Reflexiones del universo de películas comiquero: ¿Comienza la debacle de este género?

El objeto de la discordia

Hace 3 días comenzó la crisis...claro, de manera oficial. Pero sabemos que mientras los fans vamos a ver las pelis, con palomitas, nachos y refrescos en mano, para que este producto halla llegado a la pantalla, se necesita un montón de trabajo por parte de todo el equipo creativo. Y muy en especial de que los directivos de pantalón largo se pongan de acuerdo con los que estan el campo.

Lamentablemente, otras tantas, no funciona y todo termina siendo...asqueroso. El viernes, Edgar Wright dijo "adios" al proyecto Ant-Man, que inaguraría la tercera fase de los Vengadores. Este filme ya llevaba gestandose desde el 2006 y el mismo Wright no solo había escrito el guión, sino también había estado viendo la producción y dirección. Los rumores son muchos y aunque hay versiones donde dicen que se quejaron de la lentitud del director para moverse, otros apuntan y de manera razonable, que Wright no le gusto como estaban metiendo mano al proyecto, en especial al guión, que se lo regresaron luego de "pulirlo" por parte de Marvel y Disney.

El detalle genero un enojo importante del director que dijo "mejor me voy" y ya de manera confirmada este viernes. Como respuesta, el bueno de Josh Whedon, director del Universo Avenger, se tomo una simpática foto con un cornetto, haciendo clara alusión a la trilogía que ha caracterizado a su amigo. Esto lógico, ha encendido las alarmas rojas, ya que una posible e iminente fractura comienza a aparecer en el universo Marvel.

Para remates, hoy Drew Goddard, el responsable del reboot de Daredevil en TV, también ha dicho adios. Este se planteaba como un contrataque a los seriales que DC ha mantenido, como Smallville, Arrow y la naciente Flash.

Por tí Wright.

Es cuando nos preguntamos ¿Quien realmente es quien hace las películas?

Muchas veces criticamos que tal filme halla resultado así, pero tampoco podemos hacerlo del todo, con una mano en la cintura, achacando el problema al guionista o al director. Muchas veces, que tengamos bodrios bien hechos, es resultado de los famosos directivos, de los altos mandamases, que por seguir una "tendencia" o "una línea creativa", terminan por echarlo todo a perder.

Para muestra, dos ejemplos y justamente uno de Marvel, pero no en la división de cine, sino en la del cómic.

Cuando la industria comiquera comenzó a decaer a principios de los noventas, con el casi inminente pique de Marvel, Mark Waid se encargo de iniciar un reboot del Capitán América. La cosa funcionó y en seis tomos, el personaje vivió una revitalización brutal que le auguraba grandes cosas. No en balde, Waid también hizo la obra maestra de Kingdom Come.

Pero quien sabe que le paso a los altos directivos, que luego del sexto número, decidieron darle las gracias a Waid y trajeron al...ejem dibujante, Rob Liefeld, que lejos de tener una historia un tanto simpática, la mando al bodrio con sus diseños del personaje, que resultaron nefastos y que hoy en día, son recordados por los fans por su mal diseño anatómico.

El otro, lamentablemente tiene que venir del mismo creador de Starwars: George Lucas.

Y es que el pobre hombre, luego de haber creado una genialidad con la trilogia original, comenzó a creerse un Rey Midas topoderoso que podía con todo. No podemos negar que el diseño Indiana Jones, otra franquicia que tuvo mucho éxito.

Pero Lucas luego de eso, se ha ido diluyendo y de manera estrepitosa. Sus posteriores producciones, como Howard el Pato, fueron un bodrio bien hecho. Y todo se termino confirmando con las precuelas, donde vimos un exceso de palabras, personajes mal diseñados, una dirección pésima y sobre todo, una visión tan cerrada del asunto, que Lucas termino por sepultar a los nuevos fans y decepcionar a los viejos.

Aunque Lucas siempre se ha jactado de ser un director independiente, en realidad tomo la misma directriz de los estudios que tanto ha detestado: ser omnipotente, mantener una misma línea, no salirse del guión y sobre todo, no apoyarse en la gente que sabe. A él no le gusta admitirlo, pero su primera trilogia pegó porque se rodeo de gente que sabía lo que hacía, como Lawrence Kasdan (que volvió como supervisor de los guiones de la nueva trilogia) y un director de peso como en su momento fue el fallecido Irvin Kershner.

Para colmo de remates, Lucas quiso "economizar", ya que era lógico, estaba sacando la lana de su propio bolsillo, pero la falta de recursos y el poco riesgo, conllevo también a tener un equipo bien compacto, pero escueto en creatividad. 

Si vemos estos dos ejemplos, bien claros, más lo de Lucas y las loqueras de Marvel, podemos ver que le ocurren a los estudios hoy en día: esa ansia de poder, de controlarlo todo, de que todo sea ganancia y sobre todo, no se salgan de una línea definida. Me extraña sinceramente que no hallan corrido a James Gunn, el director de "Guardianes de la Galaxia", ya que la peli en sus dos trailers, ofrece una cosa grotesca, cómica sí, pero fuera de toda proporción, desde los desnudos de dos personajes y las señas obscenas, como lo de Mapache Cohete o la del propio Peter Quirril.

Como sea, en mi carrera he aprendido que la gente tiende a repetir los errores del pasado una y otra vez, pero no solo con una cosa, sino con otros aspectos de su vida.

En su momento, DC había sido sumamente poderosa, pero su línea conservadora, poco arriesgada, le llevo a la larga a perder en su momento contra una editorial que apostaba por algo nuevo, algo diferente, algo más humano. Como prueba, en su momento Spiderman, X-Men, los Vengadores, resultaban ser personajes más carismáticos que los emblemáticos Superman, Batman, etc. etc.

Para prueba, hay que ver lo sucedido con el universo de ambas editoriales en el cine en los últimos años. Salvo el bastión de Batman y el naciente Superman, el resto de producciones basadas en DC han sido asquerosas (Linterna Verde, Flash, etc.) y hasta eso, Batman las paso canutas con la manota de Joel Schumacher y de Superman con la visión de Singer. Solo el universo DC ha logrado mantenerse un poco a flote en la TV, más apoyado en las animaciones y en las series Live-Action.

Claro, tampoco podemos hablar maravillas de Marvel, porque desde la horrorosa Captain America de 1990, todos sus productos eran de calidad dudosa (Los 4 fantásticos, Daredevil, Ghost Rider, Punisher, etc.). Solo X-Men y Spiderman parecian salvarse de tal quema, aunque si analizamos a fondo tales producciones, las pelis tenían un buen lavado de cara, actores carismáticos y ya. La historia seguia siendo por momentos lenta y poco convincente, demostrado en como las terceras partes de ambas sagas mencionadas fueron las menos queridas y más vapuleadas.

El Verdadero Ultron de Marvel: Ant Man

Fue cuando Marvel opto por agarrar el toro por los cuernos y saco la fantástica IronMan en 2008. De allí todo fue para arriba como la espuma. Parecía que Marvel volvía a repetirle la dosis a DC, al grado que los Vengadores han sido de las pelis más taquilleras de todos los tiempos.

Pero parece que nadie puede vivir en la cima por mucho tiempo, no cuando hay dinero involucrado, no cuando crees que funcionas por tí mismo, sino es debido a otros genios (Favreau, Whedon, etc.). Los estudios al fin al cabo, son corporaciones y no hay una cabeza visible, solo un montón de gente con traje, que desea sacar la mayor tajada posible y que no entiende del proceso creativo. Claro, tampoco podemos culparlos, porque el mismo Lucas ha criticado al artista, porque lo considera un hippie en muchos sentidos.

Entonces ¿Quien tiene realmente la culpa? Diría que la mitad, pero lamentablemente...no, corrijo, realmente los jefes la tienen y por mucho. Más cuando alguien tan importante, como Whedon, respalda el hecho.

Tampoco puedo optar por ser un enemigo jurado del estudio. Al fin al cabo, soy muy superficial la mayor parte del tiempo y me gusta lo procesado, pero otras, la visión independiente, innovadora, se agradece y de que manera.

Y que curioso, que cuando voy a terminar esta diatriba, halla salido un artículo más sobre el tema, el cual pongo aca abajo.

http://www.hollywoodreporter.com/news/why-ant-man-director-edgar-707374

Los comentarios parecían confirmar lo que ha estado vulnerando al universo Marvel y es la visión "particular" de Kevin Feige. Aunque muchos lo consideran el orquestador del éxito de las franquicias del universo Avenger, también es harto conocido que el tipo es medio necio a su propia manera.

El artículo recuerda eso, cuando Edward Norton se salió del proyecto Hulk, tambíen cuando el director de Thor, el bueno de Branagh dicen que las paso canutas y por eso ya no quiso volver a Marvel. Para remate, su sucesora, Patty Jenkins, la laureada directora de Monster, también se salió, porque el tono maduro y épico que quería para Thor 2, no lo estimaba Feige, queriendo hacerla más palomera.

También se rumora que Joe Johnston igual se fue por esto y que los hermanos Russo tomaron el relevo. Aunque aquí aplaudo la decisión, porque la dirección fue mucho más atinada, pero el resto...nunca sabremos.

Vimos que el Hulk de Mark Ruffalo jalo fabulosamente, que el Capi América 2 ha sido un exitazo. Pero tampoco podemos negar que las tarugadas de Feige se han visto en las últimas dos pelis de Ironman y en el adormilado universo de Thor. 

¿No que eran cuates?

Por algo parece que Marvel se ha logrado salvar por los pelos de una estrepitosa caída, pero lo visto en este artículo, parece que la mano de Feige al fin se tambalea y que las prisas por estrenar Ant Man el próximo año, en la fecha prevista, pero con un guión todo vapuleado y con muchos "amigos" de Wright alejándose de la película, sería el primero y más craso error del alto directivo de Marvel.

Claro, uno podría pensar que DC y Warner vendrían al relevo, pero también su manejo de decisiones ha sido nefasto. Luego de retrasar Batman v Superman un año y seleccionar al polémico Ben Affleck como el Caballero de la Noche, no cuadra para darle pelea a su rival. Hay que admitir que Man of Steel resulto floja y que luego del chasquete de Linterna Verde, el estudio ya no quiere arriesgarse con otra pelí de héroes, sino con seriales de TV como Flash. 

¿Será miedo o será la imposibilidad de ver algo más alla de sus narices? ¿Los directivos creen que solo con una peli de patadas-romance-niños bonitos, la cosa va a jalar?

Hay público tarado, pero tampoco exageremos. Va a tener que haber un error y para remates, no va a ser porque no se pueda tener algo más de calidad, sino porque uno mismo se mete la zancadilla. En fin.

Como remate, dejo esa peculiar imagen que Wright posteo en su twitter hace unos días, Claro, pareció arrepentirse, porque luego la borro, y ya saben que no puedes poner algo, porque al inmediato estará circulando por el mundo.

Y es una imagen de él, photoshopeando su cara sobre la del cuerpo del genial actor Buster Keaton, mientras sostiene un cornetto.

Para las generaciones actuales, ¿Quien es Buster Keaton? Aparte de ser la inspiración cómica para el protagonista de Tiny Toons y del gran Jackie Chan, fue un actor de renombre del cine mudo de los años veinte. Era conocido por tener una cara inexpresiva mientras el pobre corría, brincaba, echaba marometas, hacia de todo pues, sin inmutarse ante lo que sucedía. 

Pero debido a su comedia física, fue un grande y filmo muchas pelis de éxito en los veintes, teniendo su propia productora.

Todo se termino...dentro de mí, dentro de ti.

Sin embargo, se le ocurrió asociarse con la MGM, la entonces gigante del cine y de allí vino la debacle. Obligado por un contrato a hacer pelis para la MGM bajo su "tutela", padecio la censura y el corte de su creatividad, a tal grado que Keaton se arrepintió de por vida de tal decisión, al grado que se hundió en el alcoholismo. 

Es obvio que Wright se sintió identificado con Keaton y trato de hacer lo mismo. Pero claro, entre amor propio y ego, es notorio se le paso la mano, porque eso indica lo molesto que salió de Marvel.

Ahora queda por delante los Guardianes de la Galaxia, que espero se estrenen sin falta este agosto y en abril del siguiente, Avengers 2, la Era de Ultron. ¿Y luego? Da miedo pensar en eso. Realmente miedo.

-----------------------------------------

Como ven, quise variar el estilo de la entrada y ahora hacer algo diferente. Saludos a mi mujer, que espero tenga la paciencia de aguantarme con tanta peli XD y a quienes gustan de este tipo de cine.

Leyenda Urbana: El Metro y sus misterios

Luego de hablar con mi comadre sobre el metro de Buenos Aires, en la dichosa comida que tuvimos hace un par de semanas, se me ocurrió hacer una entrada como esta.

El metro se ha convertido en un símbolo de estatus de una ciudad, pero también refleja el saturamiento que tiene dicha metrópolis, al menos en materia de transporte. Ya Londres se convertiría en la primera ciudad en tener su propio ferrocarril urbano (Metro es un acortamiento de "Metropolitano") y que consistía en un transporte para uso masivo y con alta frecuencia, lo cual agilizaría el movimiento de una gran cantidad de personas, de un lado a otro.

Debido a esto último, la cantidad de cosas que ocurren en los diferentes Metros del mundo son de lo más curiosas: desde nacimientos en las estaciones hasta asesinatos, como el que ocurrió lamentablemente hace unos años en la estación Balderas del Metro de la Ciudad de México. 

Por lo tanto, este pintoresco y útil transporte también esta sujeto a fenómenos sobrenaturales, que algunos pueden ser ciertos y otros, solamente una invención de las mismas personas que transitan por el Metro. Sea como sea, hay más de una, que a uno le dejan pensando o mínimo, con los pelos de punta.

El motivo de esta entrada es hablar de las leyendas urbanas de tres Metros de alta importancia hoy en día: México, España y Argentina.

-Metro de Buenos Aires.

Considerado el Metro más antiguo de toda Latinoamérica y uno de los más viejos del mundo (inaugurado hace más de un siglo), es lógico que tenga una rica historia de leyendas urbanas. Debido al estilo medio antiguo de las estaciones y de los mismos trenes (aun se usan algunos, heredados del estilo clásico inglés de aquellos años), el sistema de luz interno es un tanto defectuoso, por lo cual le da un aire medio lúgubre.

Se dice que cuando vas viajando y de repente las luces parpadean, por momentos puedes visualizar gente de la época de los años veintes del siglo pasado. También que debido al derrumbe de una estación en construcción, donde murieron varios obreros, esto en la línea A, considerada la más antigua, si te subes al último convoy (23:30hrs), si vas pasando por una de las estaciones involucradas, te puedes encontrar a dos obreros de aquellos años, con sus palas, que se te quedan mirando hasta que pasas de largo.

Otra dice que hay una estación "fantasma" entre Pasco y Alberti. Resulta que ambas están muy próximas entre sí, por lo cual se cerraron parte de las entradas para agilizar el sistema. Pero para quienes van en el metro, algunos han reportado que hay una "estación" en medio de ambas, que al momento de pasar, puedes ver que tiene su propia gente, esperando subir. 

También se dice que hay cadáver fantasma. Se ha reportado por parte de usuarios que de repente hallan un muerto, ensangrentado en el anden. Los asustados testigos van corriendo a avisar a las autoridades del hecho, pero cuando regresan, no hay ni atisbo del cadáver o de la sangre.

Finalmente, se habla de una "novia" que de repente, cuando el convoy comienza a avanzar o va detener en una estación, se ve como se avienta a las vías, con la obvia intención de suicidarse. Pero cuando uno va a checar, no hay nada. Muchos han especulado que es una mujer que se iba a casar, pero su novio falleció un día antes y otras, que fue una joven que fue obligada a casarse contra su voluntad, y que un día antes, se suicido para evitarlo.

-Metro de Madrid.

Inaugurado en 1919 por el entonces rey Alfonso XIII, es uno de los más conocidos de Europa. No solo es reconocido por tener algunos "Goya" en su interior, sino inclusive replicas de muchos fósiles encontrados durante su excavación y construcción, como fósiles del periodo Mioceno, de hace 14 millones. Como es lógico, las leyendas urbanas son de lo más variopintas.

Una de ellas, es el típico cuento de hadas para espantar a los enanos: resulta que en la línea 5, esta el tren fantasma. Si te ubicas en cualquier estación y dejas pasar 10 trenes, cuando llegue el último, en lugar de ser el convoy de siempre, no se escucha el ruido de los frenos chirriar, sino una serie de lamentos y que el conductor del mismo es una bruja, que te señala los vagones, llenos de almas en pena. Si te subes en él, puede que nunca regreses.

Otra leyenda es la presencia de agujeros interdimensionales, donde si metes el pie en uno de ellos, este te absorbe y caes en una especie de pozo sin fondo, donde inclusive te encuentras a otros "atrapados". La forma de evitarlo es no meter el pie en el espacio que se forma entre el anden y el mismo vagón. Curioso ¿No?

Un mito ya desmentido fue de la estación de Chamberí, que formaba parte de la vieja línea 1. Resulta que fue cerrada por razones técnicas, entre ellas, su peligrosidad por estar cerca de una curva muy pronunciada, esto en 1951. Se decía que esa estación albergaba a pasajeros y almas en pena, ya que si te asomabas por las ventanas, podías ver a la estación como si nada, pero con pasajeros confundidos y desconcertados. Hoy en día, esto ya no es posible, porque Chamberí esta abierta y es una estación museo, que recrea los tiempos de la era Franquista en España.

Finalmente, hay una que dicen que hay una mujer fantasma que se encuentra en un vagón a altas horas de la noche. Siempre viene acompañada de dos hombres y parece que los tres forman parte de un oscuro lazo, ya que dicen que quien se queda con ella, morirá en la siguiente estación. 

-Metro de la Ciudad de México.

En su tiempo, uno de los baratos del mundo (en lo cual no ahondaré en detalles) y también de los más usados en el mundo, fue inaugurado en 1969 y represento un avance tanto en tecnología y modernidad en su momento, al grado que a 45 años de su fundación, aun sigue teniendo comodidades y antesalas eficientes. Que hoy este hecho un despapaye es por otras cosas, pero el Metro es un símbolo de la City y por ente, las crónicas y mitos son harto conocidos.

Uno de los más trágicos fue el choque de dos convoys en 1975, cuando el 20 de octubre de tal año, por un error visual de uno de los conductores, dos trenes chocaron en la estación Viaducto de la Línea 2. Esto provoco la muerte de 26 personas y varios heridos.

Hoy en día, se le atribuye de manera oficial el error al conductor, léase, fue algo humano. Por lo tanto, se instalo un sistema automático para prevenir esto. Pero las malas lenguas dicen que tal incidente fue provocado. Resulta que entonces el sindicato del Metro había presionado a las autoridades a conseguir el sistema, ya que habían advertido de un futuro choque, debido a la presión por la puntualidad y a la capacidad limitada del conductor. Como el entonces jefe del DF no accedió, debido al costo del sistema, se dice que el sindicato "provoco" el choque, lo cual agilizo la adquisición del dichoso sistema. Vaya usted que quiere creer.

Se dice que en los años ochentas, hubo un asesino serial que se dedicaba a empujar gente que estaba en el anden, cerca del paso de los trenes. Por tal causa, murieron al menos 12 personas. Los ataques cesaron cuando comenzaron a poner gente vigilando los andenes, pero nunca se pudo encontrar al dichoso perpetrador.

Debido a la cantidad de suicidios y de asesinatos que ha habido, se han visto una cantidad importante de fantasmas en los andenes, las estaciones y los mismos vagones. Gente que aparece y luego desaparece, trás dirigirte una mirada penetrante.

Respecto a esto, las estaciones Zócalo y Pino Suárez tienen sus historias de fantasmas: indígenes fantasmales que aparecen de repente en las vías o gente de la época de la colonia deambulando. No es de extrañar, ya que esta zona formaba parte del viejo corazón de la Ciudad de México en tiempos antiguos.

Para remate, emulando el tren de Madrid, se dice que a las 3 am, cuando no hay servicio, hay un convoy que aparece entre la estación Allende y Zócalo a tales horas.

También son comunes los ruidos, gemidos, pisadas y bultos que aparecen en estaciones que estan cerca de cementerios como la Estación Panteones e Iztapalapa. Pero lo más macabra es la de Estación Aeropuerto, donde dicen que aparece una niña que quiere jugar con uno. Si aceptamos, la niña nos pasa su juguete, que resulta ser una cabeza humana. Otra, que al momento de abrocharse las agujetas, se ve que no tiene piernas y luego va desapareciendo lentamente. 

Hablando de gritos, estos se han identificado más en la estación Tacubaya, donde dicen que al momento del cierre de servicio, comienzan a escucharse gemidos de las vías, lo cual ha desatado el miedo entre empleados y guardias.

Los famosos hombres rata o las ratas gigantes es otro mito de importancia en el Metro. Algunos dicen que por la estación Merced o Tepito, se han encontrado especímenes enormes de estas cosas, que llegan a devorar a infantes perdidos o vagabundos que rondan las estaciones. También que hay un hombre rata y que se la he visto en estaciones como Indios Verdes o Viveros.

Otro ser espeluznante ha sido el vampiro de Barranca del Muerto. Resulta que un usuario se quedo dormido y cuando desperto, estaba en la oscuridad, ya que estaba en la dichosa estación. Al momento de moverse, vió que dos personas peleaban en el fondo del vagón, uno indigente y otro con una capa. Al momento de separarlos, noto que el último no paraba de morder en el cuello al vagabundo, por lo cual salió corriendo por una ventana y luego rescatado por las autoridades, aunque sin creerle lo que había visto.

Finalmente, los famosos túneles secretos. El más conocido es que la línea 2 no termina en Cuatro Caminos, sino su trazo se alarga hasta el Campo Militar Marte y es que algunos especulan que se construyo así, para poder movilizar al ejército hasta San Lázaro, en caso de algún ataque o invasión. 

Otros hablan de que hay una interestación secreta entre Constituyentes y Auditorio, que serviría de bunker privado para el Presidente y su familia.

-------------------------------------

Saludos a mi princesa, así a quienes gustan de este tipo de cuentos y mitos.

Godzilla vs. Godzilla: similitudes y diferencias

La semana pasada, luego de unos días de que vi Godzilla en el cine con mi mujer, salimos los dos con mi comadre a comer. En el camino, Sam comentaba lo horrenda que había sido la anterior Godzilla. Sí, aquella que creo Roland Emmerich en 1998 y que resulto ser un fiasco en muchos sentidos.

No pude dejar de estar de acuerdo con esa opinión. Pero igual que el padre de mi comadre, revisite la peli y me dí cuenta de que no es tan mala. En realidad la consideraría un producto divertido en muchos sentidos.

El problema viene cuando el contexto del hablamos, el gran Gojira, esta inmerso. Y es que hay ciertas cosas que deben tener un mínimo de calidad o respeto a la obra original. El problema mayúsculo que tuvo Emmerich fue salirse demasiado del canon y aparte meterle de su propia cosecha. Es algo parecido a lo que paso Darren Aronofsky con "Noah", donde trato de meter de su propia cosecha, y la película no tuvo tanto impacto. 

Y es que pese a que podamos ofrecer una visión distinta, inclusive mejorada, repito, hay cosas en la vida que no puedes mover, sin llevarte unos cuantos palos de la crítica o del público especializado. Por lo tanto, la siguiente entrada, es una especie de "Versus" entre las dos versiones que ha habido recientemente, al menos en el mundo occidental, del gran "Godzilla".

Godzilla es una película estadounidense de ciencia ficción, estrenada en mayo de 2014. Se trata de un reboot de la franquicia de películas de Godzilla, siendo la segunda película en ser completamente filmada por un estudio estadounidense. Contará con la dirección de Gareth Edwards y será protagonizada por Aaron Johnson, Elizabeth Olsen y Bryan Cranston.

La película es producida por Legendary Pictures y será distribuida por todo el mundo por Warner Bros., con excepción de Japón, donde será distribuida por Tōhō. El estreno está programado para el 15 de mayo de 2014.


Godzilla es considerado un mito enorme en Japón. Desde su aparición en 1954, cortesía de la productora Toho, ha creado un paradigma que se ha incrustado de manera inconsciente en el colectivo del público japones. Y es que si uno investiga el cine, la literatura y otras cosillas que rodearon al Japón de Posguerra, es que Godzilla llega a combinar todo eso en una sola figura: un ser creado por las explosiones nucleares y que amenaza con destruir Tokio y sus alrededor. Lógico, es una simple evocación, una fantasía del terror nuclear que viven inclusive hasta la fecha los nipones.

Claro, no voy a ponerme a hablar de todo Godzilla (espero hacerlo en un futuro), ya que no es el propósito de esta entrada, pero si para dar entender que el monstruo, este Kaiju que inauguró una Era de monstruos que continua hasta la actualidad, es considerado un canon. No puedes solamente acercarte y hacer una pelí de Godzilla a tu propia manera. Tienes casi que pedirle perdón y permiso a los creadores originales, para poder crear tu propia versión.

Por ello, cuando Roland Emmerich, a finales de 1996, luego del éxito de Día de la Independencia, anunció que se haría cargo de un remake gringo del monstruo, no pude dejar de emocionarme. Godzilla formo parte de ese fandom que viví de niño. No solo por la serie que la Hanna Barbera saco con su hijo (el Godzuki), sino también por la cantidad de pelis que me chute del mismo, cuando las pasaban por canal 5. Claro, aun siendo un enano, podía ver que había alguien metido en el traje y que armaba jaleo a su propia manera. Pero aun así, era genial ver al monstruo ese dar coletazos, destruir cosas y matar a contrapartes con los rayos de sus ojos o con su famoso "fuego atómico". 
Se necesitaba de alguien que fuese experto en destrucción masiva y nadie mejor que Emmerich para plasmarlo en pantalla.

El problema es que tenía tan altas expectativas, que cuando la vi....quede decepcionado. Lo que había hecho el directo era solamente cambiar algunas cosas de ID4, entre ellas, cambiar a los extraterrestres por una lagartija superdesarrollada. Y claro, todo bajo una pertinaz lluvia. (Yo no se que tienen los directores con la lluvia. Me gustaría ver más las cosas destruyendo todo sin necesidad de ello).
Como sea, la crítica pensó lo mismo que yo y aunque le fue "bien" en taquilla, Emmerich quedo marcado y ya sus posteriores producciones llegarían a ser un poco más que bodrios, salvo la honorable "El Día después de Mañana" y la épica "El Patriota". Aun "2012", resultaría ser algo nefasta (aunque personalmente me gusta) y ni se diga la estupidez de "10,000 A.C.".

Esto creo una especie de estigma de los japoneses hacia las adaptaciones "gringas" de Godzilla. ¿Y quien no se iba a poner así? Fue a tal grado el impacto negativo, que el monstruo que aparecio en la peli de Emmerich lo adaptaron como un kaiju más, llamado Zilla, mientras que Toho ya no iba a soltar los derechos del monstruote con cualquiera. Por eso pasaron varios estudios y planes durante la década pasada, para sacar una nueva versión.

Finalmente, los rumores comenzaron a llegar en el 2010, donde Legendary Pictures y Warner Bros se hicieron de los derechos. La primera recomendación fue tener de director a Guillermo del Toro. Este, debido al Hobbit y Pacific Rim, declino la oferta y finalmente el estudio se decanto por Gareth Edwards, director de corte inglés y que había dirigido la peli de presupuesto ínfimo, llamada "Monsters".

¿Y quien es Edwards? Ahora todo mundo lo conoce, ya que esta programado para que diriga Godzilla 2 e inclusive la 3, si no también ya Disney y Lucasfilm lo ficho para el primer spin-off de Starwars, programado para el 2016. 
Pero en su momento, era un total desconocido, que ya había mostrado un contundente acierto con su peli, que narra las aventuras de dos personas atrapadas en un México atacado por E.T. de origen maligno.
La atmósfera opresiva del filme, parece le gano garantías a los productores. Y vaya que resulto una apuesta bastante afortunada.

Para el 2011, la pelí fue anunciada para estrenarse máximo en 2013, pero retrasados en la preproducción y en que poner en el filme, finalmente la decantaron para mayo del 2014. Claro, cuando uno escucha esto, de inmediato piensa que la peli va directo al basurero. Por suerte, no fue así.

Ahora, antes de hablar del filme propiamente dicho, ¿Por qué defender la versión de 1998? Primeramente, porque si comparamos ambos filmes, tienen muchas cosas parecidas: el inicio de ambas se aboca a los años cincuentas y sesentas, con las pruebas nucleares, la necesidad de hacer secreto el misterio de monstruos que se alimentan de radiación, la aparición de una familia gringa disfuncional que gracias al evento, comienza a unirse, la aparición de Godzilla, dando caña y patadas por doquier, así la aparente muerte del mismo que en realidad da pie a una bonita secuela.

Sí, si lo vemos fríamente, ambos Gojiras tienen la misma estructura, el mismo espinazo. El detalle es como la actual peli, supo darle un toque más definido al filme, más serio y contundente. Emmerich quiso dotarla de chistes, de situaciones irónicas, darle su "toque personal", pero eso primeramente le resto seriedad a la película y segundo, cambio aspectos básicos, como el diseño del monstruo en muchos aspectos, lo cual terminó por ser aborrecido por los fans. Si Godzilla no existiese como tal, Emmerich habría tenido un impacto brutal. 

Técnicamente, estamos viendo un remake del remake de 1998. Pero aquí, Edwards no se salto el canon. Cierto que metió ese lacrimógeno fondo familiar-superación-entendimiento que toda peli gringa debe tener, pero el resto, es Godzilla en todo su esplendor. Y por esos instantes, se agradece y de que manera.
Ahora vamos a la crítica de siempre de este increíble film.

• Historia: 1999. Varios científicos, donde destaca Ken Watanabe, van a investigar ciertos sucesos relacionados con criaturas que se alimentan de radiación. En ese mismo momento, una planta nuclear japonesa es victima de un ataque desconocido, donde el científico jefe, encarnado por Bryan Cranston sufre la pérdida de su esposa (Juliette Binoche). Esto genera una amargura y lócura en él, mientras su hijo (Aaron Taylor) trata de dejar atrás eso, enrolandose en el ejército y teniendo su propia familia. Un incidente provocado por el padre, hace que el prota vaya a Japón a recogerlo, donde le cuenta que el incidente de la planta no fue casual y es cuando descubren que una cosa enorme ataco la planta para alimentarse de la radiación y hacerse más fuerte. En el incidente, lamentablemente muere el padre, pero el hijo toma el relevo y luego de alertar a medio mundo, decide ir trás los monstruos. Sin embargo, no es el único, ya que resulta que estas criaturas, un legado de tiempos antiguos, también tienen su propio depredador y ha despertado: Godzilla.
•  Como ya dije, es el mismo "axis" de la peli de 1998: las pruebas nucleares francesas, americanas y soviéticas despertaron al monstruo. Aunque aquí la novedad es que los monstruos son malos y no es el mero Godzilla. El guión se enfoca en darle un enfoque lo más racional posible, y no tanto científico como se vio en la de 1998, sino darle un toque realista, pero a la vez fantástico. El problema es ya el comentado: es una peli gringa. Y para ello, los mentados gringos necesitan un contexto familiar que les de fuerza o algo de punch, según ellos. Si vemos producciones asiáticas, el contexto muchas veces, vale gorro. Solo vemos acción y ya. Pero aca no se puede y lamentablemente, es lo que termina quitandole fuerza al filme. La primera media hora es medio aburrida, si esperas ver cosas destruyendo, pero a mi me gusto, ya que relata una especie de "camino del héroe" que es necesario: el padre no pudo salvar a su familia, pero su hijo si tiene la habilidad de hacerlo, lo cual si hubiese sido manejado de manera más diluida, habría funcionado y de que manera. Si lo vemos así, la primera hora de la peli es sosa, pero la segunda, es mítica, alcanzado tintes de genialidad soberbios, en especial la batalla entre Godzilla y los demás kaijus.
• Aquí no sobran las comparaciones con Pacific Rim, ya que se encuentra en el extremo opuesto de esta: poco contexto, mucha acción. Hubiese sido genial tener algo intermedio, pero aun no se llega a esas cuotas de genialidad.
• Personajes: La parte más débil de la peli, si hablamos de humanos. Godzilla se revela fantástico, como el original. Cierto que muchos le criticaron por verse gordo, pero ¿Que importa? Vemos su rugido característico, sus ataques, su habilidad para pensar y claro, El Fuego Atómico. Esto último me supo una sorpresa muy agradable y aun la escena, cuando le veo encenderse las escamas superiores y luego lanzar su ataque. Literalmente casi brinque del asiento dando golpazos a los respaldos. Bien lo dijo mi comadre, cuando comentó "ese era el Godzilla de mi niñez". El detalle con los humanos, el niño bonito de Aaron Taylor lo hace sobrio y ya. Bryan Cranston nos da una buena actuación, así que su pérdida en el resto de la peli se resiente, porque ya el resto no logran darle el mismo empaque. Ni siquiera el buen de Ken Watanabe, que pese a ser el científico japo del momento, su perplejidad y sus anexos como el reloj de su padre, no sé, me parecieron bien, aunque con una pobre conexión con el Japón de Posguerra.
• Aspectos técnicos y visuales: Me parecio genial. Lejos del diseño, las batallas entre las bestias, así como las explosiones. Todo muy correcto y genial. Aparte, el diseño del fuego atómico, nuevamente lo digo, por eso valió la pena la entrada.
•  Música:Alexandre Desplat se luce y de que manera. Aunque la música incidental en la primera hoja es flojilla, la cosa luego cambia. Cuando se da la batalla final y los títulos finales, estaba literalmente retumbando en el asiento. Y es que no solo tenemos un score de lujo, sino también usa las reminiscencias del tema original de Godzilla para meterlo de manera muy diluida, pero contundente. Una joya en muchos sentidos.
• Acción: La última media hora es brutal. Si las peleas de Pacific Rim gustaron, esta no se queda nada atrás. Mis respetos.
• Doblaje:Bueno, bueno. Aunque me habría gustado escuchar a Alexander Mayen en el papel de Cranston, pero Humberto Solorzano la mueve y mucho. El resto ya son harto conocidos, inclusive Víctor Ugarte dandole su voz a Aaron Taylor. 

En resumidas cuentas, Godzilla (2014) es un peliculon...pero solo por la última hora. Si aguantas un tanto la explicación, el sopor y el drama familiar de la primera o al contrario te gusta, será una película redonda. Sin embargo, en términos generales aquí el drama familiar si termino sobrando y un poco más del Godzilla dando zapes y macanazos, se hubiera agradecido.
Por suerte, parece que la taquilla salió mejor de lo esperado, ya que los productores dieron su visto bueno para una segunda parte y chance, una tercera.

------------------------------------------

Saludos a mi esposa ^^, que tuvo la paciencia para aguantar tal cosa, así a quienes gustan de este tipo de filmes. Pondría aquí el rugido de Godzilla, pero imaginenlo. 

5 canciones de película: las rolas tipo "ending"

Las canciones o melodías vocales en las películas son un sello distintivo que aparecieron a mediados de los años setentas. Aunque entonces ya se usaban, estas eran mucho menos populares que los temas orquestados, los cuales podían ser hasta con tintes Wagnerianos o mínimo con un leimotiv bastante pegadizo, como la melodía del Padrino de Nino Rota o el emblemático tema de Starwars de John Williams. Y aunque había películas que usaban el musical como fuerte, como Hello Dolly o Sound of Music, la venta de LP o discos de vinilo eran escasas.

Fue hasta finales de los setentas, con la aparición de películas musicales más poperas como Gloria, Fiebre de Sabado por la Noche o Vaselina, cuando la tendencia cambio y la música más actual, comenzó a abrirse paso de manera estrepitosa.
Como prueba de ello, si uno se pone a escuchar un termométro de estas tendencias, es la saga de James Bond. No solo vimos cambios de look, de coches o de chicas Bond, sino también la música fue moviendose, desde el recordado tema de John Barry hasta las canciones pegadizas de las últimas películas.

Por ello, el motivo de este "cancionero", fue hablar y analizar de algunas canciones que sirven como telón a la película. Hubiera sido más sencillo comentar sobre las "insert songs", pero creo que toda pelí que quiera vender, debe tener un tema pegadizo pegado a los pies. Algunas no llegaron a ser grandes, ni siquiera a recuperar la inversión, pero hey, sus canciones o OST si que valían la pena.

Por cierto, esta entrada esta dedicada al fallecido Bob Hoskins. ¡Vaya con Dios!


-All Together Now - The Farm

Double Dragon, la película, es recordada como uno de los más grandes fiascos de la historia. Con un elenco que prometía en papel, integrado por el artemarcialista Mark Dacascos, el naciente Scott Wolf, una atractiva y joven Alyssa Milano y así Robert Patrick, el "Terminator", todo termino de malos modos, teniendo una historia patética, unos diseños de vestuario extraños y unas coreografías que daban realmente pena. En su momento yo esperaba una joya, la cual me termino decepcionando cuando logre verla en un canal de paga a mediados de los noventas. Tal vez lo único que me gusto fue justamente este temazo de "The Farm", que igual paso desapercibido en su momento, hasta que los fans ingleses de la Euro 2004 la volvieron a revitalizar para apoyar al "Equipo de la Rosa".


-Go Speed Racer, Go! - Ali Dee & The Deekompressors

Hmmmm, no se que pensar. Los años han pasado y el furor que sentí por esta película, hecha por los Hermanos Wachowsky comienza a mermar y cada vez que la veo, comienzo a verle más y más fallas. Nah, no importa. Aun pese a los colores psicodélicos y las tomas de cámara que parecían querer provocarte un vómito, debo reconocer que el intento de los Wachowsky me agrado. Lástima que el fan promedio quiera algo apegado y luego se queje de que lo sea tanto. Pese a ello, la música era bastante pegadiza y este tema (o más diría decir "temas") son estupendos. Una forma genial de remixear uno de los temas más emblemáticos de mi infancia, "Go Speed Racer, Go!".  Por cierto, me gusta cuando comienzan a cantar en español.


-When I can see you Again - Owl City

Ya lo dije hace dos años y lo sigo reafirmando: Ralph el Demoledor es de las mejores películas de animación que he visto. No solo por una historia atrapante y unos personajes increíbles, sino por la cantidad de referencias a los videojuegos que rondaron a esta producción de Disney y que inició el levantón de los estudios del ratón, los cuales culminaron con la éxitosa Frozen. Pero es que no solo era lo anterior, sino una música, que a cargo de Henry Jackman, hizo las maravillas. Y claro, las vocales tampoco podían desentonar, por eso Owl City se encargo de darnos un temazo de cierre que hoy en día pongo al menos una vez al día. Una mezcla de melodía romántica y de acción, parecía cuadrar a la perfección con el espíritu de la película.


-Rockin´Over the Beat -  Technotronic.

Con el próximo estreno de las Tortugas Ninja, Made in Bay, volví a ver las películas anteriores hechas por Chow y su Golden Harvest en co-producción con New Line Cinema. Aunque las pelis han envejecido en muchos sentidos, la música que adornaba a las Tortugas Ninja, se mantienen como melodías muy potentes. En especial esta, que se considera la música de cierre de la tercera. Aunque la Electronic Dance ha quedado un poco atrás, esta rola la sigo considerando todo un clásico de los años noventas. En su momento, Technotronic hizo dos versiones de la canción, una normalona y otra que era el remix y ambas aparecieron en el OST de la película. Para quien la escuche hoy en día, le parecera...bueno, sí, muuuuy viejita, jeje. Sí, ya me hago viejo y con ganas.


-Almost Unreal - Roxette

La considero la mejor rola de Roxette. Aun mejor que "Creo que es amor" o "Joyride". Combina lo mejor de ese ritmo movido de ese fantástico duo sueco con una balada romántica de primer nivel. El problema es que la canción venía incluida en la película de Super Mario Bros, que muchos consideran, la peor película de videojuegos en la historia. Curiosamente, cuando compre el Soundtrack de este film, casi lo mando a la basura y es que yo pensaba que vendrían rolas de videojuegos. Craso error. Pero al escuchar esta melodía, pegue un brinco y me hizo revisitar tantas veces el cassete que lo termine rayando. Aun hoy en día, la considero una de las mejores canciones que he escuchado en habla inglesa, dentro de mi Top 5. Y como negarlo, la letra, la instrumentación, todo es perfecto.


- Roar 

Y no podía faltar el pilonazo. No es vocal en absoluto y hasta parecería que no encajaría con una rola, pero es la única aportación que hizo el gran Michael Giacchino a la legendaria película de JJ Abrams: Cloverfield (y claro, dirigida por Gareth Edwards). Si uno la escucha, te evoca inmediatamente al rey de los Kaijus: Godzilla. Pero con ese toque que solo Giacchino podría meter, ya que te hace vibrar con esa melodía que te hace estar en el centro de un ataque de monstruos.

----------------------------------------

Saludos a mi princesa ^^, así a quienes gustan de este tipo de música.

Scott Pilgrim vs. The World: que pedazo de historieta

Aunque en el viejo fotolog ya había hablado de la película de Scott Pilgrim, que se estreno ya hace 4 añotes, por aquel entonces no tenía mucha idea de que trataba el universo de Pilgrim y compañía. Aunque el cómic había demostrado ser una brutalidad en todos sentidos, en México tenemos fama de atrasados y de que forma. 

Hoy en día vemos el logo o emoticón de Scott por todos lados, así del resto de sus personajes, como Ramona, Knives o Wallace, pero para el 2010, Pilgrim era literalmente desconocido por la mayoría de la barriada y solo reconocido por algunos especialistas (entre ellos Doña Cineticamente). 

Por ello, cuando hubo la oportunidad de que Sam me trajera los cómics (novelas gráficas pues, los puristas se enojan) del otro lado del Charco, no me lo pensé dos veces. Digo, la película me había dejado muy satisfecho y quería saber más. 

Unos meses después, Scott Pilgrim (versión Castellana), en su empaque, ya estaba en mis manitas y me entretuve por unos cuantos meses leyendo una de las mejores novelas gráficas que he visto en años.

Scott Pilgrim es una serie de novelas gráficas dibujada por el historietista canadiense Bryan Lee O'Malley, que abarca seis tomos. El primer volumen salió en 2004 y el último lo hizo en 2010, publicados por la editorial independiente de Estados Unidos Oni Press.

En el cómic, se narra la historia de Scott Pilgrim, un joven que tratará de conquistar a una chica llamada Ramona Flowers. Aunque parte como una comedia romántica, a lo largo de toda la obra se presentan múltiples referencias a la cultura popular como videojuegos, música o cómics entre otros aspectos.

Para no perder mi estilo, vamos a hacer un poco de contexto. Y es que tenemos que irnos de un lado totalmente opuesto, ya que para entender Scott Pilgrim, tenemos que entender el término "fanservice".

Según la Wikipedia, no esta bien definido, pero es un terminajo que usan los fans del manga, anime y otras cosas, para definir elementos superfluos que tienen por objeto, divertir al espectador o hacer un crítica un tanto velada a otras obras.

Hoy en día, el fanservice abunda por doquier. Las parodias o los homenajes, pese a ser definidos así, en realidad son fanservice. El objetivo es mostrar un montón de referencias, cliches o comentarios ya vistos en obras conocidas por los fans o frikies. Aquí tenemos a ejemplos recientes como Pacific Rim. 

El detalle es que el fanservice en nuestros días ya ha alcanzado una tonalidad de historia, cuando antes era meramente un recurso del creador de una obra para divertir, enganchar o solamente pasar un rato mientras ibamos a lo bueno. Ahora todo mundo "hace" historias que te rechutan este recurso hasta por los poros. Falta ver a Lucky Star, una serie de anime que parodea hasta morir grandes éxitos, pero con un nulo argumento y personajes, aunque carismáticos, realmente vacíos a nivel personalidad.

Parece que la famosa falta de creatividad se ha venido comiendo a la gente y hoy en día, solo vemos refritos, fritangas y conexos así similares del fanservice, con el único propósito de venderte algo y que lo compres a lo bruto. Ya bien lo decía mi esposa: no sabemos ser consumidores.

Por eso, cuando sale una obra que pretende tomar elementos prestados u homenajearlos (según), hay que tener cuidado, porque si te van a meter eso, sin nada de historia o personajes, solo caemos en el prospecto de zombies consumidores y ya.

Sin embargo, pese a que Scott Pilgrim es una serie que usa el fanservice a morir, el manejo de los charas, una historia congruente y unos momentos cómicos únicos, es lo que le salva de tanta basura que vemos hoy en día. 

Argumento: Scott, nuestro protagonista, es un veinteañero, oriundo de Toronto, Canadá (igual que su creador). Literalmente sería un "nini", ya que no estudia ni trabaja y solo se dedica a cantar y rockear en la banda de sus amigos, "Sex Bob-omb". Vive en un cuarto alquilado por su mejor amigo (y gay), Wallace Wells y recientemente se ha hecho "novio" de una adolescente asiática llamada Knives Chau. 

Pero cuando conoce a Ramona Flowers, no solo corta con Knives, sino comienza una relación con esta chica. El problema es que para tener el "amor" de Ramona, debe derrotar a los Siete Ex-Novios Malvados de la susodicha. Claro, la pelea no significa solo echarse un verbo o unos cuantos..ejem, golpes, sino literalmente partirle la mandarina en gajos al Ex en cuestión y que aparte, tiene superpoderes. 

Para cuando ví esto en la película, estaba brincando en el asiento. La historia es la fantasía de cualquier otaku o freak (sí, ataques, psicoquinesis, espadas, dragones de energía), que conoce a la chica guapa y que aparte de hacerte caso, debes lidiar con los famosos Ex de la comentada. Claro, sabes que tu "novia" aun sigue loca por esos tipos y que no solo debes lidiar con su carisma, sino también con dinero o chance pegue o inclusive empuje sexual. En fin, para rematar, la chica tiene un tornillo suelto y tú también lo tienes, porque otra personal racional y en sus cinco sentidos, se dejaría de tanta idiotez y mejor buscaría un prospecto menos difícil. 

Aquí es donde la historia creada por Bryan Lee O´Malley alcanza niveles de genialidad. Pero ¿Quien es este hombre?

Autor: para empezar, Lee O´Malley también es canadiense. Mitad coreano, mitad franco-canadiense, comenzo estudiando en la universidad, pero la dejo para dedicarse a dibujar (buen chico). Su primer trabajo, Lost at Sea, en la editorial independiente Oni Press, le permitió lanzar el que sería su mayor éxito hasta la fecha: Scott Pilgrim, en el 2004. Finalizo la historia en el 2010, y su penúltimo tomo, Scott Pilgrim vs. The Universe,  le aseguro el premio Eisner, que se consideran los Óscares de la industria del cómic. 

En su vida personal, había estado casado con la caricaturista Hope Larson y la cual le mandaba muchas dedicatorias en los últimos tomos. Lamentablemente, hace un año, la pareja se separo. 

Ya viendo su trabajo en Lost at Sea, uno sabe para donde tiran las neuronas de Lee O´Malley. Para empezar, Scott Pilgrim es una novela de autosuperación. El autor refleja esa difícil, pero amena situación que tiene toda persona cuando esta supuestamente enamorada y a la vez, no ha cerrado todos los círculos posibles. 

Y es que Scott se refleja aparentemente como un joven que vive al día, esta contento y que sabe lo que quiere. Pero en cada enfrentamiento con un "ex" malvado, no solo repasa su vida amorosa previa, sino también la actual y como las decisiones que ha tomado, lo han ido orillando a tomar rumbos poco gratos. 

Para empezar, no lo niego, Scott es un cobarde de primera. Aun cuando es capaz de cortar a Knives para estar con Ramona, allí rapidamente ves la salud mental de alguien, cuando estas brincando de una relación a otra. 

Por suerte, lejos de usar el terrible y aburrido discurso de "es que yo era..." muy usado y diluido en películas románticas, aca nos vamos a flashbacks bastante instructivos. Vemos la vida amorosa de Scott y como el atarantado mete la pata con Kim, su mejor amiga y baterista de la banda y luego con Envy, la típica novia que resulta ser el cocol de todo hombre en su vida. Para luego ver que la relación con ambas no se ha cerrado de manera adecuada y por eso, Scott sigue metiendo la pata, porque no solo tiene miedo de seguir fallando, sino también eso le permite no sentirse culpable ni malo consigo mismo.

Dejando de lado los superpoderes, las escenas de acción, los dialogos chuscos, todos sacados de montón de animes, mangas, cómics y videojuegos (contando la vida extra, eso fue genial) vemos no solo la transición de Scott para una madurez emocional, sino también como esto afecta a los demás personajes. 

Parece que el autor usa sus propias experiencias o el famoso "canon" que todos pasamos. Digo, yo plenamente me sentía identificado con Scott en algunas escenas y no podía dejar de darme palmadas en la frente, ante la sonrisa irónica de mi esposa. 

Aunque aquí el término del camino del héroe puede ser equivocado, podría ser el camino de todo "joven" que le gusta una chica. Claro, omitiendo que uno viva con un chico gay y tenga una banda (sin ofender a nadie).

Curiosamente, pese al protagonismo de Pilgrim, los demás personajes destacan y mucho. Si algo se criticaba a la película, era que Ramona solo tenía el atractivo y ya (y como no, encarnada por la guapísima Mary Elizabeth Winstead), porque en la novela, su forma de ser es explorada de manera mucho más profunda y hasta entiendes sus reacciones. 

Y es que las mujeres también tienen sus bemoles emocionales. Aca Ramona los expresa de manera contundente. Y no solo ella, sino también las decisiones de Kim, Envy y Knives, que representan algunos espectros bastante interesantes. 

Pero mientras las mujeres son bastante profundas, los hombres...bueno, son un pelotazo. Lejos de Wallace, que llega a ser la voz de la razón en el cómic, el resto son solo de adorno y para divertir. Inclusive, los famosos "ex" malvados son en realidad estereotipos muy definidos. Y aunque le duela a Sam, también incluiría a Gideon Graves, que es puesto como el villano máximo, el jefe final que todo protagonista deba defender. No niego su carisma y sus comentarios de chico malo, peeeero, solo sirven para refozar más que el héroe y protagonista sigue siendo Pilgrim.

Por cierto, no hemos hablado de la cantidad de tomos que hay y su disponibilidad.

Volúmenes: A continuación pongo los seis tomos que integran la obra. Debo decir que mantengo los títulos en inglés, porque de plano, los de habla castellano, son...bueno, no encajan. Sigue siendo cool leer en inglés, pese a todo.

    Scott Pilgrim's Precious Little Life
    Scott Pilgrim vs. The World
    Scott Pilgrim & The Infinite Sadness
    Scott Pilgrim Gets It Together
    Scott Pilgrim vs. The Universe
    Scott Pilgrim's Finest Hour 

Por cierto, en México ya se pueden conseguir desde hace un par de años. Previamente editados en España por Best Sellers, son los mismos que venden por acá y tienen un precio entre 150 a 200 pesos, cada tomo. La ventaja de la edición que me trajo Sam (y que es calca de la habla inglesa), es que te lo venden en un pack, claro, con un poster con todos los charas. Así que saquen cuentas.

En resumidas cuentas, Scott Pilgrim es una novela gráfica de obligada lectura. No quise enfocarme en los detalles técnicos, como las referencias a otras obras (el fanservice pues), porque son incontables y aparte, uno debe verlas por sí mismo. Y aunque con ellas, uno tenga suficiente, los personajes, pero sobre todo la historia y el desarrollo de la misma son formidables. Ciertamente el tomo cinco, el cual le hizo ganar el Eisner al autor es potente, por su trama tan dramática, el seis fue mi favorito,  porque aparte de acción, también resoluciona muchas cosas de una manera contundente. El dialogo que se avientan Graves y Pilgrim en el duelo final por Ramona y como esta igual mete su cuchara, es lo que todo noviete quisiera para con su pareja.

Como dato personal, Pilgrim me pareció un personaje aborrecible. Sí, pese a su carisma, era idiota y obtuso. Pero bueno, tal vez me pego en las costillas, porque me sentí identificado con él. Digo, lo que te molesta, es porque te toca, eso es inegable. 

Como dato curioso, mi esposa le encantaron los cómics. Mientras soy un desastre leyendo y me la pasaba brincando de un tomo a otro, ella se agarro del primer volúmen y le dedico un día entero. Luego así con el segundo y el tercero, hasta terminar la colección. No me dijo que le pareció, pero verla sonreír con algunas escenas, carcajearse con otras y poner un gesto ceñudo con algunas, es prueba irrefutable de que le encanto. Digo, a diferencia mía, no es una freak ni una otaku. Eso es una prueba de que esta novela gráfica puede encantar a quien sea, aun pese a las reiteradas y divertidas referencias a otros universos, poco convencionales.

---------------------------------------------

Saludos a mi mujer ^_^, a Sam y a quienes gustan de este novelas gráficas.

La gran aventura Lego y el Crimen del Cacaro Gumaro: vivimos de la pura parodia

No tengo nada de perdón. Estas películas las ví hace más de dos meses, pero nuevamente por las razones del viejo trabajo y de mis depresiones al estilo Woody Allen, no había podido hablar apropiadamente de ellas. Ambas me hicieron carcajear de lo bien y bonito. El detalle es que mi esposa si la paso un tanto aburrida o fastidiada. Es cuando pienso que mi humor es sumamente simple y que en el fondo, pese a mi neurosis, sigo siendo un chamaco en toda la regla.

No niego que una es una joya encubierta y la otra, una mugre cualquiera, donde inclusive veo a Andrés Bustamante bien desaprovechado, pero no importa. Ambas me hicieron reírme hasta la saciedad y aparte quitaron un poco de amargura a mi alma por un par de horas.


-La gran película de Lego

Un hombre común llamado Emmet (Chris Pratt) es confundido como el "Especial", el único que puede salvar el universo. Con la ayuda del viejo místico Vitruvius (Morgan Freeman), una joven dura llamada Lucy (Elizabeth Banks) y Batman (Will Arnett), un héroe que se enfrenta constantemente al crímen, Emmet deberá luchar para derrotar al malvado tirano Lord Business (Will Ferrell), que está empeñado en destruir el universo con el pagamento.

 El universo "Lego" jamás ha sido uno de mis gustos importantes. Reconozco que de repente quise tener uno que otro juguete para armar y ya. Inclusive cuando salió la colección Starwars con estas simpáticas piezas, mis ojos se iban hacia los diferentes vehículos que salían al respecto. Pero la cosa allí terminaba.

Por ello cuando anunciaron la película basada en el universo Lego, tampoco es que me halla emocionado al respecto. Hasta en su momento pensé en dejarla por la paz. Pero cuando ví el trailer de la susodicha en el cine, me pareció simpática, así que allí me tienen arrastrando a mi pobre mujer, hace unos cuantos meses, al cine más cercano.

Debo decir que salí con una sonrisa en la boca y carcajeandome durante la función. Y es que tenía ese punto exacto de nivel de parodia y de profundidad que toda peli de niños debe tener hoy en día.

• Historia: Lógico, el tópico principal que agarran de "eje" del filme es el camino del héroe. Emmet vive en el mundo Lego, que es un mundo predecible, normal y hasta aburrido, donde debido a los continuos coco-wash que se le hace a la población, debes ser "feliz", si haces lo que te dicen y te indican. Cosa que Emmet cumple sin problemas. Sin embargo, pese a supuestamente estar adaptado al mundo, Emmet en realidad desea ser apreciado y querido, lo cual en un momento lo orilla a salirse de la rutina y meterse con ciertos personajes (Lucy), que forman parte de una resistencia que esta en contra del villano de turno y que tienen la peculiaridad de ser maestros constructores. Es decir, tienen un poder que les permite crear materiales con el entorno. Emmet, con la pieza maestra "pegada" a sus espaldas, comienza a desafiar el mundo y sus propios preceptos, para ser el Elegido que los maestros constructores esperan. 
•   Con esta primicia, tenemos algo predecible: el héroe aparece, despierta, se entrena y luego evoluciona. Pero la forma en que lo contaron, con chistes, situaciones cómicas, a veces dramáticas y con unos dialogos de puntada, fue lo que me hizo entretenerme como enano. Cierto, tiene los deux machina de siempre, pero no importa. Te entretiene, te mantiene pegado al asiento y no pierde ritmo, incusive permitiendo una interacción sabrosa y amena entre los personajes, al grado que le agarras cariño a algunos charas, como Benny.
• Personajes: Aunque en una película de animación, no se ve la actuación (salvo el doblaje, el cual tocaremos más adelante), aca nos enfocamos en el diseño de los personajes. Emmet me resulto buen chara, predecible y tal vez por eso caía en carisma frente a la coprotagonista, Lucy, e inclusive ante secundarios como Benny, que cuando aparecían, daban de que hablar. Tampoco podemos ser tan objetivos, porque muchos secundarios eran copias de originales como Gandalf, Superman, Linterna Verde, Mujer Maravilla, etc. etc. En cuanto al villano, al principio me pareció predecible y hasta insulso, pero el final que tiene, me parecio bastante adecuado. Por cierto, el cameo de Batman, como el "novio" de Lucy, fue estupendo, ya que era el chara amargado y cínico que le daba cierto toque al filme. Curiosamente, aun el personaje de Kitty me parecio bueno, más cuando se vuelve loco, jejeje. El único que si me parecio chafa, fue el de Policia Bueno/Malo, que me parecio un malo muy soso y con poco empaque.
• Aspectos técnicos y visuales: No hay mucho que hablar aquí, ya que la animación y el diseño no eran cosa del otro mundo, pero me parecieron bastante adecuados, al adornar inclusive las explosiones al estilo Lego. Lleno de puntadas y de guiños a todo tipo de películas.
•  Música: jajaja, en Twitter escuche que "Todo es increíble", era mejor que las canciones de Frozen y efectivamente, lo pegajosa de la rola te hace pensar eso. Hasta daría razón de porque los personajes de la ciudad de Lego estaban todo atarantados, ya que la canción pega y con tubo, digo con todo.
• Acción: La película era bastante buena, las batallas espectaculares y la pelea final, de lujo. Mis respetos.
• Doblaje: La parte fuerte de la película. Aunque tenemos a Karla Falcón como Lucy y el gran Pepe Toño Macías como Emmet, los secundarios fueron los que realmente brillaron. José Lavat como el guía, Sergio Gutiérrez Coto como Batman y la mayoría de las voces que salieron, repetían estelares previos, como Arturo Mercado Jr. haciendo a Linterna Verde o Gerardo Reyero a Han solo. De lujo.

En conclusión, La gran película de Lego fue la primera buena película de este año y me divirtió muchísimo. Obviamente sigue siendo para niños y si te metes en asuntos más complejos, si la cosa se pierde. Pero para reírte con lo básico y encontrar el montón de referencias, vale muchísimo la pena. Personalmente me la pase muy bien, aunque mi esposa no tanto (supongo que el "Axis" del Camino del héroe la termino fastidiando).
Como sea, es altamente recomendable y por algo se convirtió en la segunda película más taquillera de lo que va del año (claro, falta ver a los demás estrenos que se vienen en camino).


-El Crimen del cagaro Gumaro

Película mexicana de 2014 llevada a la pantalla por Alameda Films y distribuida por 20th Century Fox; dirigida por Emilio Portes, producida por Daniel Birman Ripstein y escrita por Armando Vega Gil y Andrés Bustamante, marcando igualmente el debut de éste último en el cine. Se trata de una parodia a diversas películas mexicanas tanto modernas como antiguas, teniendo cameos de varios artistas como Carmen Salinas, Freddy Ortega, Germán Ortega, Jorge Rivero, Xavier López "Chabelo", José María Torre y Víctor Trujillo con su personaje de Brozo, por mencionar algunos.

A diferencia de Lego que me llego de golpe, cuando vi los primeros anuncios de esta película de Andrés Bustamante, ya estaba diciendole a mi pobre mujer que iríamos a verla. Y es que ver las producciones del gran Guiri-Guiri no es en balde. El tipo sabe como hacer comedia y de la buena, así que cuando salio a principios de marzo, allí arrastre a mi incondicional esposa al cine, aunque ella ya me había comentado que podría salir algo mal.

Y vaya que las cosas se desmadraron, pero por suerte, para bien. Y es que Andrés Bustamante se decanto por el humor grosero, irreverente y malo que abunda hoy en México. Sin embargo, el exceso de referencias y comentarios a otras películas y situaciones, así los chistes tributos a videos virales del "Tubo", aminoraron eso, al grado que me la pase ríendo a mandíbula batiente por espacio de dos horas.

• Historia: San Andrés Güépez es el tipico pueblecillo mexicano que vive bajo un presidente corrupto interpretado por Andrés Bustamante. Como todo lugar que se precie, tiene un cine rural, que esta administrado por un viejecillo (actuado por el Polivoz que continua vivo) que luego de un accidente, decide heredar el cine a sus dos hijos. Debido al lío al momento de morir, Gumaro, el menor, se queda con el cine, mientras su hermano mayor trata de quitarle el lugar como sea, vendiendo piratería frente al mismo. El choque entre ambos "hermanitos", dará una de las tramas más jocosas, pero irreverentes que he visto en mucho tiempo.
•  La historia no tiene nada. Es sencillamente verse pelear hasta la muerte (literalmente) a Gumaro y a su hermano, por el control del cine, sino también por ver quien fastidia a quien. Y es que en medio de la batalla, se mezclan todo tipo de personajes, desde la novia del hermano mayor, interpretada por una irreconocible Ana de la Reguera, hasta la aparición de mutantes zombies y palomitas radioactivas. Digo, había tanta tontería, tanta irreverencia, tanta estupidez...que literalmente me partía de la risa. Aquí demuestro mi estupidez y mis continuos coco-washes, al grado que los chistes pirateados de los virales del Tubo y de tantas situaciones harta conocidas por el mexicano promedio, me sacaban mínimo una sonrisa pa´arriba. Sin embargo, lo considero el peor recurso que pudo haber usado Andrés Bustamante. Cierto que muchos de sus papeles son improvisaciones o inclusive copias de algo visto, pero acá se fue al extremo y solamente vimos un colectivo de chistes harto conocidos por todos. Es como ver mi "Fanfic Wars" en una película y si resulta nefasto, cuando Bustamante tiene talento de donde sacar ideas. En fin, la historia es de esas que apago el cerebro y me dejo llevar.
• Personajes: No hay actuaciones, solo chistes. Por eso de eso no hablamos o nos morimos. Ni siquiera Bustamante se salva, ya que solo es un chiste su personaje y su interpretación. Curiosamente, los que brillan son los estelares que aparecen como cameos, sea Chabelo, Brozo, etc. etc. que le adosan un adorable y divertido "aquí estoy bola de idiotas". Más basura, pero que gusta. Por cierto, el gordito que era nieto del dueño original, una botana andando. Yo por mí, lo adoptaba al condenado.
• Aspectos técnicos y visuales: Comedia a lo Dr. Chunga. Léase, si uno ha visto los programas del Guiri-Guiri, verá las improvisaciones de material y de efectos especiales chafas y de mala calidad. Pero si ya estamos viendo cine tipo B, ya de perdidos, al menos resultaban graciosos y fosforescentes. Lo de los zombies, no tuvo m...digo perdón.
•  Música: ¿Qué música?
• Acción: De la buena. Se ven decapitaciones, muertes, explosiones, persecuciones, balazos, zombies, armas nucleares (¡Nuclares Jacobo!) y hasta rayos de exterminio masivo. Inclusive un robot Chabelo. Con eso lo digo todo.
• Curiosidades: No terminaría nunca de nombrarlas. Los cameos son múltiples, de todo tipo y color. Hay que verla para captarlos, al menos dos veces. Por cierto, la parodia a los festivales de cine de arte, fue memorable. Con ganas de ponersela a alguien que conozco, jaja.

En conclusión, el Crimen del Cacaro Gumaro es una peli malita, pero bien malita. Pero si te gusta lo retorcido, lo cómico y lo improvisado, es tu película. A mi me encanto y hasta tuve ganas de verla una vez más. Sin embargo, para un público más normal, más inteligente, más certero, como mi esposa, saldrás fastidiado y hasta aburrido. Pero como soy un alien en muchos casos, entonces doy la opinión "buena" del filme. ¿Recomendable? Bueeeno, depende del gusto.

-------------------------------------

Saludos a mi mujer, que le doy las gracias por aguantarme en tales irreverencias. Gracias princesa, así quienes más se toman la molestia de leer este blog.

Sailor Mercury: Ami Mizuno y el amor de los fans.

Hablar de Sailor Mercury, es...complicado. Aunque había tenido un buen ritmo comentando sobre el resto de las Sailor Seishi, siempre quise retrasar el momento de llegar con este personaje. Y aunque hoy en día, mi favorita es Sailor Jupiter, Mercury siempre va a tener un lugar en mi corazón.

Es como si hablarás de aquella primera novia que tuviste y que aunque ya dejaste atrás, hablar de tu "primera", tiene una mezcla de melancolía y de alegría. Sonará exagerado, más porque es un personaje animado, que no tiene vida, pero para mis años adolescentes, cuando me toco ver Sailor Moon, Mercury venía a encarnar la entonces fantasía que tenía de cualquier chica.

Claro, envejeces, vas madurando (según), pero en el profundo del inconciente, siempre hay un rastro de aquellos días, momentos o personas que marcaron una parte importante de tu vida. No es que halla fantaseado hasta el hartazgo con la chica inteligente de la serie, pero este personaje me ligó con otras personas que formaron parte de aquella extraña, pero divertida juventud.

Tal es el impacto de este chara, que romperé un poco mi molde sobre tocar un tema y en lugar de empezar con la experiencia personal y luego irse a algo más sistematizado, aquí será al revés.

Ami Mizuno (水野 亜美 Mizuno Ami?, "Amy" en los doblajes ingleses y latinos) alias Sailor Mercury (セーラーマーキュリー Sērā Mākyurī?, a veces traducido como "Guerrero Mercurio"), es un personaje de la serie de manga y anime Sailor Moon. Sailor Mercury es miembro del grupo de Sailor Senshi del Sistema Solar Interno que protegen a Sailor Moon desde los tiempos del Reino de la Luna hasta el presente.

Ami Mizuno es una es una estudiante destacada y muy inteligente que asiste a la misma escuela que la protagonista de la serie, Usagi Tsukino (quien fue conocida como "Bunny" en la traducción de España y "Serena" en la versión para Latinoamérica). Usagi, quien ya había empezado a adoptar la identidad alterna como la guerrera Sailor Moon, descubre que Ami tiene el poder de transformarse en otra guerrera justiciera, Sailor Mercury. Eventualmente se descubre que la razón por la que Ami puede transformarse de esta forma es porque ella es en realidad la reencarnación de Sailor Mercury, una guerrera del tipo Sailor Senshi que provenía del planeta Mercurio y protegía a la princesa de un reino llamado el Milenio de Plata en su vida pasada.


Cuando Sailor Moon apareció en la primavera de 1996 en México, un servidor ya tenía un leve antecedente de esta serie. A finales de 1995, Club Nintendo tuvo una leve inclinación hacia el manga y anime. Primeramente publicaron en parte el manga de Street Fighter de Editorial Tokuma y luego comenzaron a hablar de videojuegos de anime, como Dragon Ball Z (inclusive, una portada estuvo dedicada a este videojuego, que parecía querer traerse a México, cuando el viejo Dragon Ball apenas descollaba). Sin embargo, luego de un año, la revista decidió cortar estos temas por lo sano y centrarse nuevamente en los videojuegos.

Pero antes de que esto pasará, se dedicaron a hablar sobre varios videojuegos de tipo anime que tenían posibilidades de salir en el mercado. Entre ellos, el Sailor Moon Stars. Allí pusieron una imagen de todas las Seishi.

Por ello, cuando apareció Sailor Moon, tenía una idea de que Usagi (Serena), no sería una heroína solitaria, sino tendría compañeras (aparte, el mugre opening también te lo mostraba en todo su esplendor). El detalle era ver, ¿Cuando saldrían todas?

Y luego de una tanda de 8 episodios, le toco a la primera aparecer y sería ni más ni menos que Sailor Mercury.

Ami Mizuno, conocida como Amy en Latinoamérica, es una estudiante destacada de la secundaria Juuban. Sin embargo, como es una alumna sumamente inteligente, el bullying no puede estar ausente y sus compañeros la miran como alguien distante y presumida. Usagi parece caer en esos prejuicios, pero cuando ve a Ami jugar con Luna (que sospecha algo sobrenatural en la joven), Usagi se da cuenta de sus buenos sentimientos y comienza a convivir con ella.

Pero Luna sigue sospechando y cuando van a ver a Ami en su escuela vespertina (en Japón, el nivel educativo es tan estricto que los alumnos destacados inclusive van a escuelas que complementan los estudios normales) donde se sospecha que estan siendo atacados varios alumnos, es cuando Luna descubre el poder de Mercurio en el interior de la joven. Allí, con la típica volterera, saca la pluma correspondiente, animando a Ami a convertirse en una Sailor Seishi.

Aquí ya vemos el poder básico de la joven, que consiste en utilizar el elemento del Agua para sus necesidades. Siendo el primer ataque, Burbujas de Mercurio, que serían una neblina tan intensa que desconcierta al enemigo. Aunque Mercury parece más una Seishi defensiva, llegando a agregarsele inclusive una computadora y un visor para ayudar en sus deducciones, luego se revela con un poder bastante elevado, con ataques como la Rapsodia Acuática de Mercurio o Fulgor del Agua de Mercurio.

Ami se va destacando como el cerebro del equipo, como la persona analítica, tranquila, que es capaz de mediar entre sus compañeras y amigas, así dando las puntadas de tímidez, de inocencia y de sonrojos (ja) contrastando rapidamente con la impulsividad de Usagi, el carácter de Rei, la fortaleza de Makoto y la lócura de Minako.

Pero también llega a representar un par de estereotipos: es la tipica chica Nadeshiko, es decir, diligente, tranquila, cumplidora, amable, dulce y sensible, así con una inteligencia abrumadora, como de la chica solitaria que va ganando confianza en compañía de sus amigas y que poco a poco va equilibrando su vida de manera sana, al interesarse, no solo en salir y comer dulces con sus amigas, sino también en fijarse ya en los chicos e inclusive tener puntadas con comentarios fuera de lugar (en especial en Sailor Moon Stars).

En la primera temporada, su aparición llega a ser tan potente que inclusive su "muerte" en la batalla final contra Metalia, fue bastante impactante. 

Aunque en Sailor Moon R y Sailor Moon S, su participación llega a ser menor comparada a la primera temporada, los episodios que van dedicados a ella, son bastante complejos, mucho más que el de sus compañeras, como cuando esta indecisa sobre su personalidad y se siente atacada por todos o cuando vuelve a encontrarse con un amigo que esta enamorado de ella.

Pero cuando le toca realmente brillar es en Sailor Moon SS, donde su participación fue en aumento y los episodios donde es protagonista, son emotivos y a la vez divertidos. En especial el episodio 151 de toda la saga, donde se dan datos sobre su madre y en especial sobre su padre.

Lamentablemente, un defecto que se vio en la serie fue que los personajes los fueron emparejando con rivales y secundarios que eran parecidos o más adoc a ellos, lo cual le quitaba un poco del desarrollo al personaje en cuestión. De allí que Mercury paso a estar un tanto desaprovechada y veíamos los mismos leimotivs una y otra vez.

Como dato curioso, la voz original de Mercury fue dada por la seiyuu Aya Hisawaka, que tiene una larguísima trayectoria y que es capaz de dar tonalidades a personajes muy tiernos o sumamente fuertes. En México, el papel recayo sobre la carismática Rossy Aguirre, que con su voz, enamoro a cuanto hombre escuchaba a esta chica.

Y es que aquí vamos a la parte emotiva: Ami fue mi personaje favorito por muchos años. Técnicamente fue el primer chara femenino que me llamo la atención, al grado que si podía, coleccionaba imagenes, tarjetas o cualquier cosa de la susodicha. A tal punto llegue, que en un momento pensé en comprarme una figurilla de la misma, aunque no soy fan de esas cosas.

¿El motivo? Es lógico. Ami es el prototipo de toda chica que desea un chico: guapa, inteligente, dulce, amable, sincera y con una inocencia impactante. Aparte, el diseño del personaje, desde el pelo corto y el tipo de "azul" (uno de mis colores favoritos), me llamaban poderosamente la atención. Para remate, la preciosa voz de Rossy Aguirre le daba un punch magistral.

Y no soy el único que pensaba eso. Técnicamente los amigos que tenía entonces, sea en la vida real o en la red, pensaban lo mismo. Ami llego a ser el modelo a seguir de la chica ideal. Por un rato, la busqueda de novia era casi buscar un clon de la susodicha. Aparte, eran divertidos los agarrones que tenía con el viejo camarada Eagle, sobre quien se quedaría con ella, al menos a nivel de fanfics. Solo falta ver que el protagonista de mi fanfic, "Hunters", se queda con la susodicha. De remate, Ami quería estudiar medicina y yo andaba en las mismas. Puro amor.

Sin embargo, luego de tener mi primera novia, las cosas como que fueron cambiando y el gusto que tenía por Ami fue diluyendose, al grado que mis preferencias cambiaron y también mi furor. Creo que eso se llama madurar o sencillamente despertarse y ver que no puedes ser un freak para toda la vida (aunque técnicamente, aun lo sigo siendo). Ami paso a ser mi segunda Seishi favorita, luego de Makoto y finalmente hasta la tercera por momentos, rivalizando con Minako.

No niego aun mi gusto por este tipo de personajes, basta ver que mi chara preferido de Naruto es Hinata y es casi una calca de la misma Ami. Sin embargo, creo que también se debio este cambio al poco provecho que pudo sacarle Naoko Takeuchi a un personaje que tenía muchísimo potencial. Una lástima.

Aun así, a la fecha, Ami sigue siendo un chara que me gusta mucho. No entrará en mi Top 10, pero allí sigue, marcando una época de mi vida donde las cosas, tal vez eran no solo fáciles, sino diferentes.

--------------------------------------------------

Saludos a mi Makoto xD, así a quienes gustan de este tipo de personajes. Por cierto, ya en julio, sale la nueva "serie" de Sailor Moon. A ver que pasa.