Porco Rosso: la pasión de Miyazaki en los aviones

En los últimos años he vuelto a meterme en el universo de Ghibli de manera intensa. Técnicamente, me he chutado en el último año al menos 4 producciones del gran Hayao Miyazaki o de alguno de sus allegados. Sin embargo, creo que estaba cometiendo un error bastante común y era el no reseñar o hablar de algunas películas que había visto hace bastante tiempo. Justo, Porco Rosso, es una de ellas.

Así que sin perder tiempo, vamos a darle duro a esta reseña de una de mis películas favoritas del estudio, no solo por su trama, sino por el contexto de los hidroaviones y de la Italia Fascista de los años treinta.


Antecedentes: Porco Rosso viene a ser el séptimo largometraje del estudio Ghibli y el quinto en que dirigió personalmente el gran Hayao Miyazaki. Para 1991, luego del éxito que había tenido su compadre Isao Takahata con "Recuerdos del Ayer", Miyazaki ya preparaba una nueva producción, pero en este caso, un cortometraje que se iba a exhibir primeramente en Japan Airlines, como promoción. Este, estaba basado en un manga que había hecho un par de años antes, The Age of the flying Boat, donde ya vemos varios conceptos que le encantaban a Miyazaki: los aviones, los cerdos y las chicas inteligentes.
Sin embargo, Miyazaki vió el potencial de dicho corto y decidió ampliarlo a una película de al menos 90 minutos. Curiosamente, a Japan Airlines les gusto el nuevo proyecto e inclusive decidieron patrocinarlo. En su momento, el filme iba a ser un tanto cómico, pero justo en plena producción, comenzó la guerra de los Balcanes y Miyazaki decidió darle un tono un tanto más serio (esto debido a que la película se ubica en el Mar Adriático, una franja de agua que sirve de frontera natural para Italia y la península Balcánica, en especial a Yugoslavia y sus países), pregonando un mensaje antibelicista bastante marcado. Finalmente, la película se estreno en julio de 1992 con un éxito rotundo en su país natal. Fue tal el impacto que tuvo que en Europa, tanto en Francia como España, hubo emisiones reducidas de la película en festivales internacionales y gano distintos premios. Solo a partir del 2003, fue cuando EUA comenzó a tener distribución de la película (luego de que Miyazaki les perdonara la vida a raíz del chasco de Nausica). En México no pudimos disfrutarla en cartelera, solo su edición en video en el 2010. Sin embargo, fue emitida por la cadena HBO, esto a finales de la década de los noventas.

Argumento: Estamos en la Italia de los años treinta. Debido a la Gran Depresión, la gente decidió cambiar de gobierno por uno de corte fascista, que ha comenzado a reprimir a forajidos, cazarrecompensas y otros truhanes que viven del robo debido a la crisis económica. Uno de estos, es Porco Rosso (Marco Pagot), un hombre con cara de cerdo, que a bordo de su hidroavión de color rojo, ha logrado no solo escapar de la Fuerza Aerea, sino también de sus rivales de profesión. Un día, los piratas se hartan de él y deciden contratar a un americano llamado Donald Curtis, para que lo venza. En el enfrentamiento, el avión de Porco queda dañado severamente y no tiene opción que ir a Milán a reconstruirlo, gracias a la compañía Piccolo y al apoyo de Fio, la nieta del fundador.

Historia: Uno bien sabe que hablar de las películas de Ghibli, y en especial las de Miyazaki, es que pese a su preciosismo en muchas áreas, la historia no es uno de sus puntos más fuertes. Y para prueba de ello, lo comprobe con mi mujer, con la la cual la volví a ver hace unas horas. Cuando ella comienza a preguntar constantemente ¿Y por qué...? es que la historia tiene un montón de agujeros. Y es un defecto bastante "pronunciado" con las películas de Miyazaki, ya que el argumento tiende a ser un poco flojo y a veces solamente se crea para justificar algunos movimientos de cámara o momentos harto emblemáticos. Claro, muchos podrán argumentar que es una historia a la "japo" y que crear algo más coherente sería sacrificar la esencia de la obra, pero también me suena a una forma de justificar el inmenso amor que muchos le tienen a Miyazaki. Yo también se lo tengo y en su momento (hace unos años y ahora, cuando la volví a revisitar) pensé que era una joya, pero mi esposa me sirve de referencia objetiva y me hizo ver que efectivamente, la historia no tiene ni pies ni cabeza, así que su ritmo llega a ser lento por algunos momentos y en otros instantes, demasiado rápido. Eso no significa que sea complicada, pero se dejan muchos cabos sueltos y eso tiende a que un espectador promedio o con una onda diferente, se quede un tanto desconcertado. Si lo comparo con otras películas del estudio, lamentablemente Porco Rosso tiene algunas debilidades de historia bastante marcadas. Aun así, tiene momentos bastante memorables, como la estancia de Porco en Milán, que ejemplifican mucha de la filosofía del trabajo que tiene el buen Miyazaki.

Personajes: Ahora vamos con la contraparte del guión y es que en este filme tenemos unos personajes entrañables por donde uno se le vea. Para empezar, tenemos al protagonista, Marco Pagot, que es un piloto con tendencias pacífistas, que busca vivir tranquilamente y al límite, sin apegarse demasiado a algo (en parte por lo que ha vivido y en parte por como es). Curiosamente, para ser un protagonista masculino (algo raro en la baraja de Miyazaki), el personaje esta bien delineado y es muy carismático. Luego tenemos a Fio, la chcia "Miyazaki" por excelencia, que representa a una joven lista, inocente pero bastante enérgica. De allí nos vamos a Gina, Curtis, los piratas del aire, que aunque aparecen poco, van teniendo su rol y su protagonismo de manera entrañable. No es extrañar que muchos fans de la película y del estudio hayan pedido en su momento una continuación, ya que con estos pedazos de personajes, hay de donde exprimir y mucho.
Escenarios: Otro punto muy fuerte son los fondos, que destacan por su belleza, no solo natural (se nota que Miyazaki se paseo por todo el Mar Adriático) sino también por la tomas que se realiza de dichos paisajes. Las partes en que el avión de Porco es como un diminuto insecto mientras atraviesa el cielo, son brillantes. Aquí es donde se entiende la pasión del autor por los aviones.
Diseños: Otra genialidad de Miyazaki. Los aviones, pasando por el hidroavión de Porco hasta el de Curtis, son estupendos. Tal vez se pasa un poco de lanza con los aviones de los piratas, pero aun así, son bastante emblemáticos. Por cierto, el interior de los aviones esta muy bien retratado, en cuanto a su mecanismo, así el uso de madera contrachapada (y que inclusive aviones de la Segunda Guerra Mundial aun utilizarían ese tipo de material, como los Zero japoneses).
Música: Joe Hisashi se vuelve a poner a los controles y hace una delicada banda sonora, mucho más adoc a los años treinta, lo cual hace que las melodías y hasta el leimotiv de Porco sea bastante cadencioso. Tiene su originalidad, pero particularmente, no me gusto tanto, a diferencia de otras obras del mismo compositor.
Doblaje: Aquí vamos con un enorme dolor de cabeza. Ya en entradas anteriores de Ghibli había comentado de los dispares que estan varios doblajes de Ghibli en Latinoamérica. Tenemos bodrios como El Castillo en el Cielo, hasta genialidades como el Castillo Vagabundo. Lamentablemente, Porco Rosso entra en un término medio. La razón es que tenemos algunos buenos actores en el casting (Alan Miró como Porco Rosso o Carlos Becerril como Piccolo senior). El problema viene con el resto, inclusive con Marisol Castro (que en otros doblajes se escucha genial), no solo por las inflexiones emotivas, sino también por la sincronia de labios. Para colmo, las voces de fondo eran inexistentes, lo cual restaba algo de calidad a los momentos clímax.
Curiosamente, había un doblaje mexicano previo, hecho a mediados de los noventas, y que a un servidor le toco escuchar cuando vi la película por el canal HBO y que era estupendo. Lástima que no pudieron traerlo, porque habría sido genial. Tenía voces tan potentes como Carlos del Campo o Monica Estrada.
Curiosidades: Porco Rosso iba a ser un cortometraje, pero el entusiasmo de Miyazaki por el proyecto lo hizo convertirse en una película. La guerra de Yugoslavia lo obligo a poner la película en un tono más serio. Tuvo una limitada exhibición en Europa y fue hasta la década pasada cuando se dio su distribución mundial. En México estuvo a cargo de Zima y en el 2010 ya lo tenemos disponible en formato casero. En nuestro país llego a exhibirse en la TV de paga por el canal HBO Olé que transmitió la película unas cuantas veces a finales de los noventas. La película tuvo tal éxito que origino un manga de 10 tomos y a su vez, esta basado en un manga cortísimo del mismísimo Miyazaki que hizo en 1989.
Ahora, viene un asunto un tanto espinoso. Disney ha sido acusada de manera significativa de "robar" diseños de otros lados, sin comprobarse al 100%. Esto ya lo vimos con el Rey León (siendo su objetivo la obra de Ozamu Tezuka, Kimba el León blanco). En este rubro, tenemos a Tale Spin o Aventureros del Aire, donde es un remake de los personajes del Libro de la Selva, fusionados con el ambiente de los años treinta que manejan en Porco Rosso. Tale Spin apareció en 1992, un poco antes del estreno de Porco Rosso. Muchos dijeron que la película de Miyazaki se baso en esta serie, pero hay que recordar que el diseño de Porco Rosso viene de 1989. Así que no sabemos si ha sido una simple coincidencia o realmente una "adaptación".
Otro detalle potente es que Miyazaki se basa en nuestro mundo real para colocar a Porco Rosso. Claro, no retrata las hordas fascistas con su uniforme de siempre, pero si el diseño de los mismos y no se contiene en mencionar el fascismo y su desprecio de manera evidente.
A título personal: Porco Rosso fue de las primeras películas que vi del Estudio Ghibli (junto con la Tumba de las Luciernagas). Como ya he comentado, me toco verla en el extinto HBO Olé, aunque me costo entenderla, ya que en esos momentos me pareció lenta y con poca acción (aparte de pacifista, ya notan mis gustos en aquellos años). Por ello, me quedé con una imagen un tanto añeja de la misma. Fue hasta unos meses, cuando decidí bajarla (seh, lo siento) y verla nuevamente. Debo decir que me encanto y como algunas cosas se disfrutan mejor a ciertas edades. Sin embargo, si algo noté es que una película para fans, ya que cuando se la puse a mi esposa, no le gusto tanto y hasta le parecio un tanto incompleta. Y para que negarlo, si uno es muy estricto, Porco Rosso no tiene taaanto punch, ya que depende más de su estética y personajes para impresionar, ya que la historia no es tan potente como en otras producciones de Ghibli.

En conclusión, "Porco Rosso" es una película recomendable del estudio Ghibli. Tal vez no tenga la belleza gráfica de La princesa Momonoke ni el guión del Viaje de Chihiro, pero es una buena película de Miyazaki y tiene unos puntos altísimos, en especial en cuanto a sus personajes y el diseño de los aviones o cazas de combate. Aunque eso sí, tiene su punto de fanatismo bastante alto y por ello, al público en general le puede de repente chocar un poco. Bastante recomendable, pese a todo.

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Saludos a mi princesa =3, así a quienes gustan de las películas de Ghibli.

La chica en la chimenea: un emblemático episodio de Dr. Who

Continúan mis andanzas con Dr. Who. Hace un par de meses que comencé a ver la serie y ahora ya llevo tres episodios del mismo (me refiero a los de la época moderna, porque de la viejita, como ya comente, me chute varios). El punto es que pensé en reseñar el especial de 50 aniversario, “El día del Doctor”, pero entrar en tales terrenos no me pareció lo más adecuado, ya que podría hacer una crítica como “lego” y sería bastante razonable, pero me quedaría fuera del paradigma de muchos fans de la serie y podría caer en errores de apreciación muy graves. Por ello opte por mejor en conocer más la serie moderna y ya teniendo más experiencia, no solo reseñar dicho episodio (que por cierto, me encanto) sino también el especial medio cómico que sacaron por esas fechas.

Por lo tanto, me he dedicado a ver más episodios de la serie, no de manera ordenada como es mi costumbre, sino salteados y dando especial enfoque en los favoritos entre los fans. Como detalle, he querido irme de “Doctor” en “Doctor”. Ya vi un par del décimo, interpretado por David Tennant, pero ahora quise irme con el noveno, que estuvo bajo la batuta de Christopher Eccleston. Debo decir que ahora Tennant es mi favorito (ya que la personalidad de Eccleston todavía no me pega lo suficiente, falta ver ahora en “Niño vacío”, el cual llevo un poco visto. Matt Smith tiene lo suyo, pero luego brincare hacia sus temporadas) y por mucho. Si ya en su escasa participación en “Parpadeo” me había llamado la atención, en el siguiente episodio que voy a reseñar, la cosa alcanza tintes de genialidad.


La chica en la chimenea (The Girl in the Fireplace) es el cuarto episodio de la segunda temporada moderna de la serie británica de ciencia ficción Doctor Who, emitido originalmente el 6 de mayo de 2006. Fue nominado para un Premio Nebula y ganó el premio Hugo 2007 a la mejor presentación dramática en forma corta.


Detalles técnicos: La chica en la chimenea (The Girl in the Fireplace) es el cuarto episodio de la segunda temporada de Dr. Who (de la serie moderna), teniendo a David Tennant como el décimo doctor y a Rose Tyler (Billie Piper) como la acompañante Rose Tyler y ya en compañía de su “peor es nada”, Mickey (Noel Clarke). Fue emitido el 6 de mayo del 2006.
La idea original vino del productor de la serie en aquel entonces, Russel T. Davis, que un año antes, había producido una serie costumbrista de la revolución francesa, así que decidió incorporar dicho instante en Dr. Who. Para el guión, estuvo a cargo el genial Steven Moffat, que tomo elementos de varias novelas para crear una línea de tiempo donde pudiese mezclarse una historia de amor y un personaje tan emblemático como Madame de Pompadur. Por cierto, la actriz que interpreto a dicho personaje histórico, fue la guapa Sophia Myles, que por aquellos tiempos, estaba saliendo con David Tennant (y que como comenta, no tuvo que hacer casting, sino le ofrecieron dicho papel). El episodio tuvo unas excelentes críticas y estuvo nominado a los premios Nebula y Hugo, del cual gano este último en el 2007.

Argumento: El doctor, Rose y Mickey se encuentran una nave abandonada en los confines del espacio. Luego de revisarla, se dan cuenta de que su tripulación ha desaparecido, pese a que la nave se encuentra funcional. Durante la revisión de la misma, se encuentran una misteriosa chimenea, donde la cual el doctor visualiza a una niña pequeña. Luego de unos momentos, se decide a investigar y se encuentra a la chiquilla ya un poco más grandecita, lo cual se va repitiendo en el resto del episodio, donde en los instantes que el Doctor regresa y va de la nave, la joven se convierte en una hermosa joven llamada Jeanne. Esta inmediatamente comienza a coquetear con él (a lo cual también corresponde), pero en el intervalo, unos villanos hechos de piezas de reloj tratan de capturar a la susodicha joven para robar su cerebro e instalarlo en la matriz central de la nave y así conquistar el universo. La susodicha chica, no es otra que la célebre amante de Luis XIV, Madame de Pompadur.

Opinión personal: luego de ver el mítico episodio de “Parpadeo”, pensé que había arruinado mi entrada a la serie, ya que este era considerado el mejor de los mejores de Dr. Who. Por lo tanto, el resto de los episodios, aun los recomendados por los fans, no tendrían una calidad tan alta y me terminaría aburriendo. Por suerte, me equivoque y por algo el “Doctor” sigue siendo una serie mítica, donde puedes encontrar genialidades a cada rato.  Como prueba este episodio, que aunque maneja cuestiones temporales muy al estilo de Moffat, es genial por donde lo veas.

Para empezar, el argumento es fabuloso, ya que mezcla dos ambientes totalmente distintos: uno al estilo de una nave como de Aliens y otro, donde nos movemos en las épocas clásicas de la Francia de Luis XV. Si algo admiro de Moffat (no solo por esta serie, sino lo que ha hecho con Sherlock), es la capacidad de conectar diferentes momentos, ambientes o estilos de tal manera que formen parte de una sola trama. Y aunque acá nos volvemos a encontrar uno de sus clichés favoritos, que son las líneas temporales, nadie las utiliza como él, dando a un episodio bastante rítmico y sumamente divertido, lleno de comentarios con mucho sci-fi y también de historia.

Sin embargo, si uno viese estos episodios con actores regulares a mediocres, las cosas no funcionarían tan bien. Por suerte, aca Tennant, Piper y Myles hacen genialidades con sus personajes. Ya había dicho que el décimo doctor se estaba convirtiendo en mi favorito, no solo por los geniales diálogos que le crean, sino también por la misma interpretación de Tennant. Cierto que por momentos se pasa un tanto de locuaz, pero la forma que tiene de resolver algunas situaciones y hacer creíble su personaje, no tiene comparación. Falta verlo en este episodio, donde oscila en muchas frecuencias de la actuación: romance, comedia, drama, etc. etc. Aparte, gracias a Dios, no lo veo con esa sobreactuación que le vi en Harry Potter siendo Barty Crouch Jr.
De la que no puedo dar mucha opinión es de Rose, que aunque muchos la describen como una de las mejores “companions”, acá si hace un buen papel, siendo más la mano derecha del doctor que una chica que se mete en líos (como estoy notando en la temporada del doctor de Eccleston).

Pero nuevamente, la protagonista invitada es la que se lleva las palmas, no solo por belleza, sino por su contundencia: Sophia Myles. Si ya Carey Mulligan me había hechizado en “Parpadeo”, acá Myles la mueve y muchísimo, mostrándose como una mujer segura pero a la par inteligente y con bastante carácter, pero sin perder ese aire de princesa que debe ser rescatada. No sé que tienen las actrices inglesas, que no rebozan una belleza física impresionante, pero en su forma de moverse y andar, son brutales. Aparte de que la química entre Tennant y la susodicha era bastante alta (como dije, eran pareja en aquel entonces). Lamentablemente el único que desentona es el pobre Mickey, que resulta ser un postizo demasiado pesado por momentos.
Nuevamente Moffat nos saca unos villanos bastante emblemáticos, que sin necesidad de tener un arma poderosa, su presencia y físico son lo suficientemente aterradores para que los veas como una amenaza constante (aun cuando de repente sacan una especie de navaja suiza como arma). A tal grado son tan potentes que basto que mi esposa los viera unos momentos para que no quisiera ver el episodio. Y pues sí, los condenados que intimidan, intimidan.

En conclusión, “La chica en la chimenea”, es un episodio formidable de la serie. Si “Parpadeo” había dejado la nota muy alta, este capítulo tampoco desmerece y personalmente me encanto. Curiosamente, pensé que el romance iba a fregarlo (aunque me gusta, queda un poco de más en las series de ciencia ficción), pero al contrario, le dio un toque muy nostálgico y hasta triste al final. Aparte, que a nivel personal me llego, debido a que soy un fan de la historia y cuando la sabes conjugar con algo de ciencia (no llegando tanto al estilo steam punk), es de llamar la atención. Altamente recomendable y aunque si necesitas saber un mínimo de Dr. Who (a diferencia del otro, que allí si podías entrar sin preámbulos), aun así, es bastante entendible y disfrutable.

¿Y ahora que sigue? Bueno, espero hacer una próxima entrada sobre “Niño vacío/Dr. Baila”, pero a ver si no me termino decantando por las temporadas de Matt Smith, porque insisto que Eccleston no me termina de convencer (eso y que la forma en que están hechos estos capítulos no me pegan tanto). Tal vez está pasando como decían en el podcast de la Órbita de Endor, donde Antonio Monfort comentaba que siempre habrá un doctor favorito para cada persona. A ver si Tennant es ese doctor. Eso lo veremos en un futuro.

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Saludos a mi esposa :3, así a quienes gustan de Dr. Who.

Rolas de los Ochentas: Una cuarta parte que tiene de todo

Los momentos de tristeza van y vienen. También las situaciones difíciles o los instantes donde uno piensa que todo se va al demonio y no hayas de donde agarrarte. Por suerte, siempre hay unos buenos balsamos (aparte de mi adorable mujer) que siempre te sacan a flote, aun estando con el ánimo por los suelos.

Por supuesto, hablo de la música de la década de los ochenta. No me canso en reafirmar que esos años dieron lo mejor en este rubro y que lo que vino después, no ha tenido la misma calidad. Muchos se quejan de lo artificioso de la composición, pero al fin al cabo, sento precedente para las décadas posteriores, al grado que muchos íconos de aquellos años se han vuelto a poner de moda. Los Ochentas eran, son y serán para siempre.

Por lo tanto, aquí va otra entrada dedicada a las mejores melodías de aquellos años, por una cuarta ocasión.


Kyrie - Mr. Mister

Mr. Mister es una agrupación poco conocida en estas latitudes, aunque no tanto en Chile, donde el grupo llego a tener una fuerte polémica con el entonces gobierno de Pinochet, cuando leyeron una declaración a favor de los perseguidos políticos en 1988. Pero en 1982, el grupo tuvo su mayor auge, cuando una rola, compuesta por John Lang, logró llegar a ser la número uno en la radio americana por espacio de dos semanas. Seh, hablamos de "Kirye", esa canción que tiene reminiscencias religiosas bastante marcadas (Kirye significa "Señor" y forma parte de los ritos cristianos orientales y algunos occidentales). Fuera de una letra marcadamente espectacular y un ritmo formidable en la instrumentación, personalmente no la conocía hasta que hace un par de años escuche un demo de la misma en un video compilatorio. Me enamore de la misma en ese momento y actualmente la escucho para levantarme el ánimo.


Twilight - Electric Light Orchestra

Electric Light Orchestra (ELO para los cuates) fue uno de los grupos de rock y luego electrónico más emblemáticos de los años setentas y parte de los ochentas en Inglaterra. Llego a tener un gran éxito con su album Discovery y trataron de repetir el éxito con "Time". Sin embargo, el cambio de estilo de ELO les costo varios fans y la crítica fue un tanto dura con ellos. La canción que más destaco de dicho albúm fue esta, Twilight y no precisamente en Europa (en EUA ni se diga, apenas llegaron al puesto 38 del Billboard), sino en Japón, donde la canción fue tan laureada que inclusive se utilizo en seriales y programas sin autorización. Parece que el legado continuo años después, porque precisamente llegue a escuchar esta formidable rola tecno-ochentera en el dorama "Densha Otoko", donde llego a ser el opening oficial de la dichosa serie. Con el tiempo, Twilight se ha convertido en una de las rolas más emblemáticas de los principios de los años ochentas.


Michael Bolton - How Am I Supposed To Live Without You 

Al fin tenía que aparecer una rola del emblemático Michael Bolton en este conteo. Este cantautor fue (y sigue) siendo un ícono de los años ochentas, por imprimir un estilo muy particular a sus canciones, de corte romántico lacrimogeno, al grado que varios de sus rolas protagonizaron los primeros lugares del Billboard, en especial cuando aparecían en las películas de aquellos años ("Cuando un Hombre ama a una mujer" por ejemplo). La historia de esta canción es rara. Bolton la escribio en 1983, pero otros cantantes, como Laura Branigan se encargaron de interpretarla a mediados de los ochentas, hasta que el mismo Bolton la saco en 1989 con su propia voz. En lo particular, la canción me gusta a secas. No es de mis favoritas y es que no tiene tanto ritmo, aunque la letra si es bastante llegadora (y lo cul demuestra que en el fondo, sigo siendo un cursí de primera).


Richard Marx - Right Here Waiting 

Richard Marx se ha convertido en uno de mis interpretes favoritos, no tanto por su voz, sino por el tipo de rolas que le ha tocado interpretar. Una de las rolas que me hizo acercarme a este cantautor, fue "At the Beginning", perteneciente al albúm de la película Anastasia. Sin embargo, Marx en los ochentas hizo sus pininos, primero como apoyo vocal para Lionel Ritchie, el cual le ayudo a sacar su primer albúm que tuvo un éxito moderado. Sin embargo, el segundo es donde se desprendió su "Hit Wonder", que es justamente esta melodía que se estreno en 1989. En aquel entonces, Marx compuso dicha canción para su entonces novia y luego esposa, Cynthia Rhodes. Aunque hace poco, ambos se separaron, el encanto de esta melodía es apabullador. La forma en que la conseguí, fue también en una temporada donde estaba idiotizado por una relación, así que esta rola se convirtió en mi himno de batalla en aquellos años.


Waiting a Girl Like You - Foreigner

 Es curioso como pasa el tiempo. Hace 15 años, esta melodía me tenía bastante traumatizado, al grado que la escuchaba hasta 10 veces al día. Un compañero de aquel entonces en el negocio de los fics, tenía una página con sonido que era esta rola en formato midi. El ritmo de la misma era tan genial que me termine descargando el mp3 con el topoderoso Napster. Técnicamente, se convirtió en una de mis primeras descargas de música. Lamentablemente, ciertos eventos de aquellos años, me terminaron por hacer que odiara la canción, aunque en tiempos actuales, esta teniendo una nueva renovación. Aunque el ritmo es cadencioso y un poco lento, su letra es formidable (y eso que me fijo poco en ese rubro en las canciones). Dejando el lado personal, esta rola aparecio en 1981, cortesía del grupo Foreigner en su albúm "4" y tuvo un éxito abrumador, convirtiendose en la rola emblema de muchas bodas en aquel entonces (y hasta la fecha).


Lionel Richie - All Night Long (All Night) 

Lionel Ritchie fue considerado de los últimos grandes coletazos que tuvo la disquera Motown. Aunque esta aun continua vigente hoy en día con buenos exponentes, los años sesentas y setentas fueron una época brillante para la productora, al grado que llegaron a dominar el mercado. Ritchie vino a darle un aire distinto y se mantuvo vigente durante toda la década de los ochentas con diversos éxitos. Uno de ellos, fue esta rola, que fue sacada en 1983 y que en su momento, llegó a competir directamente con el gran éxito de Billy Joel, "Uptown Girl". Curiosamente, el éxito de Ritchie no fue tanto en su propio país, sino en los países arabes, donde su ritmo llego a imponerse. Para esta canción, la instrumentación se baso en ritmos africanos, de allí que algunos coros tengan reminiscencias de ese continente. En lo personal, esta rola la consigue cuando hace unos 5 años, la escuche de oído en una radio ochentera y me encanto. Inclusive la utilice como inspiración para un fanfic posterior.


R.E.M. - Losing My Religion 

Aunque esta rola pertenece a 1991, en realidad siempre es enmarcada dentro de los años ochentas, ya que aun teníamos latigazos de aquellos años por esa época. Creada por el grupo de música alternativa R.E.M., vino a representar el paulatino cambio entre los plásticos ochentas con el nuevo sonido indy de los noventas. La canción fue objeto de los primeros llamados comerciales que hizo la cadena MTV, ya que la promoción que le dieron fue tan grande que rapidamente gano furor entre los escuchas, al grado que la canción estuvo en los primeros lugares del Billboard en 1991. Particularmente, está no me llama mucho. Sí, sonará extraño, ya que cualquiera conoce a REM por esta rola, pero en lo particular, tanto el sonido como la letra jamás me han impactado demasiado. No obstante, sigue siendo un clásico y por tal motivo, merece estar en esta entrada.


The Police - Every Breath You Take

Las palabras se quedan corta ante esta formidable rola, compuesta por Sting y que se estreno en 1983, cortesía del grupo The Police. Ganadora de inumerables premios, como un Grammy, represento el estirón en la carrera de Sting, que posteriormente dejaría la agrupación y se dedicaría a rolear en solitario. Como muchas canciones, me sorprendí mucho al escuchar la letra, ya que aunque tiene tintes románticos, por otro lado, parece una melodía digna de un tipo obsesivo y controlador (y con razón, Sting la escribió en un momento en que su matrimonio se venía abajo). Lo destacable, a modo personal, es la intensidad de la misma y también del excelente video que hizo el grupo para promocionarla, donde vemos a Sting tocando un contrabajo mientras canturrea la misma. En su momento llego a ser una de mis favoritas, pero supongo que la queme, ya que la escuchaba a cada rato y por ello, la deje un rato abandonada en el baúl.


Scorpions - Wind Of Change 

Ya con la rola 99 luftbaloons, vimos que los ochentas no solo fue una década de diversión, sino también de cambio. Fue la década en que los movimientos sociales lograron cambios importantes, con apenas unos cuantos tiros o nula violencia, como La Caída del Muro de Berlín. El grupo The Scorpions había cosechado un gran éxito en la naciente juventud soviética y quisieron repetir el éxito, con la salida de esta emblemática rola en noviembre de 1990. La potencia de la canción fue tal, que inclusive se grabo, no solo en español, sino también en ruso. Debo decir que fue otra de las primeras canciones que logre descargar del viejo Napster a finales de los años noventas en su versión original y luego logre conseguirla en español. Aparte de su ritmo bastante potente, la letra de la misma es emblemática a morir. Durante un tiempo, fue de las canciones que tenía en el reproductor o en el celular de turno.


Survivor - Eye Of The Tiger

Survivor llego de manera fortuita a manos de Stallone en 1983, cuando un jovencísimo Tony Scott le puso varias rolas del susodicho al protagonista de Rocky. Stallone notó que el estilo de Survivor le convenía a su saga, la cual iba a estrenar la tercera película y rapidamente le pidio un tema emblemático a la banda para ser el intro de Rocky III. Los compositores pusieron manos a la obra y "Eye of Tiger" se convirtió en Hit en aquel año, donde cosechó grandes éxitos y buenas críticas. La letra de esta rola es espectacular, ya que parece relatar la forma y estilo que tenía Rocky, donde "El más fuerte solo sobrevivirá". Como es lógico, esta es una de mis canciones favoritas de toda la saga del Semental Italiano (más cuando Rocky, no solo tiene un OST formidable, sino también unas vocales únicas). Técnicamente, esta canción se ha convertido en mi himno de batalla en los últimos meses y la pongo cada vez que ando deprimido o para levantarme el ánimo, previo al ejercicio.

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Saludos a mi mujer :3, así quienes gustan de las rolas ochenteras.

Hikaru Shidou: la guerrera de Fuego de Magic Knight Rayearth

El próximo año se cumplen ya 20 años de la primera emisión que tuvo el anime de las Guerreras Mágicas en nuestro país. Hablar de aquellos años, no solo es sacar una gran cantidad de recuerdos personales, sino también comentar de lo que se llamo la primera revolución del Anime en México.

Aunque Robotech, Voltron, Mazinger, Candy y otras series hicieron su cosecha en los años ochentas, fue la aparición de Saint Seiya lo que marco un hito definitivo para el establecimiento del anime en la región. Y aunque muchos dicen que Dragon Ball dio el banderazo, este no hubiera sido tan potente, sin el apoyo indirecto del género shoujo, el cual TV Azteca trajo por carretadas en 1996: primero con el estreno de Sailor Moon en marzo de aquel inolvidable año y luego en junio, de las Guerreras Mágicas.

Magic Knight Rayearth, lanzado a mediados de los noventas, se considero la punta de lanza del grupo CLAMP y que le permitió destacarse, no solo por el arte que tenía dicha obra, sino por la historia que mezclaba la acción, la magia, el romance y el drama, muy al estilo de un RPG (como la misma Fuu - Anaís - llega a comentar en un episodio). Claro, en el momento que se exhibió en México, de repente muchos vieron una rivalidad entre la obra de Naoko Takeuchi, la mencionada Sailor Moon. Sin embargo, aunque los mangas tienen ciertas similitudes, los animes se fueron por caminos muy distintos, creando un fandom muy específico para cada uno de ellos. Sailor Moon era una serie muy rosa, con tintes cómicos y con momentos ocasionales de drama, mientras Guerreras Mágicas era un anime más serio, con un romance un tanto más adulto y con cuestiones tanto filosóficas como éticas bastante marcadas.

Para un servidor, tal rivalidad era infundada y veía los dos seriales sin tapujos. Y aunque a la fecha, Sailor Moon se considera un ícono, Guerreras Mágicas también alcanzo un estatus de culto, más que nada en los viejunos como un servidor. Fue tal impacto de esta saga, que inclusive la Editorial Toukan en su momento trato de sacar el manga, con los resultados ya comentados en otra entrada, lo cual a mi parecer, se considero una medida acertada, ya que el manga era corto (apenas 6 tomos) y el fandom estaba muy fuerte en aquel entonces.

Por esto, creo que considero necesario hacer un análisis de "personaje por personaje", tal como lo estaba haciendo con las protagonistas de Sailor Moon. Claro, acá será un tanto más corto, pero si algo tenía a favor esta saga, eran los charas, que eran sumamente carismáticos y muy diferentes entre sí. Por lo tanto, el primer personaje a analizar, es Hikaru Shidou o Lucy González (para los cuates).


Hikaru Shidō (獅堂　光 Shidō Hikaru?) o Lucy González (Versión Angelina), es un personaje ficticio del manga y anime, "Magic Knight Rayearth".

Hikaru es una niña de Tokio, protagoniza una historia donde es transportada con otras dos chicas: Fū y Umi, a un mundo mágico al que deben salvar. Las chicas se hacen grandes amigas y pasan innumerables aventuras.


Hikaru Shidou es una chica de 14 años, cursa el octavo año de la escuela media elemental (que sería el equivalente al segundo año de secundaria en nuestra región). Es una adolescente de estatura corta (lo cual constantemente le recriminan durante la serie), bastante vivaz y alegre. Es practicante de kendou y su familia tiene un dojo bastante renombrado. Aparte, es la hermana menor de 4 hermanos (Satoru, Masaru y Kakeru. Obviamente no voy a decir la adaptación de sus nombres en español latino).

Su primera aparición es en la Torre de Tokio, cuando en un viaje por parte de su escuela, en un momento se encuentra con Umi y Fuu, lo cual provoca que las tres viajen al majestuoso mundo de Céfiro. Desde el principio, el optimismo de Hikaru va sacando adelante al grupo, al grado que es la primera en aprender la magia, por cortesía de Guruclef, siendo su ataque primario a base de fuego (Hono no Ya - Flechas de Fuego), con el cual logra derrotar a Alcione (Alanís). Durante el resto de los episodios, Hikaru se revela como una joven idealista, con un temperamento bastante templado, hasta por momentos inocente (lo cual se demuestra en el anime y en el manga, cuando algo la sorprende o no comprende, es mostrada como una chica gato).

Justamente es su carácter lo que termina haciendo que el personaje, al menos en la primera temporada, sea menos chocante, ya que mientras Umi se muestra irascible y Fuu como una estricta gruñona, Hikaru siempre esta contenta u optimista, lo cual lleva a verse como un personaje muy poco evolucionado. Sin embargo, aunque en el transcurso de la primera temporada es quien logra hacer una mayor evolución de su espada, es la última en conseguir a su Genio (Mashin), llamado Rayearth, que es un León de fuego (tal como se traduce su nombre del japones).

A partir de la muerte de la princesa Esmeralda, es donde vemos otro espectro de la personalidad de Hikaru, donde demuestra ser una chica extremadamente sensible, llegando a sentirse responsable directa por la muerte de Esmeralda. Aunque esta situación es más atenuada y compartida en el manga, en el anime se hace tan acentuada que los sentimientos de la chica la meten en un lío tremendo, primero al crear a un ser que resulta ser su contraparte (Nova/Luz), con el cual logra alimentar indirectamente a Debonair, la antagonista en el anime. Aquí es donde se vió el mayor potencial de Hikaru, ya que vemos que la segunda temporada narra el crecimiento emocional de la chica, pasando de ser una joven insegura y frágil (su carácter alegre y optimista resulto ser una fachada para ocultar su sensibilidad) a creer ferviemente en lo que ella siente (lo cual se demuestra cuando acepta sus sentimientos por Latis y también en creer que es un buen prospecto para el susodicho).

Aunque el manga y el anime mantienen diferencias importantes con el final, al fin a cuentas, Hukaru se convierte en el nuevo Pilar, pero en lugar de aceptar dicho puesto, decide que los habitantes de Céfiro sean quienes controlen su destino y el de su mundo, por lo cual, el sistema del Pilar es abolido. En el trance, Hikaru también establece una relación especial con Eagle Eyes, líder del planeta Autozam, que pretende tomar el control de Céfiro, convirtiéndose en el Pilar. En el manga, es notorio una especie de triángulo amoroso entre Hikaru, Eagle y Latis. Sin embargo, el anime, al menos en esta parte del charco, esa situación se vió disminuida, ya que Eagle fue transcrita como una chica, debido a la cantidad de contactos "homo-homo" que había de parte de él con Geo-Metro o con el mismo Latis.

Finalmente, Hikaru y sus amigas, luego de la batalla final, deciden volver a Tokio, aunque con la posibilidad de volver a Céfiro en una próxima ocasión (cosa diferente en el manga, donde las chicas podían moverse de un lugar a otro sin problemas).

A título personal: Hikaru, o Lucy, siempre me parecio el personaje menos carismático del trio protagonista. Como ya comente, su personalidad era demasiado extrovertida, al grado que resultaba chocante. Umi (Marina) era divertida de ver, ya que tenía unos cambios de humor bastante bruscos, mientras Fuu (Anaís) con su característica manera de ser, me termino ganando el corazón. El problema es que la evolución de Hikaru nunca fue tan uniforme y se denoto en especial cuando pasamos de la primera a la segunda temporada, donde ya me había acostumbrado al carácter de la pelirroja, que verla gimotear en un rincón, por Esmeralda, su destino o Latis, jamás me termino de convencer. Quizás se reinvindicó un poco cuando acepto a Nova y ambas se fusionaron. Allí sentí que el carácter de la chica volvió a ser un tanto como antes.

Curiosamente, de las mejores partes que tuvo fue cuando conoce a Geo y a Zaz, los lugartenientes de Eagle (en especial cuando le dan ese traje que Zaz le hizo, muy al estilo de su planeta). Aunque allí sigue moqueando, su manera de ser contrasta perfectamente con las personalidades de los chicos de Autozam e hizo el momento bastante divertido (aun más que los encuentros que tuvieron Fuu y Umi con Faren y Zizeta).

Aparte, en cuanto a su diseño, técnicamente era la menos atractiva de todos. Sin embargo, conforme avanza la serie, me agrada como la hacen más guapa (y para que negarlo, verla triste resalta mucho de sus rasgos). 

Por cierto, los poderes de Hikaru, aunque muy prototípicos (Flechas de Fuego / Rayos de Luz), son bastante espectaculares y más cuando se fusiona con su Mashin, el cual llega a inclusive a tener una especie de escudo de forma animalistica (como una garra de león), dandole un toque muy particular. Aparte de que su traje de batalla final era digno de una amazona.

En cuanto al doblaje, debo decir que en un primer momento, Hikaru sufrió bastante. No es que Ivette González no lo hiciese bien, sino el tono de voz que eligió para el personaje era demasiado chillón y por momentos hacía un tanto más insoportable al personaje. Sin embargo, con el paso del tiempo, se escucho mejor, al grado que me gustaba más escuchar su voz que la de Erika Robledo (que le sustituyo en algunos episodios. Como ejemplo de esto, tenemos a Sora Naegino de Kaleido Star, donde Shirley Marulanda le dio un tono extraño a su personaje, pero al tiempo, ahora no puedo escuchar la serie sin el doblaje colombiano).
A esto, hay que agregar que a finales de los noventas, hubo una fiebre del doblaje muy fuerte y lamentablemente, la información que se tenía entonces era a base de escuchar a los actores, más que de información oficial como se dispone hoy en día. Por lo tanto, los doblajes hechos en EUA tenían cada puntada. En su momento, las 3 actrices de doblaje se llegaron a intercambiar sus nombres y fue todo un lío.

Como dato curioso, la imagen de Hikaru fue reciclada por las CLAMP, siendo el modelo de Hikaru, la Angel de Misaki en Angelic Layer.

En conclusion, Hikaru cumple con el papel de cualquier protagonista principal de anime, siendo al principio la chica animosa y optimista, pero luego va revelando una personalidad mucho más compleja. El problema, recayo bastante en el asunto del cambio, que no se da de buena manera.

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Saludos a mi Fuu :), así a quienes gustan de las Guerreras Mágicas.

Al filo del Mañana: una adaptación diferente de All You Need is Kill

Ahora sí, vamos con la crítica completa sobre el serial de "All You Need is Kill", que empezamos hace unos días al analizar el manga de Takeshi Obata. No es que me haya hecho un fan incondicional de la franquicia, pero si me gusto mucho y los productos relacionados me han parecido muy correctos (incluyendo esta película, que tuvo muuuuchas curiosidades al respecto y que vamos a comentar).

Pero haciendo una rápida sinopsis, All You Need is Kill trata sobre un soldado raso atrapado en un bucle temporal: cada vez que muere, vuelve al día anterior a la batalla, lo cual a la larga le va ocasionando heridas mentales y la primicia de volverse más fuerte para escapar de dicho evento de una vez por todas.

El año pasado se exhibió la adaptación cinematografica, teniendo a Tom Cruise como protagonista y que ya venía tiempo cociendose, desde que Viz Media saco la novela en el 2009.


Antecedentes: Desde que Viz Media saco la novela original por el 2009, Warner Bros se intereso en hacer una adaptación en película gringa, mediante la productora de la editorial, 3 Arts. El problema fue el desarrollo del guión, que como se comentara más adelante, tuvo hasta 3 guionistas distintos y la metida de mano del mismo director durante la misma filmación. Para el 2011 se propuso a Brad Pitt en el papel principal, pero este declino la oferta, la cual acepto Tom Cruise sin problemas. La fotografía principal se realizo en los famosos estudios Leavesden, así en ciertas regiones de Doven, donde se filmo la batalla de playa, por su parecido a las regiones de Normandía. La fotografía principal duro todo el semestre final del 2012 y la edición a principios del 2013, inclusive con tomas extras en septiembre de ese año. Durante ese tiempo, se cambio el título de la película, pasando de "All you Need is Kill" a "Edge of Tomorrow". Finalmente, se estreno a finales de abril del 2014 con muy buenas críticas, pero una extraña y baja recaudación entre el público. En México pudimos disfrutarla a mediados de mayo del año pasado.
Historia: En un futuro cercano, la Europa continental se ha visto invadida de repente por una suerte de parásitos extraterrestres llamados "Mimics". Las fuerzas militares han sido barridas en un instante, pero gracias al rápido impulso de la tecnología, las Naciones Unidas en conjunto desarrollaron un traje de combate, un cyberesqueleto, que permite enfrentarse a los dichosos Mimics, lo cual conlleva a que los humanos tengan su primera victoria en Verdun. Ante esto, se prepara una nueva ofensiva en Londres y el promotor William Cage (Tom Cruise), una suerte de soldado de relaciones exteriores, se mete en un lío al hacer declaraciones poco afortunadas hacia el general Brigham, lo cual conlleva a que sea arrestado y enviado a la línea del frente. Durante la batalla, Cage es muerto a la par que es bañado por un extraño líquido, todo mientras ve frente a él, a Rita Vratasky, la perra infernal, un as de combate que tuvo su mayor lucimiento en Verdún. Cage despierta y vuelve al  instante en que fue llevado a las barracas y piensa que tuvo un sueño horrible, pero al morir, regresa a ese momento una vez, dándose cuenta de que esta atrapado en un horrible bucle temporal que le hace volver a la vida.
Guión: ya había expresado mi alabanza hacia la primicia de la historia, es que estupenda por donde uno la vea. Ahora, el objetivo de esta entrada es marcar las diferencias entre la versión original y la película. Aunque me cueste admitirlo, debo decir que los guionistas Christopher McQuarrie, Jez Butterworth y John-Henry Butterworth hicieron un buen trabajo, ya que mantuvieron mucho del espíritu original de la obra, pero dándole un toque más cómico al asunto (en especial en el entrenamiento que va pasando Cage para volverse más fuerte). Claro, esto en parte gracias a Doug Liman, el director de la película. Resulta que cuando leyó el guión original, le pareció demasiado crudo y oscuro, por lo cual fue haciendo modificaciones conforme hacia la fotografía principal. Debo decir que tales remedos si ayudaron a que el filme fuese mucho más llevable, ya que tanto la novela como el manga por momentos son bastante deprimentes. Inclusive, el final me pareció muy adecuado, aunque se desconecta totalmente del original, amén de que la explicación del bucle temporal me pareció un poco más contundente. El problema viene por la manufactura "gringa" y es que primero, el protagonismo recae absolutamente en Tom Cruise (lógico, es su película) y descuidan demasiado a un personaje tan potente como Vitratsky. El otro es el final, que a muchos no les gustará, aunque en mi particular, me pareció una buena manera de cerrar el filme.

Personajes: Si en las obras originales, los protagonistas y demás personajes tienen su cierto carisma, en esta película toooodo recae en Tom Cruise y su chara. Pero debo decir que no lo hace nada mal. Si en el "Último Samurai" el chara de Cruise era por momentos omnipotente, acá la cosa se rebaja y mucho, ya que Cage esta diseñado como un alfeñique y cobarde, que va evolucionando de manera formidable. El problema es que su contraparte, Rita, no tiene ese peso y se diluye rápidamente si no esta en la pantalla. Podría decirse que tampoco es problema del guión, sino de la misma Emily Blunt. Sí, muy guapa, pero pese a que se ve su compenetración con el papel, al tener los músculos necesarios, su porte es tan aristocrático que no la veo como Vatratsky. Lamentablemente, otro punto en contra es el desaprovechamiento del grupo de Cage que tenía harto potencial, pero quedan como unos secundarios muy cliches.
Fotografía: Dion Beebe hace un buen trabajo, pero a secas. Es un rubro poco potente de la película y es que hay demasiadas tomas cercanas. Lo ideal en películas de acción es hacer tomas abiertas para mostrar la grandilocuencia. Sin embargo, acá eso es casi nulo y el desembarco en Francia, se queda muy mocho, para la cantidad de efectivos que hay entre ambos contendientes. Sí, lo hace una película muy intimista, pero esto es acción, no un drama, pero bueno.
Efectos especiales: Uno de los mejores rubros de la película. No se nota demasiado el CGI y los exoesqueletos se ven muy bien (aparte de tener un sistema limitado de armas y de energía). Ni se diga los Mimics, que le dieron un aire mucho más mecánico. Por cierto, muchas tomas de los trajes o exoesqueletos eran reales. Se dieron a la tarea de hacer auténticas moles de 39 kilogramos que emulaban a dichos trajes.
Música: no destaca de manera particular partitura de Christophe Beck, pero se adecuada bastante bien al filme y no desentona en ningún momento.
Doblaje: Arturo Mercado Jr. vuelve a cumplir como la voz ya de Tom Cruise desde hace unos buenos años y el cast está bastante bien. Tal vez Rosalba Sotelo no me pareció la mejor elección para Emily Blunt (sigue sin buscarme mucho su voz o caracterización).
A título personal: Edge of Tomorrow era una de las películas que tenía planeada ver el año pasado, pero la falta de efectivo fue lo que me limito verla en su momento. Lo peor es que pese a la crítica taaan buena, la recaudación de la misma no lo fue tanto. Algo que me termino sorprendiendo, ya que la película es bastante buena, entretenida. Tal vez es porque Tom Cruise ya está algo quemado y los fans pensaron que era una pifia. Sin embargo, debo decir que es agradable de ver y tiene un buen ritmo. Cuando la baje, me puse a ver unos minutos y técnicamente me pase las siguientes dos horas disfrutándola sin parar.

En conclusión, "Al filo del Mañana", es una película bastante entretenida, divertida y que tiene unos tintes cómicos muy negros, pero bastante efectivos. Sin embargo, pese a la primicia, padece de ciertos fallos bien gruesos, como el protagonismo casi absoluto de Tom Cruise y algunas tramas que fueron aligeradas para que pudiesen ser asimiladas por un público de todas las edades. A mi me parecer es una película recomendable y que pueden disfrutar sin mayores tapujos. Tal vez decaiga en ritmo en el último tercio, pero por razones que uno verá conforme avance la película. Aparte, me pareció una buena adaptación de un producto japones y que no demerita en absoluto el producto original.

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Saludos a mi esposa ^^, así a quienes gustan de este tipo de películas

Yat Ashin: Una serie efímera en nuestro país

Hablar de "Yat" es hacer referencia a una época dorada donde el anime se exhibía sin desparpajo en la televisión abierta. Lamentablemente, la serie también fue víctima de la repentina censura que cayó sobre las televisoras (todo gracias a cierta mujer que aun hoy es sinónimo del Anticristo y sin temor a exagerar). Lamentablemente, también dicho anime no fue muy conocido entre los fans, no solo por lo anterior, sino por las emisiones irregulares que tuvo en el lejano año de 1999-2000.

Por suerte, para un servidor, la cosa no fue tan mala y logre disfrutar la mayoría de los episodios de dicho anime (al menos de la primera temporada) y de un doblaje que llego a ser bastante bueno (pero muy tropicalizado para nuestra cultura). Por tal motivo, vamos a  hablar de esta serie, que no solo tuvo cierto punch en nuestro país, sino también en otras latitudes de Latinoamérica y también en la madre patria, España.


YAT Anshin! Viajes espaciales de Lujo (YAT安心！宇宙旅行 YAT Anshin! Uchū Ryokō?) es un anime de ciencia ficción producido por Group TAC, y emitido en la cadena japonesa NHK desde el 5 de octubre de 1996 hasta el 27 de septiembre de 1997, se emitió una segunda serie del 11 de abril de 1998 al 3 de octubre de 1998. El anime también se ha difundido en Singapur, España, México, Israel, Filipinas, Indonesia y Perú, y América del Norte. A pesar de su fanbase, no hay planes para un doblaje inglés a partir de 2009, 11 años después de que el último episodio fue transmitido en Japón.


Yat Anshin! Uchu Ryoko fue un anime original (no basado en algún manga, novela ligera o similares) producido por el estudio TAC y emitido por la cadena NHK entre 1996 y 1998. La primera temporada, se emitió en la temporada de otoño de 1996 y se prolongo por un todo un año, compilando 50 episodios. La serie fue tan bien recibida por la crítica, que permitió hacer una segunda temporada, que se emitió en la temporada de primavera de 1998 y tuvo 25 episodios.

Como se dijo, la serie fue tan popular que no tardo en emitirse en otras latitudes. En Latinoamérica, vino de la mano de Tv Azteca y distribuidoras en algunos países de la región, como Perú, Ecuador, etc. etc. Esto entre los años de 1999 a 2002, teniendo un doblaje mexicano bastante peculiar (lleno de modismos y frases muy mexicanas). En España se emitió en el 2004 por algunas cadenas autonómicas, teniendo también un doblaje bastante diferente al promedio (al grado que los apellidos y nombres de algunos personajes se modificaron, tal como la versión latina).

El argumento de Yat es bastante original: Es el año 5808 y la humanidad ha logrado expandirse por todo el Universo, gracias al llamado Túnel Interdimensional, que permite viajes de un rincón a otro, no solo de una galaxia, sino a rincones desconocidos del Universo. Por lo tanto, los viajes espaciales turísticos se han puesto en boga, aunque tales estan monopolizados por la compañía Cosmo Rough. Aun con ello, una empresa pequeña turística, Yat, comandada por un viejo pirata espacial, Yamamoto, logra ponersele al brinco. Es cuando aparece Goro Hashiwatari (Royo Stargazer para los cuates latinos), que busca emplearse en dicha agencia, ya que su padre fue el creador del Túnel Interdimensional, pero durante las pruebas del mismo, desaparecio misteriosamente. Por supuesto, Royo se termina encariñando con la hija de Yamamoto y así inicia su misión, como mecánico de la Paloma Yat, mientras trata de librarse de la obsesiva hija de la presidenta del consorcio Cosmo Rough.

La primicia de la primera temporada se divide en dos partes: la primera abarca como Royo logro enrolarse en la agencia de Yamamoto y luego como vamos conociendo a cada personaje que integra dicha agencia, pasando por el mismo jefe (una suerte de pirata malhablado), Puki (un piloto obsesivo con la puntualidad), Punta (el robot encargado del itinerario y con un humor bastante grosero), así por Betsy (la atractiva pero distraída hija de Yamamoto). Por supuesto, también vemos a Daniel y a Carmen. El primero es mayordomo de la segunda, que es ni más ni menos la hija de Ann Marygold, dueña no solo de Cosmo Rough, sino también del Tunel dimensional. La segunda parte es cuando Royo se embarca a la busqueda de su padre y saber que sucedió con él. Lamentablemente, el final de dichos episodios no pude verlos ya que no fueron emitidos en México.

Por supuesto, la segunda temporada trata de un arco argumental totalmente distinto, donde la Paloma Yat se pierde en un viaje dimensional y ahora tienen que salir de dicho universo paralelo para regresar al suyo. Como es lógico, esta temporada no vio la luz en México (solo en España).

Yat Ashin! es una serie bastante buena por sí misma: tiene personajes carismáticos (demasiado a mi parecer, aunque por momentos muy cliches), unos episodios bastante buenos, llenos de comedia, drama y acción (el episodio donde conocemos a Mam, la conciencia de la nave de Carmen es de los mejores que he visto en una serie). Sin embargo, si algo destacaba de manera abrumadora era la comedia "regional" de la serie. Para quienes la han visto con doblaje castellano como español latino, notará como los dialogos estaban salpicados de chistes y comentarios muy propios (falta ver los nombres de algunos personajes en el caso de España). Practicamente me partía de risa al escuchar a Yamamoto, con ese tono de uno de los Polivoces (Verdad muchachito, jejejei) y como los demás personajes le hacían segunda, con comentarios o voces bastante chillonas (un episodio, donde los integrantes de Yat se sumergen en un planeta que tiene una atmósfera que produce sueños, esta épico a nivel cómico).

A esto debemos aplaudir al estupendo doblaje que tuvo, en especial en nuestras latitudes, donde Ricardo Hill (Yamamoto) hizo de las suyas. Marina Huerta era la voz de Royo y lo hacía particularmente bien. Sin embargo, actores como Armando Coria, Isabel Martiñon, Rebeca Patiño, Ricardo Mendoza, también lucían y de que manera.

Lamentablemente, para los estándares actuales, la serie ya se va quedando un tanto atrás en cuestión de animación y tal vez es el motivo por el cual nunca fue repuesta luego de la emisión regular de principios del siglo XXI. Por lo tanto, hoy en día se considera una serie de colección para muchos fans y varios episodios ya circulan en la red de manera fragmentada (aunque la serie se puede conseguir completa, pero solo con doblaje castellano, una lástima, ya que trate de verla así, pero los chistes castellanos eran tan ajenos a mí, que me hicieron que la dejara de lado).

Un aspecto a destacar de la serie, también era su música. El opening de la primera temporada, Heaven (interpretado por HIM), esta genial, tanto en su versión original como latina. Curiosamente, esta melodía fue de las primeras que logre incorporar a mi naciente biblioteca musical. En aquellos tiempos, cuando la música no era tan regulada, podías encontrar páginas de mp3 donde colgaban melodías de todo tipo. Así fue como llegue a una donde me pude descargar esta formidable rola. Extrañamente, el opening latino nunca se emitió de manera completa en México. Por aquellos tiempos, a Tv Azteca le daba por cortar los intros y endings de manera horrorosa (lo mismo sucedió con la Visión de Escaflowne). Tuve que esperar hasta hace un par de años, cuando alguien se dedico a subirlo al "tubo" y así pude disfrutarlo. Sin embargo (sí, nuevamente) parece que la serie tiene un fuerte copyright, así que el video fue retirado. Si ya tenía el estatus de culto, con estas acciones es lógico que sea considerado un producto extraño y de colección.

A título personal: Yat se considero una serie de "contraataque", es decir, fue uno de los animes que Tv Azteca saco los fines de semana (junto con B´t X o Escaflowne) para tratar de frenar y a la vez impulsar su mercado, ante la competencia de Televisa (que tenía Dragon Ball Z, Mikami Cazafantasmas y Pokémon). Lamentablemente, la política de la televisora del Ajusco siempre con estas serie fue mala y más cuando parecía prever la primera y gran crisis del anime en la TV abierta. Por ello, para muchos, este anime es totalmente desconocido y yo lo pille por pura suerte. Comenzaron a emitirlo a principios de 1999 y en fines de semana, para colmo, no siempre lo ponían. Así que podía pasar una semana donde no hubiese nada de Yat, pero a la siguiente reponían dos episodios. Técnicamente, el último episodio que se emitió en México fue el 26, cuando Royo, mediante el planeta con atmósfera rara e inductora de sueños, recuerda a su padre antes del incidente del túnel. A la siguiente semana ya no la repusieron ni tampoco en otros horarios. Parece que los amigos de Perú si la vieron completa, así que si alguien de esas latitudes sabe, se lo agradecería con mucho gusto.
Pero para un servidor, es una serie nostálgica, no tanto por su trama (que como dije, era bastante cómica y divertida), sino por el impacto que tuvo en cierta etapa de mi vida. Está serie vino en una parte donde había tenido una fuerte crisis académica y pareció ser una recompensa para un bonito 1999 que sirvió para confirmar el gusto por mi carrera. Tristemente, al tiempo que está serie paso a mejor término, lo de alrededor cambio y de manera fea. Por suerte, en su momento pude grabar varios episodios de la serie. Lamentablemente, no sé donde habrán quedado mis pobres VHS.

En conclusión, Yat Ashin! es una gran serie, bastante recomendable. Desgraciadamente, conseguirla con subtítulos es casi imposible. Hay algunos episodios en latino y se puede conseguir totalmente en castellano. Así que sino te molesta el acento peninsular, es una buena opción. Falta ver si algún fansub se anima a traducirla, aunque sinceramente, el doblaje latino le daba ese punch, ese sabor sin igual y que te hacía disfrutarla aun más.

Aquí les dejo el opening de dicha serie como bonus. Realmente vale la pena, pese a que la calidad del sonido no es tan buena como quisieramos.

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Saludos a mi Betsy ^^, así a quienes gustan del anime viejito.

Bill Conti: talentoso, pero con ciertos altibajos y glorias.

Hablar de Bill Conti para muchos es tratar con un total desconocido. Fuera de las grandes composiciones de Zimmer, Horner o Desplant, Conti ha pasado casi desapercibido en este mundillo de los más grandes creadores de soundtracks. Sin embargo, en los ochentas, el hombre era conocido por ser una eminencia en muchos sentidos. Se lanzo a la fama cuando hizo la banda sonora de las películas de Rocky, al grado que ha sido nominado en 3 ocasiones para los Óscar y finalmente logro la estatuilla en 1983, por la banda sonora de la película “Elegidos para la Gloria”.

De allí, el buen Conti ha tenido algunos chispazos, algunos no demasiado afortunados (como vamos a ver a continuación), aunque otros realmente asombrosos que son dignos de mencionar. Lamentablemente, desde sus intervenciones en Rocky y Karate Kid, el hombre no ha vuelto a brillar como antes y por eso, muchos tienden a dejarlo de lado en críticas o revisiones. Sin embargo, aquí le hacemos un poco de espacio y vamos a hablar de algunos de sus temas más emblemáticos (aunque no sean lo mejor que se ha escuchado en el rubro del cine).

-Masters of the Universe

Supuestamente ya se viene una nueva versión de “He-Man”, pero de eso ya tenemos 10 años y desgraciadamente, la fama del hombre más poderoso del universo ha caído hoy en día por la cantidad de memes haciendo referencia a su sexualidad. Fuera de este chiste barato (y que funciona), a finales de los ochentas, se intento hacer una versión cinematográfica que tuvo más pena que gloria. Bueno, es que el filme era demaaaasiado ochentero y las cosas ya habían comenzado a cambiar (aunque el reparto que tenía dicha película era monstruoso: Lungren, Langella y una jovensísima Courteney Cox). A un servidor le toco verla a mediados de los noventas y me gusto en parte porque mantenía el “doblaje” de la serie original (Alvaro Tarcicio como Skeletor y Ruben Moya como He-Man). Lamentablemente, dos cosas fregaron la situación: el guión y la música. Sí, Conti aquí nos saca un tema bastante regular y hasta pirateado de otros. Por momentos, algunas notas parecían cuadrar con los filmes de Starwars y sí, daba cierta épica a la película, pero hasta allí. Por si sola, la banda sonora es bastante chafona. Definitivamente, a este nivel de épica, el buen Conti no podía aspirar y sí se queda corto, aunque la escucho de repente para el anecdotario (¡Ya tengo el poder!).

-The Right Stuff

Elegidos para la Gloria. El título que recibió en Latinoamérica y que no me molesta en absoluto. La película es meramente una oda al esfuerzo individual y colectivo a lo gringo: cuando los futuros astronautas se ven en la necesidad de ponerle un alto al incipiente programa espacial, que trata de utilizarlos como cual cobayas de laboratorio, no solo para misiones en el espacio, si no también para lograr hitos de la humanidad, como romper la barrera del sonido. Es lógico que una película de estas características tuviese un score bastante potente y en cierta manera Conti lo logra. No en base a crear una música épica, sino más de corte “glorioso”, como de esas películas que ponían en el Canal 5 los fines de semana por la tarde y que eran de filmes de acción de los años setentas. Conti en cierta manera, hace un salto para adelante (a diferencia del setentero Rocky) y nos muestra un soundtrack que por momentos tiene mucho movimiento, aunque a mi parecer, si ha envejecido con el paso del tiempo y hoy es un tanto difícil de escuchar nuevamente. Léase es un producto de su tiempo y por consecuencia, ya no tiene tanta potencia como antes. Tal vez lo que si me cabrea un poco es como este OST le pudo ganar al de John Williams, por el Regreso del Jedi. Sin comentarios.

-Karate Kid

Vamos mejorando en la selección de temas y aquí tenemos uno de los más emblemáticos de los años ochentas. En aquellos años, la banda sonora quedaba siempre en un lugar secundario, atrás de las versiones “inspiradas” en dicha película o cuando se aprovechaban de algún hit de aquel tiempo para incrustarlo en el filme. Por ello, películas como Top Gun, Volver al Futuro o está, tuvieron tanto éxito a nivel musical, donde desfilaron actores como Huey and the News, Peter Cetera o Berlín. Sin embargo, no podemos demeritar tanto los soundtracks de dichas películas, ya que algunos eran formidables o con el tiempo, fueron ganando mucho más punch, en especial entre los nostálgicos como un servidor. Cierto que la rola de Joe Esposito (You Are the Best) en el primer Karate Kid o la de Peter Cetera (The Glory of Love) son formidables, pero Bill Conti supo añadir de su propia cosecha con un soundtrack, no excelente, pero sí que sabía que combinarse con algunas escenas emblemáticas de la película (como el entrenamiento de Daniel-san, las pláticas que tenía el señor Miyagi con su pupilo o la escena cuando lo ve practicar la técnica de la grulla). Aparte, estas melodías son harto curiosas, ya que se salen un tanto de su línea creativa.

-Necessary Roughness

“Los rompehuesos al ataque”, título que le dieron a esta película en Latinoamérica tiene una historia muy particular. Un sábado por la tarde, la pasaron en el canal 5 y basto solo una vez para que me encantará: futbol americano, camaradería, situaciones graciosas, ideales de superación (aparte de tener a mi entonces ídolo, Scott Bakula).  Lo tenía todo, incluyendo un soundtrack único, formidable, sorprendente, potente. No terminaría de deshacerme en halagos por la maravillosa música con la cual Bill Conti doto a esta película. Cierto que había dicho que lo heroico no era lo suyo, pero lo épico aquí, alcanza tintes de genio. Es tal vez la mejor banda sonora que he escuchado del hombre y por supuesto, en un filme deportivo. Lo mejor es que las melodías del mismo se pueden escuchar sin necesidad de ver la película, lo cual le da un plus extra. Sin embargo, conseguir dicha película me costó al menos dos años, ya que la condenada no traía subtítulos incluidos y no estaba en latino. Finalmente, la logre encontrar y hoy en día la veo al menos dos veces por meses, en especial las escenas del partido final, que son mitad hilarantes, mitad épicas. Pero si conseguir la película era horror, elsoundtrack lo ha sido más. Técnicamente esta a la venta en internet en línea, así que ya estoy ahorrando el cochino para poder comprarlo. Y bien lo vale. Tal vez sea un efecto nostálgico, pero para muestra, aquí esta la única versión disponible para todo público y que alguna alma piadosa pudo colgar en el tubo.

-Rocky

 ¿Qué puedo decir? Es la máxima joya de Bill Conti y no tanto por su calidad, si no por lo emblemático de este soundtrack. Sin embargo, lejos del soundtrack, el tema central "Gonna Fly Now", es el que da vida a todo el OST de toda la saga de Rocky (incluyendo parte del Rocky IV, aun cuando Conti no hizo el soundtrack de dicha película). Por aquel entonces, Rocky, de ascendencia italiana, no se contuvo en contratar compatriotas para que le echaran la mano y Conti fue el elegido para hacer la música y vaya que tuvo un acierto importante. El legado musical de Rocky sigue siendo tan potente que hoy en día, cualquier película o saga de boxeo, tiene reminiscencias de la misma. Falta escuchar la banda sonora de Hajime no Ippo, compuesta por Tsuneo Imahori, donde muchos leimotivs tienen referencias marcadas a la saga del Semental Italiano. Para un servidor, la música de Rocky no solo indicación superación, si no también el deseo de seguir luchando, pese a la adversidad. Claro, siempre hablo maravillas de Vince DiCola, pero Bill Conti hizo genialidades y curiosamente, su mejor exponente no vino con la primera Rocky, sino con la segunda, donde hay leitmotivs tan preciosos que los escucho de vez en cuando para darme ánimos.

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Saludos a mi Adrian X3, así a quien gusta de la música de Bill Conti.