Leyendas Urbanas: Paul esta muerto

Esta es de las famosas leyendas urbanas que existen en la historia y que ha perdurado con el pasar de los años. Es tan famosa como la teoría de los multiples tiradores con JFK, si el hombre llego verdaderamente a la luna o la del monstruo del Lago Ness.

 Un servidor escucho de esta luego de un ejercicio curioso que hicieron con un servidor en la preparatoria. Por aquel entonces era un quinceañero mocosiento, con acne y con un alma inocente (seh, un día fui inocente, aunque no se crea).
 Iba en un colegio meramente religioso, donde la educación de la fe se enseñaba conjuntamente con algebra, historia del arte o física.
 Y como el católico promedio necesita un enemigo promedio para mantener viva la religión, ese día, las "hermanas" nos exhibieron un video que criticaba los mensajes subliminales de las canciones.
 Obviamente, ese video es bastante conocido y trata de como algunas rolas, puestas al revés, invocan mensajes satánicos o de corte malefico.
 Ya esto lo sabía, porque luego de escuchar a uno de mis entonces mejores amigos con sus canciones de Led Zeppelin, había que ser medio idiota para no entenderlo.
 Pero lo que me impacto, fue que inclusive la mística música de los Beatles, tenían estos mensajes y en cantidades poco saludables para el alma.

 En fin, me dedique a investigar poco después y resulta que había ciertas cintas que puestas al revés, decían mensajes de este corte, aunque podía ser una tomadura de pelo.
 Pero entonces aparecio aparte, la leyenda de Paul McCarthney y su supuesta muerte en el año de 1966 y que el "actual" Paul era un falsificador, que había tenido que poner el manager del grupo para evitar una histeria total.

 Aunque se sigue diciendo que es un mero mito, hay ciertos hechos que parecen probar lo contrario...


«Paul is dead» (‘Paul está muerto’), es una leyenda urbana que asegura que Paul McCartney ―cantante y compositor de la legendaria banda The Beatles― murió en 1966 y que fue reemplazado por un doble muy parecido a él físicamente e incluso con la misma voz llamado William Campbell, un policía canadiense aficionado a la música. Oficialmente, McCartney se encuentra vivo hasta la fecha.

La única «evidencia» de la muerte de McCartney consiste en indicios hallados entre muchas de las grabaciones de The Beatles, algunas de las cuales han sido interpretadas como si hubiesen sido deliberadamente colocadas por ellos mismos o por otros, de tal suerte que fuesen un tipo de acertijo o rompecabezas para ser resuelto por el público mismo. Esto se ha visto reforzado con afirmaciones de personas que alegan que al escuchar ciertas canciones (a través de un tornamesas para discos de acetato) girando en sentido contrario se encuentran mensajes ocultos. Aunado a esto muchos han analizado los diseños gráficos de las portadas originales de todos sus discos para complementar el desciframiento de esta leyenda.

La relación entre Paul y John, los líderes de The Beatles, siempre ha sido descrita como tormentosa. Se decía que Paul era más talentoso que John, pero este último tenía un carisma que eclipsaba con creces a los demás. Esto se rumora, fue la causa de que el grupo se desintegrara en 1970.

En una de esas tantas peleas, según la leyenda, mientras se grababa el disco del "Sargento Pimienta", Paul tuvo una fuerte discusión con los otros Beatles y salio volando del estudio. Tomo su coche y una chica que había conocido por allí y se le dio la loquera. Claro, esto le provoco la muerte, ya que se salto un semaforo y un camión arrollo el coche. Supuestamente, la cabeza de Paul había quedado tan desfigurada que fue necesario acudir a la muestra dental para identificarlo. MIsteriosamente, Brian consiguió que la policía no hiciese referencia a la muerte de Paul. El informe policial dejó constancia simplemente de que un hombre joven había perecido en el accidente, pero nunca sería identificado.

El manager de los Beatles, Epstein, temiendo una reacción de terror entre los fans, decidio hacer una maniobra desesperada: tomar alguien que fuera extremadamente parecido a McCartney y enseñarle todo lo que se pudiera sobre el negocio. El elegido fue William Campbell, un policía canadiense aficionado a la música.

 Se supone este hecho quedo oculto y el único incidente conocido, fue que Paul había sufrido un accidente en 1965 y que había quedado lesionado de la boca. Por tal motivo, comenzó a usar bigote, como el resto de los Beatles.

 Fue hasta el año de 1969, cuando un DJ de Michigan, llamado Russ Gibb, recibió una llamada anónima que le comentaba sobre la muerte de Paul y que para probarlo, pusiera la canción Revolución 9 al revés, donde se tenía el mensaje criptico sobre un cadaver.

 Russ Gibb formo un grupo con otros amigos DJ y comenzaron a hablar del rumor en un programa radial que tuvo una importante difusión por varios años.

 Entre las conclusiones que se sacaron, es que los Beatles estaban dando a entender la muerte de McCartney con sus canciones. Entre los mensajes crípticos, estan los siguientes.

- He didn't notice that the lights had changed (A Day in the Life): El no se percató de que las luces habían cambiado.

- Se dice que el choque fue contra una columna de iluminación. Hay grabaciones de choques de automóvil en «Revolution 9» y en «A day in the life».

- The English army had just won the war (A Day in the Life): El ejército Inglés acababa de ganar la guerra; que lograron ocultar la noticia y con eso el posible caos que se pudo haber desatado.

- Wednesday morning at 5 o'clock as the day begins (She's Leaving Home): Miércoles por la mañana, a las 5 en punto cuando empieza el día; esa es la hora en que se lo declaró muerto.

- Wednesday morning papers didn't come (Lady Madonna): Los periódicos del miércoles por la mañana no han venido; nadie se enteró porque la noticia fue ocultada.

-«The one and only Billy Shears» (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band): ‘Billy Shears, el único’ hace alusión a William Campbell cuyo nombre artístico era Billy Shears. Aunque más tarde, Ringo Starr, afirmó que él mismo interpretaba a Billy Shears, ya que antes de formar parte de The Beatles, él era conocido como "Ringo Shears".

- Analizando la canción «A day in the life» se presume que el accidente fue en Blackburn, en el condado de Lancashire (Inglaterra).

 - «Bury me, bury me, bury my body, oh untimely death» (‘entiérrame, entiérrame, entierra mi cuerpo, oh, muerte intempestiva’), de la canción I am the walrus. Esto aparece si se escucha atentamente al final de la canción.

 -Una de las más claras grabaciones escuchada al revés, aparte de las de I Am the Walrus o Revolution 9, es la que se escucha al final de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise), en la cual se oye: "Paul is Dead; really, really dead... Paul is dead and you can't xxx with the mustache"; en español,"Paul está muerto, realmente, realmente muerto...Paul está muerto y tú no puedes xxx con el bigotón"; y aquí no es necesario escucharla al revés, solo poner atención. Bigotón, para muchos, hace referencia a Billy Shears. En el último álbum, Love, estas oraciones no se escuchan en eco como en el original, solo se escuchan por el lado izquierdo y sin eco, lo que lo hace más difícil de escuchar, pero detectable.

- En el disco "Let It Be...Naked", Paul dice "There's still a chance, Bill, that they will see". En español: "Todavía hay una oportunidad, Bill (William, William Shears Campbell) de que ellos lo vean (se den cuenta)", como clara referencia al rumor. Aunque también se dice que todo era un diálogo entre el propio McCartney y Billy Preston y eso por ello que dijo el nombre "Bill".
Se cree que en una parte de la canción "Let it Be" John Lennon susurra: "Paul is dead" (Paul está muerto).

 -En la canción "In my life", dice: '"Some are dead, and some are living'" (algunos están muertos, y otros están vivos), clara referencia al rumor. El inconveniente con esta canción es que fue grabada en 1965, un año antes del supuesto accidente automovolístico de Paul McCartney, lo que si se cierto es que en esa canción recuerda a su antiguo compañero Stuart Sutcliffe, que había fallecido en 1962.

También las portadas fueron objeto de estudio y dos fueron bastante significativas. Por un lado, la de Abbey Road y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band muestran varias señales del funeral, que habría ocurrido algunos días después. En Abbey Road, John Lennon vestía completamente de blanco (asumiendo el rol del predicador), Ringo Starr utilizó el traje negro habitual en los responsables de servicios funerarios, George Harrison utilizaba ropas de trabajo (sería el enterrador) y Paul McCartney tiene los ojos cerrados, y viste un traje pero está descalzo, como es habitual en los cadáveres que se preparan para ser velados en los paises orientales. Además, McCartney camina con el paso cambiado respecto a los otros tres Beatles y toma el cigarrillo con la mano derecha, siendo que McCartney es zurdo, y a la derecha hay un coche fúnebre. Aparte en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band se puede ver una tumba hecha de flores y un bajo, hecho también de flores, mirando hacia la izquierda (ya que McCartney, como ya se dijo es zurdo) y al que le falta una de las cuatro cuerdas, lo que indicaría que falta un Beatle.

 El final de Strawberry Fields Forever tiene la voz de John de fondo, en tono grave y suave diciendo, junto con la última frase normal de la canción, algo que suena como I buried Paul (‘yo enterré a Paul’). Lennon afirmó posteriormente que él había dicho cranberry sauce. John Lennon siempre bromeo con este rumor, al grado de decir que lo había enterrado.

 En el video Free as a bird se muestra un accidente automovilístico, y en el minuto 2:212 puede verse en la ventanilla del coche de policía una extraña figura que podría indicar que es la cara desfigurada de McCartney, incluyendo en la escena del cementerio aparece Paul brincando y saltando muy feliz (alusión a «The fool on the hill»); como si se le recordara y poco después de la escena un auto pasa por encima del lugar donde estaba posicionado Paul en Abbey Road. En otras partes del video, puede verse la presencia de solo tres beatles, una en donde cruzan la calle, y otra donde aparecen en la televisión, en esa parte aparece Paul, pero no con el grupo, si no sentado a un lado de la televisión donde están sintonizados los tres beatles.

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 Este rumor ha tomado fuerza con la salida del internet. Inclusive, en el tubo se puede encontrar un video de 20 minutos que narra ciertas pruebas que se han hecho famosas entre los "curiosos", como comparar fotos de McCartney antes y después, como hacer las identificaciones de cada imagen o canción descrita anteriormente, paso por paso.

 Tecnicamente había olvidado este asunto, pero una comadre hace un par de años, mediante un site, me recordo este mito y desde entonces es una de mis leyendas urbanas favoritas. Si ponemos esta evidencia como cierto, entonces quien estuvo hace unas semanas en el Zócalo del D.F., puede ser un impostor. Uno bueno, pero impostor al fin al cabo.

 Saludos a mi princesa, que adoro bastante, así a quienes gustan de este tipo de cosas.

Barbarroja: un estudio preliminar.

 ¿Por que usar una entrada militar para hablar de política, historia y de ciertos disparates que nadie le importa en apariencia? ¿Por que no hablar directamente de la batalla que mando a 2 millones de alemanes contra la URSS?

 La razón es que este momento de la Segunda Guerra Mundial, fue el punto de inflexión de este conflicto.
 Se ha dicho que la batalla de Stalingrado, la del Alamein, el Día D o Bagration fueron los momentos decisivos y que decantaron la victoria hacia los Aliados.
 Sin embargo, un servidor considera que todo empezo justo aquí: cuando Hitler se le ocurrió la idea de invadir la URSS.
 Aunque Hitler ya había tenido este concepto cuando escribió "Mi lucha", que aunaba por el aumento del espacio vital, es decir, el territorio necesario para que la raza aria se multiplicara en un ambiente de prosperidad, había renunciado en parte cuando se volvió canciller de Alemania en 1933.
 Pese a la hambruna que había dominado a la URSS por aquellos años, Hitler había visto con horror como la URSS había presenciado un crecimiento sin par, pasando de ser un país meramente agrícola, a una nación casí industrializada, no solo a nivel productivo sino también militar.
 Mijaíl Tujachevsky, uno de los mejores mariscales de campo de la URSS, había desarrollado un nivel táctico inovador: uso de unidades blindadas en forma de puntas de lanza para ir contra los puntos más débiles del enemigo. Inclusive, el gran Heinz Guderian, el creador de la Panzerdivision, se inspiró en los escritos de Tujachevsky.

Tujachevsky, primero de izquierda a derecha en la fila de abajo.

 Sin embargo, Stalin en un arranque de paranoia, comenzó a liquidar a sus "posibles" enemigos políticos, en la denominada "Gran Purga". Entre las víctimas, estuvieron muchos oficiales de la URSS que habían aplicado los conceptos de Tujachevsky.
 Inclusive este, fue muerto durante esta "matanza" junto con sus más fieles allegados.

 Esta situación y el descontento que causo la Gran Purga, hizo que Hitler se replanteara un ataque hacia la URSS. Esta idea fue madurando, aun más con el papel tan mediocre que tuvo el Ejército Rojo contra Finlandia, donde un ejército reducido había frenado a un enemigo tres a cuatro veces superior en armamento y hombres.
 Sin embargo, el canciller alemán jugo de manera más brillante: Polonia era el primer objetivo de Alemania. Si la atacaban, Inglaterra, Francia y la URSS responderían de inmediato, lo cual no convenía a Hitler.
 Así que mando a Ribbentrop, su ministro de asuntos exteriores para negociar un tratado de no agresión.

 Curiosamente, Stalin, mediante la contraparte de Ribbentrop, Molotov, acepto este tratado.
 Aun se desconocen las razones por los cuales lo hizo y que repecurtió en el "éxito" de la Operación Barbarroja.

Pero vamos a ampliar esto a continuación.


Operación Barbarroja (en alemán: Unternehmen Barbarossa), emprendida en junio de 1941, fue el nombre en clave dado por Adolf Hitler al plan de invasión de la Unión Soviética por parte de las Fuerzas del Eje durante la Segunda Guerra Mundial.

La operación abrió el Frente Oriental, que se convirtió en el teatro de operaciones más grande de la guerra, escenario de las batallas más grandes y brutales del conflicto en Europa.

La Operación Barbarroja significó un duro golpe para las desprevenidas fuerzas soviéticas, que sufrieron fuertes bajas y perdieron grandes extensiones de territorio en poco tiempo. No obstante, la llegada del invierno ruso acabó con los planes alemanes de terminar la invasión en 1941. Durante el invierno, el Ejército Rojo contraatacó y anuló las esperanzas de Hitler de ganar la batalla de Moscú.

 

 Dicen que la historia la escriben los vencedores. Justamente, la URSS escribio una versión oficial, donde decía que los alemanes habían traicionado su "confianza" y que le habían dado una puñalada trapera. Ellos habían confiado en Hitler y en sus promesas de paz para Europa. Que la URSS había perdido sus primeras batallas por esta cuestión y que fue gracias al esfuerzo de todo el pueblo ruso, que habían logrado salir adelante, ante un enemigo traidor y vil.

Por otra parte, los alemanes habían dicho que la URSS sabía de sus planes y que todo había sido un ardid para atraerlos hasta el mismo corazón de Rusia, para ser liquidados.

 Hoy en día, no se sabe cual es la verdadera versión, ya que muchos informes oficiales soviéticos apenas estan siendo desclasificados.

Rodric Braithwaite ha postulado una teoría que toma ambas versiones y la fusiona en una que han ido confirmando estos archivos "soviéticos".

 Y justamente volvemos al punto donde Stalin acepta el tratado de no Agresión.

 Muchos dicen que Stalin, como buen dictador, no tenía conciencia de los actos que cometía. Sin embargo, parecio darse cuenta de las tarugadas de la Gran Purga. El ejército había quedado muy debilitado y aparte había habido un gran descontento. La Checa, predecesora de la NKVD y de la KGB había "investigado" las opiniones de la gente. Muchos estaban en contra del gobierno de Stalin y que si había una invasión de Alemania, la gente se uniría a los invasores.

 Estos informes también cayeron en manos de Hitler, lo cual lo motivo que volviera sus ojos hacía la URSS. El problema es que estos informes terminaron por definir la estrategia del Ejército Alemán, que explicaremos en la segunda parte de la Operación Barbarroja.

 Pero volvamos a lo importante: ¿Por que demonios Hitler acepto el tratado de no agresión?

 Primero, ya se comento: Hitler quería atacar Polonia sin sufrir riesgo de un ataque ruso. Es más, el mundo entero confiaba en que la URSS intervendría en caso de que Hitler alzara la mano. Pero con el tratado de Paz, estas expectativas se fueron al pozo.

 Por otra parte, el ejército alemán no era tan potente y las unidades Panzer apenas estaban en su fogueo. Las batallas de Francia y en Europa del Este terminaron por cumplir este requisito.

 Aparte, fueron las derrotas en la batalla de Inglaterra y del Afrikakorps que obligaron a Hitler a voltear su mirada hacia el gigante ruso.

 En el caso de Stalin, los informes de sus agentes secretos, hicieron que tratara de reformar el ejército rojo a toda velocidad. Esto tuvo el inconveniente de que la Red Army fuera rica en materiales de guerra y hombres, pero con una pésima preparación táctica, tanto por las purgas como por el aumento exponencial del mismo ejército.

 Lo peor, es que pese a que Stalin rehabilito a muchos oficiales en deshonra, como el famosísimo Konstantin Rokossovsky, el Ejército Rojo seguía siendo una penuria, como lo demostraban los informes de prácticas, donde los oficiales tenía una pobre dirección, los hombres eran flojos y cobardes y los comisarios políticos solo interferían para mal.

 Zhukov y Timoshenko, que eran los únicos generales que se le ponían al brinco a Stalin, le recalcaban la necesidad de hacer un ataque preventivo a Alemania para evitar cualquier confrontación. Lo peor, es que varios espías rusos habían dado el pitazo de que Alemania iba a atacar durante 1942.

 Sin embargo, no se sabe porque Stalin ignoro o no quiso ver estos informes como ciertos. Él creía firmemente en el Tratado de no Agresión.

 Esta es la parte de la historia que no se tiene bien en claro: Stalin sabía que Alemania iba a atacarlos, pero porque no decidió reaccionar como le habían indicado sus allegados, podría deberse al miedo que tenía a Alemania o sencillamente una fe ciega que tenía en ese dichoso Tratado.

 Como sea, la cosa fue de mal en peor: Alemania se iba armando hasta los dientes y movilizando sus tropas hacia la frontera. Zhukov le reclamo a Stalin que moviera las tropas para ponerse en guardia, o al menos los guardias fronterizos, pero el dictador se nego en absoluto. Inclusive movilizó a Molotov para que reafirmara el pacto. Sin embargo, el diplomático hallo todas las puertas cerradas, lo cual alaro más la situación.

 Lo peor, es que la población tenía una leve idea de lo que iba a suceder. Sin embargo, el hastío por el regimen hizo que igual se quedaran sentados sin mover un solo dedo.
 Aunque se ha dicho que el mes que se retraso la invasión por la cuestión de los Balcanes y Grecia, esto en parte ayudo a que Stalin siguiera en sus trece, ya que los espías habían dicho que Hitler atacaría en mayo, pero esto se retraso hasta junio.

 En esas raras cuestiones de la vida, que pese a ser tan predecibles, se siguen repitiendo, varios oficiales alemanes fueron capturados en la frontera y decían que el ataque era eminente. Pero estos informes o no llegaron a Stalin o este volvio a ignorarlos.

 Al final, se concluye que Stalin si tenía conocimiento de la situación, pero que también confió en Hitler. ¿Pero por que?

 Eso es algo que solo el propio dictador podría decirnos.

 Mientras, en la madrugada del 22 de junio de 1941, Hitler lanzo alrededor de 3 millones de soldados, en tres gigantescos frentes, para liquidar de una vez por todas a su odiado rival...pero, eso ya lo veremos en una próxima entrada.

Saludos a mi princepessa rusa ^^, así a quienes gustan este tipo de "dramas" históricos.

Top 30 opening: parte dos

Aunque me gusta escuchar J-music con regularidad, en realidad tengo pocas canciones en mi musiteca, comparada con el frikie promedio.
 Mi hermano una vez hizo una buena crítica a este tipo de música, comparandola con el tamborazo de "las rancheras", ya que mientras el acordeon o la tambora es el sello de ese tipo de música, en el caso de la música japonesa, es el uso del sintetizador, de la guitarra eléctrica o del bajo, pero en cantidades realmente enfermas.
 Y no puedo negarlo. Con el tiempo, por eso me he ido volviendo más selecto con el tipo de rolas que voy escuchando, pasando de las típicas "japo", hacia algo más revolucionario o intenso.
 Sin embargo, hay ciertos origenes que no se pueden negar y cierto fanatismo "borrego" XD.
 Pero bueno, luego de este intro fastidioso, vamos a la segunda parte del Top 30 de openings.


-Fighting - Face Free

La primera vez que escuche esta canción, no podía parar de brincar. La primera versión de Captain Tsubasa había dejado la tabla muy alta para una secuela, remake o series de futbol posteriores. Sin embargo, Captain Tsubasa J logro superar en muchas cosas a la primera o al menos igualarla. Entre estos rubros, fue el de la música. Aunque la del 1983 tiene música preciosa, la de los noventas es igual de fabulosa o por momentos épica.
 Cosa que igual paso por su opening y ending.
 Face Free ya había metido sus manitas en la serie, al crear "Try", la canción emblema de un OVA que salio por alla de 1993, donde se narraba un partido entre Holanda y Japón. La OVA resulto un exitazo, lo cual igual origino que tanto la serie fuera aprobada y Face Free repitiera con un opening que me parece un emblema de la serie, no solo por la misma música, sino por las imagenes usadas. Eso sin olvidar el efecto nostalgico que tiene el opening en un servidor, cuando la escuchaba a los inicios de la carrera para motivarme.


-Sailing for my Dream - Fence of Defense

 La adaptación latina de este fabuloso opening es...no se, ambivalente. La letra no tiene nada que ver con la original, pero aun así me gusta y bastante. Así que cuando escuche la versión original, igual me quede de tres.
 Sin embargo, la voz fregonsísima del vocalista de Fence of Defense ha terminado por imponerse con el pasar de los años, así con esa instrumentación con los cimbales, que le da ese aire "celestial" a la misma canción.
 B´t X paso sin pena ni gloria por los japos, aunque en Latinoamérica la serie si conto con cierto éxito aun con el horrendo doblaje de Los Ángeles que ya iba en franca decadencia. Pero repito, lo que salvo a esta serie y a su hermana mayor, Saint Seiya, ha sido siempre su música. No solo este opening, sino el que sigue y los endings, son de las máximas joyas que se puede encontrar en el J-Music.


-Play the Game - Road of Major

 Por alla del 2007, en mi puesto de piratería más cercano, mientras un servidor buscaba series de que nutrirse, mis ojos se posaron sobre un DVD que tenia la portada de un chamaco con pinta de beisbolista. La serie en cuestión era Major. Ni tardo ni perezoso, la compré y ahora forma de una de las mejores series de deportes que he visto, igualando casí a Eyeshield, Captain Tsubasa y Slam Dunk.
 Para entonces, Major ya era una serie de culto en Japón y ya contaba inclusive con una tercera temporada. Tuve que esperar un par de años, para poder comenzar a descargarla, vía fansubs.
 La espera valio la pena, no solo por una historia increíble, personajes muy carismáticos, sino una música que hacía época.
 Road of Major hizo al menos los primeros openings y endings de la serie, pero para un servidor pasaron sin pena ni gloria, hasta que llego la tercera temporada, cuando Goro se va a otro equipo (Seishu) para retar a su rival de siempre, Toshiya.
 Aquí el drama y la música llegaron a su punto cumbre. Aparte de tener un ending estupendo, el opening, que sería el último interpretado por Road of Major, es una genialidad en todos sentidos. El Video original es inspirador, el opening con imagenes es de lo mejor y por sí sola, la rola es impactante.


-No need promise - Maaya Sakamoto

 Curiosa la historia de este opening con un servidor. Para cuando Escaflowne fue estrenado en México por alla de 1999, yo ya conocía de la serie. Mientras el resto hacía berrinches porque Azteca cortaba el opening, yo ya sabía como iba. El detalle es que la había conseguido con unos "iniciadores" del fansub, mediante un VHS y con subtitulos en inglés. Para colmos, la serie no la había pedido directamente, sino me habían regalado el primer capítulo de Escaflowne junto con los de Maison Ikkoku.
 En fin, que desde que escuche la maravillosa música de esta serie, me quede fascinado. No solo por la instrumental que había creado la gran Yoko Kanno, sino por el opening y ending, que no podían más que encajar con la temática de este anime.
 Aparte, este opening, fue el que mando al estrellato a Maaya Sakamoto. Aunque sus trabajos como seiyuu son regulares (salvo el excelente trabajo que hizo en Ouran como Haruhi), sus mejores cartas siempre han sido las interpretaciones. No need promise es de esas rolas que marcan una época. Solo de escucharla, me trae los buenos y malos recuerdos de aquellos inicios de la decada pasada.


-Big O - Rui Nagai

 Andrea, alias Vegemoon, una de mis lectoras más fieles y aparte diseñadora de muchos de mis personajes para Fanfic Wars, me recomendo esta serie. Entonces, la chica vivía en EUA y Toonami estaba en todo su esplendor, sacando series de todo tipo, entre ellas, Big O.
 Lo que comenzo con una recomendación insistente, se dio finalmente hasta el 2003, cuando Andrea me envio el opening de esta serie. Lógico, al escucharla sin contexto, me quede de "What" (si lo escuchan, sabrán porque lo digo).
 En fin, que deje el opening enlatado en mi correo y seguí mi camino hacia adelante.
 Hasta que en el 2007, me entere que un fansub la estaba subtitulando y corrí a bajarla. Aparte de que la serie tiene un aire a Batman, la serie Animada, es divertida, futurista y con ese aire Blade Runner bien característico.
 Es decir, una mezcolanza chunga que la hacia exquisita. Cosa que la música estaba en el mismo calibre.
 Finalmente, desenlate el opening y me baje la versión larga. Desde entonces, se ha convertido en una de mis canciones preferidas y más bizarras. Rui Nagai parece más declamar una "oda" al robot que cantar, pero hey, que este tipo de canciones son la onda.


 -Ex-Dream - Myuji

 Cuando comence a ver "X" la serie de TV, me saque de onda. Solo me había quedado con la película que había visto a principios de la decada pasada, pero no sabía que aparte había una serie de televisión, la cual resulto una agradable sorpresa.
 Quitandole ese aire "adulto vs. yaoi-yuri" al manga original, X Tv resulto ser un anime muy interesante, más a mi gusto, dandose batallas, dilemas morales y cambios de bando, todo bajo una música que te hacía literalmente brincar del asiento.
 Una de las joyas de la serie, es justamente el opening, interpretado por Myuji, que le da ese aire rockero y acelerado, que durante mucho tiempo, fue una de mis melodías favoritas (falta escuchar ese "solo" que comienza al minuto tres, con un coro en inglés, que es fabuloso).
 La recuerdo como de esas canciones que marcaron mi época, ya que me abrió la puerta hacía el anime en fansub y no solo él que pasaba en la tele.


-Platina - Maaya Sakamoto

 Como dije anteriormente, las mejores apuestas de Maaya Sakamoto han sido sus interpretaciones. Aquí tenemos la canción "más" famosa de finales de los años noventas y principios de los dos miles. No solo porque halla aparecido en la multipremiada y vista Card Captor Sakura, sino porque la misma canción es estupenda por donde uno la vea. Inclusive, mi esposa que no es nada fan del J-Music, la tiene entre su propia biblioteca musical, porque la considera estupenda.
 Y no podía estar más acertada. Aunque la letra es melosona y el tono por momentos da eso, el ritmo es bastante rítmico, ameno y por momentos alcanza ese grado épico que nos recuerda mucho a la serie. Junto con Cruel Angel Tesis y Give a Reason, se podrían considerar de las canciones "iconicas", ya que no solo forma parte de un fandom, sino es el fandom en sí. Falta escucharla en convenciones, en conciertos o en fandubs, para decir: "Eso es Sakura".
 En mi caso, me toco escucharla hasta años después, ya que luego de varios problemas personales, había quedado un tanto amargado con la serie. Sin embargo, se podría decir que escuchar Platina, en su versión original, fue un buen reencuentro con la serie, que ahora se ha convertido en una de mis favoritas.

-Cruel Angel Thesis - Yoko Ishida

¿Por qué no puse esta canción en la primera entrega del Top 30? Sencillamente porque la canción no me parece taaaaaaaaan grandiosa como la mayoría dicen. Yoko Ishida hace un excelente trabajo interpretandola. Tanto la letra como la misma instrumentación es estupenda, pero no tiene esos niveles de excelencia que hay en otras rolas.
 Este es el típico caso cuando el fandom ve excelencia cuando no la hay. Tal vez lo que pueda darle un gran nivel, es la combinación que tiene con el anime, así ese excelente "solo" que se escucha a partir del minuto hasta el minuto y medio, que es de lo mejorcito de la canción. Pero fuera de eso, nada. La canción esta 2.5 de 3, pero hasta allí.



-A Little Date - Ribbon

 Esta canción llego a ser mi "emblema" a finales de los noventas. En esa extraña forma de pasar los capítulos de Ranma, por parte del Canal 5, fue lo que motivo que me hiciera fan de esta canción. Aunque la pasaban relativamente censurada, ya que el inicio instrumental mostraban viñetas del manga, donde se veía la "pechonalidad" de Ranma chica en varios ángulos. Aun con todo, la canción era lo suficiente buena para que se hiciera mi favorita. Aunque no podía dejar de ser tan ochentera la canción, tanto por la voz como por su instrumentación, aun hoy en día causa furor entre los fans de Miss Takahashi.
 Pero volviendo a la melodía, el gusto por este opening es más personal que por las maravillas de la misma. Hay mejores canciones en la serie que merecen estar aquí, pero como dije, el gusto es más personal y nostalgico. Aun cuando la escucho, me trae aquellas épocas frías de febrero del 2008, cuando la serie estaba con todo en horario estelar y al día siguiente, aun entre compañeros ya universitarios, no parabamos de comentar sobre las tonterías de Ranma o del mismo Happosai. Toda una leyenda entre los fans "viejunos" del anime.

-Change the World - V6.

 No hay que negar que las adaptaciones al anime de las obras de Rumiko Takahashi se hacen de buena manera. No solo por la calidad de la animación, sino también por la poca cantidad de fillers (capítulos extras, que no estan en el manga y se usan como relleno). Pero aparte, la música ha estado al nivel de tales producciones.
 Para empezar, Inuyasha ha tenido canciones realmente emblemáticas, que no solo han sido fandubeadas, sino también "traducidas" de manera oficial a otros idiomas, en especial los primeros 3 o 4 openings y endings de la serie.
 Un ejemplo es esta rola, a cargo del grupo V6, que causo tal hitazo, que inclusive se doblo en inglés en una versión más rockera.
 A mi parecer, es buena la rola, no de tan alta calidad, pero me parece un intro adecuado y aparte que marco un hito en la serie, ya que en conjunto con las imagenes del intro, le daba una gran presentación a Inuyasha. Aparte claro, de tener un efecto nostalgico, cuando el anime tuvo un leve renacimiento a principios de los dos mil.

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Saludos a mi Sango-chan :3, así a quienes gustan de este tipo de música.

Batalla de Cannas: Anibal y su genio militar

 Mi esposa sabe de mi fanatismo por los libros. Así que la pobre siempre "pela" oído cuando paso por una librería y me pongo a comentar sobre que me gustaría comprar o tener, sea para navidad, cumpleaños o alguna ocasión especial.

 Un día que pasabamos por una librería, me detuve como siempre a hojear y ver varios libros que había de novedades. Entre ellos, los de cierto escritor llamado Santiago Posteguillo, y que trataban del periodo de las guerras púnicas: las batallas que tuvieron los romanos contra los cartagineses por alla del siglo III A.C.

 Como me gusto el diseño de "Las Legiones Malditas" que comprendía el segundo de una trilogía, donde salía un legionario romano de espaldas, le comente en broma a mi esposa que me gustaría tener tal libro. Claro, no pensaba comprarlo ni menos que ella me lo regalara, ya que estaba "cariñoso" en precio y aparte no me interesaba mucho este periodo de la historia.

 Sin embargo, mi esposa no parecio captar el tono irónico y ya unos meses después, lo tenía en mis manos, envuelto en papel celofan. Viridiana solo me miro sonriendo y dijo "Bueno, a ver si te interesa".

 No cabe duda que es de los mejores regalos que he recibido. Siempre había pensado que las mejores batallas se habían dado en el marco de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, luego de leer esta "novela historica" y los pasajes en los cuales se inspiro Posteguillo, no cabe duda de que me estaba perdiendo de lo mejor de la batalla bélica. Ya había escuchado de Aníbal y de Escipion, pero el genio que despliegan los dos en la novela, es asombroso. Y lo peor, Posteguillo no había exagerado gran cosa sobre ellos, sino sus personalidades bien que cabían, tanto en la novela como los históricos.

 Aunque Las Legiones Malditas no abarca un período de genialidades de Aníbal, si fue suficiente para inspirarme a investigar más sobre el susodicho general cartaginés e impregnarme más de este periodo. Sin embargo, algo que me llamo la atención es la cantidad de veces que los personajes citaban una batalla: Cannae.

 Allí me dí cuenta de que las tácticas de tenaza, no habían surgido recientemente, sino eran emuladas por todos los generales de la historia, en un intento por ser como Aníbal. Uno de ellos, Patton, que con este tipo de tecnicas, logro ser uno de los mejores estrategas de toda la historia.

 Pero veamos en esta entrada, porque Aníbal logro ser considerado el terror de Roma y porque esta batalla lo elevo a la cumbre de los más grandes, al nivel de un Alejandro Magno o un Atila.


La batalla de Cannas (o Cannæ) tuvo lugar el 2 de agosto del año 216 a. C., entre el ejército púnico, comandado por Aníbal Barca, y las tropas romanas, dirigidas por los cónsules Cayo Terencio Varrón y Lucio Emilio Paulo, en el marco de la Segunda Guerra Púnica.
Desarrollada en la ciudad de Cannas, en Apulia, al sudeste de Italia, la batalla terminó con la victoria del ejército cartaginés, a pesar de la acusada inferioridad numérica de éstos. Tras la misma, Capua y varias otras ciudades estado italianas abandonaron el bando de la República romana.
Aunque la batalla no supuso la victoria final cartaginesa en la Segunda Guerra Púnica, se la recuerda como uno de los más grandes eventos de táctica militar en la historia, y la más grande derrota de la historia de Roma.
Tras recuperarse de las pérdidas de las anteriores batallas y, en concreto, de la batalla del Trebia (218 a. C.) y la batalla del Lago Trasimeno (217 a. C.), los romanos decidieron enfrentarse a Aníbal en Cannas con aproximadamente 87.000 soldados romanos y aliados. Con su ala derecha desplegada cerca del río Aufidus (hoy llamado río Ofanto), los romanos colocaron a su caballería en los flancos y agruparon su infantería pesada en el centro, en una formación con mayor profundidad de lo normal.
Para contrarrestar ese plan, Aníbal utilizó una táctica de tenaza: tras colocar a la infantería, en la que confiaba menos, en el centro, con los flancos compuestos de caballería cartaginesa, sus líneas fueron adoptando una forma de luna creciente, haciendo avanzar a sus tropas veteranas de los laterales.
En el momento álgido de la batalla, las tropas cartaginesas del centro de la formación se retiraron ante el avance de los romanos y, al avanzar éstos, se encontraron sin darse cuenta dentro de un largo arco de enemigos que les rodeaban. Atacados desde todos los flancos y sin vía de escape, el ejército romano fue destruido. Se estima que entre 60.000 y 70.000 romanos murieron o fueron capturados en Cannas, incluyendo al cónsul Lucio Emilio Paulo y a ochenta senadores romanos.

 Roma y Cartago se disputaron el control del Meditérraneo alrededor del siglo III A.C. Los últimos habían sido una colonia fenicia que amenazaba el poder que Roma había comenzado a manifestar sobre todo su territorio.

 De allí que los dos se enfrascaran en una serie de batallas, denominadas "púnicas", buscando la supremacia de la zona.
 El general más destacado de los cartagineses fue Amílcar Barca, un notorio estratega que había comenzado sus ataques, no yiendo directamente sobre Roma, sino atacando las colonias de la misma, en especial la Iberia, hoy conocida como España.
 Sin embargo, Amílcar murió antes de su lograr sus objetivos y dejo el cargo a su chamaco, Aníbal.

 Desde jovenzuelo, Aníbal había demostrado un talento y genio poco visto. Aprendió de su padre el oficio de mandar tropas y de usar tácticas para burlar y derrotar al enemigo. Así lo demostró al vencer a las tropas romanas destacadas en Iberia, al grado de fundar una ciudad, Cartago Nova (Hoy Cartagena), en nombre de su patria.

 Los romanos trataron de varias maneras de derrotarle, pero Aníbal siempre era más listo y lograba esquivarlos o enfrentarlos en batallas para desgastarlos. Sin embargo, si Cannae no hubiera hecho grande a este cartagines, fue su osada travesía por los Alpes.

 Así es, como Cartago no disponía de una "fuerza marítima" tan potente como la romana, pensó que la mejor forma de atacarlos, era yiendo por tierra, justamente por la mejor frontera que tenía Roma y que era considerada inexpugnable por las mismas montañas.

Con todo esto, Aníbal cargo sus chivas y sus elefantes, y con 40,000 hombres, atraveso los Alpes entre muchas travesías, batallas con tribus locales que se le fueron uniendo y enfermedades por el frío, el general cartagines llego a Italia con apenas 20,000 veteranos, pero fortalecidos moralmente.

 Rapidamente, Aníbal puso fuera de combate varias legiones romanas, que asustadas ante la presencia de él, apenas dieron cierta batalla. Inclusive, Aníbal llego a ganar varios anillos consulares y los presumía a todos sus allegados (por aquel entonces, los consules romanos, que eran una especie de ministros elegidos por el Senado, eran también los encargados de dirigir las legiones romanas).

Quinto Fabio Máximo, entonces un senador muy conocido y astuto, fue elegido "dictador" (un puesto temporal donde el susodicho adquiría poderes al estilo de un rey) y decidió cambiar las tácticas. En lugar de atacar directamente a Aníbal, decidió hacer una estrategia de guerrillas, donde los ejércitos cartagineses se fueran debilitando poco a poco.

 Sin embargo, luego de unos años y viendo como Aníbal se paseaba con sus tropas por toda Italia, el pueblo romano se harto de las triquiñuelas de Máximo y exigieron el termino del periodo dictatorial y volver a las antiguas estrategias: darle en la torre a Aníbal de manera frontal y directa.

 Finalmente, luego de un período, Roma logro reunir un ejército realmente poderoso: ocho legiones armadas hasta los dientes que sumaban 80,000 gentes, entre la infantería pesada y la caballería, que esta última parte, era considera la "peor" parte de todo el ejército romano. Los dos cónsules al mando eran Varron y Emilio Paulo (este último, futuro suegro de Escipión El Africano).

 Luego de varias escaramuzas, Aníbal llego a la zona de Cannae, donde había un lugar de abastecimiento romano. Lógico, Aníbal asalto el lugar y dió de comer a sus tropas. Sin embargo, pronto fue visible el ejército romano que se aproximaba.
 Pese al tamaño del mismo, Aníbal se dió el lujo de bromear al respecto y adiestraer a sus tropas para que se preparasen para la batalla.
 Entonces el ejército cartagines llegaba a 40,000 hombres. 20,000 correspondían a los veteranos de Aníbal y su famosa caballería, que era legendaria, mientras el centro estaba cubierto por mercenarios y tropas que apenas estaban probando la lealtad de Aníbal.

 La lógica que imperaba en esos tiempos y que se siguió hasta épocas de la Primera Guerra Mundial, era poner tus mejores tropas en el centro de la formación. Todo era para tomar la iniciativa de la batalla. Al tenerla, eras capaz de dirigir el curso de la misma.

 Así que cuando los cartagineses escucharon que las mejores tropas iban a los flancos y las peores al centro, cundió el pánico. Aníbal tecnicamente estaba entregando la batalla, ya que los romanos se habían dispuesto a la manera tradicional: con su poderosa infantería en el centro y las caballerías a los lados. No solo la calidad de la infantería romana hacía de peso, sino también el número de las mismas.

 Sabiendo esto, Varron, que era el cónsul que mandaba las tropas al momento, dejo de lado las tácticas y las precauciones de Emilio Paulo, y decidió lanzarse de frente, marchando a toda velocidad contra el enemigo.

 Aníbal era considerado un bárbaro, pero los estudiosos comentaban que era extremadamente culto en el campo de batalla. Estaba al pendiente no solo de sus tropas, sino también de las enemigas. Sabiendo que el impulsivo Varron estaba al mando, Aníbal no podía estar más contento.

 Finalmente, la batalla dió inicio en la mañana del 2 de agosto del año 216 A.C.

 El enfrentamiento  comenzó con lo esperado. En un instante, la infantería romana comenzó a hacer pedazos el centro de la formación cartaginesa. Los achichincles de Aníbal se voltearon a verlo, implorando ayuda, pero el general se mantuvo quieto, mientras miraba el acontecer de la batalla.

 En un momento, alzo la mano y dio la orden crítica: las tropas del centro se fueron echando para atrás, a la par que la poderosa caballería cartaginesa se lanzaba por los costados.

 Los romanos estaban tan enfrascados en romper el centro de Aníbal, que no vieron como su propia caballería caía hecha añicos ante su contraparte cartaginesa. En cuestión de unos minutos, la caballería de Aníbal estaba rodeando a los romanos, en una genial maniobra de tenaza.

 Los romanos trataron de reaccionar, pero la caballería de Aníbal rodeo al momento a las legiones, liquidando a los centuriones que estaban en la retaguardia, que dirigían la batalla.

 Aníbal entonces dió una segunda orden: las tropas veteranas se lanzaron como lanzas sobre los romanos cercados, provocando una matanza tremenda en el campo. Los legionarios, indefensos y sorprendidos, fueron cayendo uno por uno ante los veteranos y la caballería enemiga.

 Ese día, casí 70,000 romanos, entre legionarios y senadores, fueron muertos por los cartagineses. En un dato curioso, Escipion el Africano, que entonces era un molzabete, guio a un par de legiones entre el cerco, logrando escapar alrededor de 6,000 soldados a la masacre.

 La batalla causo una crisis en Roma y sus aliados, que inmediatamente le dieron la espalda, mientras un funeral grotesco y enorme cubrió las calles de la ciudad del río Tiber.

 Aníbal llego a niveles de gloria que ningun general había conocido antes y su fama se hizo tan grande, que no fue hasta la batalla de Zama, cuando su estrella comenzó a declinar, convirtiendose mientras, en el mayor temor de toda Roma, pese a tener los recursos limitados.

 Hoy en día, la batalla de Cannas, busca ser emulada por cualquier general en la historia, tanto por su efectividad como impacto psicológico. Inclusive, los cercos que hacían las divisiones blindadas alemanes en la Segunda Guerra Mundial, siempre resultaban ser pequeñas "Cannas".

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  No cabe duda, que agradezco a mi esposa por haberme dado datos de esta formidable batalla, y que hoy en día, la considero de las mejores que ha habido en la historia.
 Saludos a la dueña de mis quincenas :3, así a quienes gustan de las batallas de la historia.

Jerry Goldsmith: versatilidad y calidad

Mi gusto por la música de películas, la instrumental o "Original Soundtrack", vino de los diferentes temas ochenteros que se escuchaban de fondo en muchas caricaturas de aquella época. Pero mi preferencia por este tipo de temas, fue en aumento cuando comence a hacerme fanático de la Guerra de las Galaxias por alla de mediados de los noventas.

 Por consiguiente, me hizo un seguidor incondicional de John Williams, el autor de este formidable OST. Aquí fue donde comenzó mi andadura por el maravilloso mundo de la música de las películas.

 Sin embargo, pese a tener exponentes de una gran calidad como Danny Elfman, Hans Zimmer, Alan Silvestri, Ennio Morricone o el mismísimo Williams, hay que reconocer un error que tienen con frecuencia estos compositores y es que el núcleo de sus melodías, tienen un leimotiv constante.

 El leimotiv es es una melodía o secuencia tonal corta y característica, recurrente a lo largo de una obra, sea cantada (como en la ópera) o instrumental (como una sinfonía). Por asociación, se le identifica con un determinado contenido poético, y hace referencia a él cada vez que aparece. Así, una determinada melodía puede simbolizar a un personaje, un objeto, una idea o un sentimiento.

 Sin embargo, el leimotiv que comento, es un cierto "tono" conocido que resuena en cada melodía del autor, aun cuando sea para diferentes peliculas. Esto se ve especialmente con Williams y Elfman. Basta escuchar "Atrapame si puedes" y "La Terminal" de Williams para ver que usa los mismos acordes. Inclusive, los temas de fondo de Spiderman de Raimi y Batman de Burton, que hizo Elfman, tienen ciertos tonos muy parecidos. Sencillamente el autor empleo otros instrumentos para que la música del Hombre Araña fuese más alegre.

 Esto puede resultar un poco fastidioso para algunos fans, ya que se podría pecar de falta de originalidad.

 Por eso, las composiciones de Jerry Goldsmith son tan apreciadas, ya que viendo su largo historial y las películas tan dispares, es increíble como este gran compositor pudo hacer melodías tan diferentes unas de otras.
 Por tal motivo, esta entrada va dedicada a uno de los mejores creadores de OST de todos los tiempos. A continuación, pondre 5 temas de película que lograron realzar las mismas y lanzaron a la fama a Goldsmith.

De origen judío, Goldsmith aprendió a tocar el piano a la edad de seis años. A los catorce, estudió composición, teoría y contrapunto con los maestros Jakob Gimpel y Mario Castelnuovo-Tedesco, ambos miembros de la tradición musical judía europea. Goldsmith ingresó en la Universidad del Sur de California, con el maestro Miklós Rózsa, quien escribió la partitura de la película de Alfred Hitchcock Spellbound de 1945 (conocida como Recuerda en España, con Ingrid Bergman. Goldsmith se interesó en escribir música para el cine al ser inspirado por la música compuesta por el mismo Rózsa.

Su música no se queda estancada en ningún estilo, sino que se adapta a las exigencias de la película, yendo desde el jazz hasta las grandes obras sinfónicas, pasando por música folk, étnica e incluso por el sintetizador. Aun así, se podría definir su música como enérgica, pues es especialmente brillante en lo rítmico, sin por ello desdeñar la melodía. Es un defensor de utilizar la música solamente cuando sea estrictamente necesario, por lo que en numerosas ocasiones ha acusado al cine reciente de tener demasiada música. Y pone como ejemplo su propia partitura para Patton, en la cual solamente hay media hora de música, pese a tratarse de una cinta que supera las dos horas de metraje.

Ha tocado todos los géneros a lo largo de su carrera, aunque es en el cine fantástico donde ha logrado sus éxitos más populares: El planeta de los simios, varias partes de la saga Star Trek, La trilogía de La profecía, La Fuga de Logan, Atmósfera cero, Alien, el octavo pasajero o Desafío Total, por citar algunos títulos. Por su cualidad rítmica, también ha destacado en el género del thriller de acción. Sin embargo, siempre ha declarado preferir las películas pequeñas y de personajes, por lo que durante mucho tiempo declaró que La isla del adiós era su trabajo favorito.

Sus comienzos fueron series de televisión como La cuarta dimensión, Los Waltons, Perry Mason, El agente de CIPOL y Perdidos en el espacio, que le dieron a conocer. Posteriormente, a pesar de convertirse en un músico muy solicitado por Hollywood, siguió manteniendo contactos con la pequeña pantalla a través de miniseries como QB VII y, sobre todo, Masada, la cual se convirtió en una de sus partituras más conocidas. Uno de sus últimos trabajos para la pequeña pantalla fue la sintonía para la serie Star Trek: Voyager.

Solamente ha conseguido un Óscar, por La profecía (1976), de las 17 nominaciones que ha obtenido. A pesar de ello, ha sido durante los años 1980 y 90 uno de los músicos con mayor número de seguidores, quizá sólo superado por John Williams.

Durante los últimos años de su vida, compaginó la composición con la enseñanza, impartiendo cursos de composición para cine a jóvenes músicos de la Universidad del Sur de California (UCLA). Entre sus discípulos ha estado Marco Beltrami, compositor que empieza a hacerse un nombre en el panorama de Hollywood a partir de los años 1990.

-Patton

La película de 1970, basada en la vida del famoso general norteaméricano, es reconocida por ser una película belicista que en lugar de enfocarse en las batallas, su punto de atención fue la vida del famoso general "Sangre y Agallas".
 Sin embargo, si la película empieza de manera atípica con el discurso a cargo de George C. Scott, el tema musical que se escucha posterior, mientras la cámara enfoca el desierto argelino, es impactante.
 Hoy en día, esta melodía es usada de manera continua como un símbolo militar, al grado que fue el leimotiv de un capítulo de los Simpsons, cuando Bart le declara la guerra a Nelson. En una palabra: épico.

-Gremlins

 Aun antes de ver Patton, la primera película que ví con la música de Goldsmith, fue precisamente esta. El tema bien conocidillo resuena por cada escena de la misma y no solo le da un aire divertido, sino a la vez, bastante macabro, lo cual refleja a la perfección el film de 1983.
 Aquí se vería la calidad brual que tenía Goldsmith, ya que previamente había hecho la música de Poltergeist. Una diferencia de cabo a rabo.

-Star Trek

 Goldsmith se encargo de musicalizar la mayoría de las películas de Viaje a las Estrellas. Aquí se podría decir que no es una partitura original del autor, sin embargo, tecnicamente hizo suyo el tema original de la serie de televisión, llevandolo a nuevos niveles. No solo rejuvenecio la tonadilla de la serie original, sino que creo un "universo" musical relacionado a la franquicia, al grado que su influencia llego a las películas de la "Nueva Generación".

-Rambo

Luego de ver las tres anteriores películas, llegamos a esta. Cuando me enteré de que el maestro Goldsmith había hecho el leimotiv de Rambo, no pude más que maravillarme. Aunque la música del ex-boina verde es de corte militar, para nada tiene que ver con la de Patton, siendo mucho más rítmica, acelerada, sino llena de un lado salvaje, contrario a la cadencia ordenada y tranquila de la de Patton. Basta ver el OST que hizo para la segunda parte, donde pese a usar los mismos temas de la primera película, la diferencia es abismal.

-Rudy

 Y llegamos a mi OST favorito de este autor. No solo por la misma película. Sencillamente, la música le da un aire supremo a la misma. Los momentos "silenciosos" del film estan llenos de la partitura de Goldsmith, transmitiendo un aire mucho más dramático que los mismos dialogos de la película.
 Falta escuchar parte de la misma, en especial un tema llamado "Back to the Field", que es bastante inspirador, emotivo y emocionalmente brutal. Aquí el compositor se consagra a un nivel altísimo, así de sencillo.

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Saludos a mi princesa :3, que adoro demasiado, así a quienes gustan de este tipo de música.

 Ah, por cierto, un bonus. El "sexto" tema de Goldsmith y que corresponde a una película igualmente "diabólica": La profecía. Así es, este magnífico autor se encargo de hacer la música de la triología de la Profecía. Con ustedes, "The Omen". Creepy.

Odisea 2010: El año que hacemos contacto

 La primera vez que ví algo relacionado con el universo de Arthur C. Clarke, fue la película Odisea 2010.
 Esta película la llegaron a pasar en canal 5 en varias ocasiones. Sin embargo, para un niñato de 10 años, entenderla era casi imposible.

¿La razón? Por un lado, un científico que tenía problemas con su mujer, que vivía en una especie de enormes radiotelescopios, de repente le invitan a ir al espacio así nada más, para investigar un monolito que esta en Jupiter.

¿Y donde rayos había salido ese dichoso Monolito? Era la siguiente pregunta, para luego ver al científico (interpretado por Rob Schneider) en una monstruosa nave con científicos soviéticos...pero hey ¿No se supone que los soviéticos ya no existían y eran rusos?

 En fin, seguía viendo como la nave llegaba al lejano planeta Jupiter y querían rescatar una nave que habia ido a una misión similar 10 años antes. La nave, el famoso Discovery, me parecía preciosa entonces, por su diseño y por lo enigmatica que parecía.

 Allí fue donde la peli me atrapo literalmente: como la Leonov, la cosmonave soviética se empalmaba a la Discovery y luego como activaban a la susodicha computadora inteligente de la nave: HAL9000

 HAL se considera el emblema de esta saga y con justa razón. Basto para ver a este "foco" rojo hablar e interaccionar con los humanos, para interesarme en la película, aunque se mostrará como un potencial asesino psicopata.

Y aquí donde nació mi gusto por una de las mejores sagas literarias y del cine que se han hecho: Odisea.


2010: The Year We Make Contact (conocida en español como 2010: El Año que Hicimos Contacto o 2010, Odisea Dos) es una película de ciencia ficción de 1984 dirigida por Peter Hyams. Basada en la novela 2010: Odisea dos de Arthur C. Clarke. Tanto la película, como la novela, son la continuación de la película 2001: A Space Odyssey.

Una tripulación soviético-estadounidense, incluyendo al Doctor Heywood Floyd, que ya aparecía en 2001, viaja en la nave espacial soviética Alexei Leonov (llamada así en honor del famoso cosmonauta) con el fin de descubrir lo que salió mal en la misión anterior, investigar el monolito que sigue en órbita alrededor del planeta, y averiguar todo lo posible sobre el mal funcionamiento de la computadora HAL 9000 y la posterior desaparición del astronauta David Bowman. Esperan encontrar respuestas a todas estas preguntas en el interior de la Discovery, ahora abandonada en una órbita inestable alrededor de Júpiter.

Aunque los estadounidenses están constuyendo la Discovery II con este fin, los soviéticos se les adelantan gracias a sus nuevos propulsores llamados "Sakharov" (una referencia al físico Andrei Sakharov). Floyd y otros dos científicos estadounidenses son admitidos como parte de la tripulación de la Leonov por sus conocimientos de los sistemas de la Discovery y de su computadora HAL 9000. Sin embargo, una supuesta estación espacial china que se está construyendo en órbita alrededor de la Tierra resulta ser una nave espacial interplanetaria de nombre Tsien, que también se dirige a Júpiter, adelantándose unos días a la Leonov.

La tripulación de la Leonov se ve sorprendida por la nave china, y deducen que necesariamente ha debido consumir todo su combustible para llegar tan rápido al sistema joviano. Posteriormente Floyd intuye que su objetivo primero debe ser posarse en Europa , ya que la nave china puede usar las grades reservas de agua de este satélite para recargar sus tanques, pues los modernos motores pueden emplear agua como propulsor.

La misión de la Tsien fracasa sorpresivamente, cuando es destruida por una forma de vida alienígena mientras está posada en la helada superficie de Europa recargando sus tanques. El único superviviente transmite por radio la historia a la Leonov, muriendo poco después.
La tripulación de la Leonov se encuentra con la Discovery, que se halla en un estado de conservación razonablemente bueno a pesar del tiempo transcurrido a la deriva. La computadora HAL 9000 es reactivada por el Dr. Chandra con el objetivo de determinar la causa de su anterior conducta aberrante.

Stanley Kubrick fue el encargado de adaptar y dirigir la película basada en la primera Odisea, la llamada 2001. Aunque el relato de Clarke es sencillo y explícito, Kubrick se encargo de darle una atmosfera tan onírica que a un servidor, le costo verla tres veces y un dolor de cabeza para entenderla: una fuerza extraterrestre avanzada, va volando de universo a universo viendo formas de vida con "potencial" para la inteligencia. Lógico, le toco a la especie humana hace unos cuantos millones de años ser la elegida. Todo el proceso se llevo a cabo por un misterio monolíto que tenía propiedades aun más misteriosas.
 Posteriormente, en el año 2001, en un futuro muy utopico, la humanidad lanza su primera misión para explorar Saturno y sus diferentes lunas.
 Pero los humanos son idiotas y sin querer, "dañan" los objetivos de la misión a cargo de HAL9000, la inteligencia artificial que comanda la Discovery. HAL sufre un ataque de psicosis y mata a todos los integrantes, salvo a Bowman y su compadre Frank Poole, que se las ingenian para desactivar a HAL. Claro, solo Dave Bowman continua vivo y luego del asunto, se va en una lanzadera al planeta Saturno a investigar un misterio monolíto que se encuentra orbitando a Saturno.
 Luego se viene como Bowman presencia como se gesto el desarrollo de la raza humana, a la par de su propia vida y se convierte en un "agente" de los seres extraterrestres.

Por suerte, la secuela de esta película, resulto ser más "entendible" para la humanidad y se agradece que hallan escogido a un gran actor como Rob Schneider (el prota de Jaws) para encarnar al carismático Heywood Floyd, el científico que se encarga de unir a la tripulación de la Leonov, compuesta por rusos, americanos y un hindu (el Dr. Chandra, creador de HAL).

 Aun con esto, la película de Kubrick fue tan impactante, que Clarke adopto cosas que hizo el director, como ubicar la película en el mundo de Jupiter en lugar de Saturno, lo cual resulto un gran acierto.

 Clarke termino de escribir el libro en 1982 y resulto ser un éxitazo, al grado que estuvo nominado al famoso premio Hugo y Nebula. Fue tal su impacto que inmediatamente se hizo una adaptación al cine que se estreno en 1984.

 Aunque me gusta primero leer el libro y luego ver la película que se hace al respecto, aquí no pudo ser, ya que la última me toco verla desde que era muy chico como comenté en la introducción. Fue hasta hace unos 3 años, cuando en una libreria de segunda mano, encontré el libro. Ahora el pobre se ha deshojado por tanto leerlo y releerlo.

 No puedo decir cual es el mejor. Tecnicamente el libro siempre es superior, ya que es mucho más extenso y esta lleno de subtramas que enriquecen la historia. Sin embargo, ha sido de las mejores adaptaciones que he visto.

 La película sigue una línea bastante definida: Floyd es enviado en la Leonov como representante americano junto con otro compañero en una nave rusa, la Leonov, para ver que onda con la Discovery y ver que paso con HAL. Al reactivarlo, todo parece normal, pero luego cuando van a llevarse a la Discovery, Bowman en su nueva forma, visita a Floyd y le dice que salgan pitando, porque "algo maravilloso" va a suceder.
 Floyd se asusta y asusta a la tripulación. No le creen, hasta que ven que el monolito se metio a Jupiter y literalmente se lo traga. Ante esto, la Leonov decide sacrificar a la Discovery para usarlo como un cohete impulsor provisional, ya que no tienen suficiente combustible para salir de órbita de Jupiter.
 Aquí viene lo tenso del asunto: decirle a HAL que va a morir, podría poner la situación como lo sucedido unos años antes.

 Sorprendentemente, HAL acepta morir por el bien de la misión y luego de sacrificarse el pobre, la Leonov se aleja, mientras el monolíto se traga a Jupiter y al final, lo convierte en un nuevo "sol" que cambia toda la configuración del sistema solar.
 Pero muy en especial...de Europa.

 El libro cuenta todo esto, pero lo amplia de diferentes maneras. Mientras la Leonov va en camino, se enteran que una nave china, hecha de contrabando, se les adelanto y han aterrizado en Europa para recargar agua. Pero una cosa europeana se traga la nave y se ve la posibilidad de haber vida en otros mundos.

 Pero el asunto de la tragazón de Jupiter hace que la tripulación no se tome mucho tiempo en investigar. Pero Bowman, que ya lo vemos como un eter extraterrestre, si investiga a Jupiter y sus lunas, con formas de vida primitivas, y que deben ser sacrificadas por un mejor plan.

 Esto serviría de trampolín para las posteriores novelas de la saga Odisea que escribiría Clarke.

 Debo decir que la forma de contar de Clarke los hechos es bastante buena. Por momentos se pone redundante, en especial cuando alguno de los personajes hacen monólogos, pero fuera de eso, Clarke nos da una panoramica de una "probable" Panspermia, es decir, de como el origen de la vida no fue por un proceso evolutivo selecto, sino por interferencia de formas de vida mucho más evolucionadas que nosotros.

 La película lo plasmo bastante bien, y los momentos tensos le dan un realce estupendo. Nuevamente, el mejor momento entre el libro y la película, es la decisión de contarle o no a HAL el plan para salir corriendo de Jupiter.
 Y la conclusión que se llega de porque HAL reacciono diferente, es bastante acertada y un tanto psiquiátrica: HAL debio psicotizarse en la primera misión, porque su objetivo era contradictorio. Por un lado, debía ser apoyo y confidente de los astronautas, pero a la vez le prohibieron decir sobre su investigación del monolíto. Esto en una persona normal, puede causar conflictos de intereses que podrían causar angustia. Sin embargo, en personalidad psicóticas o muy literales, tener dos metas de este tipo, puede desatar una crisis realmente fuerte.
 Sin embargo, el Dr. Chandra procedio de distinta manera: le conto la verdad a HAL sin miramientos y este acepto, ya que la misión era lo importante sobre todo, y entre eso, proteger a los tripulantes de la Leonov.

 La película, como el libro, terminan con la salida del nuevo "sol" que es llamado Lucifer en la novela, que tiene enormes recupersiones, no solo en la ecología terrestre, sino en la de los demás mundos (nuevamente, muy en especial con Europa). Claro, no podemos dejar de lado el mensaje que Bowman transmitió mediante HAL hacia la Tierra. La versión del libro esta en letra normal, pero en cursiva, lo que agregaron en la película, con miras a la situación que vivía entonces EUA y la URSS.

"TODOS ESTOS MUNDOS SON SUYOS EXCEPTO EUROPA. NO INTENTEN NINGÚN ATERRIZAJE ALLÍ," "ÚSENLOS JUNTOS. ÚSENLOS EN PAZ.".

Realmente épico ¿No?

 En fin, que gracias al padre de Sam, después de unos años, he podido continuar con mi andanza en esta fabula saga, con el libro Odisea 2061, que igual que la anterior, también tuvo ciertas modificaciones, en especial en la fecha de lanzamiento de la Discovery y la Leonov (pobre Clarke, el tenía más esperanzas para el futuro, pero seguimos aun atorados a nivel tecnológico).

 Saludos a mi princesa, que espero un día mostrarle esta estupenda película, así a quienes gustan de las buenas novelas.

Remakes Ochenteros y Noventeros

 Dicen que la "actual" renovación de muchas series, es un fenómeno nuevo. Sin embargo, si vamos para atrás, realmente este asunto de los "remakes" es algo ya viejo y conocido.

 Pese que los ochentas y principios de los noventas fueron un caldo muy grande de ideas, también comenzó a gestarse un estilo que se fue desarrollando y fue tomar series viejitas para darles un toque "juvenil". Esto para hacer que un nuevo púlico se acercara a productos ya de larga trayectoria.

 Hanna Barbera fue de las primeras productoras que impulso la renovación de muchas de sus series y fue precisamente esa época donde aprovecharon para darlas a conocer. Posteriormente, otras productoras siguieron su ejemplo.

En esta entrada, dare un leve repaso a siete sereis que forman parte de esos "refritos" de los años ochentas y parte de los noventas. Algunos serán bastante conocidos, ya que aun pese al tiempo, formaron parte de la niñez de muchas personas.


-Los Nuevos Archies

 Los Archies fueron una banda de tipo "garage" que se podría considerar la antecesora directa del grupo Gorillaz. Es decir, un grupo anónimo interpretaba las canciones y ponían como la "cara", a una serie de dibujos animados o de "cartoon" que parecían tocar y cantar.
 No hace faltar recordar que la canción más famosa de The Archies, fue "Sugar Sugar", y que los lanzo a un estrellato corto en la música, pero que dio un impulso muy importante para que tuvieran su propio cómic e inclusive su propia serie animada. Igualmente, fue la creadora de muchos spin-offs, entre ellos, Sabrina La Bruja Adolescente.
 En fin, que la popularidad no es para siempre y los Archies decayeron ya para finales de los setentas.
 Fue que a finales de los ochentas, DIC decidio tomar los personajes y volverlos jovenes pre-adolescentes, protagonizando un montón de aventuras, dentro de un marco bastante ochentero.
 Falta ver el diseño que le dieron a Archie, a Veronica, a Betty y a Torombolo, que era la moda en aquel entonces.
 Sin embargo, la serie solo duro una temporada, aunque tuvo varias repeticiones. En el caso de México, fue exhibida a principios de los noventas en diferentes canales, desde Tv Azteca hasta TVC e inclusive, hace un año, aun figuraba en la cartelera matutina de un canal regiomontano.
 A mi parecer, la serie era divertida, tenía sus historias autoconclusivas sencillas, pero amenas y aparte mezclando muchos gags adolescentes, desde rivalidades hasta romance. Cabe decir que el doblaje venezolano le dio un toque excelso a esta serie, al grado que la voz de Torombolo es de las mejores que he escuchado (Juan Carlos Vázquez: Gaudy Gavriev en Slayers y Plucky en Tiny Toons).


-Popeye e hijo

Hanna-Barbera y King Entretainment decidieron "relustrar" la saga de Popeye, cumpliendo las fantasías de los "fans" de la serie. Primero, casaron a Popeye con Olivia y luego tuvieron a su retoño. Esta es la primicia de la serie que salio igual alla en 1987. La serie tiene sus momentos, porque nos ubicamos unos 12 a 13 años después de que nace "Junior", el hijo de Popeye y es todo un adolescente ochentero, que a diferencia de su padre, odia las espinacas, aunque cuando las come, toma las mismas habilidades de su padre. Aparte tenemos a Brutus como un destacado pero sucio empresario y también a su hijo, que mantiene la rivalidad entre familias.
 Esta serie era bastante buena, ya que tomaban situaciones de los viejos cartoons de Popeye y los modernizaban, aparte que el doblaje (a cargo de Alvaro Tarcicio y Jesús Barrero) hacían honores a la serie. Aparte, era una especie de "faro" entre tanta mediocridad en que se hundió el canal 5 durante los fines de semana a principios de los noventas.
 Lamentablemente, la última vez que ví la serie, fue en Cartoon Network tipo Ameicano, antes de que se volviera latino.


-Los Pequeños Picapiedra

 Nuevamente los H-B, volvieron a tomar una serie viejita de los años sesenta y la "modernizaron" pero de una manera radical. Tomaron los personajes de The Flinstones y los empequeñecieron a niveles bárbaros. Tecnicamente volvieron a Pedro y Pablo a niños de primaria y los hicieron vivir aventuras de su edad. Claro, aquí hacían la referencia de que ellos ya conocían a Vilma y a Betty desde tiernas edades.
 La serie fue bastante éxitosa. A diferencia de sus hermanas, logro sobrevivir dos temporadas para llegar a 75 episodios, que narraban las aventuras de Pedro y sus amigos en la Primaria Rocaplana y aparte tener un extra de 10 minutos dedicados a otro personaje refritado: El Capitan Cavernicola...y su hijo.
 Aunque me gustaban las aventuras de los pequeños y aparte la multitud de aparatos ochenteros adaptados a la época de las cavernas (falta ver el walkman que tiene Pablo en el intro, donde dos pterodactilos chibis le cantan a la oreja), yo era igual que los niños Picapiedra: el gusto de ver la serie era por el Capitan Cavernícola que era estupendo (aparte de idiota) y con la poderosa voz del desaparecido Maynardo Zavala.
 La serie fue un éxito en canal 5, donde la pasaban los domingos bien temprano y fue hasta mediados de los noventas que siguio aguantando vara en el canal Cartoon Network.


-Un cachorro llamado Scooby Doo

 No niego mis raíces. Antes Scooby Doo me gustaba, pero termine por madurar y mandar esta serie al...ya saben donde. En fin, tenía que poner esto aquí, porque la serie tuvo bastante éxito, mucho más que sus antecesoras, al grado que tres temporadas lo avalan (lo cual demuestra que el conocimiento del público, no es mucho).
 En fin, que pese a ello, la modernización fue más notoria en esta serie. Ya H-B se decidio por darle mayor calidad a sus producciones y no un tono de cine bastante pobre.
 Y la trama no varía mucho realmente. Scooby Doo es un cachorro que gusta de sus scooby-galletas y que tiene su mejor amigo Shaggy, así a Vilma, Fred y Daphne, pero todos en chiquillos.
 La curiosidad de la serie, es que ciertos rasgos de personalidad de los personajes fueron "aumentados" para hacerlos más carismáticos a los niños. Daphne caminaba como si tuviera un motor fuera de borda, Vilma era una chica presumida y Fred era un idiota que no medía el peligro. Los únicos que seguían tecnicamente eran igual, era el duo ya conocido.
 Nuevamente, quien salvo la serie, fue el doblaje, ya que lograron una buena aproximación a lo que eran las series originales y posteriores.


-Los pequeños Tom y Jerry

Curiosamente, esta serie fue la "primera" que un canal de cable paso primero que sus contrapartes en Tele abierta. Antes, parecía que había un pacto donde las series primero tenían que pasar por Televisa o Tv Azteca antes de que se vieran en otro canal.
 Aquí, Cartoon Network en versión americana, se robo el pastel, estrenando esta serie que gracias a que los protas no hablaban y todo era un humor muy físico, al estilo Buster Keaton, no era muy díficil de seguir, aparte de seguir la misma línea: Tom trataba de atrapar a Jerry y este le jugaba todo tipo de bromas para sacarlo de quisio. Los detalles extras, eran Tom con una gorra deportiva, mientras Jerry tenía una corbatita de moño.
 Aparte, la serie tomo otros personajes del universo conocido como Droopy para modernizarlos y darles un hijo o ponerlos en aventuras más actualizadas.
 Tecnicamente, los chiquelos Tom y Jerry se convierton en la primera caricatura gringa que ví en su idioma original y que luego me toco ver con un estupendo doblaje a cargo de Mario Castañeda, a principios de los noventas.
 Destaca el intro de la serie, que tiene un ritmo brutal y mucho más rítmico que sus predecesoras..bueno, salvo una que mencionare más adelante.


-Yogi y la busqueda del tesoro.
 

Mientras hago esta parte de la entrada, una pequeña lagrimita asoma por uno de mis ojos (XD aja), pero la nostalgia que me trae esta serie, es incalculable.
 Como ya he comentado, el Canal 5 no tuvo cobertura en provincia hasta finales de los ochentas. Generalmente nos tocaban repetidoras que tecnicamente borraban la barra animada de las mañanas para poner programas regionales o noticias. Sacrilegio para un niño.
 Sin embargo, un mentado día, la repetidora no jalo y dejaron el bloque animado. Allí fue donde conocí Yogi y la busqueda de tesoro.
 Este se podría decir que fue el primer intento de Hanna-Barbera en tomar sus charas y adaptarlos a tiempos modernos.
 Y que adaptación.
 Yogi y sus amigos, desde Tiroloco McGraw hasta Canuto, se la viven coleccionando tesoros alrededor del mundo para devolverlos a sus dueños o a museos donde los cuidarán. Todo bajo el sabio liderazgo de Don Gato.
 Claro, el Baron y Pulgoso eran los villanos de la serie y trataban de adelantarse a sus movimientos a todo momento.
 Las aventuras eran originales, divertidas y aparte lograban colocar a todos los personajes en una igualdad que no había visto antes.
 Lamentablemente, la serie no la ví más que un par de repeticiones y muy salteadas, ya que aprovechaba las idas a México para verla. Luego aparecio en Cartoon Network, en versión gringa, lo cual le quitaba algo de sabor.
 Finalmente, el intro y la salida de la serie son de las primeritas canciones que grabe en un cassete para escucharlo miles de veces al día. Sencillamente fabuloso.


-Los Muppets Babies

 Pese al éxito de H-B con sus series, la que realmente causo una fascinación en todos niveles, fue este serial, que duro ni más ni menos la enorme cantidad de 107 episodios repartidos en 6 temporadas.
 Jim Henson Company con CBS y Marvel, decidieron producir una serie basada en la infancia de los famosos Muppets (Teleñecos en España) y ponerlos en situaciones de corte infantil y educativo. Y aquí de plano la situación fue verlos de pequeños, de niños de 2 a 3 años.
 Debido a la amistad que tenía Henson con Spielberg y Lucas, muchos tópicos de las aventuras de estos "niños" eran basadas en las peliculas conocidas de aquella época, así otras que tenían por objetivo, dar una moraleja (el capítulo donde Gonzo se roba las galletas, es épico xD).
 Los Muppets es una de las caricaturas que más tengo recuerdos, ya que comence a verlos desde finales de los ochentas y hasta mediados de los noventas.
 Curiosamente, las últimas dos temporadas fueron perdiendo fuerza y aparte la calidad de animación llego a disminuír mucho. Ya me toco verlas posteriori, ya que las emitieron cuando varios cambios se dieron en mi vida y me aleje un tanto de la TV. Aun con todo, mantenían una calidad muy superior a otras caricaturas de la época.
 Esta serie igual me dejo uno de mis personajes favoritos de toda la vida: Gonzo, que fue interpretado por el genial Hector Lee, que igual dio voz a uno de los charas igualmente entrañables: Animal (falta ver el especial que hicieron de Starwars, es de los mejores de la serie).

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No cabe duda que recordar es vivir. Y que mi memoria no es tan de teflon como pensaba XD.

 Saludos a la dueña de mis mensualidades ^^, así a quienes gustan este tipo de series de los buenos años.