Pixeles: Una película (fallida) de Sandler y las Arcadias

Es increíble que para estas fechas, no haya visto aun Ant-man, pero sí esta película. "Pixeles" era una película que había estado esperando desde hace uh, bastante tiempo, más cuando se anunciaron los trailers a principios de este año. Aunque muchos comentaron que podría ser una basura (y en cierta manera lo es), tuve la esperanza de que no fuese tan mala. Y es que siendo sinceros, dando mi opinión desde un principio, Pixeles no es horrenda como medio mundo dice. El problema viene por detalles que se van acumulando y terminan por fregar una historia que sí se hubiera desarrollado en otros términos, hubiese funcionado, aun teniendo a Adam Sandler como protagonista.

Pese a no ser todo lo esperado, este filme demuestra que lo "Retro" está de moda y que los ochentas aun es fuente y semillero de muchas ideas, debido a la escasez que sufren hoy en día las generaciones actuales. No en balde, estamos en un mundo más libre, más perverso (en el buen sentido de la palabra). Ante tan poco neuroticismo, no hay ideas y por consiguiente, nos tenemos que ir a épocas mejores. "Pixeles" estuvo a punto de ser legendaria, pero lamentablemente, quedó a medias y seguimos debiendo más al público. Vamos a ver porque. Por cierto, será otra reseña corta, porque no hay mucho que decir al respecto.


Ficha técnica: Pixels (Pixeles)
País involucrado: EUA.
Año: 2015
Producción: Happy Madison/1492 Productions.
Distribución: Columbia Pictures.
Idioma: Inglés.
Dirección: Chris Columbus.

Argumento: Son los principios de los ochentas y dos chamacos, Sam y William van a un local de videojuegos que acaba de abrir. De repente se ven sumergidos en el mundo de las arcadias, donde Sam destaca como un jugador nato. Sin embargo, una dolorosa derrota en el campeonato mundial de arcade, lo termina amargando y volviendo un técnico de cablevisión. Años después, William se ha convertido en presidente y pide ayuda a su viejo amigo, ya que una amenaza que tiene que ver con su infancia, está a punto de destruir el planeta.

A opinión personal: Sí algo me llamó la atención de esta película y lo hizo hasta el final, pese a su desarrollo pobre y obtuso, fue el concepto de la invasión extraterrestre en base a personajes y conceptos de "Arcade" de los años ochentas. Ese fue el punto por el cual el trailer me encantó y porque fui a ver esta película. Lamentablemente, el desarrollo posterior es de lo peorcito que he visto.

Para empezar, la forma de cuadrar una historia de invasión con comedia así gags geeks estuvo muy descuadrada por todos lados. Y lo peor, tal como dijó mi comadre, los trailers ponen lo mejor en acción de la película. Yo esperaba una invasión así en masa y que los héroes estuviesen luchando cabo a rabo, tratando de salvar sus vidas. No es que el concepto de "ganar 2 de 3" estuviese mal, al contrario, me pareció original y una forma de minimizar los efectos especiales y que hubiese más trama entre los protagonistas.

El problema es que no hay trama. Todo está lleno de gags demasiado groseros por momentos y otros, que solamente se dedican a explotar ciertas situaciones que no valen la pena (como lo del ex-esposo de la protagonista, interpretada por Michelle Monaghan) o por ejemplo, lo de la esposa del presidente. Para colmo, los momentos de interpretación o forma de ser de algunos personajes es realmente odioso. Generalmente me gustan los personajes que hace Sandler, porque tienen una mezcla de comedia e ironía. Sin embargo, acá es un ser castroso, fastidioso y que se las da de que sabe, aunque en el fondo es un acomplejado. Casi se le ve que hace la película a fuerzas y con mala leche, lo cual le resta mucha credibilidad a la redención que tiene al final.

Para colmo, los demás personajes, incluyendo al patético presidente, SON MUCHO MEJORES. Así de duro. Dinklage, Gad, inclusive Brian Cox se ven mucho más divertidos, creíbles, amenos. Los momentos que aparecen, uno se divierte con ellos y tienen mucho más carisma y empaque que el mismo protagonista. Lo peor, es que en aras de darle protagonismo a Sandler, la cosa no termina en despegar, teniendo momentos muy crudos y difíciles de tragar en la película.

Pero el problema más agudo y para colmo, fue la mentada posproducción, quedó a cargo del doblaje. Y no tanto en las voces, ya que Gerardo García se ha acomodado a Sandler o Octavio Rojas como Dinklage. El problema viene con los dialogos, la traducción pues. Está fue horrenda, muy mexicanizada y con un exceso de modismos, que caía de la patada. Lamentablemente, el buen Gus Rodríguez fue el encargado de hacerla y debo decir, que está vez reprobó en esta cuestión. Una lástima, ya que admiro el trabajo de este hombre y en esto, sí se vió muy mal.

Por suerte, en lo demás, la acción y los efectos especiales, debo decir que si estuvieron a la altura de la situación e inclusive, superaron mis expectativas. Los cambios de cámara, los planos y los disparos y ver como todo se fragmentaba en cubitos como "pixeles", me pareció muy buen detalle. En especial esa parte donde vemos de lado como los personajes corrían en la batalla contra Donkey Kong. Allí si apelaron a mi espíritu de antiguo "arcade" y lo hicieron estupendamente.

Aparte, el soundtrack, mezcla de rock sintético ochentero, cortesía de Henry Jackman, con música de aquellos años, fue un enorme acierto. Algunas batallas me las pasaba pipa (en especial con el Centipede) y en otras, servía para dar contexto a la situación. Y es que en esto, el filme resulta bastante bueno, al evocar varios momentos y situaciones que toda persona arriba de los treinta o que vivió en los ochentas (como un servidor) suele recordar de forma continua.

Lamentablemente, aun pese a estos aciertos, la película resulta fallida en algunos tramos, con la consiguiente de que por momentos se me hacía un tanto tediosa, pese a que estabamos hablando de videojuegos (un tópico que disfruto muchísimo). Y ya como comente, en realidad la acción de la película es corta y eso hace que de repente no sepas donde ubicarla: si en un filme de acción o de comedia.

Curiosidades: La ideal original vinó de un filme corto francés que realizó Patrick Jean en el 2010 y que justo trataba de una invasión extraterrestre mediante personajes de videojuegos. Tim Herlihy uno de los guionistas, escribió un primer esbozo junto con Adam Sandler hace unos 3 años, pero le pareció tan horroroso que tuvo que reescribirlo de nuevo. Gad, Dinklage y Kevin James estuvieron casi desde el principio y la protagonista iba a recaer sobre Jennifer Aniston, que termino rechazando el papel. Finalmente, Monaghan fue la elegida para ser la protagonista femenina. El filme se estrenó con críticas duras hacia el filme, tachandolo de grosero y con poco punch argumental (por momentos es cierto esto).

En cuanto a un servidor, pues fui a verla con mi mujer y dos de mis cuñados al cine. Sin embargo, lo curioso es que cuando nos sentamos, pusieron "Minions", lo cual desato la ira entre los demás espectadores del cine. Así que no hizo falto que me levantase y fuese a pelearme con los encargados del cine, ya que otros lo hicieron en mi lugar, jeje. Aparte, aproveche para ver el inicio de los Minions (la cual dudo vaya a ver al cine) en al menos sus primeros 10 minutos.

En conclusión, "Pixeles" es una película malita de Sandler. El hombre había caído de mi gracia con sus anteriores filmes, pero cuando lo ví en "Luna de Miel en Familia", volví a tenerle un poco de fe, ya que había recuperado la comedia que lo hizo tan potente en los años noventas y principios de la década pasada. El problema, es que volvió a ser un personaje bastante fastidioso y que termina robando el protagonismo. Digo, esto tampoco habría salvado el filme, pero hubiese sido más divertido, más fácil de llevar y lamentablemente, es solo una parte de la poca trama y potencia que tiene la película. ¿Recomendable? Solo si eres un geek y apagas el cerebro un rato. Si no, te vas a llevar un bueeen chasco. Y ah, por cierto, rara vez lo digo, pero vayan a verla subtitulada. Así se ahorran muchos bochornos (al grado que mi esposa le hizo guacala al doblaje, cuando en ese rubro, es bastante tolerante).

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Saludos a la dueña de mis quincenas ^^ que me  invito al cine, así a mi comadre que me previno de dicho ataque y también quienes gustan de este tipo de cine.

Dr. Who: Otro episodio doble, pero de drama y humanidad

Volvemos a la crítica de otro episodio de Dr. Who y no solo hablamos de uno, sino un episodio doble, que está rankeado entre los mejores de la serie moderna. Sí, hablamos de "Naturaleza humana" y "Familia de Sangre", que curiosamente, antecedieron la aparición del que es el mejor episodio de la saga: "Parpadeo".

Atrás deje mi promesa de ir saltando de Doctor en Doctor, ya que luego del golpazo que me dí con Eccleston, mejor me enfoque en dos actores que me han dado mucho más "charming" (y mejores historias) como lo fueron Matt Smith y claro, David Tennant.

Con las historias que he visto de este singular personaje, siempre pensé que me encontraría con tramas muy potentes y con finales sorprendentes. Sin embargo, debo decir que con este par, la serie no solo tiene un potencial en un rubro, sino también en la actuación. Por algo, muchos se terminaron encariñando con Tennant, ya que supo hacer suyo este personaje y con estos capítulos, debo decir que el sujeto me sorprendió en muchos sentidos. Y vamos a ver adelante porque.


Naturaleza humana (Human Nature) es el octavo episodio de la tercera temporada moderna de la serie británica de ciencia ficción Doctor Who, emitido originalmente el 26 de mayo de 2007. Se trata de la primera parte de una historia en dos episodios que concluye con La familia de sangre. La compilación de estos dos episodios fue nominada al premio Hugo 2008 a la mejor presentación dramática en forma corta


Detalles técnicos: Aunque muchos alaben la manufactura de esta historia, en realidad la trama de ambos episodios está basada en el quinto libro escrito por Paul Cornell de la saga "literaria" del Doctor. Sep, pese a que la serie tuvo un importante hiatus entre finales de los ochentas y mediados de la década pasada, la popularidad de la serie, al menos en Gran Bretaña, era altísima. Por ello, cómics y libros llenaron ese hueco por varios años. Uno de esos libros, justamente llamado "Naturaleza humana", se enfocaba en el séptimo Doctor y como este, por experimentar, decide convertirse en humano. Deja las cosas arregladas para que su "companion" lo cuide mientras está en tales circunstancias.

Como ven, justamente el libro sirve de semillero para las tramas y personajes de ambos episodios, solo que cambiando un tanto los villanos de las mismas (que en este caso, fueron la "Familia", una suerte de extraterrestres muy agresivos, pero de vida corta). Sin embargo, el resto esta casí integramente, incluyendo el "alias" que toma el Doctor, como que se termina enamorando de una humana, a la cual le ofrece viajar con él, pero le rechaza debido a que se enamoró de la otra personalidad del Doctor.

Pese a esto, Russell T. Davies hizo una buena adaptación de dicho libro, no solo en la cuestión de los villanos, sino en saber matizar la actuación de Tennant en muchos sentidos. Ambos episodios se emitieron a finales de mayo y principios de junio del 2007, cosechando muy buenas críticas, al grado que ambos episodios fueron nominados para varios premios de ciencia ficción. Los comentarios conformen han pasado los años, han seguido positivos por los fans y críticos especializados, al grado que ha entrado en el Top 10 de los mejores de la saga moderna.


Argumento: Es 1913 en un colegio-internado típico inglés de corte masculino. La vida transcurre normalmente con los profesores de dicha escuela enseñando a sus jovenes alumnos, no solo cuestiones de historia y aritmética, sino también a aprender a utilizar una ametralladora (con los inicios de la Primera Guerra Mundial en ciernes). Sin embargo, pronto vemos al "Doctor" encarnando a uno de los tantos profesores de dicha academia, así como a Martha, su "companion" de dicha temporada, haciendo de mucama. Pero pronto vemos que algo ha pasado: el Doctor ya no existe y en su lugar esta John Smith, un afable profesor que comienza a enamorarse de la matrona de la Academia, mientras Martha trata de tapar la situación de una manera u otra...hasta que aparecen los villanos en turno, la Familia.

Dato curioso: el libro que elabora John Smith con sus sueños  y que enseña a Joan, es un objeto de colección hoy en día, aparte de tener un montón de referencias, no solo a la serie moderna, sino también a la clásica, lo cual se considera el primer homenaje que hace la susodicha a su antecesora.

Opinión personal:A estas alturas, ya es un tanto difícil ser crítico con Dr. Who. Técnicamente, me he hecho fan de la serie y cada episodio que veo (salvo los ya comentados de Eccleston), los disfruto como enano. Aun me pregunto como pase tanto tiempo sin ver una genialidad como está. Claro, también lo hago desde la perspectiva de alguien que ve los mejores episodios y que no ha tenido que tragarse o fumarse otros capítulos con menos calidad. Pero no hay problema, no tardare en hacerlo, ya que el "Doctor", merece todos mis respetos.

Sin embargo, debo decir que este episodio "doble" tiene sus altas pero también sus bemoles, así teniendo una característica "diferencia" con respecto a otros capítulos que he visto, al menos a nivel argumental (lo cual confirma que Davies se baso en algo más para hacer el argumento, más que en sus propias ideas o de sus guionistas).

Para empezar, la historia es un tanto predecible, pese a que los primeros 20 minutos te pueden destantear, más cuando ves al Doctor y a Martha haciendo de personajes del siglo pasado. Sin embargo, la expresión que pone la "companion" a cada momento, mientras no deja de ver John Smith, es una muestra de que algo está pasando y que lo que está pasando es solamente una pantalla, lo cual se confirma poco después, cuando se ven flashbacks de lo sucedido y donde el Doctor comenta a grandes rasgos su cambio de biología, en aras de escapar de una truculenta familia de villanos que desean su cuasi inmortalidad. Martha debe velar por el secreto del Doctor hasta que la familia muera por acción natural.

Pero como es lógico, la "Familia" no tarda en aparecer y la situación se complica, cuando Smith se enamora de la matrona del lugar y comienzan un romance ante el horror y tristeza de Martha. Aparte, si metemos a un chico bastante listo que sirve de "pivote" de la situación (al robarse el reloj que sirve de contenedor a la naturaleza verdadera del Doctor), es lógico que el primer capítulo sirva de presentación de la situación y nos quedemos en la parte más emocionante, para rematar una continuación que no solo tiene acción, sino lo mejor de ambos episodios.

Como ven, la trama no es nada compleja y uno la va deduciendo con facilidad conforme avanzan los minutos. Acaso lo mejor es la resolución final, en especial el destino de la Familia, una vez que el Doctor vuelve a su cuerpo (lo cual no es un spoiler, es obvio que va a pasar).

Lo verdaderamente potente es la interpretación de David Tennant en ambos capítulos. Es sencillamente soberbio, magistral. Realmente es capaz de cambiar el matiz y tono de su personaje, creando uno totalmente nuevo. Esto permite al espectador entender la posición que tuvo la matrona, Joan, con respecto al Doctor, cuando le ofrece viajar con ella. Y es que John Smith es un personaje distinto, con una personalidad y forma de ser diferente. Pero aquí también recae la genialidad del guionista, al perfilar al personaje en varias decisiones de capital importancia, como cuando Martha y el chico le piden a Smith abrir su reloj para volver a ser el Doctor. Tennant se ve espectacular, mostrando miedo, incredulidad, terror ante lo que va a pasar y esta actuación se mantiene hasta que se revela a la Familia, donde también vemos su lado más oscuro (aunque no puedo negar que me encanto el final que les dió).

Por supuesto, el resto de los personajes también estan estupendos. Desde Freema Agyeman como Martha hasta el ya no tan juvenil, Thomas Brodie Sangster (bastante reconocido por ser el adorable hijo de Liam Neeson en "Love Actually"). También si añadimos a los "villanos", estos realmente lucían atemorizantes (pese a que sus pistolas de energía...bueeeno, sí parecian de juguete).

Es en estos episodios, cuando entiendo porque muchos le tomaron cariño a Tennant como el Doctor, ya que el actor supo matizar ambas actuaciones y hacer dos personajes diferentes, pese a tener el mismo aspecto. Tecnicamente el primer episodio me la pasaba desesperado, viendo a Smith sin saber que hacer ante la amenaza de la Familia y en el segundo, igual, claro, hasta que tiene  que tomar la decisión de volver a ser el Doctor, para salvarlos a todos.

Aquí, pese a la notable actuación, veo un error craso del argumento: Si el Doctor estaba escapando de la Familia...¿Cómo es que al final decide enfrentarlos? Claro, se argumenta de que era un cobarde y de que solo por otra persona (el mismo Smith) es como decide enfrentarlos, pero esto me pareció muy jalado de los pelos. Aquí es donde el argumento se cae y solo vemos la entrada del protagonista para apantallar, pero sin tener una razón de peso.

En conclusión, "Naturaleza humana" y "Familia de Sangre" son un buen par de episodios de Doctor Who. Bastante recomendables y que tienen un perfomance sumamente alto. La trama si es un tanto predecible, pero bastante compensada con las actuaciones y el final, que me pareció cruel, pero estupendo. Ahora a ver, que capítulo más me chuto, antes de poder reseñar "El Día del Doctor".

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Saludos a mi esposa y "companion" ^^, así a quienes gustan de Doctor Who.

Saber Marionette J: Una reseña con una punzada de nostalgia

Hablar de Saber Marionette J, no es solo referirnos a una de las franquicias más exitosas que hubo en Japón en la década de los noventas, sino también una de las más famosas, al menos en el continente americano, y en especial en México, a principios de la década pasada. Para muchos, es considerada como uno de los animes que iniciaron el recorrido de muchos otakus o freaks en tiempos actuales (como un servidor).

Mientras en otras entradas, siempre comienzo con un dato técnico de la serie, aquí nuevamente vuelvo a hacerlo al revés y describir en el prologo, mi recorrido con esta franquicia.
Para empezar, aunque la Internet ya era conocida en muchos países a mediados de los noventas, aquí en México aun estaba dando sus primeros pasos. En parte por la tecnología obsoltera que teníamos y en parte porque el adquirir una computadora personal, era bastante caro. Eso no impidió que conociese este mundillo a finales de los noventas, cuando por un evento que he comentado muchas veces (cuando un amigo me llevó al salón de computación de la facultad), se conviertese en el parteaguas de mi vida actual.

Como es lógico, en aquel entonces, la "japoanimación" en México también se encontraba en pañales. Se emitían las series más populares como Dragon Ball Z, Sailor Moon, Captain Tsubasa. Pero del resto, no teníamos ni idea. No se sabía, salvo por los amigos que vivían en la frontera y por consiguiente, podían accesar a VHS y láser discs, que contenían el anime que se importaba (también de manera escueta para los estandares) a los Estados Unidos. Por ello, la Internet se convirtió en una buena manera de conocer series. Así fue como en mis primeras incursiones, comence a buscar páginas sobre el tema y no me terminaba de maravillar por la gran cantidad de información que había.

En aquel entonces, el dominio Geocities estaba en lo más alto del escalafón y es que permitía por sus servidores, tener una página donde podías subir lo que tú quisieras (yo también tenía una, que se encargaba de recopilar fanfics, el viejo Skytemple). Por supuesto, entonces las páginas de anime eran mínimas, mucho más en español, pero tenían datos bastante precisas de las series. Aquí fue cuando conocí animes como Fushigi Yuugi, Wedding Peach, Marmalade Boy y por supuesto, Saber Marionette J.


Saber Marionette J (セイバーマリオネットJ "Seibā Marionetto Jei"?) es una parte de la saga de anime Saber Marionette. Saber Marionette J consta de 25 capítulos y fue emitida en Japón por TV Tokyo desde el 1 de octubre de 1996 hasta el 25 de marzo de 1997. La historia fue creada por Satoru Akahori y el diseño de personajes por Tsukasa Kotobuki. Está licenciada por Bandai Visual.

Como decía en el prologo, Saber Marionette J se convirtió en un tópico harto común en la Internet en aquellos años. No en balde, la serie había sido un rotundo éxito en Japón y debido a su trama, personajes y detalles, terminó repitiendo el resultado en otros países, como el nuestro.

Claro, yo no lo sabía en aquel entonces, pero el hecho de que muchas páginas hablaran de la serie, me daba una idea de la importancia de la misma. Y fue gracias a esta, que inclusive comence a acercarme a los fanfics de alguna manera u otra.

No se puede negar que el "Norte" del país siempre ha sido más desarrollado. No solo por su cercanía a los EUA, sino también por la mentalidad de la gente (no en balde, la mayoría de los buenos podcasters, lócutores, vloggers, etc. vienen de esta parte del país) que los hace explorar y conocer mucho más que el resto de la República mexicana. No en balde, mis primeros VHS "piratas" de anime venían de un distribuidor que residía en Mexicali.

Y fue mediante la página de un universitario que estudiaba en el "Tec" de Monterrey, que fue como me enteré de Saber Marionette J. Allí, el susodicho hacía una reseña interesante, apasionada pero bastante certera de la franquicia. Al grado que inclusive comentó que se hicieron ciclos de anime en el Tec y que según recuerdo,  los fans se reunían los fines de semana para "proyectar" la serie en una pantalla grande (Claro, con un primitivo proyector, una VHS y un cassette que contenía algunos episodios de Saber Marionette, subtitulados en inglés).

Dicha página tenía links a otras, que también trataban la serie u otras, incluyendo la archirreconocida "Aventuras de Fly". Uno de estos, era Blackwolf X, un escritor que se había encargado de "traducir" varios fanfics míticos del inglés, como "Boy Meets Girls" (Donde Mirai Trunks caía en el mundo de las Sailor Scouts y se terminaba enamorando de Makoto, alias Lita). Claro, allí comenzó mi andanza en los fics, pero como dice la tía Chona: "eso es otra historia...".

Pero ¿Por qué es tan famosa y tan recordada Saber Marionette J? Para empezar, debemos darle honores a su creador: Satoru Akahori.

Aunque hoy en día, el susodicho es poco recordado, en su momento el hombre era conocido por ser el padre de franquicias tan potentes como Sakura Wars, Nadesico, los Gatos Samurai o Cyber Team in Akihabara. Inclusive otras menos conocidas, pero igualmente originales como Master of Mosquition o VS Knight Lamune 40.

Pero la más recordada es la de Saber Marionette, que se compusó de dos partes bien diferenciadas, aunque la última se desgrano en muchas "sub-secuelas". Con una trama más adulta, apareció Saber Marionette R en mayo de 1995, en formato de 3 OVAS. La trama se enfocaba en un reino llamado Romania, en una Tierra futurista. Junior era el posedor de 3 marionetas, una suerte de robots femeninos que le ayudaban a custiodar su reino. Sin embargo, su hermano, teniendo también unas robots femeninas de su lado, comienza a pelear con el primero por el control de su reino.

Claro, para quien haya visto esta serie, SMR es mucho más compleja y violenta que su sucesora. Aquí vemos muertes, momentos dramáticos y situaciones bastante súbidas de tono. El autor quiso continuar esta franquicia, pero diferencias con el estudio, hizo que la serie se cancelase súbitamente y que Akahori sensei se mudase a otro estudio (Hal Film Maker).

En este, se encargo de guionizar y crear un derivado de su anterior obra, que retomaba algunos personajes de su predecesora, pero ubicarla en otro momento de la historia, teniendo el apoyo de un diseñador de personajes como Tsukasa Kotobuki. Saber Marionette J vió a la luz en la temporada de otoño de 1996 y se prolongo por 25 episodios, terminando en marzo de 1997, cosechando buenas críticas, tanto en animación como en la historia.

¿De qué va la trama?  

En un futuro cercano, la sobreproblación en la Tierra ha provocado que el hombre comience a colonizar planetas para subsistir. Una de las naves, La Mesopotamia, con una extraña inteligencia artificial a bordo, los lleva cerca de un planeta que tiene las características del original. Sin embargo, un incidente entre la única mujer tripulante, Lorelei, con la inteligencia, provoca que los restantes tripulantes (6 hombres de diferentes nacionalidades, entre ellos Fausto e Ieyasu), tengan que abandonar la nave, la cual termina orbitando alrededor del planeta.

Pronto, los sobrevivientes se dan cuenta de que van a morir sin tener descendencia, por falta de mujeres. Fausto les propone a todos que se clonen y crean seres iguales a ellos. Sin embargo, la complejidad del genoma femenino hace que una mujer no pueda ser creada a partir de ellos y por lo tanto, comenzaron a fabricar marionetas: androides con forma femenina, que sirviesen de apoyo. 

Los años pasaron y los descendientes se multiplicaron, formando un mundo poblado con 6 reinos o países, llenos de puros hombres, entre ellos, Otaru Namiya, un habitante y descendiente de Ieyasu, que por casualidad, se encuentra a tres marionetas (que se considera un accesorio de lujo) en la basura. Claro, al activarlas, se da cuenta de que estas no actuan como las demás: sonríen, tienen emociones, lloran, etc. Esto provoca que Otaru comience una odisea con estas feminas, que parece tienen implantados un chip "virgen" desarrollado por Lorelei y que sirve para optimizar a las marionetas. 

De los aspectos más reconocidos de la serie, son los personajes. Aunque Otaru se puede considerar el típico chico harem, su personalidad y valía, lo hacen un protagonista diferente y que precisamente, sirvió de molde a muchas "copias" que vinieron después. Sin embargo, el verdadero punch de la serie viene con las 3 marionetas: Lime, Cherry y Bloodberry.
Lima es la protagonista y tiene una personalidad como de una niña pequeña. Cereza es más madura, pero tiene debrayes amorosos tremendos y Zarzamora, que es la dura del equipo.

El ver a las tres chicas interaccionar con Otaru, en un mundo netamente masculino, dió lugar a un sinfín de tramas e historias que los creadores de la serie supieron explotar sabrosamente durante 25 episodios, al grado no solo de involucrar a un villano descendiente de Fausto, sino que este tuviera 3 marionetas, con fines mucho más malvados, pero con un carisma que se terminaron robando el corazón del público (como Tigresa).

Claro, otros personajes también dieron de que hablar, como Hanagata, que causó bastante escandalo, ya que fue de los primeros personajes homosexuales en mostrarse abiertamente (aunque siendo algo bastante correcto para la trama, ya que estando en un mundo poblado de hombres, este tipo de cuestiones no era nada criticada). 

Otros aspectos le dieron más lustre a la serie. Para empezar, la animación de la misma era espectacular para la época, llena de movimientos y detalles (ejemplificado con el opening), aparte de tener actores de voz (seiyuus) que se consagraron, como la misma Megumi Hayashibara (Lime) que se lanzó a la fama con este papel. Si a esto agregamos una música incidental estupenda y un opening como ending soberbios ("Successful mission" y "i ́ll be there") interpretado por la misma Hayashibara, el anime no tardó en permear en todos lados y volverse extremadamente popular.

Lamentablemente, la serie generó una serie de secuelas que pretendían madurar la trama y tocar otros aspectos importantes del uso de marionetas en un mundo lleno de hombres (bueno, ahora con Lorelei). Sin embargo, el hecho de que las tramas de dichos OVAS (Again) y la continuación (J to X) fuesen tan lentas, aparte de un horrendo cambio de diseño de los personajes (volviéndolos más infantiles y con colores más chillones), termino por fregar un poco la franquicia.

En el caso de México y muchas partes de Latinoamérica, la serie se dió a conocer por el canal Locomotion en el 2000. Teniendo un excelente doblaje (Cristina Hernández como Lima, Rossy Aguirre como Cereza o Ricardo Tejedo como Hanagata), se convirtió en uno de los emblemas del mismo. Curiosamente, a un servidor le tocó verla con una novia (ya que ella tenía el famoso DirecTV, que entonces era la única cadena que poseía los derechos de transmisión de Locomotion) y fueron al menos los primeros 6 episodios. El resto los terminaría disfrutando cuando la serie ya se vendía "pirata" en algunos lados (curiosamente, la serie parecía ser un DVDrip de una serie que salió en EUA, ya que tenía tanto lenguaje original, como doblaje gringo y latino).

Dejando de lado la nostalgia y sentimentalismo, Saber Marionette J ha tenido un ligero envejecimiento, más en su trama que en la cuestión de animación. Aun hoy en dicha, la susodicha sigue teniendo un estándar de calidad muy alto y claro, representando el estilo y diseño de aquellos años. Pero viéndola hoy en día, pasa sin mayores problemas. Pero volviendo a la cuestión de historia, si se denota su baja, ya que tiene demasiados gags y chistes noventeros, lo cual puede hacer que un espectador actual salga aburrido o desconcertado. Aparte de que pese a que es un tanto más dinámica, algunos episodios sin son medio sosos o se van de manera muy lenta.

Aun así, Saber Marionette J es de esas series que uno debe ver de manera "obligatoria", no solo por el contexto que tiene en la historia, sino también porque marcó una revolución en la forma de ver el anime, es decir, nos mostró que las historias podían ser mucho más complejas e involucrar un montón de subtramas (robots femeninos, clonación, homosexualidad, dilemas filosóficos, etc.) que la hacían mucho más potente. Hoy en día, aun veo un episodio y no puedo evitar una cierta sonrisa de nostalgia.

Polybius: una de las mejores leyendas urbanas que existen

Demostrando que me estoy haciendo sumamente viejo, siempre pensé que la entrada que había hecho a dicho videojuego pertenecía a este blog y que por alguna razón escabrosa, está había desaparecido. Luego de estar checando los archivos viejos, me dí cuenta de que dicha entrada jamás la hice. En su momento la escribí para el viejo fotolog (que aun ronda por allí) que tuve hace algunos años (técnicamente desde el 2007 hasta el 2012, cuando el formato de dicha página valió queso y ya solo podías poner imagenes, no palabras).

Por lo tanto, JAMÁS he escrito una reseña (al menos en el blog) de esta arcadia, que fue de las primeras leyendas urbanas que comenzaron a purular, no solo en la Internet, sino también en los bajos mundos. Puedo decir que de este particular tópico, fue cuando comence a interesarme mucho más en las leyendas urbanas (dejando aparte mi miedo a estas cosas), al grado que ahora soy capaz de escuchar a Dross cuando habla de sus cosas, sin sentir tanto miedo (salvo por una erizada en los pelos del cogote).

En fin, vamos adelante con una de las mejores leyendas urbanas que pueden existir hoy en día.


Según una leyenda urbana, Polybius es un videojuego arcade. Según la leyenda urbana habría sido lanzado durante 1981, causando efectos devastadores a sus jugadores; por ejemplo, locura, estrés, horribles pesadillas e incluso tendencia al suicidio. Se cuenta que, poco tiempo después de su lanzamiento, el juego habría desaparecido sin dejar rastro alguno.


La primera referencia de este "mortal" videojuego viene de una entrada que hizo un usuario anónimo en una de las primeras páginas sobre videojuegos, coinop.org.
En dicho comentario, el autor había referencia a un videojuego mítico pero muy peligroso que había existido en 1981 y que había sido el causante, no solo de una multitud de problemas, sino también de muertes a su alrededor, al grado que inclusive los dichosos "hombres de negro", estuvieron involucrados en el asunto.

Aunque en su momento, esta cuestión causó bastante revuelo, fue hasta la publicación que tuvo en la famosa revista Gamepro (en una sección llamada "Verdades y Mentiras"), que la cuestión de Polybius saltó a la fama y hoy es conocida hartamente por no solo los videojugadores, sino también por los amantes del misterio.

Al fin al cabo, ¿De qué hablaba el anónimo sobre el susodicho?

Se dice que en 1981, en la ciudad de Portland, Oregon, un juego llamado Polybius comenzó a causar una grave adicción entre los jugadores locales. Muchos se llegaban a formar de manera obsesiva frente a la "maquinita" en cuestión. Y es que el juego era bastante revolucionario para aquella época: trataba de una nave que estaba estática en el centro, mientras trataba de destruir a naves enemigas alrededor (el fondo es el que giraba y creaba una sensación de movimiento propia de la nave). Debido al grafiquismo, los colores y el diseño, era lógico que el arcade fuese la sensación del momento.

Sin embargo, no tardaron en haber problemas: se decía que el juego tenía mensajes subliminales, ya que muchos de los usuarios, comenzaron a manifestar problemas neurológicos severos, mareos, tics nerviosos, vómito, pérdida de memoria, alucinaciones, llegando inclusive a crisis epilépticas y terrores nocturnos. Inclusive, se decía que muchos jugadores veían una horrenda cara fantasmal por el rabillo del ojo mientras jugaban y que a veces salían mensajes ultrarápidos, que decían como "matáte" o "ríndete". Inclusive se decía que se escuchaban voces alteradas susurrantes durante la transcripción del juego.

Otro rumor muy fuerte es que cuando los locales que tenían dicho juegos cerraban, una serie de "Hombres de Negro" aparecían de la nada y comenzaban a tomar datos de la máquina de manera sospechosa. Inclusive, algunos afirmaban que por un error, el menú de acceso a estas estadísticas estaba abierto y que se veían parametros que medían justamente los problemas que habían tenido los usuarios. 

Se comenta que muchos jugadores que al principio les encantaba el juego, terminaban por odiarlo, pero que no podían dejarlo de lado. Simplemente era una adicción que los volvía locos. Finalmente, la muerte de una persona por una crisis epiléptica, desató la molestía en los periódicos locales y de repente, el juego y sus replicas comenzaron a desaparecer de las calles de Portland, curiosamente, siendo llevados por los dichosos "Hombres de Negro". 

Por supuesto, en su momento se llego a creer que este juego era una especie de simulador de guerra, destinado a ser utilizado para los veteranos. Pero debido a que no querían arriesgar a soldados para este experimento, se decidió probar con población civil y ver si dicho juego era compatible y no causaría efectos secundarios en el personal castrense.

Aunque este dato generó mucha incredulidad, el hecho de que el autor pusiera a la compañía (Sinneslöschen, o "pérdida de los sentidos") y al autor, Ed Rottberg (el creador de Battlezone para Atari), genero mucha más controversia (y que el mismo Rottberg no desmintiera esto).

Pero aquí no acabó todo el rollo. En el 2006, Steve Roach, un programador comentó en una entrada en la misma página donde salió lo de Polybius, que este juego era una leyenda urbana y que él tenía una verdad absoluta al respecto. Resulta que para 1981, una subsidiaria de Atari que laboraba en Sudafrica, decidió crear el dichoso juego, pero debido a ciertos errores que tuvieron, este generó los problemas neurológicos, en especial la epilepsia y por eso fue retirado del mercado y la subsidiaria (La famosa Sinneslöschen, fue disuelta). Sin embargo, poco después, Roach desmintió esto y dijó que era una total mentira, solo para ganar publicidad.

Actualmente, la leyenda de Polybius tiene más datos de mentira que de verdad. No hay una base bien sustentada que la apoye de manera fidedigna, ya que algunos lados dicen que es un puzzle y otros que es un juego de naves, amén de que el ROM del juego no esta disponible, pese a que muchos afirman tenerlo en sus manos (inclusive en el youtube circula una versión de como se ve el juego, pero que es totalmente falta). Inclusive muchos en la actualidad afirman que dicha leyenda se basó en un juego de Atari de 1980, Tempest, que al momento de sacar su versión "beta", esta ocasionó crisis convulsivas en los videojugadores, así varias alteraciones que supuestamente provocó el juego de Polybius.

Sin embargo, el juego ha ocasionado que muchos fans en la actualidad lo recuerden o mencionen al menos en una ocasión. Aparte de que su leyenda ha permeado tanto en la cultura actual, que hay un buen de referencias a Polybius, siendo la más famosa, la de los Simpsons.

Particularmente, este mito me encanta y aunque pueda ser mentira, tampoco se ha aclarado del todo. Y debo decir que fue mi primera leyenda urbana que comente, así que le tengo cariño. Ahora sí, espero que esta entrada no desaparezca.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.

Joe & Mac: un clásico de las arcadias y del SNES

En otra entrada había hablado del éxitoso juego de Arcade, Robocop y como su productora original, Data East, se hizo famosa y mundialmente reconocida por el mismo.

Sin embargo, eso no evito que la empresa terminara quebrando en el 2003, luego de que su producción comenzó a irse a pique, producto de la entonces crisis económica y de ciertas demandas que tuvó, en especial de Capcom, debido a que un videojuego de peleas que sacó en 1994, tenía muchas similitudes con Street Fighter II.

Pero antes de toda esta tragedia, Data East fue un fuerte desarrollador, no solo para las arcadias, sino también en hacer translaciones, en especial de cierta franquicia. Sep, hablamos de Joe & Mac: Cavemen Ninja y de la cual hablaremos a continuación.


Joe & Mac: Caveman Ninja ( Tatakae Genshijin: Joe and Mac en Japón, también conocido como Caveman Ninja) es un juego de arcade creado por la compañía japonesa Data East en 1991 y fue adaptado para las plataformas Super Nintendo, Mega Drive, Nintendo, Game Boy, Amiga y PC.


Joe & Mac fue uno de los primeros juegos que se lanzaron para la consola Super Nintendo, esto a principios de 1992. Siendo una adaptación del arcade original, el juego en su momento generó bastantes críticas positivas, en especial en su adaptación. Sin embargo, en cuestión de jugabilidad y de maniobralidad del personaje, si se quedaba un tanto chato, por lo cual, pasó sin mucha gloria en los inicios de la consola de 16 bits de Nintendo.

¿De qué va la historia? Bastante sencilla: Joe & Mac son un par de cavernícolas (uno con el pelo verde y otro con el pelo morado, por Dios) que viven tranquilamente en su aldea, mientras se dedican al ocio de cazar dinosaurios y planear con pterodactilos (sep, dinosaurios en la época de las cavernas, no me extraña). Sin embargo, un día, una tribu rival de neandeartales, se roban a las mujeres y a los chamacos. El duo decide tomar cartas en el asunto y va en busca de cada mujer de la aldea y así poder derrotar al jefazo de los Neandertales. 

Como ven, Joe & Mac es un sencillo plataformero, donde puedes tener la opción de usar de uno a dos jugadores y así completar cada nivel, derrotando a los enemigos de turno (que van desde los neandertales, hasta pterodactilos y chibi-tiranosaurios rex, como rivales propios de cada escena, como delfines prehistóricos o abejas roñosas) hasta llegar al jefe final, que es una bestia enorme y poderosa (para colmo, un dinosaurio). Por ello, los protagonistas no están solos y tienen la capacidad de recolectar armas que aumenten su ataque y distancia, que va desde boomerangs, huesos de animal, ruedas de piedra y por supuesto, el poderosísimo fuego. Claro, cada arma tiene sus características y mientras algunas son rápidas pero débiles (boomerang y huesos), otras son potentes pero lentas (las ruedas y el fuego).

Cada vez que derrotas a un jefe, la chica raptada aparece, te agradece con un beso y regresa a casa. El protagonista avanza al siguiente nivel, que es diferente al anterior (que puede ir desde el bosque hasta la zona marítima) con sus respectivas dificultades, de acuerdo al terreno. También para no hacer tan difícil el trayecto, aunque un enemigo te golpee, no te quitará una vida, sino tienes una línea de corazones (los cuales puedes ir incrementando hasta máximo 5) que se irán reduciendo entre cada golpazo. Por supuesto, cuentas con vidas, pero estás si serán limitadas a unas cuantas, ya que la posibilidad de conseguir más en el trayecto es casi imposible.

Los niveles irán subiendo de dificultad y los últimos (el volcán o la estepa donde caen rayos) serán más peligrosos, inclusive más que los enemigos que te encuentres en el camino.

Ahora, hay que hacer hincapié en las diferencias que hay entre la versión de Arcade y la de SNES.

• En el Arcade, la dificultad es un tanto más elevada, ya que la cantidad de enemigos en pantalla es enorme y tienes que moverte y atacar a gran velocidad. Aparte, acá no tienes corazones como nivel de aguante, sino una barra de energía que baja mucho más rápido con tanta golpe. 
• También, los objetos para atacar son variables y puedes tener la opción de crear sombras para atacar a distancia (tal como un ninja, de allí el nombre del juego). Igual, incorporaras técnicas como utilizar el rayo o cargar "poder" para lanzar un arma mucho más grande o potente (como una rueda de piedra gigante). 
• Las animaciones más caricaturescas del Arcade fueron suprimidas en la versión de SNES (como cuando Joe se asusta al ver a un enemigo poderoso frente a él) o también ciertos sprites como ver a las chicas amarradas en un poste, en espera de ser rescatadas. 
• El mapa tan caracteristico del juego de SNES, no existe en la versión de Arcade. Acá al contrario, cuando acabas con un jefe, solo se ve arriba de tu pantalla como avanzas, pero con la opción de elegir diferentes rutas.
• Y al final, el cambio más extraño de todos: el jefe final. Mientras en la versión de Arcade te encuentras al rival cavernícola enorme y poderoso, en la SNES, te enfrentas a un diablo malvado. Sí, yo pensaría que ese diablo daría mucho mal rollo, pero los censores de Nintendo decidieron dejarlo pasar. Digo, para mis años cuando lo jugue, no me molestaba. Sin embargo, para niños más pequeños, si les hubiera pegado un buen susto. Cosas raras de aquellos años. 

Fuera de ello, ambas versiones mantienen un control regular, unos gráficos sorprendentes (inclusive para el SNES eran bastante novedosos para la época) y la música literalmente intacta en todos sentidos.

A título personal: Joe & Mac fue de esos primeros juegos que me dejaron con la boca abierta. Para finales de 1991, cuando el NES todavía estaba reinando en aquellos años, la salida del SNES llegó a representar una especie de afrenta hacia los jugadores que estabamos encariñados con los juegos de 8-bits (todos cuadriculados pero espectacularmente bien hechos). Sin embargo, cuando me tocó ver la versión de este juego para el SNES, no pude menos que rendirme ante sus pies: y es que el juego tenía animaciones tipo caricatura, los colores y el diseño de los personajes era formidable, aparte del reto que mantenía este cartucho, teniendo tantos enemigos al frente, armas a escoger y jefes que parecían enormes en aquellos años.

Puedo decir sin tapujos, que Joe & Mac iniciaron mi gusto y amor por el SNES, así me atrevo a decir que fue el primer juego para una generación, ya que alquilar por una hora o por dos días dicho cartucho era casi imposible, ya que era el preferido de muchos. Aun hoy en día, jamás pude tocarlo por mucho tiempo y fue hasta que conseguí la versión para emulador, que pude hacerme del mismo y casi terminarlo (casí, porque el maldito diablito de la versión de SNES era bastante difícil, comparado con los jefes de los demás niveles).

Por consiguiente, tampoco llegue a jugar la versión de Arcade hasta unos años después, ya que el negocio de las arcadias, al menos en México, comenzó a disminuir sensiblemente cuando el SNES comenzó a hacerse popular. No obstante, tuve el chance de probarlo en una ocasión y debo decir que la diferencia entre ambos era bastante patente, aun cuando tenía casi la misma movilidad. Sin embargo, a comparación del juego de SNES, sí era un punto más divertido.

Claro, los años han pasado y debo decir que Joe & Mac si ha envejecido respecto a otros juegos. Su dificultad, salvo los últimos juegos, no es tanta y la movilidad si es pesada, dejando al personaje de repente medio expuesto a los ataques de sus contrincantes de manera muy tramposa.

Sin embargo, en conclusión, este juego es bastante entretenido, divertido, y aparte, se pasa rapidamente. Lo importante es invertir horas para poder vencer al último juego, ya que el diablito si es bastante truquero de repente. Debo decir que la versión con dos jugadores (más cuando podías lastimar a tu compañero) lo hacía más entretenido y vaya que pase algunas horas divertidas con mi hermano disfrutando de este cartucho.

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Saludos a la dueña de mis mensualidades :3, así a quienes gustan de este tipo de videojuegos.

El pasado secreto de Suzanne Reardon: una novela de misterio de Selecciones

Ya he contado hasta el hartazgo mi relación con los famosos libros Selectos (y condensados) de Selecciones. Técnicamente estos libros se volvieron mi primer escaparate hacia una lectura un poco más adulta cuando era un adolescente contestón. Por supuesto, el tiempo ha pasado y cuando vuelvo a hojear o leer algunos pasajes de estos libros, me doy cuenta de que mi estilo de lectura ha cambiado y evolucionado con el tiempo.

No obstante, me dejaron un gustillo hacia algo más sencillo, algo más simple. Por ello, tal vez me creó un vicio bastante marcado hasta la fecha y es que más que el contenido, lo que me gusta de un autor es una prosa sencilla, amena y fácil de leer. De repente veo algunos que le dan tantas vueltas al asunto, que termino mandando el libro a volar o lo dejó eternidades allí anclado en el librero de la casa.

Claro, antes que nada, debo agradecer a mi padre que en su momento quiso "suscribirse" a estos libros (y que ahora me dí cuenta de que fue un favor bastante grande, ya que los mugrosos estaban algo cariñosos para la época), ya que fue gracias a él, de manera indirecta, como termine aficionandome a la lectura y hoy en día, se ha vuelto uno de mis pasatiempos favoritos (junto a ver anime y fastidiar a mi esposa cuando tengo oportunidad).

Por lo tanto, ahora toca reseñar uno de esas novelas o cuentos cortos que aparecieron en los primeros libros Selectos que leí: El extraño pasado de Suzane Reardon.


Kerry, lleva a su hija Robin el cirujano plástico y descubre que éste se dedica a modelar las caras de sus pacientes a semejanza de la de su hija Suzanne ya fallecida. Kerry comienza a investigar y descubre que Suzanne murió asesinada y su marido fue acusado y enviado a la cárcel, pero las cosas no están claras... Kerry descubre la verdad del asunto.


Antes que nada, ¿Quién es Mary Higgins Clark?

Esta autora, de origen norteamericano y que es bastante famosa en los países anglosajones, tiene actualmente 87 años y publicó su última novela hace apenas un año. Reseñar la vida de Clark es casi como contar una propia novela: nacida de padres irlandeses, estos tenían un bar que le dió una vida holgada hasta la adolescencia, cuando la Gran Depresión termino por hacer quebrar el negocio de su padre, el cual lamentablemente falleció debido al agotamiento de mantener a su familia. Posteriormente, decidió ayudar a su familia en lo que podía, pero sin dejar los estudios de lado. Fue secretaria, luego azafata y durante ese periodo, no solo conoció a su primer esposo, sino también comenzó con sus lances literarios, primero comenzando a escribir para niños y luego, por falta de resultados, se decidió por las novelas de suspenso. Justo en el momento que la autora estaba despegando, su primer esposo falleció de un ataque al corazón. Sin embargo, su creciente fama se disparo en aquellos años y ha cosechado éxitos hasta la fecha. 

Varias novelas de la autora, como es lógico, terminaron apareciendo en los Libros Selectos (y Condensados) de Selecciones. Esta situación me sorprendió muchísimo en su momento, ya que como buen adolescente, pensaba que el mundo del autor estaba muy reducido, al menos en el ámbito hispanoamericano. Sin embargo, como siempre, los gringos nos llevaban una enorme delantera y allá había autores de todos tipos, colores y sabores. Tal vez esta situación fue lo que me decidió en su momento, en convertirme en escritor de fanfics (sí él lo puede hacer, ¿Por qué yo no?).

Una de las novelas que más me llamaron la atención, fue justamente esta: El extraño secreto de Suzane Reardon (Que se tradujó en otras latitudes como "No puedo olvidar tu rostro", del inglés "Let me call you sweetheart"). 

Publicada en 1995, fue un éxito de ventas (al grado que se hizó una adaptación de película para televisión en el año de 1997) y rapidamente fue traducida a otros idiomas, como al español y justo apareció en los libros de Selecciones por allá de 1997. Pero ¿De qué va la novela?

Kerry es una mujer independiente, que está separada de su ladino y obtuso marido, a la par que cría a su hija adolescente, Robin. Un accidente de la chica que tuvó con su padre, hace que Kerry acuda con un reputado cirujano plástico para tratar las heridas que sufrió Robin en la cara por el incidente. Sin embargo, al momento de esperar la cita, una mujer despampanante sale del consultorio del doctor, lo cual extraña bastante a Kerry, ya que la mujer es idéntica a otra que conoció hace tiempo, pero supuestamente había fallecido. Esto lleva a la protagonista a hacer una investigación involuntaria sobre el oscuro pasado del dichoso cirujano plástico.

A título personal: las novelas de suspenso o misterio me fascinan, mientras el asunto sea bien llevado y la cosa no se desmadre. La razón del comentario es que los libros Selectos se enfocaron mucho en manejar este tópico y era ley que al menos hubiera dos novelas de este tipo por libro. El problema es que cada autor o cada obra tenían una calidad muy dispares. Algunas eran emocionantes, pero otras parecían más un cuento de aventuras con poca gracia.

Sin embargo, el estilo de Clark siempre me pareció sobresaliente. No solo por manejar una trama bastante potente (y que aparte era difícil de descifrar, aunque la autora tramposamente te daba las pistas durante el libro), sino tener un ritmo de narración estupendo. Particularmente, cuando comence a leer la novela, no paré en toda una tarde, ya que conforme avanzaba, más datos o personajes te iban dando la pauta o pistas sobre el posible asesino de Suzane. Para rematar, el cambio de moralidad de algunos personajes me dejo sorprendido y flipando, como dirían los amigos castellanos. Aparte, otro mérito de la obra es que la autora sabe confinar en solo 167 páginas, una historia bastante redonda, amena y con unas subtramas bastante entretenidas.

El problema principal de la obra es la famosa receta de cocina que utiliza Clark para sus personajes: protagonista fuerte, independiente, su pareja nefasta, el nuevo prospecto soltero, atractivo y bien intencionado y una cantidad importante de secundarios que tienen carisma, pero que al ser demasiados, la autora al final solo se decanta por algunos, dejando otros que tenían bastante potencial. Claro, esto termina fregando un poco la historia, ya que la autora no se mueve de ese canon y tiendes a ver reacciones muy predecibles, en especial de los personajes "buenos" (los malos es otra cosa, ya que su doble moral los hace ver más interesantes, en especial el "villano" de esta historia).

En conclusión, "El pasado secreto de Suzanne Reardon" es una novela interesante, con una narrativa atrapante y con un final sorprendente, aunque los personajes puedan resultar muy clichés de repente y sus actitudes sumamente predecibles. Recomendable para quienes inician sus pininos leyendo o escribiendo, ya que consideraría la prosa de Clark, un modelo para crear una novela de misterio, no profunda ni técnica, pero si bastante entretenida.

¿Cómo conseguir esta novela en el país? Lo más fácil es irte a algún changarro de librerías usadas que hay en cada ciudad y buscarla entre el compilado de Libros Selectos que tienen allí. Otra, por supuesto es conseguir la edición española, la cual se editó ya hace varios años. Y por supuesto, en la red el libro no solo se encuentra en versión pdf para el pirata honesto y malvado, sino también inclusive uno que otro blog la ha trascrito en su totalidad (por supuesto, la labor de buscar esto último, corresponde al interesado).


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Saludos a mi adorable esposa :3, así a quienes gustan de la buena lectura.

Terminator Genesis: el Schwarzenegger lo vuelve a hacer

Hace un par de días, fui con mi esposa a disfrutar de la última película de la saga de "Terminator" que el buen James Cameron inició en 1983 con resultados muy buenos y que se prolongarían con su secuela, Terminator 2 a principios de los noventas.

Sin embargo, la salida de Cameron de la franquicia y el obvio envejecimiento del amigo Arnold, terminaron por fregar una tercera parte, donde trataron de continuar la saga de muy mala manera (actores irregulares, un Terminator ya envejecido y lo de una chica siendo de mala, pero que no tiene el mismo carisma que el amigo Schwarz). Por supuesto, para finales de la década pasada, se hizo oootro intento de restaurar la saga, ahora mostrándo lo que muchos querían ver: un John Connor ya maduro y en plena guerra con las máquinas.

Pero, esta última película, como su predecesora, resultó ser poco potente. Con un guión extraño, con unas buenas actuaciones, pero sin el carisma de Arnold, la cosa no pego. Al grado que el minuto donde sale una reconstrucción del original Terminator fue lo que más causo furor en el filme que todo lo demás. Era obvio que Schwarzenegger tenía que volver a la franquicia de un modo u otro. Y así fue como apareció Terminator Genesis, que en una primera impresión, no se acerca en absoluto a las dos primeras, pero es mucho más entretenida que las dos anteriores. Vamos a ver porque.

Ficha técnica: Terminator Genisys (Terminator Génesis)
País involucrado: EUA.
Año: 2015
Producción: Skydance Productions.
Distribución: Paramount Pictures.
Idioma: Inglés.
Dirección: Alan Taylor.

Contexto: Terminator Salvation tuvo buenas críticas en el 2009 y se auguraba una nueva trilogia, comandada por su director, McG. Sin embargo, la productora dueña de los derechos en aquel entonces, tronó inesperadamente y por ello, un lío legal apareció que hizo correr a todos, incluyendo a McG. Posteriormente, un par de productoras trataron de relanzar el producto, pero debido a la inconformidad con el dichoso guión, lo dejaron de lado. Fue hasta hace un par de años, cuando Arnold movió la producción a Skydance, que decidió hacer un Terminator 5. El director elegido fue Justin Lin. Sin embargo la tardanza en la producción, hizo que el director se decantara por Fast and Furious. La productora elegió a Alan Taylor, luego de ver su buen trabajo con Thor: The Dark Wold para que se sumara a la dirección. Posteriormente, Emilia Clarke confirmó su aparición como Sarah Connor. 

Argumento: Nos encontramos en el año 2029. La lucha entre las máquinas lidereadas por Skynet y la humanidad, comandada por John Connor, está llegando a su fin. Mientras se hace una ofensiva tremenda sobre Colorado, núcleo central de Skynet, Connor y su gente, entre ellos, Kyle Reese, deciden atacar otra instalación, donde se encuentra la carta bajo la manga de las máquinas: un tunel del tiempo. Connor decide enviar a su padre a la misión que es salvar a su madre del ataque del Terminator que salió antes de que ellos llegaran. Reese llega a Los Ángeles de 1984, pero se encuentra con la bonita sorpresa de que todo el pasado ha sido cambiado y que una agresiva Sarah Connor ya la espera allí, con un T-800 de su lado.

Historia: La película a nivel argumental me produjo muchos sentimientos encontrados. Por un lado, encontre una historia bastante original, con muchas referencias a las anteriores películas y claro, supo incorporar de manera formidable la aparición y envejecimiento de un T-800, interpretado por Schwarzenegger. Aparte de hacer uso del ya tan cliche pero bien utilizado recurso de las líneas temporales, pero de una manera mucho más contundente. Por ejemplo, el hecho de que Reese pueda recordar dos pasados distintos, ya que pasó por un momento crucial en el tiempo, me pareció bastante original. También, como ya comente, el hecho de ver al T-800 fungiendo como una figura "paterna" para Sarah y sin revelar totalmente como llegó allí, me pareció otra genialidad. Ni se diga los viajes en el tiempo que se dan y que en cierta manera justifican las alteraciones con una y otra línea. No sé, en ese punto, la película me dejó muy satisfecho, aparte de rellenarla de frases características ("Ven conmigo si quieres vivir", "Volveré", etc.) y ser un enorme fanservice para todo fan de la saga, ya sea poniendo peleas entre Terminators de diferente clase. Aunque muchos encontraron medio choteado el plot de "Padre e hija", a mi me agrado bastante y refuerza un poco lo visto en la segunda película.
El problema viene con las "uniones" entre diferentes tramos argumentales y la continuación de los mismos. Son un asco en todo el sentido de la palabra. Y es que había un momento en que me estaba emocionando con una escena y cuando venía otra, el ritmo en tiempo y forma era horrendo. Por ejemplo, cuando Reese es rescatado y llevado al refugio, todo ocurre demasiado rápido, demasiado forzado y ya luego vemos al pobre, primero traumatizado por ver como cambió el pasado y luego muy campante, aceptando al T-800 así obligando al resto a seguirlo. En toda la película hay estos cambios de registro que casi me volvían loco y para colmo, se ven más evidentes en el famoso y maldito último tercio, al grado que ya deseaba que la película acabase. En este aspecto entiendo mucho a la crítica, que le dió muy bajas puntuaciones (aunque al público lo entiendo, ya que el filme es un deleite para los fans).

Personajes: Aquí hay muchísimas, muchísimas altas, pero una enorme falla que se va perpetuando. Esta última corresponde al personaje de John Connor. Mientras en T2, Edward Furlong hizo una maravilla con el adolescente John, sus posteriores reencarnaciones han sido malas y pobres. Inclusive Bale no pudo hacerlo levantar demasiado, en parte por el guión. Acá, la historia ayudaba mucho a Connor, pero Jason Clarke lo hizo demasiado histrónico, demasiado sobreactuado, al grado que llegaba fastidiar (eso y que el guión en algunos momentos se colapsa con él). En cambio, Emilia Clarke hace una creíble Sarah Connor y que recuerda por instantes a Linda Hamilton. Lo que destaco es a Jai Courtney, que pese a ser niño bonito, hizo un realista Kyle Reese y sus cambios, como movimientos eran muy convincentes. Pero, a quien tengo que aplaudir es a Arnold. Luego de verlo tan viejo en T3, acá de plano despedía carisma por todos lados, no solo teniendo el mismo comportamiento que vimos en T2, sino también incorporando elementos que la misma historia le proveía. No sé, en esos instantes, realmente era el T-800 de la segunda parte, tan potente y carismático. Como dato extra, el chara de JK Simmons, es la onda. Pudo ser mejor aprovechado, pero me gustó ese elemento de continuidad en la trama, encarnado en un personaje.
Por cierto, Dr. Who (Matt Smith), tiene una corta participación, pero muy importante. 

Efectos especiales: Terminator Genisys dejo bien en alto como reciclar un personaje y volverlo a rejuvenecer. Luego de ver lo horrendo que se vió Jeff Bridges en Tron Legacy, acá de plano el departamento de efectos especiales se aplicó y vemos al buen Arnold en su faceta de joven, nada plastificado, sino creíble, formidable. Pensé que iba a ver una cara toda amorfa, pero nada. Con eso, técnicamente me ganaron al principio de la película. Este es un claro ejemplo de como se pueden utilizar los efectos especiales. Y para rematar, el director recicló movimientos y secuencias de T2, al grado que vemos esto cuando le disparan al otro Terminator, el T-1000 encarnado por el buen Byung hu-Lee. Por cierto, igual la caracterización de los Angeles de 1984, mis respetos.

Música: Hans Zimmer no hace mucho con esta banda sonora, simplemente se encargó de usar el leimotiv de Brad Fiedel, pero con toques mucho más modernos y potentes, que llega a escucharse por momentos en el filme y también en los creditos finales. Cuando salía del cine, no paraba de tararearla, mientras mi esposa solo entornaba los ojos (jeje).

Doblaje: Ah, siempre salgo positivo con este rubro, pero en esta ocasión, si me decepcionó un poco. Algunas voces no cuadraban con los personajes (en especial la de John Connor) y otras sobreactuaban, no en mal plan, pero el actor le metía más galleta de lo que el original expresaba con la cara o el cuerpo. Sin embargo, la presencia de Blas García haciendo del T-800, lo compensa todo ("Volveré...").

A título personal: Terminator es una de mis sagas favoritas, aunque en su momento, las cosas no fuesen tan bien con la misma. Debo decir que la primera la ví cuando era pequeño y que una escena, donde el T-800 se arranca el ojo, no fue nada agradable y me generó muchas pesadillas en aquel entonces. Sin embargo, cuando ví T2, la cosa cambió y esperaba con ansia una tercera parte, lo cual ocurrió a principios de la década pasada, al grado que fui con unos compañeros de la facultad a verla. Pero oh sorpresa, el filme resultó nefasto y por eso, casi no fui a ver Terminator Salvation. Por suerte, mi esposa y yo eramos de ver películas casi cada semana y pude disfrutar un buen filme, más no tan convincente.
Por ello, nuevamente, pensé en no ir a ver esta película, más cuando las críticas comenzaron a hacerla trizas. Sin embargo, gracias al doc Caramon el blanco, mi perspectiva cambió y allí me tienen pidiendole a mi mujer que fueramos a verla, al grado que termino medio hastiada de mis ruegos.
Ambos nos divertimos y coincidimos que es un buen fanservice, con un Arnold a todo lo que da (para su edad), pero si con esos hoyos argumentales importantes y con ciertas cosas que se dan al aire y que al final no sirvieron de mucho. Por supuesto, también lo nefasto que resultó este John Connor.

En conclusión, "Terminator Genisys", resulta ser un producto muy ambivalente. Por momentos ves genialidades y por otro, te topas con un argumento digno de una película tipo B. Creo que solo se enfocaron en mostrar la mayor cantidad de fanservice para deleitar al fan y por ello, descuidaron su historia de manera importante. De allí que mucho lego o quienes jamás han visto Terminator, les parezca un poco sosa o hasta aburrida. En cambio, si tienes ya un amplio camino recorrido en la cronología del T-800, será amena, pero te dejará un tanto extrañado al momento de terminar. ¿Recomendable? Solo si vas con el chip indicado y eres un gran fan de Terminator.

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Saludos a mi Hinata-sama, que me acompaño a verla ^^, así a quienes gustan de este tipo de filmes.

Yanni: un viaje musical (3)

Continuando con una tercera parte de "Yanni", esta vez me enfocó un poco más en el regreso que tuve con el dichoso compositor de origen griego. Esta vez, fue curiosamente, ya en compañía de mi esposa.

Técnicamente, en su momento acudimos a "dos" conciertos que ofreció en cierta ciudad de la república mexicana, en nuestros primeros años de casados. Entonces, había vuelto a tomar afición a la música instrumental y ese tono triste que me había acompañado (ya que en su momento, Yanni se volvió un referente para no volverme literalmente loco, entre la facultad y mis problemas amorosos), ya que muchas veces, escuchaba sus melodías para levantarme el ánimo o para sentirme un tanto mejor. Lo cual, lógico, creó un sentimiento de nostalgia y tristeza bastante patente.

Sin embargo, en el momento que las cosas comenzaron a mejorar (con presencia de mi mujer), fue cuando volví con más fuerza con las composiciones del autor, al grado que ella me acompañó a los conciertos mencionados: uno donde Yanni, de manera poco atinada, trato de incorporarle letra a sus canciones y otro, donde se enfrasco meramente en hacer lo suyo. Por supuesto, pensé que mi mujer se quedaría dormida con dichas rolas, pero me dió un gran gusto verla allí atenta, escuchando y moviendo la mano mientras veía hacia el escenario.

Aunque Yanni ha bajado su furor (en parte porque no hemos podido ir a otro concierto), sigo escuchando sus canciones, con un mejor ánimo y mayor optimismo. Y he aquí, cinco canciones más de este genio de la música instrumental.


-Aria

Curiosamente, venía hablando de que no me gustaban las versiones "cantadas" de los temas de Yanni, pero una de mis rolas preferidas del autor es precisamente está, que tampoco es compuesta por él, sino por Malcolm McLaren. Interpretada por una tenor, Mona Lisa, apareció en 1992 en el mítico albúm "Dare to Dream", que fue un éxito rotundo en críticas y ventas. Este permitió que Yanni hiciera el famoso concierto en la Acrópolis y que lo lanzó al estrellato. Personalmente, la rola me encanta y le quita ese aire tan New Age que de repente tienen las melodías de Yanni, sino que se enfoca en algo mucho más clásico y hermoso.


-Flight to Fantasy

Esta bella composición apareció en el albúm de 1990, Reflections of Passion (y que consideró, uno de los mejores de Yanni). Técnicamente, tiene dos movimientos, uno que es mucho más tranquilo y hasta armónico. Para la mitad, la canción se acelera y toma una tonalidad mucho más épica, justamente haciendo honor al título de la misma. Curiosamente, no llegó a ser de mis favoritas, hasta mi segundo revisionado que hice en el 2007, cuando comence a escuchar más canciones del autor y lógico, esta me termino atrapando. Generalmente la usó hoy en día, sea para escribir o para sentarme un rato en el sillón a cerrar los ojos y descansar un poco.


-Marching Song

Otra melodía que me encantó en el momento que la escuche, ya que apareció como recopilatorio en un cassete que compré en aquel entonces y que pertenecía a un albúm recopilatorio: Devotion (1997). Sin embargo, Yanni ya la había puesto para "Chameleon Days" de 1988. Nuevamente, Yanni hace una composición magistral de dos tiempos: uno que empieza melancólico, triste, pero a partir de la mitad, se acelera de forma magnifica hasta llegar al último minuto, que me parece una genial forma de terminar una canción, teniendo no solo la aceleración del segundo movimiento, el crescendo, sino ese toque de nostalgia que ya escuchabamos en los primeros minutos.


-Acroyali

La buena de Acroyali. Sí, es una de mis melodías favoritas de Yanni. Y no solo habló de la versión que apareció pegada con "Standing in Motion" en The Live at the Acropolis, sino la otra, que dura 5 minutos y apareció en el albúm Out of Silence de 1987. El mismo Yanni dedicó dicho trabajo a su pueblo natal en Grecia, Kalamata. Y es que el primer minuto de la misma, es casí como si fuese una canción helena de las antiguas, pero luego toma un aire renovado, mucho más diverso. Debo decir que cuando escuche esta segunda versión, me encantó mucho más que la otra y es de las que siempre llevó en mi mp3. No sé porque pese a la solemnidad, sigue teniendo un aire épico difícil de describir.


-First Touch

Otra rola de reciente ingreso a mi gusto de favoritas. Esta apareció en el albúm Niki Nana de 1989. Debo decir que esta la conseguí justamente en una recopilación de mp3 que busque del autor en mi famosa revisión de 2007/2008. Aunque es bastante cortita, su emotividad es otra cosa. Es casi como una melodía de amor y que a diferencia de otras melodías del autor que son mucho más rítmicas o hasta agresivas, está es sumamente tierna y bien encaja en esos momentos tranquilos. Debo decir que se volvió una de mis preferidas para escuchar mientras escribía fanfics románticos, en especial por ese "allegro" que tiene casi a la mitad de la misma.

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Saludos a mi Hinata-sama ^^, así a quienes gustan de este tipo de rolas.

Batman v Superman: el Trailer de la Comic-Con

Ya en una entrada anterior hable del cruce entre Batman y Superman, en especial de mis primeras impresiones con esta maniobra, frente al entonces apabullante éxito que estaba teniendo Marvel con sus películas. En su momento comenté que esta apuesta era sumamente arriesgada, ya que parecía más un movimiento desesperado de Warner Bros y DC por sacar algo del mercado que estaba creando la casa productora de los Vengadores y compañía.

Lo más natural, hubiese sido continuar la saga de Superman luego del moderado éxito de "Man of Steel", y luego repetir la maniobra con Batman, Wonder Woman, Green Lantern, hasta conformar un universo muy similar al marvelita. Sin embargo, DC decidió acelerar los hechos e irse de lleno hacia un filme "megacoral" y de allí desarrollar sus integrantes (como está sucediendo ahora, ya que se anunciaron filmes para Wonder Woman, Green Lantern y Batman).

Claro, esto podría provocar que DC alcanzase a sus competidores de un solo plumazo. Sin embargo, el riesgo, como comenté en su momento, es que si la película megacoral tuviese un error o una falla y eso provocase un fracaso en taquilla, DC se vería tan afectada (como Warner Bros) y no volverían a incursionar en el cine comiquero en un bueen tiempo, dejando a Marvel como la reina indiscutible en ese rubro.

Por supuesto, DC no fue tan arriesgada y sí aposto por una película megacoral, pero con una especie de Liga de la Justicia bastante reducida: Batman, Superman y Wonder Woman. Y que mejor que aprovechar una de las líneas que en su momento causaron furor y morbo entre los fans: ¿Qué pasaría si Batman y Superman se enfrentaran, tal como se vió en The Return of the Dark Knight?

DC y Warner Bros vieron cumplido ese sueño hace menos de un año, cuando anunciaron en la Comic Con pasada que Batman aparecería en la película "secuela" del Hombre de Acero. Los fans, incluyendome, gritamos y nos emocionamos, aunque luego del furor, nos dimos cuenta de la movida de la productora y editorial. Insistó, era una apuesta arriesgada, la cual se magnifico a niveles formidables cuando anunciaron al nuevo Batman: Ben Affleck.

Hubo un debate intenso que dominó las redes hasta fechas actuales. ¿Cómo un actor tan limitado en muchos sentidos iba a interpretar unos de los íconos de los cómics? Muchos veían el asunto como volver a los tiempos de Val Kilmer y George Clooney (al menos sin batipezones). Sin embargo, conforme ha pasado el tiempo, parece que la imagen de un Bruce Wayne encarnado por Affleck ha comenzado a permear en el fan y muchos lo confirmaron cuando salió el primer teaser hace varios meses.

Sin embargo, el mérito de ese teaser, no solamente ha sido que Affleck haya logrado capturar la esencia del personaje, sino como su director, Zack Snyder, es un experto en retratar viñetas de cómics y plasmar un estilo "único" en sus películas. Como prueba de esto, fue el trailer que se estrenó apenas ayer en la Comic Con de este año.

Ya se había rumoreado con fuerza que DC traería un trailer mucho más potente a la Convencion y no decepcionaron (a diferencia de principios de año, cuando en pleno Super Bowl, no dejaron de prometer el ansiado teaser). Y helo aquí:

¿Qué puedo decir? El trailer es fabuloso por donde se vea: vemos a un Superman poderoso físicamente, pero conflictuado emocionalmente por los hechos que provocaron sus acciones en la batalla contra Zod. un Batman furioso, no solo por su pasado (Sí, aparece Robin de manera indirecta), sino por lo sucedido en Metrópolis. Y claro, tenemos las apariciones de un Lex Luthor, más modernizado, más juvenil, pero con ese aire manipulador y brutal que lo caracteriza. Aparte de ver apariciones fugaces de Wonder Woman.

Aunque el trailer tiene muchas escenas, no cuenta nada de la historia, aunque podemos intuir una leve teoría: Superman se ve confrontado por el gobierno y por parte de la población que le teme a sus poderes. Bruce (Affleck) pierde a mucha gente importante en el ataque de Zod a Metrópolis y eso provoca que vuelva a las andadas. Sin embargo, no sabemos si se retiró de la lucha totalmente (aunque parece que sí). Aunque se intuye que hay un conflicto inherente entre ambos superhéroes, no sabemos quien inicia las hostilidades (al principio creemos que Batman va trás Superman, pero luego vemos como este último destruye el batimóvil para confrontarlo).

Claro, todo a esto lo adosamos escenas de acción y algunos momentos épicos, como cuando Batman esquiva la visión calorífica del Hombre de Acero, emulando a cierto momento del cómic de Frank Miller. Esto hace que la película prometa muchísimo. Por supuesto, podemos tener una historia chafísima, pero si lo compensa este "fanservice", de seguro tendremos una película que rompera muchos records.

Todo esto puede terminar en fiasco y que nos encontremos con un rotundo fracaso. Sin embargo...estos trailers han venido a mostrar, que al menos Snyder esta comprometido y tendremos una película épica. Pero para ello, 8 meses más nos deparan por delante.
Sin embargo, hay una señal positiva al respecto: le enseñe el avance a mi esposa y ella le interesó bastante, al grado de que quiere verla (y le sorprendió ver a Affleck en un tono más joven de lo que ella pensaba, aunque creo que sus hormonas hablaron por un momento, hmrf). Que mi mujer, una persona sensata y no freak diga eso, ya dice cosas positivas del trailer y del futuro filme.

Que estos meses se pasen rápido, por faaaavor.

"...Los casacas rojas ya vienen, los casacas rojas ya vienen..."

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Saludos a mi propia "Mujer Maravilla" ^^, así a quienes gustan de este tipo de trailers...y películas.

Regreso a Babilonia: otra película maldita

A estas alturas del partido no puedo negar que el canal de Dross, ha sido una fuente de divertimento y también de información, al menos en el aspecto paranormal, del horror y del terror. Claro, tampoco puedo negar que parte de su información esta en modo grandilocuente, para que suene más impactante. No obstante, los temas que saca, sí son para analizarse, verse o buscarse de manera más profunda en la red.

Uno de ellos, es de esta curiosa pero aterradora leyenda urbana. Sí, y que trata de una película de corte reciente: Return to Babylon (Regreso a Babilonia para los cuates), filmada en el año 2008 y que se estreno de manera reciente y limitada en el 2013. La trama del filme es una especie de homenaje y parodia, como crítica a los dorados años veinte, enfocandonos en los excesos de las estrellas de aquellos tiempos: Rudolph Valentino, Gloria Swanson, Clara Bow, Lupe Vélez, Fatty Arbuckle y William Desmond Taylor.

¿Los años veinte fueron de verdad tan excesivos como se proclama en esta película? En cierta manera sí. Recordemos que la Primera Guerra Mundial había acabado y Europa estaba en reconstrucción. EUA había tomado el lugar que tenía Inglaterra como potencia preponderante. Por lo tanto, el enriquecimiento entre los ciudadanos de aquel país se vió bastante acelerado y por consiguiente, tal como sucedió en la Londres victoriana de finales del siglo XIX, los excesos, secretos y pasiones bajas comenzaron a fluir de manera poco agradable y hasta grotesca.

Muchos tienen la idea de que el concepto moralista viejo y anticuado viene de estos tiempos. En realidad es mucho más reciente, justo a finales de la Segunda Guerra Mundial y hasta principios de los setentas, como obvia respuesta a un mundo desenfrenado que surgió a raíz de dicho conflicto. Si nos vamos más atrás, veremos que los años veinte y treinta, se vivieron varias situaciones que podrían bien encajar en nuestros tiempos sin ninguna complicación. Nada tiene que ver que en ese tiempo la minifalda no existiese. Por algo maese Sigmund Freud era muy explícito en algunas cosas.

Pero volviendo al tema, el director de "Return to Babylon", Alex Monty Canawati, quiso hacer un filme que retratara de manera símbolica esos años. Al grado que la película se filmó como en esos años: en blanco y negro, así sin sonido. Sin embargo, aquí es donde comienza la leyenda urbana.

Se dice que el director encontró de manera casual unos 19 rollos de 16mm en una calle aledaña a Hollywood Boulevard, en California. Al analizarlo con un amigo, encontraron imagenes y metraje que supuestamente invocaban a esos años. Eso fue lo que motivó a Canawati a hacer dicha película. Curiosamente, esta no fue hecha por aficionados, sino tuvo a estrellas importantes (bueno, no tanto, pero si viejos sex symbols) como Jennifer Tilly (harto conocida por ser la novia de Chucky), María Conchita Alonso (En esta noche de copas, esta noche locaaaa...) y Debi Mazar.

Aquí también hubo otros detalles: Canawati consiguió permisos para filmar en las viejas residencias de los actores mencionados y la misma Tilly comentó en varias ocasiones que había presencias extrañas durante el rodaje, así que muchas veces le tocó sentir que algo no estaba bien en el set y que en alguna ocasión, alguien pareció tocarla, cuando había nadie. La producción confirmó esto en parte. Para rematar, Canawati decidió "reciclar" las imagenes que vió en los rollos pérdidos y las insertó en la película, repitiendo una escena o solo como muestra para algún cambio de plano.

Lo bueno llegó cuando el filme fue analizado posteriormente durante el momento de su edición. Resulta que la película llegaba a presentar deformaciones en los actores, tanto en sus caras, manos y también en la composición del cuerpo. Y que las presentaciones que tenían, eran casi demoníacas o aterradoras. Para mayor prueba, checar las imagenes de abajo.

Debido a esto, la película, que parecía tener un estreno más amplio, se limito a algo muy pequeño en el 2013, como yase comento. Y es que ninguna productora se ha animado a comercializarla. Sin embargo, el site oficial de la película la comercializa en parte y hasta hay un trailer de la misma, con ese toque de los años veinte.

Curiosamente, se ha tratado de ver si hay algún truco en el filme, pero aparte de que no se ha descubierto nada al respecto, la película fue filmada con una cámara viejita, justo de aquellos años, para darle mucho más realismo. Inclusive, los rostros o las manos se llegan a deformar mucho más, si la película se ve cuadro por cuadro. Hasta la fecha, el director, la producción o los mismos actores no tienen explicación al respecto, pero en cierta manera confirman lo que Jennifer Tilly dijó en su momento.

¿Será verdad o será mentira?

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Saludos a mi mujer, así a quienes gustan de este tipo de leyendas urbanas.