desaparecer totalmente de la órbita.

Por suerte, para el 2001, comenzaron a vender en tiendas departamentales dos películas de Ranma, que por entonces, logré adquirir fácilmente. Estas eran distribuidas por Tycoon y el doblaje, bueno, se supone fue hecho por Intertrack, en Cuernavaca. Sin embargo, el bajo presupuesto que tuvo las mismas, provoco que muchos actores de doblaje de la original no volviesen a retomar sus papeles. Así que escuchar las voces de Patricia Acevedo como Akane o de Luis Daniel Ramírez como Ranma, era harto curioso. Por suerte, actores como Benjamin Rivera retomaron su papel u otros se mantuvieron en los mismos, como Gaby Willert. Sin embargo, esto significaría ya el fin definitivo de la serie.

Como dato curioso, gracias a la Internet naciente de aquellos años, me tocó leer un artículo curioso sobre el final del manga, esto para 1998. Los blogs no existían, menos las páginas como ahora, pero alguien se le ocurrió poner en un foro (algo ya novedoso para la época), sobre el final y como Akane se veía con su vestido de novia (al grado que el diseño fue replicado por muchas novias en aquellos años). Por supuesto, en aquel entonces no sabía del alcance de la serie (la cual apenas tenía unos episodios emitidos en el país), pero ahora en día, para muchos debió ser un shock de harta importancia.

También gracias al anime, fue cuando comencé a agarrarle gusto a la música en japonés. Debido a la curiosidad que me causaba la serie, luego de que fueron sustituidos por el opening y ending doblado, así investigue en la red el resto de las canciones, que me parecía formidables y que he hablado bastante en este blog de las susodichas (como "A little date" o "Under the Rainbow"). Aparte de que creo un grupo tan emblemático como "Doco" y que también he tenido el gusto de comentar.

Al final, una de las mejores parejas del anime

En conclusión, "Ranma 1/2" fue una serie que sentó historia en los fans y que aun hoy en día, se sigue recordando de una manera u otra. Con una animación que superaba a la época en que fue hecha, con una historia de primera e inclusive con unos "fillers" de gran calidad, es lógico que fuese un hit en su momento. Aunque el anime se replico en otras latitudes, fue el empuje que tuvo en México, que la hizo ser histórica en muchos sentidos. Vinieron otras, pero ninguna como esta. Pero eso, es otra historia, como diría la Tía Chona.

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Saludos a mi esposa (mi propia Akane jeje), así a Ukyo (comadre!), así a quienes gustaban de esta emblemática serie.