Doctor Who: fenomenal inicio de la novena temporada

Volvemos a otra de esas entradas sobre nuestro Doctor favorito, sí, Doctor Who, que justo como muchas series de esta temporada, iniciaron su aventura a mediados de septiembre del presente. De antemano, esta ya tiene novedades, ya que Jenna Coleman ha anunciado su retiro de la serie, tan pronto acabe esta "season", lo cual implica que habrá un gran evento para final de la misma, aunque no era nada sopresivo, ya que lo poco que he podido ver de la octava, marca diferencias entre la companion y el nuevo Doctor, no tanto por sus personalidades, sino por lo que ha marcado a los amigos y compañeros del protagonista, que es un repentino cambio en sus vidas lo cual ha terminado por afectarlas de manera irreversible en muchos casos.

Claro, ahora la sorpresa será ver quien es la nueva o el nuevo compañero del Doctor y de por sí, ya vimos cambios importantes (los cuales comentare a continuación), cosa que ya empezo con la nueva forma de El Amo, donde Missy se ha destacado como un estupendo archirrival del Doctor y que repeti nuevamente en este inicio de temporada. Por lo tanto, sin más espera, vamos a ver como fueron estos dos primeros episodios de Doctor Who, para su novena "Season".


Antecedentes: The Magician's Apprentice y The Witch's Familiar, fueron emitidos el 19 y 26 de septiembre del 2015, respectivamente. Ambos episodios fueron obra del ahora productor de la serie, Steven Moffat. Como protagonistas, estuvieron Peter Capaldi, como el Doceavo Doctor, Jenna Coleman como Clara Oswald, su companion, así Michelle Gomez como "Missy" (la actual reencarnación del Amo) y la aparición de Davros, tanto en su forma madura como cuando era niño.

El episodio tuvo excelentes críticas entre la prensa especializada y los fans. Sin embargo, a nivel audiencia, los números de espectadores fueron bastante bajos para el inicio de una temporada. Sin embargo, algunos especulan que fue debido a que en esos horarios, estaba siendo emitido el Mundial de Rugby. La que se llevo la mejor parte, fue Michelle Gomez, que fue alabada por su interpretación del Amo.

Argumento: en un planeta desconocido, un niño se ve amenazado por una serie de "manos-bomba", una suerte de artilugio que cuando te pescan, te succionan y matan. Es cuando aparece el Doctor dispuesto a salvarlo y por ello, le lanza el destornillador sónico. Sin embargo, al momento de ir por él, el chamaco le dice que se llama Davros (el creador de los Daleks), lo cual hace que el Doctor termine huyendo del lugar. 
En el presente, Clara mientras da su clase, ve que varios aviones se han paralizado en el cielo y es cuando con ayuda de UNIT, que son los Hombres de Negro de la serie, es cuando localizan a la fuente de tal ataque: Missy. Está con ayuda de Clara, finalmente ubican al Doctor, el cual para variar, está algo trastornado, y es que un guardaespaldas de Davros lo ha estado buscando, ya que este está por morir. El Doctor finalmente decide confrontarlo, lleno de culpa por lo sucedido en el pasado.

Comentario: Los episodios de Doctor Who siguen dos líneas muy diferenciadas. Una se enfoca en los capítulos que uno puede ver sin tener toda la vasta mitología del Doctor como contexto y otros que a fuerzas necesitas tener un poco de continuidad. Por suerte, los primeros abundan de sobremanera y por ello, es fácil ver o engancharse con esta serie en cualquier punto.

El problema viene con los que tienen cierta continuidad o manejan personajes ya previamente explicados o reseñados. Por ello, cuando comence a ver el primer capítulo, no me genero un impacto y tampoco supe porque el Doctor puso una cara de horror cuando el niño le dijo que era Davros. Allí tuve que parar el capítulo y ponerme a ver quien diablos era el susodicho. Y ni más ni menos que el creador de los Daleks, los primeros y más mortíferos enemigos del protagonista. Esto me genero dejar el episodio por un buen rato enlatado (al menos un mes). Técnicamente no me gusta ver capítulos de esta manera, ya que tiendo a perderme mucho y quiero disfrutarlo como Dios manda.

Sin embargo, el aumento de tiempo libre genero que me pusiera a verlo ya con resignación. Y vaya que valió la pena. Aunque si se necesita cierto contexto, como saber quien es Davros, UNIT y claro, saber de Missy, la actual reencarnación del Amo, el capítulo nos lleva directamente a la acción: El Doctor esta perdido, al grado que Missy no lo haya. Por ello, necesita la ayuda de Clara, ya que aunque regañadientes, sabe que la companion podra ubicarlo por su mejor capacidad empática.

Esta unión entre Missy y Clara es dinamita pura. Su interacción es formidable y aunque sea muy radical, es como ver a dos ex novias discutir sobre quien conoce mejor al galan de turno. Esa química tan repelente, tan chocante hizo que los primeros 20 minutos del capítulo fueron formidables. Claro, muchos alabaron la actuación de Michelle Gomez, pero Coleman tampoco lo hace mal y es que su personaje es tan estoico que sabe como pararle los pies a la otra sin contemplaciones.

Pero lo mejor viene con Peter Capaldi, que de repente me recuerda a House, ya que cuando lo encuentran las damas, anda rockeando en plena época medieval. Allí es, donde luego de ver un prologo donde vemos que Davros, el creador de los Daleks, lo anda buscando. Por este, podemos ver porque el Doctor no quiere confrontarlo y es que se siente culpable por haberlo abandonado. Finalmente, los tres deciden ir con el villano, que supuestamente esta muriendo. Este confrontamiento, más dialéctico que nada, es de lo mejor de ambos episodios, ya que Davros y el Doctor se van contestando no solo paradigmas que tienen uno del otro, sino como ven la vida en general.

A la par de esta línea, vemos como Missy y Clara se meten en líos, donde obviamente la primera luce más por sus dialogos chispeantes, hasta que supuestamente mueren, lo cual genera una crisis en el Doctor, dejandonos en un estupendo cliffhanger para el segundo episodio, el cual no decepciona en absoluto (y lo cual orillo a que me descargara en friega el segundo episodio, ya que solo tenía el primero). Pese al drama en que termino el primer capítulo, el segundo empieza de manera hilarante, cuando el Doctor ha sacado a Davros de su silla Dalek y se sube a ella, moviéndose como si estuviese en un hospital amenazando a los Daleks. Puntada genial.

No sé si lo he comentado antes, pero para ver Doctor Who, se requiere algo de paciencia. Y no hablo de la serie en general, sino de cada episodio y es que al principio, el contexto suele ser algo tedioso o muy sencillo, pero conforme pasan los minutos, uno se va enganchando y terminas brincando en el asiento. Ya lo había notado en los otros dos episodios dobles reseñados, como El Pit de Satán o Familia de Sangre. Sin embargo, con este último, el momento de aceleración no llego a su mejor punto y por eso me pareció un poco flojo. En cambio, este doble episodio me recordó más al primer mencionado y ya para mediados del segundo episodio, el dialogo dialéctico entre el villano y el protagonista se acaba, dejando un momento donde parece que el primero ha ganado.

Sí, por un momento creí que Davros tenía algo de bueno (lo cual uno se engaña cuando ve al chiquelo inocente que lo hace de joven), pero en realidad es una artimaña para reforzar a los Daleks con la energía de la regeneración de los Señores del Tiempo. Sin embargo, el Doctor también hace una contra maniobra estupenda, al usar su energía para también reanimar a los Daleks viejos.

Aquí entramos en un momento que enriquece enormemente el universo de Doctor Who, gracias a Missy y Clara, que han logrado sobrevivir. Para lograr entrar, esta última toma el cuerpo de un Dalek y allí Missy hace un divertido, educativo pero crudo ejemplo de como funcionan los Daleks. Esto termina por mostrar muchas de las características de los mismos, pero también a la par, juega con una línea argumental muy interesante, no explícita y es sobre el sentimiento de la compasión. Esta parte, me pareció de lo mejor de ambos episodios y que no solo enriquece a los villanos, sino al mismo protagonista, al grado que aunque hace algo predecible el final, en realidad  termine muy satisfecho. Por cierto, hay una escena bastante tramposa que en realidad ejemplifica bien como es este Doctor: tal vez sus acciones sean groseras o malvadas, pero tienen un punto de bondad bastante patente.

Sin embargo, no todo es perfección. Como sucede en algunos episodios de la serie, varias líneas argumentales se abren, pero no todas terminan de buena manera o se dejan a medias. Una de ellas, fue que Missy empezó como un personaje potentísimo, pero va perdiendo presencia y carisma conforme el Doctor se va imponiendo. Y es que Davros ya ha robado parte del papel que le debía tocar, por ello que es normal que la trama se incline hacia uno de los personajes carismáticos, en este caso, el Doctor. Pero eso provoque Missy se perdiese al grado que su destino es incierto al final de la historia (aunque es obvio sabemos que sobrevivió).

Ahora, vamos con uno de los cambios más potentes de estos dos episodios: el destornillador sónico. Sí, el aparato emblema del Doctor se ha ido literalmente y ahora resulta que lo sustituido por unas gafas que cumplen con la misma función. Definitivamente, este punto me saco de onda y aunque sí, unas gafas son más actuales (y claro, no rompen los bolsillos de la chaqueta), creo que no tardaran en volver con el destornillador. Sin embargo, me pareció una puntada muy original. Falta que cuadre.

En conclusión, este episodio doble me pareció estupendo y una forma muy potente de iniciar la novena temporada. Podría decir que inclusive me gusto más cuando Matt Smith inauguro la sexta temporada y al nivel del inicio de la segunda, cuando David Tennant hace de las suyas (las cuales espero reseñar pronto). Sin embargo, como son episodios continuistas, no son recomendables para neofitos. No tanto porque se expliquen cosas a morir, sino porque es necesario un contexto para agarrarle cariño a ciertas cosas que cambian, como el destornillador sónico.

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Saludos a mi companion ^^, así a quienes gustan de Doctor Who.

Mad Max Fury Road: hitazo de George Miller

¿Por qué demonios no fui a ver Mad Max 4 o Fury Road en mayo de este año como Dios manda? Puedo alegar mil y un razones, pero hay una muy sencilla y es que la visión de la misma no era apta para mi esposa. Sí, soy un mandilón en cierta manera, pero es que tampoco me apetece ir al cine solo. Ya es una harta costumbre desde que eramos novios, que mi mujer y un servidor nos chutemos cuanta película haya frente a nosotros. Claro, la opción es ver una suya y otra mía (que pese a tener gustos parecidos, en el cine somos diametralmente opuestos).

Sin embargo, debido a ciertas cuestiones muy personales, mi mujer ya no tiene el gusto de ver acción pura y dura, con sangre y violencia de a gratis. Claro, para los que vieron esta película, dirán que su "gore" es infinitamente más leve que otras producciones, pero aun así, el contexto hace que no sea apta para todo público. Por consecuencia, me tuve que esperar hasta fechas recientes, para ver la versión casera. De antemano, esto me provoca una reacción con cierto handicap, ya que muchos recomendaban verla en el cine para disfrutarla en todo su esplendor. Pero también caigo en cuenta que me aleje del fanatismo que invadió a los espacios especializados y que la catalogaban como una de las mejores películas de la década.

No niego que es buena y mucho, pero también debo decir que quien conoce el concepto de "Mad Max", lo único que hizo su creador, George Miller, fue hacerle un buen lavado de cara a la versión original y presentarnos un producto más a doc a nuestros tiempos, lo cual también tiene mérito, pero hasta allí. Ahora vamos a ver porque Mad Max Fury Road me pareció estupenda, pero no una genialidad como tantos fans dicen.

Antecedentes: Mad Max es considerada la obra magna de George Miller, la cual tuvo sus inicios en 1979, con un filme de medio pelo de origen australiano. Sin embargo, las ganancias que obutvo la primera película, hicieron posible que Miller se convirtiese en director de culto, lanzo al estrellato a Mel Gibson e hizo posible dos secuelas, donde la segunda fue un éxito igual que la primera, mientras la tercera, debido a los problemas que tuvo el director para rodarla, otro salió al quite, no con los mismos resultados. Aun así, Mad Max sentó un precedente importante, al ser de las primeras películas de estética cyberpunk, un género que se haría harto popular a principios de los ochentas y que tendría su cumbre con películas como Blade Runner o el libro, el Neuromante de William Gibson, así la película de animación, Akira de Katsuhiro Otomo.

Lamentablemente, la realización de una cuarta película se vió envuelta en una serie de situaciones harto raras y extrañas, propias del negocio. Warner Bros llego a tener los derechos de la franquicia, hasta mediados de los noventas, cuando Miller logró recuperarlos y plantearse filmar un nuevo filme por su cuenta. Sin embargo, es curioso que cada vez que parecía iniciar el proyecto algo sucedía, como crisis económicas, el atentado de las Torres Gemelas, así como problemas propios de presupuesto. Inclusive, hubo un encontronazo con Mel Gibson, ya que aunque este deseaba volver a ser Mad Max, Miller ya se había decantado por un personaje más joven. Inclusive en su momento, Heath Ledger estuvo nominado a ser el protagonista, pero su temprana muerte arruinó dicho chance.

Fue hasta finales de la década pasada, cuando el director al fin tuvo el dinero y el estudio para donde realizar dicho filme, así las locaciones, las cuales serían en Túnez, Namibia, Azerbaiyán y el famoso desierto de Atacama en Chile. Charlize Theron fue la primera estrella en incorporarse al filme, esto en el 2009, lo cual hizo pensar que Mad Max ahora sería una mujer. Sin embargo, Tom Hardy firmo para ser dicho protagonista en el 2010. La fotografía principal se hizo en el 2012 y parte del 2013. El rodaje no estuvo exento de broncas, tanto con los países donde se filmaron como por el retiro temprano del director de fotografía, John Seale. Finalmente, Miller termino la película y en postproducción, se decidió la fecha de salida para mayo del 2015, cosechando un rotundo éxito entre la crítica y el público, aunque extrañamente, no recaudo tanto como se esperaba en un momento.

Argumento: en un futuro, la humanidad ha sufrido una hecatombe de tipo post apocalíptica y el mundo ahora es un paraje desolado, tipo desierto. Las personas supervivientes se han agrupado en clanes o grupos que tienen una idiosincracia en común: los vehiculos de motor. En una de las ciudadelas, uno de sus líderes, el Inmortal Joe ha decidido llevar sus productos, que son leche materna y agua, como combustible, a otras ciudades para a la par intercambiar materias primas. Los hombres que pueblan el lugar, son los War boys, una suerte de hijos con defectos genéticos, debido a la procreación entre familiares. Estos para mantenerse sanos, necesitan capturar humanos con sangre compatible. Uno de los capturados, es un misterioso sujeto (Tom Hardy) que luego ayudará de manera indirecta a Emperatriz Furiosa, una de las esbirras del Inmortal Joe y que ha decidido rebelarse a su mandato, huyendo con las esposas del susodicho.

Historia: Hay tres rubros para valorar el argumento de esta película. Empecemos por la originalidad, que es el más débil, pero que también mucha gente ha sobreestimado (y creo en demasiado). No he parado de escuchar críticas favorables a esta película, diciendo que Miller casi reinvento el cyberpunk. Error, él técnicamente lo creo hace más de 30 años y simplemente hizo un gran movimiento, al rejuvenecerlo, darle un lavado de cara y ponerle una puesta a punto bastante buena. Aquí es donde nos cruzamos con la narrativa de la historia, que es uno de sus puntos más altos, ya que Miller es el guionista, logró darnos un contexto del mundo en que vive Mad Max y sus protagonistas, solo con acciones y no en dedicarse a que un personaje hable por más de 5 minutos, explicando que rayos paso. No, acá mediante dialogos efectivos y rápidos, nos damos cuenta de que paso con la humanidad y porque la mayoría viven hacinados, dependiendo de un tirano para tener agua y comida. El lavado de cara más notable, es que Miller recalcaba la importancia de la gasolina en sus primera 3 películas, pero acá lo deja como elemento secundario, ya que aunque es vital, en realidad lo valioso es el agua (como la leche materna). Con estos recursos, el villano de turno, Inmortal Joe, ha logrado dominar una gran zona y tener contentos a sus War boys, una suerte de hijos genéticamente dañados por la procreación restrictiva. Para sobrevivir, cada quien debe tener una bolsa de sangre, un sujeto del cual sacarle el precioso líquido para seguir vivos. Estos tres elementos se vuelven los puntos cruciales de la historia y se van repitiendo de manera preciosa en cada uno.
Pese a estos momentos de originalidad y de detalle, la historia es harto sencilla: Furiosa se quiere vengar de su amo y se lleva el camión lleno de agua y gasolina, así con las esposas del villano, para encontrar un lugar donde vivir. El resto de la trama se fundamenta en como uno va a salir vivo y claro, las espectaculares escenas de acción. Sin embargo, la película esta hecha, de tal manera que la acción no suplanta la trama, sino se vuelve parte de ella y es una de las mejores cosas de la película, ya que es como viajar encima de un camión, mientras te van contando que pasa. La cultura mostrada en el filme también es soberbia, sin nada de fluorituras, sino en las actitudes de los personajes.

Personajes: el punto más alto y también más bajo de la historia. El primero corresponde a Furiosa, interpretada por Charlize Theron y el segundo por Tom Hardy. No es que Hardy sea un mal Mad Max, pero definitivamente no tiene el punch de Mel Gibson y se nota en algunos momentos. En cambio, Furiosa se va robando el escenario, no solo porque la actriz lo hace soberbio, sino también porque su personaje esta mucho mejor escrito, teniendo un desarrollo y haciendose complejo conforme avanza la historia. Curiosamente, un War Boy, interpretado por Nicholas Hoult, se vuelve un personaje impresionante en el filme, pasando de ser un adepto total, a dudar de lo que hace y como se llega a redimir, por el cariño que desarrolla hacia una de las esposas del Inmortal Joe. Hablando de este, funge bien como villano, pero hasta allí. Tampoco tiene gran contexto y solamente se le ve como el malo maloso de la historia. El resto, incluyendo las chicas y las ancianas que las protegen, llegan a tener su momento, pero hasta allí. Todo, se va encima de los tres mencionados y se hace de manera estupenda, aunque insisto, Hardy no me parece un bueeen Mad Max.
Por cierto, algunos adoraron al guitarrista, pero, meh, me pareció solo un recurso estético para llamar la atención. 

Vehículos: los grandes protagonistas de la historia y por mucho. Con esto, realmente disfrute muchísimo, ya que la composición que hizo Miller con los coches, fue formidable. El camión principal, el de Furiosa, me pareció genial, pero también hay otros como el del Inmortal Joe, que eran formidables a su manera. En esto no se puede describir en palabras, uno tiene que verlo por sus propios ojos.

Acción: se dice que el director filmó en seco las escenas. Nada de efectos especiales, sino que la cámara seguía a los vehículos y las escenas de acción se filmaban así. Eso ayudo a darle verosímilitud al filme y de repente me recordó a los viejos ochentas, cuando las cosas se hacían lo mejor posible y no tratando de tapar defectos. En este rubro, no puedo quejarme en absoluto, ya que todo estuvo emocionante y diría que eran las mejores partes de la película.

Música: Junkie XL se avienta una banda sonora sumamente potente. Lejos de la orquesta y sinfonía, todo es a base de guitarra, batería y tambores, pero lo hace de manera estupenda, en especia para sincronizar los propios efectos de la batalla con la misma. Allí es donde el guitarrista ciego cumple y con creces su trabajo.

Doblaje: Me ha parecido de los mejores doblajes del año, ya que aunque se nota quienes hacen sus papeles, la forma de cambiar la voz e imprimir la emoción, fue impresionante. Laura Torres como Furiosa estuvo genial, aunque sí me saco un tanto de onda el que hizo a Tom Hardy.

A título personal: Mad Max Fury Road la termine viendo por mi cuenta hace un par de días. Ahora que tengo un tanto más de tiempo libre, decide al fin chutarmela, aunque me la descargue desde hace un par de meses. Sí, ya como comente, no fui al cine a verla y esto por respeto a la sensibilidad de mi esposa. Bien pude haber ido por mi cuenta, pero me aburre ir al cine solo y adoro la replica que hace mi mujer cuando vemos una película, eso la hace más disfrutable. Claro, me perdí de disfrutarla en pantalla grande y con las bocinas a todo volumen, porque sí de por sí aquí mis bocinas de PC casi tronaron, no me imagino en un complejo como Dios manda. Sin embargo, me ayudo a llegar conclusiones un tanto más desapasionadas.

Primero, George Miller sí hizo un peliculón. No solo por reinventar una saga que bien hoy en día cualquiera podría tomar por su cuenta, pero que el director supo como lavarle la cara y mostrarnos algo mucho más contundente, sino también por dotar al filme de velocidad, ritmo, contexto y emoción a cada momento. Inclusive los instantes donde los protagonistas se detienen a descansar, siempre hay algo por lo cual ver o interesarse. Sin miedo a exagerar, diría que es de las mejores películas del año.

Sin embargo, no es perfecta. No porque no sea potente, sino porque al fin al cabo, la médula o axis del filme bebe directamente de los tres primeros filmes. Técnicamente no hay nada original, más cuando uno se ha chutado las viejas de Mad Max (errante solitario con buenos detalles en el fondo, medio traumado y que ayuda a personas a salir adelante). Por eso, me desespera escuchar gente que pone esta película como algo formidable, algo original, algo jamás visto. Para nada. Miller hizo una puesta a punto soberbia y le salió genial. Lamentablemente, también mostró que el espectador promedio es algo idiota y que por eso los estudios no han cambiado su formula en los últimos años. Por esto, y pese a estar bien hecha, la película no recaudo tanto y se quedo realmente corta, llegando a recaudar apenas menos de 400 millones de dolares.

Lamentablemente, esto muestra que sí te apegas a películas mucho más simples y nostalgicas (como Jurassic World), terminas triunfando. Y es que es inevitable, porque la película tiene un toque de freak, de nostalgia ochentera pero bien hecha, lo cual puede espantar a muchos espectadores actuales. Por ello, los sitios especializados la ponen muy alta y estoy de acuerdo. El problema es que también he escuchado otras cosas que ni al caso.

Sí me agrado este hombre, pero hasta allí.

En conclusión, "Mad Max Fury Road" es una buenísima película de George Miller, más no excelente. La falta de una tramá más construida y de un mejor desarrollo del protagonista, hubiera sido aun mejor. No es que este mal que Furiosa se lleve el protagonismo, pero es obvio que esta detrás de Mad Max y al menos, eso sí me choco un poco al final. Ahora falta ver si se hace una segunda parte, ya que sería interesante ahora sí, ver una trama mucho más compleja. Pero eso sí, es bastante recomendable y debo decir que me divertí muchísimo con ella.

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Saludos a mi mujer :3, así a mi comadre que me la recomendaba a cada rato, como a quienes gustan de este tipo de cine.

ERA: un segundo viaje a sus mejores melodías

La música de ERA fue de las primeras que logre ubicar como parte del movimiento "New Age" que hubo a finales de los noventas. El éxitoso grupo creado por Eric Levi, logró ser uno de los máximos exponentes del movimiento instrumental que lamentablemente termino por tener una fuerte decaída a mediados de la década pasada, aun cuando trataron de sacar versiones mucho más "góticas" o inclusive con reminiscencias de los grandes clásicos.
No obstante, aun hoy en día, ERA sigue siendo de mis favoritos, más a la hora de la nostalgia, ya que cuando comence a escuchar este grupo, estaba en mis inicios de la universidad y lógico, fue una época de revolución a todos niveles. Por ello, escucho varios de sus canciones y no puedo evitar recordar momentos o instantes de aquellos años, tanto buenos como malos. Curiosamente, hace poco tuve una revitalización de este grupo, más con la ayuda de mi esposa, cuando me pregunto del susodicho en una ocasión que estaba escuchando una de sus melodías.

Por ello, me extraña que ahora checando el blog, le haya dedicado apenas una entrada a esta agrupación. Por lo tanto, aquí vamos por una segunda entrada sobre las rolas más representivas, al menos a mi parecer, de ERA.


-Hymne

Esta melodía forma del segundo albúm, llamado ERA 2 y que salió en el año 2000. Luego del singular éxito que tuvo el primero en 1996, Levi repitió triunfo con este disco que llego a ser número 2 en ventas en Francia y la Unión Europea. Aunque Hymne ha aparecido en los recopilatorios, siempre es en segundo lugar, lo cual me extraña, ya que la melodía es sumamente potente y tiene un ritmo asombroso, mezclando las líricas en latín, donde la voz femenina se combina de manera formidable con las masculinas al son de los tambores. Tal vez es de las melodías más "medievales" de la agrupación, inclusive teniendo un cierto aire gregoriano.


-Infanati

Perteneciente también al segundo albúm, ERA 2, curiosamente esta rola  sí tuvo un video dentro de los recopilatorios que salieron, en especial en The Very Best of ERA. La melodía en sí es bastante curiosa pero no puedo evitar ligarla al video, ya que narra las aventuras de una novicia que encuentra un extraño artefacto que la hace viajar a una zona donde es una amazona y pelea con otra en un, ejem, singular duelo. Claro, el video tiene cierto aire profano y hasta digamos en un tono picante, no solo por el atractivo de las chicas, sino por la connotación misma. Fuera de esto, la canción tiene un aire sumamente épico y atractivo, por lo cual no entiendo porque no salió en posteriores albumenes.


-The Mass

La canción emblema y principal del tercer albúm, llamado precisamente "The Mass", el cual comenzó a alejarse un poco de la tónica de las anteriores canciones, que eran de corte religioso o hasta profano, aquí volvemos a los tonos medievales y épicos, que al menos vimos en el primer albúm. Sin embargo, no puedo negar que la rola parece una mezcla de dos éxitos anteriores, Hymne y Divano. Aun así, la instrumentación me parece mucho mejor lograda y hasta por momentos parece contar una historia, la cual se ejemplifica en el video promocional que apareció en el 2003. Lamentablemente, sería la última joya de ERA hasta la fecha.


-Impera

Esta melodía forma parte del primer albúm de ERA y...cuando la escucho, no puedo evitar recordar sobre todo mis días en la facultad, sobre todo en las guardias hospitalarias. Tal vez era porque para animarme, cuando tenía mi viejo walkman, la cinta tocaba las rolas más aceleradas, pero cuando lo apagaba para tomar una siesta o descansar, justamente llegaba a esta canción, que por su aire pausado te da un sabor agridulce en todos sentidos. Claro, por su instrumentación parecería una rola moderna, pero cuando escuchas los coros en latín, aparte de que se enchina el cuero, no la puedes evitar relacionar con el estilo de la agrupación.


-Madona

No cabe duda de que las mejores rolas de ERA están en sus dos primeros dos discos, salvo por excepciones del tercero bastante buenas. Madona es parte del segundo y fue otro de los grandes éxitos del mismo. A diferencia de otras canciones más movidas, esta empieza y se mantiene de manera tranquila, transmitiendo casi la esencia del título de la misma. Es curioso como el coro masculino suena suave, mientras la vocal femenina es grave, lo cual hace un contraste bastante agradable. Sin embargo, la instrumentación tiene unas partes formidables donde se combina de manera increíble los violínes con las percusiones.

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Saludos a mi princesa :3, así a quienes gustan de este tipo de melodías.

Magic Knight Rayearth RPG: un buen juego del Super Famicon

Aunque ahora considero a Final Fantasy VI como mi RPG favorito de todos los tiempos, el que inició con todo el gusanito fue La Leyenda de Zelda III ("A Link to the Past"), esto en 1995. De allí, he tratado de probar diferentes juegos del género, como Super Mario RPG o Chrono Trigger. Sin embargo, los que más curiosidad me despertaron fueron los juegos inspirados en series de anime. Y hablamos dos en específico: Sailor Moon The Another Story y Magic Knight Rayearth, para Super Famicon.

De Sailor Moon hablare en su momento, ya que merece un análisis por sí solo, justo como el segundo. Aunque en su momento llegaron a ser franquicias rivales en los noventas, esto solamente fue en Norteamerica y fue como una especie de relevo que trato de hacer Tv Azteca en su momento. Sailor Moon se estrenó en nuestro país en marzo de 1996. Guerreras Mágicas hizo su aparición en junio del mismo año. Como ya se dijo, genero cierta rivalidad entre los fans, pero era obvio que las series tenían públicos muy diferentes. Particularmente, consideraba la saga de Naoko Takeuchi como un shoujo más para niñas, mientras que la obra de las CLAMP tenía una buena dosis de épica y shonen.

Sin embargo, sí soy sincero, la popularidad de ambas series se debió más al anime que a sus obras en papel, léase, los mangas. Sailor Moon era un shoujo muy al estilo de los Yuu Watase, con bastante drama. Mientras que Guerreras Mágicas, pese a ser más un RPG, el segundo arco de la historia era muy simple comparado con el anime. Justamente esto fue lo que también hizo que el videojuego de las Guerreras Mágicas, del cual vamos a hablar a continuación, no fuese tan popular.


Magic Knight Rayearth para SNES es un RPG basado en la serie animada de CLAMP, fue producido por Tomy, salio en el periodo del 94 al 95 junto con otros juegos de la franquicia para distintas consolas: Gameboy, Sega Saturn y Game Gear.


¿Cómo es que llegue a conocer este juego? Debido a ciertos eventos un tanto difíciles que mi esposa y un servidor vivimos de recien casados, durante un tiempo me tuve que quedar solo de nueva cuenta y por consiguiente, tenía un montón de tiempo libre. Técnicamente, llegaba del trabajo y luego de hablar con mi esposa por teléfono, el resto de la tarde me la pasaba dando vueltas en la casa. Para no caer presa del aburrimiento, fue cuando me descargue el emulador del snes y así varios juegos. De esta manera me acabe algunos que tenía pendientes, pero sobre todo, me enfoque en encontrar nuevos juegos. Uno de ellos, fue el Another Story de Sailor Moon. Sin embargo, la dificultad del mismo me hizo mandar a volarlo un rato. Y es que no es que lo dejara por imposible, sino cuando tiendo a picarme con un videojuego, puedo pasarme horas hasta acabarlo. Por esto, opte por buscar otro juego del mismo estilo, pero un tanto más sencillo: Magic Knight Rayearth.

Claro, muchos de los expertos que tuvieron en su momento una consola Sega Saturn, se acordaran de dicho juego, pero en realidad hablo de el de la versión de Super Famicon.

Creado por la compañía Tomy (Hoy Takara-Tomy) en 1994, salió a la par que la serie animada. Aunque Tomy es conocida por ser una compañía de juguetes muy famosa en Japón (al grado que sus primeros pinitos fueron precursores de los actuales Transformers), en los noventas se dedicó a diseñar juegos para las diferentes consolas de moda, como la mencionada Super Famicón, la Sega Saturn y otras. Su producción se mantiene hoy en día, siendo los programadores de la saga de Naruto Clash Ninja.

Magic Knight Rayearth es un juego RPG, con un motor muy similar a los juegos de aquel entonces: los tres personajes principales (Hikaru, Umi y Fuu) luego de ser convocadas a Céfiro por la princesa Esmeralda, con la intención de salvar su mundo de las manos de su antiguo subordinado, Zagato. La temática es una revisión de toda la historia del "primer" arco de la historia de manera bastante amena y más desarrollada.

Tal como menciono Fuu en la serie animada, la dinámica del juego consiste en que los personajes deben ganar puntos de experiencia, para aumentar sus habilidades, tanto físicas como mágicas. Los personajes, como buen RPG, son diferentes uno del otro. Hikaru es muy potente en los ataques con espada, mientras Umi tiene una excelente defensa mágica y Fuu es la curadora del grupo. Lamentablemente, el cartucho salió antes de las versiones pre-Final Fantasy VI, donde el poder "optimizar" a tus personajes era lo novedoso. Es decir, en el juego no puedes variar gran cosa los avances de tus protagonistas y por consiguiente, mantienen una uniformidad en toda la historia, la cual desgraciadamente, es bastante sencilla, ya que involucra todo el primer arco, que es la llega de las chicas a Céfiro, la obtención de sus armas, armaduras, los Mashin (Genios) y luego las batallas con Zagato y claro, la princesa Esmeralda, omitiendo por consiguiente, lo sucedido con Autozam, Cizeta y Faren (y que a mi juicio, lo mejorcito de la saga).

Pese a la historia sencilla y el modo de juego aun más sencillo, ya que conseguir experiencia y pelear con los enemigos de turno no es tan difícil, sí tienes el nivel adecuado, el diseño del mismo es bastante "bonito" (los chibis de los personajes son geniales, pero sobre todo, cuando hay cuadros de dialogo, ya que muestran los caras de los personajes tal como se veían en la animación). Y aunque el modo de juego sea como la mayoría de los RPGS, con una pantalla en diagonal y perspectiva desde arriba, teniendo los típicos comandos de ataque, defensa, correr, uso de magia o especial (esto cuando hay un Mashin con nosotros), así de ítems, en ciertos momentos del juego, luego de derrotar o ayudar a los personajes secundarios, podemos usarlos de manera provisional, como Ferio, Ascot, Caldina o Rafaga, siendo bastante útiles debido a sus habilidades especiales (Ascot es muy débil, pero tiene muchas mascotas o amigos que son bastante poderosos. Caldina tiene un alto nivel de magia, mientras Ferio y Rafaga son sumamente potentes con el uso de la espada), dandole mucho más juego a los ataques y estrategias.

Lamentablemente, la progresión del juego es bastante simplona y los mapas que componen a Céfiro son bastante sencillos, los cuales se nota que los programadores no le echaron demasiado coco y es que de repente todo es harto sencillo, aparte de que los escenarios son sin chiste, salvo el último tercio, cuando vamos a la zona volcánica por el último Mashin, Rayearth (irónico) y luego al castillo de Zagato, que eleva por momentos la dificultad, ya que tiene ciertos acertijos para resolver el escenario y sí no lo haces bien, eres presa de enemigos bastante poderosos (eso sí no tienes el nivel adecuado para enfrentarlos). Aunque claro, también pueden ser una fuente de experiencia bastante importante.

La música del juego es bastante botana, ya que pese a que no tiene parecido a la de la serie original, es bastante rítmica y aparte de que no se te hace tediosa, pese a que la puedes escuchar hasta 500 veces, en especial la que se escucha cuando estas ganando experiencia. Los efectos de sonido también son simpáticos y es que digitalizaron las expresiones o gritos de los seiyuus originales, de allí que las diferencias entre cada personaje es bastante notorio, muy en especial cuando sueltan un ataque o reciben daño.

En cuanto a la versión para norteamericana...nunca hubo una. Las que actualmente se consiguen, vía emulador, es debido a trabajos que hicieron los fans para traducir dicho juego y que debo decir, están bastante bien. Inclusive, hay una versión en español que es bastante chafita, ya que parece que los encargados de dicho parche, no alcanzaron a traducirlo y lo hicieron bastante a medias, por lo cual llega a ser bastante confuso.

Aun con esto, MKR es un juego RPG recomendable, para quienes van iniciando en este tipo de cuestiones. Claro, en gráficos y otras cosas está años luz de los actuales, pero es una buena forma de probar los juegos de aquellos años. A mí me gusto bastante y me dió buenas horas de diversión, aparte de que supo un bálsamo para cuando mi esposa volvió (al grado que me regaño un par de veces por estar jugando en lugar de ir a comer). Sin embargo, aun para los jugadores viejunos, les puede resultar un tanto repetitivo, ya que no aporta nada, salvo la temática del mismo, en especial sí han jugado el mucho más valorado, RPG que se hizo para la Sega Saturn.

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Saludos a la dueña de mis quincenas ^^, así a quienes gustan de este tipo de RPG

Cinco "adaptaciones" gringas del anime.

Hace unos días, mientras escuchaba un podcast sobre la trilogía de "Volver al futuro" (con motivo de la venida de Marty McFly a la mítica fecha del 21 de octubre del 2015), los locutores de dicho programa, comentaban sobre las libertades en traducción que se habían tomado para el doblaje de las películas. Allí es cuando caí en cuenta que las "adaptaciones" hechas para nuestros territorios son de lo más variopintas y extrañas, no solo en las películas, sino en la animación japonesa. Y es lógico, ya que series como Kimagure Orange Road o Captain Tsubasa, en varios países tuvieron cambios de nombres, debido a la dificultad para pronunciar los nombres nipones y claro, lograr una mejor identidad con el público.

Sin embargo, quien supera con creces este tipo de cuestiones, son los norteamericanos, los gringos pues. Sus ediciones y distribuciones siempre han sido los más discutidos, no solo alterando nombres de los personajes, sino también en el contenido, tratando de hacerlo más afin a una audiencia occidental. Y es que Japón tiene una forma distinta de ver las cosas, siendo mucho más abierta en ciertas cuestiones, como la sexualidad y la violencia.

También, en los años ochentas, varias compañías como Saban o Nelvana trataron de traer estas animaciones por su propio pie, con resultados desde brillantes hasta funestos (desgraciadamente más en este último rubro). Por tal motivo, la siguiente entrada se enfocara en algunos ejemplos de estas "rarezas" que curiosamente, aun nos alcanzaron hasta la década pasada.


-Voltron 

Hubo una moda "interesante" en los años ochentas, cuando diferentes productoras y distribuidoras americanas trataron de traer animaciones de gran calado a su propio país. Sin embargo, las reglas de sindicación en aquellos lares siempre han sido bastante peculiares. Ya hemos comentado que la sindicación, consiste en vender la serie, no solo a una cadena, sino "repetirla" en diferentes regiones de EUA, dado su gran tamaño. Esto le da muchos dividendos y ganancias a la productora. Una de las reglas es que sí uno quería una serie para estrenar, debía tener el mínimo de 65 episodios. Bien sabemos que las animaciones niponas pocas llegan a ese número. Por ello, en su momento Carl Macek (creador del concepto Robotech) y la productora World Events Productions, decidieron traer varios animes y "fusionarlos". Uno de ellos, fue este, Voltron.

Para los conocedores y viejunos que vieron a Voltron, notaran que la serie pese a su gran animación y concepto, llego a tener una continuidad bastante rara. Para empezar, el dichoso Voltron se enfocaba en dos robots totalmente diferentes, pero que pertenecían a la dichosa Alianza Galáctica. Resulta que Voltron se componía de dos series llamadas Go-Lion y Dairugger XV, que como es lógico, tenían dos "plots" diferentes.

Go-Lion trataba de un antiguo robot independiente que había caído en soberbia y una antigua diosa lo separo en cinco partes, para darle una lección de humildad. Sin embargo, esa diosa se corrompió y se volvió la bruja Haggar que luego se aliaría con Zarkon para tomar el control de Voltron y el planeta. 5 ciudadanos comunes del planeta donde habita Go-Lion tomarían el mando de este junto con la princesa Allura, la gobernante huerfana del planeta para derrotar a Zarkon y sus villanos.
Como ven, la historia es totalmente diferente a la de Voltron, donde se supone que los 5 protagonista son exploradores de la Alianza y que vienen por el dichoso robot para ayudar a Allura.

En el caso de Dairugger XV, la cosa es más liviana, donde sí se mantiene el concepto de exploración (El Imperio y la Tierra buscan un mundo más habitable), pero igual que Go-Lion, se censuraron muertes, torturas y violencia, donde los soldados y personajes se veían como androides, lo cual justificaba, en su caso, la muerte sin atentar contra un ser vivo. El caso más grave fue el de Sven, que en Go-Lion moría realmente, pero en Voltron, se insinua que queda tan malherido que tiene que ser hospitalizado. Posteriormente, aparecería el gemelo de Sven en la versión japonesa, mientras en Voltron, sería el mismo Sven, ya recuperado. 

Curiosamente, la primera temporada, Go-Lion (y que llegó por error a World Events, ya que ellos esperaban otra serie, llamada Albegas) tuvo un éxito rotundo en 1984, al grado que se crearon 15 nuevos episodios, solamente para su versión americana. Sin embargo, Dairugger XV o el Voltron de los "vehículos" no tuvo el mismo impacto y eso motivo la cancelación de la tercera temporada, que estaría a cargo de Albegas (y que llegaría luego a Latinoamerica, pero en su versión original).

A nivel personal, lo mejor que le dieron a Voltron, fue su tema, que ha sido de los más emblemáticos de los años ochentas. 


-Jinete Sable y los Comisarios Estrella.

World Events Productions volvió al ataque adaptando otro anime, llamado en Japón Star Muskeeter Bismarck, que modifico no solo el contenido del mismo, los nombres, sino inclusive la música, tal como sucedió con Voltron. Sin embargo, nuevamente el soundtrack creado por Dale Shacker es una joya que ha sido remixeado de muchas formas.

Los cambios más notables que hizo la productora, para cuando se emitió la serie (esto en 1987, mientras en México fue a principios de los noventas), fue en los personajes. No solo se modificaron los nombres, sino también los rangos. En Saber Rider, Jinete Sable era el líder, pero en Bismarck, es un cadete de origen inglés. El verdadero jefe del grupo es Bolido (Hikary) mientras Potro es un mercenario que reclutan en el equipo y no un comisario estrella encubierto.

Se omitieron de forma fuerte las nacionalidades de los integrantes, al grado que April Eagle, en realidad era de origen francés. Aparte, el romance que tuvo ella con Jesse Azul (otro personaje que fue modificado de manera drástica) fue meramente invención. Aquí, la productora fue más tajante, ya que se cambiaron episodios completos e inclusive se crearon "nuevos" a partir de las animaciones de otros capítulos (lo cual se ve de manera evidente en el primer episodio, donde recrean el flashback de como Jinete Sable conoció a sus compañeros, el cual sí se ve bastante piñaton).

Lógico, también se cambió la cuestión de las muertes, al hacer que los villanos, los famosos seres de vapor, cuando uno los liquidaban, según volvían a su dimensión. En realidad estos morían en la versión japonesa y había sangre de por medio (de allí que muchas escenas de violencia también fueron cortadas y es evidente cuando uno ve la serie).


-Pokémon

Ya hemos visto dos ejemplos de los ochentas, pero vamos a uno más reciente y dramático. Pokémon es una serie que hasta la fecha, ha cosechado un sinfin de éxitos, no solo en Japón, sino también en EUA, pese a que fue objeto de una censura harto dramática por la productora 4Kids (hoy en quiebra). Para empezar, los gringos hicieron lo mismo que en otras series: quitaron escenas de violencia, de alto contenido sexual o de eventos un tanto traumáticos o sensibles para la audiencia. De allí que varios episodios nunca hayan salido al aire (uno donde Ash es amenazado por un personaje con una pistola, otro donde James se pone unos implantes para senos y cierto episodio donde un Tentacruel ataca una ciudad muy parecida a Nueva York).

El caso más dramático fue con la lentificación de algunas escenas de efectos visuales, ya que cuando estos capítulos fueron emitidos en Japón, causaron crisis convulsivas en varios niños. Por ello, al ver los primeros episodios, se veían en cámara lenta estos sucesos.

Lo que más calo entre los fans, fue el cambio de la música y de la occidentalización de los nombres. Claro, el impacto de dicha adaptación hoy en día es tan fuerte, que muchos prefieren llamar al protagonista "Ash" que en su versión original. Sin embargo, la música que se creo para la serie, en especial los temas vocales, fueron objeto de debate y división entre los fans. Particularmente a mi me encantan las canciones, ya que inclusive las sacaron en su versión larga en CDs. Pero también conozco gente que las aborreció y añoñaban más la serie (lo cual no se puede negar).

Claro, desde que 4Kids dejo la serie, esta perdió su toque infantil y se fue más hacia una serie de aventuras tal como vemos en Japón. Aunque el problema luego vendría en el doblaje latino, donde hubo enfrentamiento entre los fans, por ver quien doblaba a Ash en su momento: Miguel Ángel Leal y Gabriel Ramos. Pero eso, es otra historia.


-Yugi-oh

El caso de esta serie es bastante extraño, ya que las modificaciones vinieron desde su misma versión original, la japonesa. Para los conocedores, hubo una primera versión de Yugi-oh, basada en los primeros arcos del manga. La serie no funciono, debido a la adultez de la misma y su seriedad. Se hizo una segunda version que fue mucho más popular. Sin embargo, la productora 4Kids volvió a hacer de las suyas e igual que con Pokémon, adaptaron la serie para el público americano.

Lo primero, fue la censura de la violencia/erotismo/blasfemia religiosa. Esto se demostró en especial en las cartas, donde muchas fueron modificadas o cambiadas, debido a que tenían una alta dosis de erotismo (desnudos, bustos prominentes), religión (ángeles, demonios, referencias como la cruz o pentagrama) y la violencia (algunas cartas tenían pistolas en sus manos y se cambiaron por cuchillos).

Esto también alcanzo a los personajes, que no solo también se americanizaron sus nombres, sino también quitaron y censuraron muertes, cambiándolas por cosas mucho más normales, como el dormir, la hospitalización, etc. etc. Sin embargo, lo que me pareció más horrendo y que parece digno de los ochentas, fue el cambio de algunos dialogos. Para quienes hayan visto la serie adaptada, verán que algunas conversaciones son sumamente ñoñas o sin sentido, en especial le improvisan chistes horrendos a Joey (Junichiro), haciendolo un patiño horrroroso, cuando es un duelista de alto nivel.  Para colmo, muchos romances insinuados también se rebajan y otros personajes que tenían más relevancia, los dejan en segundo lugar en fijos estereotipados.


-Nausica en el Valle del Viento

De los casos más atroces y que causaron más daño en la distribución de anime, fue la que hizo Disney en su momento con la primera película de Hayao Miyazaki: Nausica. Basada en el manga homónimo del mismo autor, narra las aventuras de Nausica, una princesa que busca reestablecer el equilibrio en el mundo donde habita.

Cuando la película tuvo un enorme éxito en 1984, Disney se apunto para tener los derechos de la misma. Sin embargo, ya teniendo el filme en sus manos, procedieron a hacer horrores: primero, recortaron 25 minutos de la historia, en aras de acelerar la trama. Sin embargo, esto hizo que muchas subtramas de importancia, así paisajes que eran formidables, se dejaran de lado. Aparte, esto se hizo sin que los actores de doblaje lo supieran, lo cual ocasionó la ira de Miyazaki y compañía.

Lógico, escenas de violencia fueron también modificadas y los nombres de los protagonistas también cambiaron, siendo Nausica llamada Zandra. Esta versión apareció en EUA y en otros lugares, teniendo fuertes críticas del publico especializado. Esto hizo que Miyazaki rompiera relaciones con las distribuidoras extranjeras y que los filmes del afamado director no viesen la luz hasta 15 años después, cuando el éxito de la Princesa Momonoke, orilló que otra productora se acercara a Miyazaki. Sin embargo, esta trato de hacer lo mismo con el filme, lo cual provoco, según las leyendas urbanas, que Ghibli le enviara una katana real a la compañía, con una nota diciendo "sin cortes".

Miyazaki posteriormente volvería a tener buenas relaciones con Disney, luego del estreno del viaje de Chihiro. Sin embargo, hoy en día, "Los Guerreros del Viento" (como se llamo esta versión) aun sigue circulando y es que en su momento fue la versión oficial para muchos países, lo cual creo un mal antecedente para Miyazaki y en sus posteriores filmes.

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Ya en otra entrada, hablare de Robotech y otros ejemplos igual de dramáticos. Saludos a mi Lisa Hayes ^^, así a quienes gustan de esta serie.

Episodio VII: El segundo trailer...está aquí.

Técnicamente estamos a dos meses del inicio de una nueva trilogía. Ya son también dos años, desde que se supo de la venta de Lucasfilm por parte de Disney y donde "papá" Lucas se llevo una tajada de más de 4,000 millones de dolares. En aquel lejano septiembre del 2013, muchos se horrorizaron con dicha transacción, ya que la venta también incluía la noticia de una nueva trilogía.

Claro, este anuncio hubiese sido distinto, sino fuese por la trilogia anterior, que casi sepulto la franquicia en un pantano de Dagobah. Repito, no es que el Episodio I, II y III fuesen horrendos, pero la calidad de los mismos no se comparaba con las películas originales y la forma en que Lucas manejo dichos filmes, dejaron más dudas e incertidumbre, no solo en los viejos sino también nuevos fans. Aun así, para un servidor, le sirvió para mantener el gusto por Starwars hasta la fecha.

Por ello, el anuncio del Episodio VII para este año, fue agridulce. Por supuesto quería ver los episodios restantes, de los nueve que en un momento George Lucas había prometido o hablado en alguna ocasión, pero ahora con Disney en los controles ¿Veríamos otro bodrio solo para atraer fans a lo bestia? ¿Viviríamos una nueva debacle de la franquicia? Esto se agudizo aun más, cuando la fecha del estreno se retraso para diciembre del 2015 y luego el guionista ganador del Oscar y encargado de la escritura de la película, Michael Arndt, tuvo diferencias con J.J. Abrams y el mítico Lawrence Kasdan, guionista estrella de la trilogia original.

Curiosamente, las cosas comenzaron a tomar un rumbo, conforme se filtraban imagenes y esbozos del guión. Por supuesto, el primer teaser trailer me dejó un tanto frío, pero igual que la historia previamente contada, todo mejoró con la salida del primer trailer, el cual me desato un hit como nunca había imaginado. Pero un plus que ha tenido la producción y que he agradecido enormemente es el extremo secretismo del filme. Mientras el trailer del Episodio I casi decía lo que iba a pasar, las imagenes y escenas han sido tan aisladas, que uno no tiene ni peregrina idea de que va a pasar.

Lamentablemente, se anunció hace unos meses que el segundo trailer no llegaría hasta noviembre...lo cual no se cumplió. Con motivo de la preventa para la exhibición de la película, Lucasfilm saco antier el poster oficial y ayer, el ansiado segundo trailer, que desató un furor enorme en la red. Y por supuesto, yo no podía estar exento de tal emoción. Helo aquí.

Por supuesto, como el primer trailer, no voy a ponerme a hacer un análisis, porque hay páginas y podcasts que lo harán mucho mejor que un servidor, pero sí dar mis primeras impresiones y que me dieron a pensar en como sería la trama.

Primeramente, el "axis" de la historia tendrá un simil al Episodio IV. Aunque Lucas quiso hacer algo parecido entre el primero y el cuarto, en realidad solo hubo algunas partes, siendo las demás independientes. Acá, el peso de la historia recaerá sobre "Rey", la chica interpretada por Daisy Riley y que probablemente será el "Luke Skywalker", aquel héroe que empieza como alguien sencillo, pero tiene un gran destino en sus manos. Claro, lo más lógico es que sea un "Skywalker", sea hija de Han y Leia, o inclusive del propio Luke.

A la par, la historia de Finn tiene un rumbo parecido. Es un nuevo "Stormtrooper", que no sabe que hacer con su vida y que parece por algo trágico, deja el cuerpo como un desertor y parece que cae en el planeta donde vive Rey y allí se unen para escapar (sea por la busqueda de Finn o por otra razón).

Por lo que sigue, los Jedis son considerados como algo mítico e inclusive parece que la batalla de Endor también quedo como una leyenda. Sin embargo, las explicaciones de un viejito Han Solo, trae algo de luz, mientras viajan en el Halcón Milenario y que los llevara a la base Rebelde, que se opone al heredero del Imperio: la primera Orden, el cual tiene su médula en un grupo de afines a la Fuerza, comandados por un sujeto y por el mismo Kylo Ren. Este parece que esta traumado con el legado de Darth Vader y pretende seguirlo (de allí la máscara que ve con fascinación).

Sin embargo, el resto del trailer solo nos trae imagenes de batallas, entre rebeldes y los de la primera Orden, así los otros personajes, incluyendo al que pilotea la X-Wing, como la misma Leia y claro, el que parece ser Luke, el cual solo podemos ver su mano mecanica, apoyándose en R2, el cual no tendrá un papel tan importante y su charming recaera en BB8, el androide de Rey, que parece pelota de playa.

Lo destacable es la pelea que sostendrán Kylo Ren y Finn, el cual este último porta el sable de luz de Anakin Skywalker y que luego perteneció a su hijo Luke. Aquí nos echa más luz, ya que muchas historias o teorías varian, entre que Finn es el heredero Skywalker o simplemente un afin a la Fuerza. Claro, la mayor incognita recae sobre Luke, ya que no aparece en los trailers y mucho menos en el poster oficial, donde inclusive podemos apreciar al "jefe" de Kylo. Muchos suponen que Luke será el Sith, corrompido finalmente por el Emperador, pero otros comentan que será el Obi-wan de la historia, pero para no quemarlo (como paso con este personaje y que lo terminen matando prematuramente), deciden que tal vez su participación será más potente en el siguiente episodio. Por supuesto, son suposiciones y nada se puede confirmar al momento.

El trailer, en conclusión, me parecio espectacular y como dije, me da gusto que no se sepa por donde van los tiros, lo cual da mejor expectativa de aquí hasta el 18 de diciembre. Por cierto, la música del mismo, a cargo del maestro John Williams, es formidable.

¿Qué sucedera en diciembre? Quien sabe, pero ojalá, la Fuerza renazca, tal como el título de la película. Es necesario que las nuevas jovenes se den cuenta de que Starwars sigue siendo una de las franquicias más emblemáticas del cine. Lo que está ahora, y sin exagerar, es gracias a esta saga.
Mientras, a esperar con ansias la preventa aquí en México y correr por los boletos cuando se pueda, pese a que mi esposa solo está entornando los ojos en este momento jeje (y que por cierto, me acompaño a ver el avance).

Saludos a mi mujer, que pacientemente me aguanta con mis loqueras, así a quienes gustan de la Guerra de las Galaxias

Leyenda urbana: instalaciones secretas

En estos tiempos, donde la globalización nos ha alcanzado de manera sorprendente, es poco creíble que aun sigan existiendo lugares o sitios que esten "aislados" o cerrados al resto del mundo. Claro, tenemos el ejemplo de Corea del Norte (y del cual hablaremos más adelante de cierta forma), pero sí lo vemos, es una mera excepción. Inclusive, la cerrada Cuba últimamente ha abierto sus fronteras, al grado que una embajada gringa ya ondea su bandera en la Habana.

Y es que la caída del comunismo, con el derrumbe de la Unión Soviética, sirvió para que el telón de acero, que no solo rodeaba a los países socialistas se fuese abajo, sino también de las organizaciones "contra" que servían a los países capitalistas para frenar la supuesta invasión roja. Muchas ciudades en la actual Rusia se declararon abiertas, así regiones como la península de Kamchatka finalmente pudieron recibir turistas, no solo de su propio país, sino de otras regiones del mundo.

Por ello, hablar de los siguientes "lugares", aun sigue siendo motivo de misterio y de inclusive terror, ya que ciertas organizaciones se empeñan en mantener a raya la verdad, sea por motivos personales o humanitarios. No hay que olvidar que a veces las personas vivimos a base de mentiras y cuando la verdad es revelada, no muchos se lo toman a bien. Solo hay que recordar la paradoja de Platón sobre los hombres atados en la cueva. Por ello, la siguiente entrada se enfocara en las instalaciones secretas que aun se mantienen hoy en día y que sirven de foco de misterio.


-El Vaticano

El archivo secreto del Vaticano es una de las bibliotecas más grandes del mundo, pero también de las más privadas. Técnicamente, solo el Papa y unos cuantos allegados, son capaces de accesar a la enorme cantidad de archivos que se encuentran bajo el Vaticano, supuestamente en una boveda controlada clímaticamente, para contener archivos, pápiros, papeles antiguos que ante la temperatura normal, se harían polvo. Inclusive, en la película basada en el libro de Dan Brown, "Ángeles y Demonios", el protagonista consigue infiltrarse en dicho archivo, el cual le servirá para detener al villano de turno. En su momento albergo una de sus mayores tesoros, que fue la transcripción de la tercera profecía de Fátima, que hablaba del atentado al Papa Juan Pablo II (y revelada en el año 2000). Por ello, hoy en día se sospecha que la cantidad de secretos que contiene dicho archivero es enorme y que podrían, no solo cambiar el rumbo espiritual de la humanidad, sino también físico como económico. Los tesoros que alberga, son varios documentos de importancia, como la carta de Enrique VIII pidiendo la anulación de su matrimonio y lo cual ocasiono la cisma con los ingleses.


-Room 39

Corea del Norte es uno de los pocos países que se encuentran aislados en muchas maneras del resto del mundo. La información que entra y sale de aquel lugar es escasa, pese a que el número de extranjeros ha ido aumentando en los últimos años. Sin embargo, uno de sus secretos mejor guardados es el nivel económico. Por observadores, Corea del Norte es un país literalmente pobre, subdesarrollado. Sin embargo, la deuda del mismo es casi inexistente y muchos políticos como militares se han dado la vida dentro del regimen. Por ello, se ha sospechado y confirmado que una organización, llamada Room 39, es la encargada de mantener la divisa externa del país, a base de fraude bancario, de la falsificación de dolares, de venta y contrabando de drogas, así como de seguros de vida. Supuestamente fundada en los años setenta, pronto se convirtió en una organización que llego convertirse en la número uno del Partido de los Trabajadores de Corea. Inclusive, se rumorea que en parodia, hay una cadena de restaurantes en dicho país, llamados de la misma forma. Aunque se conoce poco de la misma, se dice que esta ubicada en el enorme edificio del Partido de los Trabajadores (y que curiosamente, en el libro de "Pionyang" de Deslide, no le dejaron entrar).


-Area 51

Uno de los lugares más famosos en EUA, parodiada y tratada en multitud de series y películas, se trata de una supuesta base militar que se encarga de probar mísiles balísticos. Aunque actualmente las autoridades gringas han dicho que las luces y explosiones que identificaban los pobladores, eran resultado de experimentos con aviones y cohetes, el misterio sigue rondando dicho lugar, en especial porque se refiere como un centro de experimentación con tecnología y vida alienígena. La leyenda inició en 1947, cuando un poblador cercano a la región (ubicada en Nevada), declaro posteriormente que había ayudado a unos militares a llevar un extraño objeto con forma de platillo a la base militar de dicha región. Supuestamente, encontraron el cuerpo moribundo de un alienígena. De allí que el lugar se volviese un sitio común (según para los investigadores de lo paranormal) para no solo hacer autopsias de estos seres, sino también para investigar tecnología de otros mundos, así como la teletransportación e inclusive el viaje a la velocidad de la luz. Igual se popularizo el desarrollo de naves secretas como el proyecto Aurora, donde un avión podría volar a velocidades hipersónicas (arriba del Match 5). El sitio es tan famoso, que hay excursiones y tours, al grado que la autopista que lleva a tal sitio, la estatal 375, es llamada "extraterrestre".


-Santuario de Ise

Considerado el lugar más sagrado de Japón, el santuario de Ise se encuentra en el sur de aquel país y es el máximo lugar "shinto", ya que su diosa guardiana es ni más ni menos que Amaterasu, la deidad guia y guardiana de Japón. Se dice que uno de los hijos de la misma, fue el primer emperador que logró unificar al país, por allá del siglo VIII a.C. Claro, esto podría considerarse también una leyenda, ya que se dice que el culto a Amaterasu vino del siglo I a.C. cuando una epidemia azotó al país y el entonces emperador pidió a la diosa su intercesión. El milagro se obró y la población comenzó un culto a la misma, que se oficializo cuando una de las hijas del emperador en turno en el siglo VIII formó los primeros planos de Ise, el cual actualmente comprende hasta 35 templos. Los principales ya no pueden ser visitados y están separados por unas vallas. El santuario cumple una labor similar a la Meca entre los musulmanes, ya que los practicantes shinto deben hacer una peregrinación al lugar al menos una vez en su vida. Sin embargo, por lo cual destaca, es que supuestamente alberga los 3 tesoros imperiales: la espada, la joya y el espejo, este último, se le atribuyen grandes poderes.


-Metro "2" de Moscú

Las instalaciones secretas en la vieja Unión Soviética eran harto comunes. Pese a que los inicios de la Operación Barbarroja agarraron por sorpresa a los dirigentes de aquel país, tan pronto la Werhmatch, el ejército alemán, se planto frente a Moscú, el gobierno supuestamente planeo una red alternativa de bunkeres y de transportes en el bello metro de Moscú, el cual fue llamado por su númeración de "2". Hoy en día se afirma esto de manera más firme, ya que muchos visitantes como usuarios del Metro, han tenido acceso a escaleras, túneles y cuartos que no llevan a ningún lado o que uno se pregunta porque rayos están allí. Aparte, las autoridades no lo han negado de manera categórica y que la extensión de esta línea alterna, es inclusive mayor que la del Metro normal, encontrándose a una profundidad entre 50 a 200 metros, teniendo galeras así depósitos como sistemas de ventilació obsoletos. La red también parece comunicar al mismísimo Kremlin y así a varios lugares de capital importancia, como el aeropuerto o campos militares cercanos. Inclusive, se rumorea la existencia de una ciudad subterránea en el distrito de Ramenki, que en realidad es un gigantesco bunker que se encuentra a 150 metros y que del cual se tiene connotaciones parecidas al Área 51, así de refugio para 15,000 personas en caso de un ataque nuclear.

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Saludos a mi Hinata-sama :3, así a quienes gustan de este tipo de leyendas.

Batalla del Mar de Coral: el punto de inflexión de la Guerra del Pacífico.

Aunque muchos hablan de la mítica batalla de Midway, que marco el fin de la supremacía del Imperio Japonés en el Pacífico, hubo previamente a esta, un combate que aunque se podría considerar que termino en "tablas", en realidad cambió el rumbo de los nipones en la guerra. Sí, hablamos de la Batalla del Mar de Coral.

Mientras en Europa, las tropas de Adolf Hitler estaban arrollando a sus enemigos, en especial las soviéticas, luego del traste de la batalla de Moscú, los norteamericanos habían abierto el frente del Pacífico, aun dolidos y enardecidos por lo sucedido en Pearl Harbor. Sin embargo, las tropas que se destinaron, en especial el Primer Cuerpo de Marines, no verían combate hasta el segundo tercio de 1942. Las cosas primero se verían en un combate de tipo "aeronaval", que los japones habían inaugurado con la batalla anteriormente mencionada.

Aunque la batalla del Mar de Coral no tiene gran relevancia táctica, en el plano estratégico resulto ser de harta importancia. No solo cambio los planes japoneses, sino también dieron confianza a los norteamericanos y sobre todos a sus aliados británicos, que habían visto disminuir sus bonos en menos de seis meses, con las capturas de Singapur, Hong Kong y el hundimiento de la flota del Pacífico, comandada por el Prince of Wales. Una victoria era necesaria para reforzar la fe perdida y justamente, está llego a través de este encuentro que vamos a resumir a continuación.


La batalla del Mar del Coral fue una batalla naval entre Japón y fuerzas aliadas, principalmente de la Armada de los Estados Unidos, librada en mayo de 1942, en el mar del Coral. Fue una de las batallas clave del Teatro Asiático en la Segunda Guerra Mundial y significó el primer fracaso de una ofensiva nipona. Aunque los japoneses infligieron bajas importantes a los estadounidenses, sus propias pérdidas les impidieron ejecutar la Operación Mo, la invasión de Port Moresby. Además, dos portaaviones japoneses que participaron en la batalla fueron dañados, y no pudieron participar en la batalla de Midway, la cual marcaría un punto de inflexión en el curso de la guerra en el Pacífico.


Japón para marzo de 1942, era el dueño de una cantidad de terreno enorme. Las victorias en el Pearl Harbor, en Filipinas, Singapur, Indochina y Malasia, le habían creado un parteaguas que podría amortiguar los ataques de los Aliados, muy en especial los Estados Unidos. Sin embargo, aun existía un escollo que impedía la plena celebración y era la conquista de Australia.

El llamado "continente isla", aun se veía como un bastión de gran importancia y que podría proveer de tropas y recursos a los Aliados. En su momento, la Armada y el Ejército japonés tuvieron un encontronazo por saber si invadirían Australia. La Armada deseaba esto, pero el Ejército tenía sus dudas. Ellos eran más partidarios de una red defensiva y afianzar las posiciones previamente ganadas. Finalmente, la Armada renunció a esto, pero pidió la conquista de Port Moresby en Papua Nueva Guinea, así la toma de otras islas como Nueva Caledonia o Fiyi. La razón era que las naves japonesas pudieran navegar libremente por toda la región, sin temor a ser atacados por aviones embarcados o disparos de acorazados, aparte de estrangular lentamente a Australia.

Esto no era sabido por los mandos Aliados en su momento, por lo cual, la población australiana vivió con un enorme miedo en aquel año. El ejército británico se encontraba lejos, la Armada inglesa había sido evaporizada y para colmo, muchos australianos apoyaban discretamente a los japoneses. Por ello, el recibimiento que tuvieron los Marines americanos y su flota en Australia, fue bastante fría y hasta antipática. Aparte, en el mismo seno de la Marina gringa, había disidencias. Nimitz y McArthur se peleaban constantemente sobre los planes de operaciones, mientras que el contralmirante Fletcher, un favorito de Nimitz, estaba en la mira del Almirante King, jefe de la Armada, por la pérdida de Wake. Sin embargo, las intervenciones posteriores de Nimitz serían de harta importancia para la victoria.

Entre tanto, los japoneses llevaron a cabo la Operación "Mo", que consistía en la toma de varias islas que servirían para preparar el desembarco en Port Moresby, entre ellas Tulagi. El contralmirante Goto comandaba la flota principal y que se encargaría de resguardar el ataque, con su nave insignia, el portaaviones ligero Shoho. Cerca de allí, otra flota aun más grande, ya con dos portaaviones en forma, dirigida por el contralmirante Takagi, serviría de apoyo a la de Goto. Los inicios eran para el 2 de mayo de 1942 y el supuesto desembarco en Port Moresby sería el 10 de aquel mes.

Gracias a los descifradores americanos, Nimitz se entero de la operación y despacho la Task Force 17 a pararle los pies a Otogo y compañía. Sin embargo, previo a esto, tuvo que convencer al Almirante King de que le diera chance a Fletcher de atacar. Otro contralmirante iba a ser el comandante de la misión, pero enfermo y Fletcher fue el designado. King dudaba de las habilidades de este último, más cuando su flota apenas representaba la mitad del combinado de Goto y Takagi. Sin embargo, Nimitz lo respaldo y King dió luz verde al contrataque.

El 4 de mayo, la flota de invasión japonesa zarpo de Rabaul y se dirigieron hacia Tulagi y posteriormente sería hacia Port Moresby. Fletcher se enteró y envio a varias escuadrillas de aviones, que llegaron a encontrarse con los japoneses, infrigiendo varias bajas. Esto hizo que Takagi zarpase de Rabaul para encontrarlo, mientras Fletcher hacía lo propio. Lo peor es que la flota americana solo contaba con un portaaviones de cuatro que se habían prometido para la batalla. El USS Lexington aun no llegaba, mientras el USS Hornet y el USS Enterprise apenas se encontraban a medio oceáno Pacífico. El único disponible era el USS Yorktown.

Entre el 5 y 7 de mayo, las flotas de Fletcher y Takagi se estuvieron buscando intensamente, pero con escasos resultados, inclusive llegaron a estar separadas a 100 kilométros, pero sin darse cuenta uno del otro.

Para el 7 de mayo, un avión de reconocimiento supuestamente avisto a dos portaaviones y dos acorazados. Fletcher envió a sus aviones a atacar, pero luego se entero de que eran dos cruceros y dos acorazados. Furioso, el contralmirante estallo contra su informante, echandole en cara que por su error, podrían perder sus portaaviones (y es que se habían quedado sin reservas para un contraataque nipón).

Sin embargo, del otro lado paso exactamente lo mismo y Takagi envió sus aviones contra un convoy menor, lo cual facilito a Fletcher el encontrarse directamente con Goto, el cual ahora si fue localizado con éxito, donde destacaba su portaaviones y sus naves escolta. Aquí es donde comienza una anecdota que es harto conocida y es que en aquel entonces, los aviones de combate norteamericanos aun seguían siendo muy inferiores a los japoneses. Los P-52 aun tardarían en llegar, igual los famosos Hell Cats, que llegarían a ser los amos del Pacífico. La flota aeronaval se componía de aviones ya anticuados y lentos, como los B-17, los Vindicator, los Buffanos y los Avengers. En dos oleadas que envio Fletcher a estos aviones, fueron hechos pedazos, no solo por la artillería del portaaviones, sino también por los aviones escolta japoneses. Esto causo un furor enorme entre estos últimos, al grado que se prepararon para ahora localizar al USS Lexington, de donde habían sido enviados sus contrincantes.

Llego el turno para los lentos SBD Dauntless, que eran conocidos por su lento andar. Sin embargo, pronto se revelaron como una especie de tanques volantes, ya que supieron aguantar los embates enemigos y aparte, soltar varias bombas que llegaron a dañar levemente al Portaaviones. No obstante, con tres oleadas siendo contenidas, Goto pensó que sería todo, pero con horror vió como una cuarta oleada, ahora combinada entre aviones del USS Yorktown y los restantes Dauntless que habían sobrevivido, se lanzaron con todo sobre el Portaaviones. En cuestión de 21 minutos, el Shoho fue hecho picadillo 

Alarmado con la situación, el almirante Inoue decide que los transportes de tropa se den la vuelta hacia Rabaul, mientras el almirante Takagi encuentra la flota de Fletcher y lo liquida. Entre tanto, John Crace, contralmirante australiano es enviado por Fletcher para encontrar los transportes, lo cual logra con gran éxito, aparte de eludir el propio fuego amigo, ya que la flota de cruceros y destructores aliados es confundida por los aviones americanos.

Takagi trato de liquidar a los americanos en un ataque nocturno, esto en la madrugada del 8 de mayo. Sin embargo, todo salió al revés: los aviones de reconocimiento avistaron al USS Yorktown, pero creyeron que era amigo, por lo cual uno de los aviones al descender, fue destruido a golpe de artillería. Aparte, cuando Fletcher envió sus aviones para contratacar, fue tal la carnicería que solo 11 aviones regresaron intactos al Yorktown y al Lexington. Finalmente, Takagi desistió del ataque nocturno y prefirió enfrentarlos en la mañana.

El ataque comenzó en la mañana de aquel 8 de mayo de 1942, donde finalmente ambas flotas pudieron localizarse. En el lado nipón, los portaaviones Shohaku y Zuikaku fueron los agraviados, donde pese a la cortina de fuego y protección aérea, lograron ser tocados, esn especial el Shohaku, que debido a una bomba, su cubierta se vio incendiada. Aunque el siniestro pudo ser contenido, la pista se inhabilito y ya no pudo ser utilizada para más despegues.

En el lado americano, la cosa fue más dramática: Lexington y el Yorktown se vieron acribillados por la excelencia maniobrabilidad japonesa, al grado que una bomba entro directo a la cubierta del Yorktown, volando parte de la misma y matando a casi 70 hombres. Entre tanto, el Lexington sufrió tal cantidad de daños que llego a estar a la deriva por un buen rato. Para colmo, cuando varios cazas gringos trataron de regresar al Lexington, fue tan mala la maniobra que terminaron chocando unos contra otros.

La batalla termino al mediodía y cada bando se proclamo ganador: los japoneses afirmaron hundir dos portaaviones y varios cruceros como destructores. En el lado gringo, refirieron que sus blancos habían sido un portaaviones y también tanto cruceros como acorazados. Finalmente, la cosa se puso más dramática, cuando el Lexington comenzó a incendiarse y ya no pudo ser recuperado. Termino por ser hundido y sus hombres transportados a otras unidades.

Las consecuencias de esta batalla no se vieron al momento, sino hasta después y de manera dramática. En el bando americano, aunque los periódicos habían proclamado la victoria, en realidad los daños habían sido severos y costó un portaaviones como la inutilización de otro, que posteriormente fue reparado. Sin embargo, en el caso de los japoneses, fue mucho más acentuado. Inoue retraso la invasión japonesa a Port Moresby y esto ocasiono la ira del Almirante Yamamoto que inmediatamente mando a Takagi a buscar y liquidar a los americanos.

Sin embargo, estos ya se habían alejado (gracias a la previsión de Fletcher) y fue meramente imposible. Takagi estaba furioso con Inoue, ya que él mismo sabía de los daños que había recibido, tanto su flota como la enemiga y estaba seguro de poder liquidarlos, al pasar los aviones del Shohaku al Zuikaku. Sin embargo, cuando estos regresaron a sus astilleros, vieron con horror que los daños habían sido de mayor consideración, al grado que el Shohaku estuvo un mes en reparaciones y por ello no pudo salir a la batalla de Midway. El Zuikaku estaba bien estructuralmente, pero la pérdida de aviones y personal fue también importante, por lo cual su capacidad de batalla estuvo muy disminuida el resto del año.
Para colmo, los japoneses no pudieron cumplir con los objetivos señalados. Aunque se trato de conquistar Port Molesby vía terrestre, la operación termino fracasando. Por esto, la batalla del Mar de Coral resultó una victoria para los japoneses, pero a la larga, se vería como un fracaso, ya que comenzó a "lastimar" la mentalidad victoriosa y termino por desencadenar las derrotas en Guadalcanal y en Midway, donde el poderío japones llegaría a su punto más alto y luego a una debacle total.

En cambio, Fletcher, pese a las pérdidas, fue reconocido por su valor, ya que supo enfrentarse a dos flotas en desigualdad tanto de hombres como de material, aparte de que cambió el estilo de batalla naval, pasando de ser cañonazos a lanzar aviones y ver quien pega primero. Todo un hito que los japoneses empezaron por establecer con Pearl Harbor.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades ^^, así a quienes gustan de la Segunda Guerra Mundial.